Marfici 2011, primera parte.

Retrospectiva Eric Rohmer

Por Diego Menegazzi.


Eric Rohmer nació el 4 de abril de 1920, bajo el nombre de Maurice Schérer, en la localidad de Nancy, en Lorraine, Francia. Fue profesor y luego se dedicó a la crítica de cine, primero como editor en la Gazette du Cinema y después en la mítica Cahiers du Cinema, donde llegó a ser jefe de redacción. Junto a Jacques Rivette, Jean-Luc Godard, Francois Truffaut y Claude Chabrol formaron el núcleo duro de lo que se dio en llamar la Nouvelle Vague, movimiento cinematográfico que a fines de los años ‘50 cambió definitivamente las formas de hacer y pensar el cine. Su debut en el largometraje fue con El signo de Leo (1959), que no tuvo una repercusión significativa.



Recién a partir de la serie de los llamados “Cuentos morales” es que toma forma su inconfundible estilo y su mirada sobre las paradojas de los sentimientos humanos. En La carrera de Suzanne (1963), Mi noche con Maud (1969), La rodilla de Clara (1970) y los demás títulos, Rohmer establece siempre el mismo esquema para analizar el comportamiento de hombres y mujeres cuyas decisiones suelen estar en contradicción con su pensamiento. En todos los films mencionados, el director se aleja de la construcción dramática tradicional, narrando historias casi totalmente desprovistas de acciones, poniendo el acento en los detalles sutiles de la intimidad de sus personajes y en las interesantes discusiones que mantienen.

La rodilla de Clara

A partir de los años ‘80, Rohmer se embarca en un nuevo ciclo titulado “Comedias y proverbios”. En La buena boda (1982), Paulina en la playa (1983) o El amigo de mi amiga (1987), no hay grandes cambios en el estilo pero sí en la temática propuesta. Los protagonistas ahora son casi adolescentes. Son más apasionados y menos escépticos, y tienen que enfrentar decisiones menos trascendentes. Como mencionan los críticos Carlos Heredero y Antonio Santamarina en su libro sobre el director, estos jóvenes tienen una capacidad casi ilimitada para engañarse o para “ponerse en escena a sí mismos”. Son menos distantes para el espectador que los personajes de los “cuentos morales” y develan con mayor facilidad su fragilidad y sus sentimientos.

Mi noche con Maud

El resto de la filmografía de Eric Rohmer incluye otros títulos como “La marquesa de O” (1975), Perceval, el galo (1978), El árbol, el alcalde y la mediateca (1993), Las citas de París (1995), La dama y el duque (2001), Triple agente (2004), Los amores de Astree y Celadón (2007) y otra serie de cuatro films denominada “Cuentos de las cuatro estaciones” (1990-1998). Esta retrospectiva es un homenaje, ya que el director francés falleció el año pasado. La selección se compone de algunos de sus más conocidos títulos de las serie de “Cuentos morales” y “Comedias y proverbios”, más un revelador documental dirigido por André Labarthe.

Retrospectiva

Charlotte y su filete, 1960
La panadera de Monceau, 1963
La carrera de Suzanne, 1963
Najda en Paris, 1964
Mi noche con Maud, 1969
La rodilla de Clara, 1970
La buena boda, 1982
Paulina en la playa, 1983
El amigo de mi amiga, 1987
Eric rohmer, con pruebas en la mano, 1994 de André Labarthe


Fuente: www.marfici.com

Animacine, Tron: Legacy, El futuro llegó hace rato.

La frase de Patricio Rey y sus redonditos de ricota es válida para explicar cómo una misteriosa película de un estudio en crisis puede pasar de ser un “fracaso” a dar pie a uno de los eventos cinematográficos más esperados dos décadas más tarde. Tron: Legacy es una secuela directa del original, que sin embargo se entiende perfectamente sin haber visto esa primera entrega.



Por Ariel Kuschevatzky, por gentileza Disney

A fines de los ’70 Disney era una compañía en crisis. Tras la muerte de su fundador, Walt, la empresa pasó a ser manejada por un grupo de familiares que evidentemente no terminaban de captar el potencial del universo generado por el creador del ratón Mickey. Ese vacío de liderazgo se notaba en los proyectos que trataban de llevar adelante. Sus largometrajes ya no eran parte de la mejor animación del mundo y la crítica se ensañaba con la baja calidad técnica de títulos como “Robín Hood” o Bernardo y Bianca. Y si bien la marca gozaba de buena salud, sostenida por la presencia en la TV y la popularidad de sus parques de diversiones, algo estaba funcionando muy mal.

En ese periodo se llegó a considerar el cierre de los departamentos de producción de dibujos animados, algo que al propio Disney –que era esencialmente un creador serial-le hubiera parecido una herejía. Hoy nos puede resultar impensable esta situación, cuando la compañía es un gigante del entretenimiento, pero en esa oscura época el futuro del estudio era una sombra, un interrogante sin respuesta aparente. Y entonces llegó “La guerra de las galaxias”.



En 1977 el megasuceso de la película de ciencia ficción dirigida por George Lucas tomó por sorpresa a Hollywood, convirtiéndose en un negocio ilimitado que incluía muñecos, remeras y pósters. Un género que era visto como menor pasó a estar en el centro de la escena y no hubo empresa que no quisiera sacar provecho de él. Disney no fue la excepción y pronto comenzó la producción de un par de largometrajes que se subían a la moda. Era una señal: la compañía históricamente asociada al entretenimiento familiar iba por los jóvenes y adolescentes. Pero claro, no estaban acostumbrados a ocuparse del otro público que no fuera el infantil, y su primer proyecto era un Frankenstein que combinaba temas adultos con un par de robots simpaticones. Su titulo fue “El abismo negro” (The black hole, 1979) y su relativo éxito le dio a la Disney la fuerza suficiente para avanzar con un film que sería revolucionario para el cine y los efectos: “Tron”.



La película narra las aventuras de un programador de computadoras, Kevin Flynn (Jeff Bridges), que es introducido por un rayo láser a un mundo virtual y digital creado por él mismo, pero controlado por un rival en el mundo corporativo. Dentro de esa realidad paralela Flynn deberá sobrevivir una serie de desafíos deportivos y destructivos antes de poder acercarse al gran cerebro que maneja la red y que planea usar su poder para controlar hasta las computadoras del Pentágono. Como notarán, “Tron” estaba bastante adelantada a su época, usando algunos de los ejes temáticos que después veríamos en otras películas como “Matrix” y sus secuelas. Pero el aspecto donde el largometraje estaba a muchísimos años luz del resto de la industria es en el uso de las imágenes creadas por computadora. No sólo es impresionante y evolucionado, sino que se tardó años en lograr un avance tan grande en la pantalla. Parte del impacto era ver a Bridges interactuando con motos cibernéticas y escenas de acción diseñadas por el dibujante de historietas francés Moebius. Pero al mismo tiempo era un film un poco distante y su director, el debutante Steven Lisberger, recién estaba aprendiendo a manejar el lenguaje. Si bien “Tron” tuvo una gran promoción, su asociación con la Disney tampoco ayudaba a un público de niños que buscaban un tipo de película más infantil. Cuando se estrenó en Estados Unidos (en julio de 1982) la recaudación fue de 33 millones de dólares, relativamente buena para un proyecto que costó más de 17 millones, pero para nada el suceso que todos profetizaban. Así se instaló su inmerecida reputación como fracaso.

El tiempo fue muy beneficioso para “Tron”. Una generación entera la empezó a amar viéndola en video y la TV. Sus intrincados conceptos (sobre todo la idea de un humano como virus tecnológico) se hicieron más entendibles en la medida que todos empezaron a tener computadoras en sus casas. La cultura masiva comenzó a referenciar la película desde lugares tan extraños como los recitales de Black Eyed Peas, que usan una escenografía similar a la del film, y con una Disney reinventada y convertida en un gigante, el regreso de Kevin Flynn empezó a volverse un sueño posible.



“Tron: Legacy” es una secuela directa del original, que sin embargo se entiende perfectamente sin haber visto esa primera entrega. El protagonista esta vez es Sam Flynn (Garrett Hedlund), el joven hijo de Flynn, Kevin, quien supo ser el programador de videogames más importante del mundo, lleva dos décadas desaparecido. Sam recibe una extraña señal que lo lleva a un local que alguna vez fue de su padre y un rayo lo transporta al universo paralelo del juego donde encontrará un destructivo ser con un rostro igual al de su padre hace 20 años. Pero en algún lugar de esa realidad repleta de desafíos mortales también está su papá, y la búsqueda lo pondrá frente a un interrogante capaz de aniquilar varios mundos a la vez.

Con un presupuesto de 170 millones de dólares, estrenándose en 3D y en IMAX, el retorno y renacimiento de esta saga parece mostrar la evolución constante de los espectadores y de la industria, y la necesidad de elaborar ideas a través del tiempo. Pero aún sin planteárselo, “Tron, el legado” es una reflexión sobre la relación entre la creatividad y el control. Algo que cualquier director y productor de cine conocen tan íntimamente como para transformarlo en una sorprendente película de ciencia ficción…


Jeff Brigdes, ayer y hoy

Para los adultos que vieron “Tron”, uno de los grandes placeres de la secuela es descubrir una versión evolucionada y más extrema de esa realidad. No sólo eso: Jeff Bridges tiene un espectacular doble papel, como Flynn y como su ciber-clon CLU 2, cuya cara fue retocada digitalmente para ser igual a la de Bridges en 1982. Las imágenes son sencillamente deslumbrantes y el elenco suma talento por todos lados, incluyendo a la hermosa Olivia Wilde (de la serie Dr. House) como Corra, una criatura del cosmos creada por Flynn.


Ficha técnica ampliada

Título: Tron, el legado
Título original: Tron Legacy

Dirección: Joseph Kosinski

País: Estados Unidos
Año: 2010
Duración: 125 min.
Género: Thriller, Aventuras, Acción, Ciencia ficción
Calificación: Apta para todos los públicos

Reparto: Olivia Wilde, John Hurt, Jeff Bridges, Garrett Hedlund, Bruce Boxleitner, Serinda Swan, Beau Garrett, Brandon Jay McLaren, Amy Esterle

Guión: Richard Jefferies, Adam Horowitz, Edward Kitsis
Web: disney.go.com/tron
Distribuidora: Walt Disney Studios Motion Pictures
Productora: Walt Disney Productions, LivePlanet
Presupuesto: 300.000.000,00 $
Animación: Bernd Angerer
Casting: Coreen Mayrs, Heike Brandstatter Leslie-Ann Reale Sarah Finn Tamara Hunter
Coproducción: Julien Lemaitre

Departamento artístico: Andrew Li, Andrew Reeder, Andrew Semple, Andrew Smith, Audra Neil, Barontieri Thierry Doizon, Benjamin Edelberg, Brent Boates, Bryan Sutton, Ceri Glowacki, Daniel Simon, Daren Dochterman, David Clarke, David Scott, David Vyle Levy, Ed Natividad, Gideon Hay, Jack Gauvreau, James H. Chow, Jan Kobylka, John Dale, Joseph Hiura, Kevin Loo, Lisa Fiorito, Margot Ready, Michael A. Billings, Mike Piccirillo, Nathan Schroeder, Phil Saunders, Phillip Norwood, Rainart Sebastien Larroude, Ray Lai, Richard Bennett, Robert Andrew Johnson, Rohan Lyal, Scott Holburn, Sean Will, Steve Jung, Sylvain Despretz

Departamento de transportes: Clint Wilcox, Dave Miller, David Holm, Scott Irvine
Departamento editorial: Dylan Firshein, Jason Brown, Keto Shimizu, Wyatt Jones
Dirección artística: Grant Van Der Slagt, Kevin Ishioka, Sean Haworth, William Ladd Skinner
Diseño de producción: Darren Gilford

Efectos especiales: Adam Tayler, Alan McFarland, Alex Burdett, Alistair Bell, Angela Bright, Christopher Nash, Damian Fisher, Dylan Boeddeker, Joe Giles, Kevin Kirkpatrick, Megan Flagg, Michael B. Williams, Mike Rotella, Naomi Gathmann, Sally Ray, Terence J. Cox, Travis Gale Lewis

Efectos visuales: Andrew Loschin, Chad Roen, Eric Barba, Jesse James Chisholm, Patrick Perez, Paul Alexiou, Paul Kolsanoff, Paul Lambert, Rowsby, Ryan Delk, Slavik Anishchenko, Viki Chan, Zachary Cole

Fotografía: Claudio Miranda
Guión: Adam Horowitz, Edward Kitsis, Richard Jefferies Steven Lisberger
Maquillaje: Anji Bemben, Bill Terezakis, Rosalina Da Silva, Thomas Nellen
Montaje: James Haygood
Producción asociada: Bruce Franklin, Steve Gaub
Producción ejecutiva: Brigham Taylor
Sonido: Donald D. Brown, Michael McGee

Vestuario: Carlos Rosario, Carolyn Bentley, Christine Bieselin Clark, Dawn Climie, Eddie Yang, Fabian Lacey, Jason Barnett, Jeffrey Fayle, Jennifer Grossman, Karen L. Matthews, Koreen Heaver, Laura Baker, Lauren M. Walker, Lucas Comstock Michael Wilkinson Mila Hermanovski, Paula Plachy, Rachel Parkin, Robert McKinnon, Sandra Watson, Stephanie Portnoy Porter, Steve Jung, Tex Kadonaga


Fuente: Revista Miradas, diciembre de 2010

Las mujeres que trabajan: Chicas de carrera, de Mike Leigh.

Las artistas Katrin Cartlidge y Lynda Steadman hablan sobre la película de Mike Leigh, "Chicas de carrera"

Por Richard von Busack

Mike Leigh el director de la película, "Chicas de carrera", en el cual Annie y Hannah son viejas amigas que deciden arreglar su relación en el transcurso de un fin de semana en Londres. Es la película menos dramatica de Leigh en años, hecho a la vista de la reciente victoria laborista en Inglaterra.

La atención se centra menos en las depredaciones de los conservadores que en el contraste entre juventud y madurez. La misma preocupación acerca de lo que ocurre con los desposeídos está tan presente aquí, ya que estaba en High Hopes Leigh(1988), Desnudo (1993) y su monumental Secretos y mentiras (1996).


Uno de los temas principales en la obra de Leigh es cómo la clase trabajadora gravita prosperidad sin querer soltarse del empobrecimiento de amigos y parientes. En "Chicas de carrera", un personaje de corte, permite perder más como un fantasma del pasado que como un dolor presente e insoluble en la conciencia.

Annie, la chica tímida del norte de Inglaterra, es interpretado por Lynda Steadman. Es su primer largometraje, aunque ella es bien conocida como un actriz de televisión en Gran Bretaña. Cartlidge es una de los artistas más conocida en Inglaterra, y desde luego la más feroz actriz británica, Glenda Jackson. Cartlidge causó una gran impresión, incluso inolvidable (como uno de los sparrings del antihéroe David Thewlis), y siguió con una parte más suave, pero fuerte todavía como la viuda en el film de Lars von Trier "Rompiendo las olas".

A pesar de la intensidad de Cartlidge en pantalla y la dolorosa timidez de Steadman, ambas mujeres fueron un placer para la entrevista, sobre todo cuando nos dimos cuenta de que todos compartimos la ambición de la niñez y a la vez llegar a ser hippies. (aqui las entrevistamos)





Metro: "Chicas de carrera" se realizó con el habitual método de Leigh. Así que, ¿cuánto tiempo fue el período de ensayo?

Steadman: Tres meses.

Es realmente un período de investigación. Si usted sabe algo sobre el método de Leigh, tú sabes que él no se inicia con un guión. Él tiene una idea en la cabeza del territorio que quiere explorar, pero no nos informa de lo que es. Nuestro trabajo en realidad es sólo la construcción de un personaje, en colaboración con el. No se les da argumentos. A construir un personaje con él.

Una vez que el personaje está listo, comienza a interactuar con los demás personajes, y todas estas improvisaciones extensas, investigaciones son las que Mike separa de la película.

Steadman: La historia ha surgido de estos meses de la improvisación. Entonces, cuando usted vuelve a investigar una improvisación, lo hace varias veces. Leigh tal vez empieza donde Hannah conoce a Annie en la película. Tendríamos que improvisar en Hannah cuando se reunió con Annie hasta que se convierte, elaborado y perfeccionado. Así que Leigh se llevará a los mejores elementos de todas esas improvisaciones y para fijar exactamente lo que se dice y se hace en esa escena - y luego la película, de inmediato.

Metro: Esos momentos hay nuevas investigaciones antes de la filmación que comienza - ¿No hay nada de eso en el papel?

Cartlidge: Es sólo en el papel porque la mujer necesita la continuidad de escribirlo. No es más que tan sólo unos minutos antes de la filmación que nos las hemos arreglado para solucionar el diálogo, en ese momento, la mujer necesita la continuidad escrita, así que si nos desviamos de ese diálogo particular en otra toma, se nos puede decir, no, no, dijo algo diferente la última vez. En ese momento, el diálogo se convierte en fijo como en cualquier otro script, en última instancia. Así que no hay improvisación en la pantalla grande.

Metro: ¿No hay un montón de tomas con este método?

Steadman: No más que cualquier otra película. Sino que demanda mucha concentración, como se puede imaginar. No se te ocurra ir a sentarse y tener charlas o simplemente ser nosotros mismos, estamos en su carácter durante todo el día, aparte de cuando vamos a almorzar.




Metro: ¿Puedes describir las historias de respaldo de tus personajes?

Cartlidge: De ninguna manera, porque lo que Mike había elegido como director de cine para representar, es la película de Mike. De manera que para nosotros darle la información que no está en la película es una especie de irrelevancia y también una falta de respeto a lo que Mike había decidido. Todo lo que uno sabe de la película es que Annie y Ana vienen de infancias muy similares: ambas provienen de hogares rotos. La madre de Hannah es alcohólica.

Steadman: la madre de Annie por su parte, está muy cerca de su madre, y esto le disuade de seguir adelante con su vida.

Cartlidge: Los dos tienen una relación muy diferente con sus madres. Hannah tiene una hermana que es preferible a ella. Ambas están en la misma universidad. Annie está estudiando psicología. Hannah está estudiando Inglés.

Steadman: Nuestros personajes son muy parecidos a la vida real.


Metro (a Cartlidge): En las historias de su interior, un libro de ensayos recopilados por el British Film Institute, que escribió que Sophie Naked era como usted misma, y que Dodo en "Rompiendo las olas" era como asfixia para ti.¿Cómo describiría el juego Hannah?

Cartlidge: Al igual que ponerse en una bala de cañón. Oh, Dios, jugando a Hannah fue como tirar de mí mismo a través de una cobertura del revés. Todos ellos son impulsados ​​por cosas tan diferentes, todos los personajes. La principal dificultad con Hannah era su tasa metabólica, tanto física como mental. Que la velocidad, la adrenalina, fue absolutamente agotadora.

Steadman: Por otro lado, Annie era como jugar a toda velocidad por una pista de esquí, porque nunca se levantó. Annie sigue tropezando con postes de luz, porque ella nunca mira a la gente.

Metro (to Steadman): Esta es su primera película, pero en la televisión británica, que son famosos por los Tomadores de ladrónes. ¿Hizo Mike Leigh alquiler de coches para ese programa?

Steadman: Mike Leigh me vió en los juegos de televisión, acerca de una compañía de taxis propiedad de mujeres. Yo tengo unas cuatro o cinco series de televisión hechas, que se muestran en todo el mundo, excepto en Estados Unidso. Puedo entender por qué Tomadores de ladrónes no ha sido vendida a Estados Unidos, y eso es porque es la versión del Reino Unido de Policías de Nueva York. Mis personajes tienen algo en común: son todas las mujeres fuertes e independientes. Para interpretar a alguien como Annie hay que hacer una salida completa.


Metro: Katrin, en pisos interiores, escribió que necesita una gran cantidad de tranquilidad cuando estás actuando, que no tiene que sorprender a nadie que le hayan visto en la pantalla. ¿Sigue siendo cierto, dos años después?

Cartlidge: Sí, me gusta mirar mi propio trabajo, creo que me motiva a hacer el siguiente. Estamos llegando a un punto en el que sólo quiere hacer la película y no verlo más tarde.

Metro: ¿Te preocupa el estilo de los que actúan en los flashbacks de "Chicas de carrera", es demasiado teatral?

Steadman: No, yo no era consciente de ver teatro. Mike no está interesado en la chapa de plástico que usted ve en pantalla. Quiere ver a las personas con verrugas y todo. La cosa es, que la creación del personaje, y la responsabilidad del actor es ser fiel a ese carácter en todo momento. Y cuando usted ha sido la creación de esta intensidad, no eres más que este ser humano, no estás pensando, ¡Oh, bien, yo voy a ser grande o pequeña aquí. Tal vez estos personajes parecen ser más grandes que la vida, pero yo no creo que sean. Sé que las cargas de la gente son como tics nerviosos hasta Annie.

Sé que Mike ha sido acusado en los últimos años de la creación de personajes que parecen exageradas, pero yo creo que cuando la realidad se presenta como un espejo, la gente no lo reconoce. Sigo con la siguiente analogía: Cuando Samuel Beckett comenzó a escribir sus obras, se intensificó el lenguaje, no era real, era visto como surrealista. Pero en realidad, si usted toma una conversación entre dos personas en un autobús, en un automóvil estacionado, la conversación se desconecta completamente. Los guionistas suponen que la escritura habla natural, pero no es en absoluto natural.

Cartlidge: Otra cosa, la película trata sobre la memoria tanto como cualquier otra cosa. No es como si el público está invitado a estar en el pasado con los personajes. Usted está viendo a través del filtro tanto de sus recuerdos. Hay algo sobre la juventud que no se siente cómodo consigo mismo, hay una leve conciencia de sí mismo para el comportamiento. Creo que todo el punto de contraste de los primeros años, de sus últimos años, es ver que el proceso en acción.

Metro: ¿Cuál es tu opinión de sus películas anteriores "Rompiendo las olas" y "El desnudo"?

Cartlidge: todavía siento El desnudo, una especie de obra maestra.

Steadman: Es mi película favorita, ¿Qué dice eso sobre mí como persona?

Cartlidge: Creo que "Rompiendo las olas" es un cuento de hadas, un David Lynch o Ken Loach, historia de hadas. No es una princesa y un príncipe, y se casan, y entonces hay una malvada madrastra. Toda la forma de Lars von Trier, y su espíritu general, se resume en estas señales grandes que tiene en las paredes de sus sets diciendo "cometer errores". Esta fue una de las razones que quería trabajar con él. Todo lo que quiero hacer es cometer errores.

La antítesis de la que es una película normal, donde no hay presión sobre ti, el tiempo es dinero y el dinero es tiempo. Y aquí está este tipo que comete errores, que insta a que lo haga diferente cada vez, para no recordar sus líneas. Y, por supuesto, la psicología inversa ayuda, porque si se te permite cometer errores, tiene más razón de lo que nunca lo consiguió antes.

Metro: peculiaridades de Von Trier son legendarias. Él se niega a volar, se supone que tenía que conducir por el camino largo a Escocia de su país natal, Dinamarca.

Cartlidge: El ferry de regreso a tierra. Se supone que la peor experiencia de su vida.

Steadman: En otro orden de cosas, me pregunto si él eligió la película en Escocia, porque hay una profunda afinidad entre Escocia, Dinamarca e Irlanda del Norte. Muchas de las expresiones coloquiales son compartidas. Tenemos esta palabra para un niño pequeño "retoño", en danés, que es la misma palabra, con una pronunciación diferente.


Cartlidge: En Suecia, la palabra del verbo "decir" es "regañar". Lo sé porque he tenido un novio sueco.

Metro: Lynda, de dónde eres? En su relación con Alison Steadman, de Mike Leigh, ex esposa y estrella frecuente?

Steadman: No. Todo el mundo me pregunta que, sin embargo. En realidad soy de Belfast, mi padre es familia escocesa, y parte de mi madre es del norte de Inglaterra, de Newcastle.

Metro: ¿Cuál ha sido su trabajo en el escenario?

Steadman: La mayor parte de mi trabajo en el escenario es de Irlanda. He jugado en Peggy Synge, El Playboy del mundo occidental. Hice una película independiente de Medea. También escribió y dirigió una obra llamada El ángel de la Calle Vieja. Se trata de dos paradas de metro en Londres, en la línea Northern Line, que son cinco minutos de diferencia. La obra se adentró en el mundo de la fantasía, del subconsciente humano y recuerdos de la infancia. Todas estas personas salen en el Angel, y esta mujer se queda en este carro con este hombre - y por supuesto que hay miedo.

Yo no sabía si había un desastre en mi mano o que en realidad iba a ser el éxito. Sabía que iba a ser una o la otra porque era tan extrema. Por suerte, fue un gran éxito. Todos se rieron todo el camino con él, yo no lo podía creer, porque todo el mundo identifica una parte de ella. Puse mucho de mí misma en él, realmente lo hizo. Me sentí muy simple de ponerlo porque había un montón de mis propios miedos en él.

Metro: Katrin, se puede hablar de su próxima película?

Cartlidge: Hice una película independiente con Lodge Kerrigan. Vi su primera película, bien afeitado, que me dejó de la cabeza. Se trata de un esquizofrénico, y se pone debajo de la piel de una manera que no han experimentado antes. Usted observa a alguien que es un esquizofrénico desde el exterior. Está en busca de su hija, y la mayor parte de la película, usted está preocupado acerca de este tipo para encontrar a su hija, pero de repente cambia la película, y está dentro de su cabeza en vez de fuera.

Metro: Katrin, en pasos interiores, escribió que cualquiera que esté familiarizado con su trabajo se sorprenderá del poco dinero que está haciendo. ¿Sigue siendo así?

Cartlidge: Un poco más.

Steadman: De hecho, me dijo ayer alguien, si hubiéramos hecho todo el trabajo que habíamos hecho en los Estados Unidos seríamos millonarias. Y la persona que estaba hablando convino una gran frase sobre los actores: "La raza británica alimenta a ellos".

Cartlidge: Creo que es un caso de "La raza británica en masticar' y luego salir de nuevo a Inglaterra después de algunos años."



Mike Leigh mira hacia atrás - pero no en la ira - de la vieja Inglaterra


Por Joss Barratt



La nueva película de Mike Leigh (Secretos y Mentiras) llega justo después de la victoria laborista en Inglaterra. Aunque se hizo antes de las elecciones, "Chicas de carrera debe haber recogido algunas de las críticas, es una película menos dramática que de costumbre. Ver Leigh en los Oscar preguntó si el éxito iba a interferir con su visión de los desposeídos en Inglaterra. La respuesta es que Leigh va a ir de nostálgico.

"Chicas de carrera" es una película que parece bifurcada hacia atrás y hacia el presente. Así como se necesita una cierta cantidad de fuerza para ser socialista en un esmoquin, se necesita mucha fuerza de dirección para hacer las dos mitades del partido. No lo hacen, y "Chicas de carrera" es una película menor.

La película se refiere a un par de amigas que vuelven un fin de semana después de su separación seis años antes. Lynda Steadman es Annie, ha estado trabajando en un aburrido lugar del norte de Inglaterra. La frágil Hannah (Katrin Cartlidge) tiene un puesto más lucrativo en una empresa de papelería. La nueva prosperidad en el trabajo de Leigh es ejemplificado por ocurrencias de Hannah, que se toma el punto de vista de un condominio de torres, "supongo que en un día claro, casi se puede ver la lucha de clases a partir de aquí".


Las dos mujeres comunes y corrientes también son vistas como lo fueron en el pasado: las estudiantes escuálidas y de formación ostras. Los actrices son estilizadas y nerviosas en estos flashbacks, que suelen ser divertidos - especialmente la escena en que Annie entrA por primera vez en el apartamento donde vive con Hannah. Cartlidge es, entonces, no Hannah, pero si Han-Naw, con un acento grave. El mismo rebuzno ha transformado el nombre de su compañero de piso de Clarie en "garra".

Han-Naw y la garra (Kate Byers) le dan la bienvenida a su compañero de casa, nueva contracción en sus barrios, mientras le da un momento difícil de su eczema facial nervioso ("Parece que has sido tanjeado con un rallador de queso"). Hannah y Annie se convierten en amigas inquietas por la vida, en flashback, vemos lo que las unió y las hizo aparte.

Por desgracia, la película no tiene suficiente cantidad de hielo de Cartlidge. Una serie de coincidencias, la cual más improbable que la anterior, suaviza la trama. La coincidencia última y la peor es un final lacrimógeno, en la que las dos mujeres encuentran por casualidad un amigo de la vieja escuela (Mark Benton) pasando por momentos difíciles.

El diálogo sarcástico y entrega viperina de Cartlidge son a menudo sumamente divertido, y puede ser suficiente para recomendar la película. Leigh y Cartlidge son, en todo caso, ver para creer todo lo que la pareja realiza. Sin embargo, "Chicas de carrera" tiene una primera mitad llena de ingenio y un completo fin de llanto, y la división entre el pasado y el presente es demasiado para la estructura ligera del film . Sólo por esta vez, podría haber sido mejor si Leigh hubiera estado viendo la lucha de clases a distancia.



Fuente: Metroactive

Marisa Tomei, para coleccionar.

Marisa Tomei, animal cinematográfico.



Escribe: Adrián Massanet 5 de enero de 2011


Uno tiene sus pasiones. De hecho, reescribiría esa afirmación que le suelta Max Cady a Sam Bowden en ‘cabo del miedo’ (‘Cape Fear’, Martin Scorsese, 1991), en la que le dice algo así como que hay que tener algún vicio para saber que sigues siendo humano. Yo diría que hay que tener alguna pasión, o algunas. Y sí, Marisa Tomei es una de las mías. Desde hace mucho, y supongo que hasta dentro de mucho tiempo más. Lo atestigua mi estupenda colección de películas protagonizadas por otros, pero en las que participa ella, muchas de las cuales las tengo por la simple razón de que Tomei deja ahí su rostro, su cuerpo y su voz, porque además de estar muy buena, que lo está, y de ser muy elegante, es una de las mejores actrices de su generación, o quizá la mejor. Esa calidad, y ese atractivo, no se traducen seguramente en un alto grado de fama fuera de su país. Pero casi mejor, algunos regalos se disfrutan más en soledad.





A sus 46 años recién cumplidos, entra ahora en una magnífica madurez, como se suele decir, tanto física como artística, y cada día parece más bella y más rebosante de talento, aunque probablemente su carrera siga gozando de escasos grandes títulos. Las cosas como son: las actrices de Estados Unidos obtienen menos posibilidades, menos papeles importantes, que los hombres. Y cuanto más mayores se hacen, lógicamente, la cosa empeora mucho más. Pero ella sigue al pie del cañón, imperturbable. Hace poco la veíamos en ‘Cyrus’, y la chica atractiva y luminosa ya ha dado paso a una mujer atractiva y luminosa, pero también más serena, más sabia, mejor actriz. Y ya prepara tres películas más para el 2011: el drama ‘The Lincoln Lawyer’, que tiene muy buena pinta, y las comedias ‘Salvation Boulevard’, junto a Jennifer Connelly, y ‘Crazy, Stupid, Love’. No para. Tiene luz, Marisa Tomei.

La Tomei es pura raza de Brooklyn: por su acento, por sus maneras. Pero también late en ella la sangre italiana con gran fuerza. Ya cuando era una cría se quedó alucinada de las luces y la vida bohemia y artística de Broadway. No cabe duda de que sus primeros papeles los consiguió porque era una chica muy fotogénica, pero también porque de muy joven vieron en ella un talento natural que se fue confirmando en teleseries como ‘As the World Turns’ (una de las series más longevas de la televisión norteamericana) o ‘Un mundo muy diferente’ (spin-off de ‘La hora de Bill Cosby’), pero en los noventa iba a llevar a cabo la hazaña de arrebatarles el Oscar a la mejor secundaria nada menos que a Vanessa Redgrave, Miranda Richardson, Joan Plowright y Judy Davis, gracias a su formidable trabajo en ‘Mi primo Vinny’ (‘My Cousin Vinny’, Jonathan Lynn, 1992), con tan solo veintiocho años. Durante un tiempo, el crítico de cine Rex Reed sostuvo que Jack Palance (que ciertamente, subió a anunciar a la ganadora bastante mamado) leyó lo que le dio la gana, y que Tomei no era la verdadera ganadora, algo que perturbó mucho a la actriz. De hecho, en 1997, Reed volvía a afirmar que todo era un encubrimiento para no saber la verdad. Sobran comentarios





Ya había aparecido en la floja comedia ‘Oscar, quita las manos’ (‘Oscar’, John Landis, 1991), y su carrera en los noventa la verdad es que fue bastante irregular. Pero supongo que hacía lo mejor de lo que le iban ofreciendo. Sus papeles en ‘Chaplin’ (id, Richard Attemborough, 1992), ‘The paper: detrás de la noticia’ (‘The Paper’, Ron Howard, 1994) o ‘Sólo tú’ (‘Only You’, Norman Jewison, 1994), eran poca cosa, la verdad, como los proyectos en sí. Pero pudo hacer un par de películas muy dignas, con personajes interesantes y fuertes: la entrañable ‘Corazón indomable’ (‘Untamed Heart’, Tony Bill, 1993) o la digna ‘Welcome to Sarajevo’ (id, Michael Winterbottom, 1997), pero a grandes rasgos lo cierto es que sus buenos papeles se cuentan con los dedos de una mano. No importa, porque su frescura y su vitalidad inundan la pantalla como un soplo de vida, aún en productos mediocres, o en papeles minúsculos.

No cabe duda de que su fenomenal trabajo para la muy notable ‘En la habitación’ (‘In the Bedroom’, Todd Field, 2001) es el más completo, el mejor escrito para ella, desde ‘Mi primo Vinny’. Y es un papel muy duro de interpretar, muy poco agradecido, rodeada además de grandes actores como Sissy Spacek o Tom Wilkinson. Pero Field la dirigió con mano maestra y ella dio lo mejor de sí, que es mucho. Al final, es esencial en el triángulo trágico de la película, que no hubiera sido tan grande con una actriz menos dotada que ella, a pesar de aparecer en cinco o seis secuencias. Un año antes, ella y la gran Helen Hunt habían aportado su talento a la mediocre comedia ‘Lo que ellas quieren’ (‘What Women Want’, Nancy Meyers, 2000), donde apenas tenía papel u oportunidad de hacer algo decente. Pero de comedias románticas insulsas, en las que suele tener un papel secundario, debe estar ya bien cansada: ‘Siempre a tu lado’ (‘Someone Like You’, Tony Goldwyn, 2001), ‘Beso en Manhattan’ (‘Just a Kiss’, Fisher Stevens, 2002), ‘El gurú del sexo’ (‘The Guru’, Daisy von Scherler Mayer, 2003) o la remake ‘Alfie’ (id, Charles Shyer, 2004).





Por suerte, contó con dos buenos papeles en la estupenda ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’ (‘Before the Devil Knows You’re Dead’, Sidney Lumet, 2007) y en la deleznable ‘El luchador’ (‘The Wrestler’, Darren Aronofsky, 2008). En la primera era algo así como una revisión del mito de la mujer fatal, y algunas míticas deberían reencarnarse varias veces para ser como ella. Y en la segunda, a pesar de que su papel es insignificante, impostado y falso, en pocas palabras que apenas hay nada, ella le da una dignidad, una belleza y una verdad que son, de lejos, lo mejor de la película, lo más hermoso y emocionante. De hecho, la película no debería llamarse ‘El luchador’, si no ‘La bailarina’, al menos para quien esto suscribe. Pero era un papel de lucimiento para Mickey Rourke, y ella se ve completamente relegada. Que la nominasen a mejor secundaria, cuando es un papel protagonista, es otra de las muchas estupideces que la excelsa academia de Hollywood perpetra de cuando en cuando….o casi todos los años.

Pero, en definitiva, casi da igual que su carrera haya dado menos de lo que se esperaba, al menos de momento (si hubiera nacido cuarenta años antes, creo que las cosas habrían sido muy diferentes, o no…). Lo importante es que Marisa Tomei es una razón para soportar un poco más este mundo, y un poco más el cada vez más desangelado cine norteamericano, huérfano de grandes actrices desde hace demasiado tiempo.



Marisa Tomei, la reivindicación de una actriz a los cuarenta y tantos


Escribe: Jesús León 4 de diciembre de 2009


El caso de la neoyorkina Marisa Tomei resulta cuanto menos curioso. Una actriz joven que está abriéndose paso en su carrera y que tras recibir una sorprendente nominación al Oscar, finalmente se hace con el premio aunque tiene que sobrevivir al rumor de que fue un error del ínclito Jack Palance al leer la ganadora en la ceremonia de entrega. Aquello supuso un duro varapalo. La convierte en una actriz con Oscar y eso pesa.

Sin embargo, una vez cruza la complicada barrera de los cuarenta (para una actriz de Hollywood), se reivindica con papeles dramáticos dignos de mención, y de nueva nominación al Oscar. Marisa Tomei ha luchado para demostrar que valía y lo ha conseguido a base de esfuerzo, insistencia y ganarse un hueco, a pesar de no ser una estrella al uso.

Siempre quiso ser actriz y desde pronto se puso manos a la obra. Crece en Brooklyn y estudia arte dramático en Boston. Su salto al mundo de la interpretación vino de mano de la pequeña pantalla, gracias a comedias de situación como ‘Un mundo diferente’ o ‘El show de Bill Cosby’. Aunque también el teatro supuso un importante entrenamiento, para forjarse como completa actriz.





Su salto a Hollywood, dato curioso, vino de la mano de Sylvester Stallone que la descubrió cuando formaba parte de un grupo de teatro vanguardista y le ofreció un papel en ‘Oscar’ (1991), que supuso su primer encuentro con el cine y con el gran público (antes apareció brevemente en ‘The Flamingo Kid’).

Poco después trabaja en la también cómica ‘Mi primo Vinny’ junto a Joe Pesci y Ralph Macchio, que le supuso una sorprendente nominación al Oscar como mejor actriz de reparto, por su papel de Mona Lisa Vito, la novia inteligente (y algo macarra) del protagonista. La película no es gran cosa, aunque entretenida, pero quizás fuese demasiado premio la nominación. Lo que vino después marcaría su futuro. Jack Palance le nombró, sorprendiendo a todos (y a ella), como ganadora. A partir de ahí, el bulo de que fue un error de Palance la acompañaría como una sombra oscura.

Aquello fue motivo de muchas especulaciones durante largo tiempo. Que si Palance estaba algo ebrio, que si fue una broma, que si todo fue error que hubo que tapar,... el caso es que, se han emitido comunicados oficiales desmintiendo todo esto. Quizás surgió con virulencia por tratarse de una desconocida (la favorita era la veterana Vanessa Redgrave) y de una película poco relevante, pero parece que el procedimiento que lleva a cabo la Academia no da lugar a este tipo de errores.

El caso es que Marisa Tomei se enfrentaba a un lanzamiento acelerado de su carrera gracias a la dorada estatuilla, lo cual quizás, era una gran ventaja, pero también disparaba una carrera que necesita de unos pasos marcados por el tiempo y la experiencia para que una actriz logre ganar reputación y cualidades.

Por supuesto, le llegaron muchas ofertas para importantes producciones (‘Chaplin’), pero no tuvo suerte. La mayoría fueron fracasos y parece que hundían poco a poco a Tomei, para quedar en una actriz sin estrella y sin un futuro demasiado alentador.

Encontró en la comedia, papeles secundarios por los que discurrió sin pena ni gloria, pero que le fueron madurando: ‘Sólo tú’, ‘Siempre a tu lado’ o ‘Lo que ellas quieren’. Y también, tuvo sus tropiezos con algunos trabajos olvidables (‘El gurú del sexo’, ‘Juego asesino’) junto con pequeños papeles en televisión.





Pero tuvo que lograr papeles dramáticos para encontrar su horma. Películas con mayor calado donde su experiencia, valía y esfuerzo empezaron a brillar por sí solas, obviando su pasado y el Oscar ganado. Así, hace un extraordinario trabajo como actriz de reparto en la rescatable ‘En la habitación’, el debut en la realización de Todd Field. Un drama cargado de grandes interpretaciones, de pocas pretensiones y con un marcado carácter intimista, y que le valió, esta vez parece que con suficientemente merecimiento, una nueva nominación al Oscar.

Marisa Tomei había encontrado en el drama independiente su mejor terreno donde brillar (‘Danika’, ‘Factotum’, ‘La vida sin Grace’). A partir de este momento fue ganando enteros entre algunos productores y directores y siendo valorada como una buena y sólida actriz. ¿Quién lo diría? Acercándose a los cuarenta años y empezando un camino prometedor. Aún así, no renuncia a papeles en comedias comerciales (‘Ejecutivo agresivo’, ‘Un toque de distinción’, ‘Cerdos salvajes’), parece que buena elección para mantener su notoriedad en Hollywood.

Y el pasado alcanzó el prestigio definitivo. Gracias a su estupendo papel en la magistral ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’. Donde, por cierto, lucía un físico espectacular, recurso quizás infravalorado hasta ahora. Y también, en la brillante ‘El luchador’ que además le ha supuesto una nueva nominación al Oscar, por su desgarrador papel de una madura stripper amiga del protagonista.

Sin embargo, Marisa Tomei no se ha apresurado en aprovechar su gran momento. Continua sus pasos barajando papeles que le llenen y que sigan sacándole partido a su talento. ¿Ganará un nuevo Oscar? Es posible, pero al menos es un gran ejemplo de superación y de reivindicación con esfuerzo.

Por cierto, cumplió 47 años. Y no los lleva nada mal.

Filmografía


Crazy, Stupid, Love (2011)
Salvation Boulevard (2011) (pre-production)
The Lincoln Lawyer (2011)
Cyrus (2010)
Ámsterdam (2009)
El luchador (2008)
War, Inc. (2008)
Before the Devil Knows You're Dead (2007)
Rebeldes con causa (2007)
Loverboy (2006)
Danika (2006)
Un toque de seducción (2005)
Factótum (2005)
Alfie: El seductor irresistible (2004)
Anger (2003)
Locos de ira (2003)
El gurú del sexo (2002)
Just a Kiss (2002)
King of the Jungle (2001)
Someone Like You (2001)
Alguien como tú (2001)
En el dormitorio (2001)
Dirk and Betty (2000)
Lo que ellas quieren (2000)
El observador (2000)
Happy Accidents (2000)
Suburbios de Beverly Hills (1998)
Bienvenidos a Sarajevo (1997)
A Brother's Kiss (1997)
Unhook The Stars (1996)
Volver a vivir (1996)
Cuatro habitaciones (1995)
Cuando salí de Cuba (1995)
Sólo tú (1994)
El periódico (1994)
Corazón indomable (1993)
Chaplin (1992)
Equinox (1992)
Mi primo Vinny (1992)
Zandalee (1991)
Óscar, quita las manos (1991)
Playing for Keeps (1986)
The Flamingo Kid (1984)

Fuentes: Blog de cine, www.es.wikipedia.org/wiki/Marisa_Tomei

Vivencias del 25 Festival de Mar del Plata.

Juan Baldana, director de Arrieros, película en la Competencia Argentina.


PERFIL DE AUTOR: JUAN BALDANA.


¿Podés presentarte?

Mi nombre es Juan Baldana, soy realizador audiovisual, trabajo en cine, t.v y publicidad. Vivo en Bs As.

¿Cuáles son las características particulares de tu filmografía?

Varía de acuerdo a lo que quiero contar en ficción o en documental. Son dos mundos completamente distintos. Desde el montaje puedo llegar a unificar mi modo de filmar pero es difícil lograr un parámetro que identifique una estética similar. En el caso de Arrieros, segundo documental de una trilogía que trata sobre la comunión del hombre en la naturaleza, la historia se narra desde la observación. Retrato la realidad de los personajes sin entrevistas, música o elementos que alteren lo cotidiano. La ficción en cambio, te lleva a los límites de la imaginación en donde he filmado por ejemplo una escena de acción que muestra una pelea mano a mano, motosierra y revolver con una duración de quince minutos. Música, sangre, cambio de ritmo abrupto en el montaje, etc. Cinco jornadas a dos cámaras con un equipo de cincuenta personas contrasta contra mi sola presencia filmando a una familia diez días en la alta montaña.

¿Cómo fue tu acercamiento al cine?

Siempre me fascinó el cine. De niño imaginaba que me seguían las veinticuatro horas con una cámara y pasaban mi vida por televisión, ya comenzaba a montar en mi cabeza. Claro que fue mucho antes de los realitys. Estudié Ciencias de la comunicación pero abandoné rápidamente. Luego, foto fija en la escuela de cine de Avellaneda pero tampoco terminé la carrera. Varios cursos y estudios siempre inconclusos. Trabajé durante años en t.v como productor y realizador, con el tiempo me interesó la dirección más allá del guión y el montaje. Comencé a realizar video clips y comerciales. Mucho tiempo tardé en descubrir y unir todas las piezas que hacen a una película.






¿Qué significa el cine para vos?

El cine simboliza la vida misma, no la concibo sin él. Todas las historias son dignas de contar por más aburridas que parezcan. Creo que no hay un individuo en el planeta que no genere una película en su inconciente. Te hace reír, llorar, amar, odiar. Te produce miles de sensaciones que otras artes pueden lograr separadamente pero no obtengan quizás un resultado tan completo. Me fascina ver cine y hacer cine en la medida que puedo. Siempre pienso que si alguna vez comienza a fallarme seriamente la vista, tendré que escribir un guión para que otro lo filme, ya que no me siento capacitado para hacer una novela, pero tampoco imagino abandonar esta profesión.


EscribiendoCine convocó a todos los directores argentinos en competencia de la 25ª Edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata para que presenten sus películas. Juan Baldana: “Arrieros(2010) es la segunda película de una trilogía que cuenta la historia de comunidades que conviven en la naturaleza.”

¿Cómo surge la idea de Arrieros y de qué trata?

Arrieros es la segunda película de una trilogía que cuenta la historia de comunidades que conviven en la naturaleza desde siempre y se abastecen de ella adaptándose al avance de la globalización. Soy Huao (2009) es la primera y ha sido rodada en la Selva Amazónica Ecuatoriana. Arrieros en la Cordillera de los Andes Chilena y Pescadores se está rodando en Manguiseco, al noreste de Brasil. Me interesa transmitir lo cotidiano desde las acciones de estos personajes que viven en paraísos naturales, luchando día a día por un plato de comida. Creo que estamos cada vez mas desconectados con la naturaleza y nos estamos olvidando de dónde venimos para ser parte de una inútil carrera hacia el consumo capitalista.

¿Qué implica tanto para la película como para vos participar en Mar del Plata?

Es muy importante que Arrieros participe en Mar del Plata. Estoy corriendo para terminar la post producción ya que es al primer festival que la mandé y por suerte entró. Estar dentro de los primeros diez festivales del mundo es un honor, pues te asegura una ventana al mundo. Participar en Mar del Plata me produce una doble satisfacción, no sólo porque es mi país y me siento como en casa mas allá de la envergadura del festival, sino también amo esa ciudad. Desde muy pequeño mis padres me llevaban desde el último día de clases en diciembre hasta el día anterior de la siguiente temporada.





¿Cómo vislumbrás el futuro de la película a raíz de la participación en el festival?

Con Soy Huao, primer película de la trilogía, sucedió que al entrar en festivales se dio que nos llamen de varios más a inscribirla sin haber mandado la película, mas allá de haber entrado o no finalmente. Imagino que con Arrieros será una gran oportunidad a futuro ya que Mar Del Plata es jugar en primera. Una vez terminada la tercera me preocuparé en la venta internacional.

La Competencia Nacional pasó de los nueve films del año pasado a las doce actuales. ¿A qué le atribuís ese incremento?

Al crecimiento del cine nacional.

¿Cómo te definirías como director?

Estoy en la búsqueda, luego de haber realizado mi primera ficción nunca imaginé que continuaría con documentales. La realidad es que comencé a escribir la segunda película y es un camino muy largo. Por eso encontré la manera de convivir con el documental. Es maravilloso filmar la realidad, descubrí un mundo nuevo. Si te muestro una ficción y un documental te va a costar creer que fueron filmadas por la misma persona. Son estéticas e historias completamente diferentes.

¿De qué forma te imaginás el 21 de noviembre?

De la mejor manera, feliz por haber visto buen cine, por haberla pasado increíble en la ciudad de mis recuerdos. Me imagino caminando por la rambla abrazado a mi mujer Agustina, productora de la película, y hablándole a mi viejo mar adentro. Allí se fue cuando partió de estas tierras.


Fuente: Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2010
www.escribiendocine.com/entrevistas/juan-baldana-arrieros

Invasión, de Hugo Santiago, un objeto estético perfecto.

Sábado, 20 de Diciembre de 2008

INVASION, DE HUGO SANTIAGO, EN VERSION RESTAURADA A NUEVO
Un objeto estético perfecto

Estrenada casi en secreto en el cine Hindú hace casi cuarenta años, aparece en DVD está película mítica. Como todas las ediciones del Malba, ésta se destaca por sus extras, así como por el libro de 150 páginas (trilingüe) que la acompaña.





Por Horacio Bernades

“Mientras pensábamos el guión, yo dibujaba la estructura. Eso a Borges le causaba un poco de gracia”, cuenta el hombre de sombrero blanco. Y se pone a dibujar, frente a cámara, un gráfico que representa la película. “Esta línea es el relato principal. Llega hasta acá, la muerte de Herrera. Ahí se sobreimprime la palabra ‘Fin’, y en ese momento la segunda línea invade por completo el relato principal.” Invasión es justamente el título de esa película mítica, que el hombre del sombrero, Hugo Santiago, ideó durante más de un año, todas las tardes a eso de las cinco, en un salón de la Biblioteca Nacional, junto a quien en ese momento era su director, Jorge Luis Borges. Semisecreta desde el momento mismo de su estreno en el cine Hindú –del que el año próximo se cumplirán 40 años–, Invasión acaba de ser lanzada en DVD por malba.cine, en copia obtenida a partir de un negativo hallado recientemente. De diseño exquisito, el boxset doble se consigue tanto en la sede de ese museo como en videoclubes selectos y cadenas de libros y discos.

Como todas las ediciones del museo que preside Eduardo Costantini, la de Invasión se destaca por sus extras, así como por un libro de unas 150 páginas, de letra apretadísima y en versión trilingüe. Todo ello a cargo del investigador, docente y ensayista David Oubiña, que a esta altura –tras la edición, unos años atrás, del libro El cine de Hugo Santiago– puede considerarse uno de los mayores especialistas en el tema. Una serie de diálogos, celebrados en forma reciente por Santiago y Oubiña, dan lugar a los dos extras que contiene esta edición, cada uno de ellos de alrededor de una hora de duración. El primer diálogo se celebra en el mismo salón de la Biblioteca Nacional donde el realizador dio forma a Invasión, junto a su eminente coguionista. El segundo se escancia en nueve pequeñas partes.

Localizados en distintos puntos del mapa de Aquilea (ciudad imaginaria donde se asienta la ficción), en esos “nueve pequeños films” ese cineasta de la autoconciencia absoluta que es Santiago aborda –con Oubiña casi más como testigo que como entrevistador– cuestiones que van de la dramaturgia de Invasión a la elección del elenco, fundamentando además el sentido del trabajo de cada uno de los rubros técnicos. Impecablemente curado, el libro que acompaña la edición contiene, además de un pequeño ensayo de Oubiña, testimonios de primera agua (Borges, Bioy & Cía), muy buenas críticas de la época (entre ellas, una famosa de Edgardo Cozarinsky) y un fragmento del guión original, en reproducción facsimilar. Uno de los dos únicos films jamás realizados sobre guiones originales del dúo Borges-Bioy (además del posterior Los otros, dirigido también por Hugo Santiago), treinta y nueve años más tarde la magia de Invasión se mantiene intacta.

Podrían imaginarse múltiples razones para esa perdurabilidad. Una es, claro, el carácter de objeto estético tal vez perfecto, construido ladrillo a ladrillo, como una catedral. Otra, su condición casi fantasmal, abstracta, misteriosa. La multiplicidad de referencias, que permiten que una milonga suene a coro griego, arquetipos porteños disparen como héroes de Josef Von Sternberg, un taita de gomina funcione como nuevo Aquiles o la cancha de Boca devenga espacio metafísico. Finalmente, el carácter de alegoría inescrutable, que desperdiga sentidos sin atarse a ninguno. ¿Es Invasión una nueva Ilíada, una modernísima fábula antimodernizante, una épica sobre la resistencia antiimperialista (pero ¿escrita por Borges?), un Eternauta sin Manos, una profecía de la guerrilla urbana? ¿Algunas de esas cosas, o todas? ¿Lo habrán sabido acaso sus autores?


Críticas


La mayor película de la Argentina y uno de los mejores films del mundo en los últimos años ... Invasión, dirigida por Santiago, es sin duda la mejor película jamás realizada por un argentino.5 Ángel Faretta revista Fierro 1989

Sería difícil nombrar a otra película de cine argentino, que tenga como invasión, la situación de ser "La" película de culto. Una película de un carácter excepcional. Eduardo A. Russo, El Amante Cine, 19945

La preocupación política se combina con la ansiedad existencial. La invasion es una de las formas de la muerte (interpretación que sugiere un muy bello poema de Borges cantado a la guitarra6 ). La vida continúa y también la resistencia, pero con otros y para otros. Jean-Louis Bory, Le Nouvel Observateur 19717

Invasión describía el entierro de cierta Buenos Aires, de un modo de vida que moría. Alain Touraine.8

Visión poética en la medida en que Hugo Santiago anima al espectador a ir más allá de las apariencias para tratar de llegar a la esencia de los seres y las cosas, más allá de la corteza superficial de la realidad. Michel Esteve, Estudios, marzo de 19715

Invasión es un objeto cinematográfico autónomo, como los poemas de Quevedo eran objetos verbales autosuficientes para Borges: se beneficia con la necesidad puramente formal de todos sus elementos y la independencia de toda servidumbre realista (Edgardo Cozarinsky, 1969)9


Ficha técnica


Dirección, Hugo Santiago Muchnick
Producción , Hugo Santiago Muchnick
Guion , Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares, Hugo Santiago Muchnick
Música , Aníbal Troilo

Reparto

Lautaro Murúa
Olga Zubarry
Juan Carlos Paz

País , Argentina
Año , 1969
Duración, 121 minutos


Fuente: www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos
http://es.wikipedia.org/wiki/Invasi%C3%B3n_%28pel%C3%ADcula_de_1969%29

Vivencias del 25 Festival de Mar del Plata.

Augusto Tamayo, director de La Vigilia, película en Competencia Latinoamericana.


¿Podés presentarte?

Augusto Tamayo, director de cine peruano, además de escritor, licenciado en literatura y lingüística, profesor universitario con una maestría en escritura creativa y realizador de televisión.


PERFIL DEL AUTOR: AUGUSTO TAMAYO



¿Cuáles son las características particulares de tu filmografía?

Tengo 8 largometrajes realizados, varias telenovelas y series de televisión, 18
documentales y tengo publicados 6 libros sobre temática cinematográfica o audiovisual.

¿Cómo fue tu acercamiento al cine?

El acercamiento al cine se produjo siendo yo muy joven. Mi primer corto documental lo filmé en 1978, cuando tenía 24 años. Escribí algo, muy poco, de crítica y pasé a la realización rápidamente. Estudié cine en el National Film School de Londres a los 27 años. Desde entonces produzco, dirijo, guionizo, enseño y escribo sobre cine. Trabajo además -desde hace más de 30 años- en el gremio de cineastas del Perú.

¿Qué significa el cine para vos?

Mi profesión principal, lo que verdaderamente disfruto hacer y lo que me ha apasionado desde hace 35 años.





Augusto Tamayo estrena nueva película "La Vigilia", 14/09/2010


Regresa el reconocido director peruano de cine, Augusto Tamayo con una nueva producción “La Vigilia” película de suspenso protagonizada por el primer actor Gianfranco Brero y marca el debut en el pantalla grande de la actriz Stephanie Orúe, esta puesta cinematográfica llegará a los cines el próximo 28 de octubre.


"La Vigilia" es una película que narra la relación que se establece entre dos personajes totalmente disímiles que se conocen y conviven durante una única noche intensa en la Lima contemporánea: Edgardo Chocano (Gianfranco Brero), un intelectual peruano occidentalizado de clase alta y Jessica (Stephanie Orúe) una joven de barrio, violenta e instintiva, que busca esconderse del acoso de una pandilla de delincuentes que la persigue. El tema de fondo es la posibilidad de entendimiento de estos dos seres representativos de condiciones radicalmente opuestas.

Su director apuesta por el talento joven y a su vez por la experiencia de una trayectoria sólida en las artes de sus dos protagonistas para contar una historia con matices duros. "La Vigilia" se terminó de rodar a fines del mes de febrero del 2009 en una antigua casona ubicada en Santa Beatriz en el distrito de Lince y muestra el choque de dos clases sociales en la ficción y la perfecta conjunción de dos actores que por primera vez trabajan juntos guiados de la mano del experimentado Augusto Tamayo. "La vigilia", es la tercera película de la dupla Augusto Tamayo director y el primer actor Gianfranco Brero





Su estreno en nuestro país está programado para el jueves 28 de octubre en la principales salas de Lima, esta nueva producción del cine peruano ha tenido ya un importante pre-estreno el pasado miércoles 8 de septiembre en el Instituto Cervantes de la ciudad de Nueva York.


Fuente: Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2010, www.lavigilialapelicula.com

Nuestras estrellas: Jorge Salcedo, 1915-1988

Su nombre real y su fecha de nacimiento han producido varias discusiones; Pedro Codicinio Di Paola, Pedro Codicimo o Pedro Quiriquino (seguramente, este último producto de una pésima signografía –con pretensiones de traducción– para el “Chirichino” que alguien andaría pronunciando), dejan de tener importancia ante la resonancia que cualquiera que cargue sobre sus hombros algunos años, deberá sentir al escuchar el nombre: Jorge Salcedo.


Su inconfundible voz y su entonación única, llegaron durante mucho tiempo desde la radio junto a quien fuera su pareja en la vida real, Julia Sandoval. También lo acompañaron otras exquisitas actrices como Elcira Olivera Garcés y Nora Cullen; y con la eminente Luisa Vehil encabezó el elenco que en 1974 realizaba el radioteatro “La trampa” por LR4 Splendid.

Tiene en su haber cuarenta y ocho títulos, varios paradigmáticos, de nuestro cine nacional. Fue dirigido por los maestros más prestigiosos de su época, y su labor consagratoria fue el protagónico de "Apenas un delincuente", de Hugo Fregonese (1949), que incidió en el tipo de personajes que encarnó en su larga filmografía: hombres urbanos, recios y poco afectos a expresar sus emociones.


Trabajó (cuentan los historiadores) sin la acreditación necesaria en “Mi amor eres tú” de Manuel Romero y en “Los martes, orquídeas” de Francisco Mugica, ambas de 1941. Siguió realizando papeles de diferente presencia hasta la ya mencionada consagración de 1949, y a partir de esa labor fue convocado por los más célebres nombres de nuestra industria cinematográfica. Enrique Carreras, Fernando Ayala, Héctor Olivera, Leopoldo Torre Ríos, Leopodo Torre Nilsson, Lucas Demare, René Mugica, Luis César Amadori., Lautaro Murúa y José Martínez Suárez, entre otros, requirieron de sus servicios.

En su extensa filmografía se destacan títulos como “El Crack”, “Para vestir santos”, “Amalio Reyes, un hombre”, “Mi noche triste”, “Los viciosos”, “Hotel Alojamiento”, “El reñidero”, “los evadidos”, “Un guapo del 900” , “Los chantas” y la emblemática “Edad difícil”. Cualquier antología que intente retratar el cine argentino de la década del cincuenta en adelante, nunca podrá obviar el nombre de Jorge Salcedo. Pero, vale la pena insistir con el concepto, mucho menos podrá soslayarse el modelo de actor que Jorge Salcedo impuso con su presencia.





También se desempeñó en la televisión, recordándose el programa titulado “El Teatro de Jorge Salcedo”, que se emitió durante 1974 por el canal por entonces llamado “Teleonce”. En estas presentaciones, con libretos firmados por autores de la talla de Alberto Adellach, Andrés Lizarraga, Víctor Pronzatto y otros, el actor encarnaba semana a semana personajes que practicaban diferentes profesiones.

Esa entonación hipotónica, recia y –por demás– masculina, fue su marca registrada. Hasta algunos cómicos (como Mario Sapag, por ejemplo) practicaban remarcadas imitaciones para sus composiciones paródicas más festejadas acerca del mundo de aquellos viejos guapos que habitaban piringundines como “Lo de Hansen” o “La enramada”.

Jorge Salcedo nunca le esquivó el bulto al compromiso gremial, y fue presidente re–electo de nuestra Asociación Argentina de Actores.


Falleció en Buenos Aires el 12 de abril de 1988.



Filmografía

El diablo metió la pata (1980) dir. Carlos Rinaldi.
Los drogadictos (1979) dir. Enrique Carreras.
Los superagentes y el tesoro maldito (1978) dir. Adrián Quioga (Mario Sábato)
Los chantas (1975) dir. José A. Martínez Suárez.
Mi hijo Ceferino Namuncurá (1972) dir. Jorge Mobaied
Un guapo del 900 (1971) dir. Lautaro Murúa.
Los psexoanalizados o Los neuróticos (1971) dir. Héctor Olivera.
La buscona (1970) dir. Emilio Gómez Muriel.
El sátiro (1970) dir. Kurt Land.
Amalio Reyes, un hombre (1970) dir. Enrique Carreras.
Los hinchas o Pasión futbolera (1970) dir. Emilio Ariño.
Cautiva en la selva (1969) dir. Leo Fleider.
El andador (1967) dir. Enrique Carreras.
Cuando los hombres hablan de mujeres (1967) dir. Fernando Ayala.
El derecho de nacer (1966) dir. Tito Davison.
Hotel alojamiento (1966) dir. Fernando Ayala.
Ritmo nuevo y vieja ola (1965) dir. Enrique Carreras.
Los hipócritas (1965) dir. Enrique Carreras.
El reñidero (1965) dir. René Mugica.
Orden de matar (1965) dir. Román Viñoly Barreto.
Mujeres perdidas (1964) dir. Rubén W. Cavallotti.
Los evadidos (1964) dir. Enrique Carreras.
Un viaje al más allá (1963) dir. Enrique Carreras.
Los viciosos (1962) dir. Enrique Carreras.
Vacaciones en la Argentina (1960) dir. Guido Leoni.
El crack (1960) dir. José A. Martínez Suárez
La madrastra (1960) dir. Rodolfo Blasco.
El cerco (1959) (inédita) dir. Claude Boissol.
Edad difícil (1956) dir. Leopoldo Torres Ríos.
Para vestir santos (1955) dir. Leopoldo Torre Nilsson.
El barro humano (1955) dir. Luis César Amadori.
Rescate de sangre (1952) dir. Francisco Mugica.
Llévame contigo (1951) dir. Juan Sires.
Mi noche triste (1951) dir. Lucas Demare.
Edición extra (1949) dir. Luis José Moglia Barth.
La venenosa (1949) dir. Miguel Morayta.
Corrientes... calle de ensueños! (1949) dir. Román Viñoly Barreto.
Apenas un delincuente (1949) dir. Hugo Fregonese.
Don Juan Tenorio (1949) dir. Luis César Amadori.
Porteña de corazón (1948) dir. Manuel Romero.
El hombre que amé (1947) dir. Alberto de Zavalía.
La mujer más honesta del mundo (1947) dir. Leopoldo Torres Ríos.
Un atardecer de amor (1943) dir. Rogelio Geissmann.
La guerra la gano yo(1943) dir. Francisco Mugica.
El espejo (1943) dir. Francisco Mugica.
El pijama de Adán (1942) dir. Francisco Mugica.
Embrujo (1941) (no acreditado) dir. Enrique T. Susini.
Los martes, orquídeas (1941) (no acreditado) dir. Francisco Mugica.
Mi amor eres tú (1941) (no acreditado) dir. Manuel Romero.

Televisión

Avenida de mayo de 1063 (1963) serie.
Alias Buen Mozo (1966) serie
Alta comedia (1 episodio, Vanina Vanini 1972)




Fuentes: Asociación Argentina de Actores,
es.wikipedia.org/wiki/Jorge_Salcedo

La entrevista: Atilio Mentasti.

Atilio Mentasti, productor.

Lugar de la entrevista: oficinas de Argentina Sono Film
Fecha: 28 de agosto de 1973

Su padre, don Ángel Mentasti, fue el fundador de Argentina Sono Film. Podemos empezar recodándolo a él y a aquel momento.

Mi padre trabajaba de distribuidor para la empresa de películas alemanas de Francisco Reich. Un día, con bastante visión, decidió hacer cine nacional: la primera película contó con la dirección de Luis Moglia Barth, uno de los técnicos que más sabía de cine. Con limita iones se hizo “Tango”. Mi padre era un hombre hacía una película e invertía todo lo que tenía en la otra, vale decir, que pensaba en la evolución de la casa mediante la película; él murió cuando se terminó de hacer “Palermo”.





Moglia Barth tuvo papel fundamental en la integración inicial de Argentina Sono Film.

Sí, él fue importante porque era una de las pocas personas que conocía la técnica cinematográfica; estaba un poco más avanzado, en esa época, que Ferreyra o Cominetti. Después se fue quedando; éramos muy amigos, trabajábamos con sentido familiar; él sabía cómo había que hacer cine, ya que las limitaciones financieras eran muchas. Murió mi padre y, desgraciadamente, nosotros quedamos un poco huérfanos de elementos; no teníamos más que una película, creo que “Viento norte”. Antes de que se estrenara, vi que era una película de importancia con predominio de lo nacional y se la dediqué a mi padre: “A Ángel Mentasti, pionero del cine nacional parlante”, Yo entré a ASF cuando vi que era un negocio que podía evolucionar, y entré queriendo organizar esa parte que mi padre tenía un poco desorganizada; le quise llevar una especie de contabilidad. Lo primero que yo hice fue juntarme con mi hermano y buscar casa propia, local propio, la fábrica propia. Salí a recorrer y vi que se estaba levantando el hipódromo en San Isidro; pensé: “Esto le va a dar movimiento a la zona”. Compré a sesenta centavos el metro, después a uno veinte y después, hasta setenta pesos. Hoy son cuatro manzanas. Empezamos a levantar set a set sin nada, sin créditos; estábamos haciendo una película y teníamos cierto éxito; trabajamos con pagarés y rascando de donde se podía, siempre aumentando el patrimonio cinematográfico. Nosotros habíamos pensado en una industria con estudios propios, con elementos permanentes y con una continuidad de producción. Nunca fuimos productores de los que llaman “independientes”, vale decir, productores que hacer una película y esperan y esperan ver si conviene hacer otra, y desaparecen. El haber sido permanentes no sé si ha sido un mérito o una desgracia. Financieramente no ha sido un gran mérito porque los productores independientes generalmente han acertado con una película y han sacado un beneficio mucho mayor que nosotros, que haber tenido que mantener un estudio, dar trabajo a la gente, no parar nunca, pagar siempre; hasta nos vino la desgracia de un incendio que nos agarró con todo y nos dejó en blanco. Tuvimos que empezar de la nada.

¿Fue en el cuarenta y tres?

Sí. Fue en el cuarenta y tres, porque “Luisito” la tuvimos que hacer en un estudio de la calle Constitución, en EFA; no teníamos paredes, nada. Seguimos haciendo producción en estudios que fuimos alquilando; nos dieron una mano y empezamos a construir de nuevo.

¿Recibieron alguna ayuda oficial?

No. Teníamos seguros; seguros viejos; eran los años de la guerra; cuando llegó el momento de cobrar, creo que no eran ni doscientos mil pesos, y tuvimos que levantar cuatro sets que se habían quemado completamente. Seguimos haciendo cine: en Emelco, hicimos “Su hermana menor”, vale decir que nosotros seguimos la producción.


¿Qué les ha permitido mantenerse?

Primero, que hemos trabajado mucho. Creo que en mi vida he tomado una licencia; yo he viajado por Europa, mucho, pero a trabajar, a hacer negocios, a buscar combinaciones. Hemos tenido buenos éxitos; otros, discretos; otros, nada, pero la continuidad ha ido cubriendo uno con otro. Hemos ido formando un stock muy importante de películas. Yo soy el productor que más películas hizo en el mundo; tengo cerca de trescientas películas producidas y aquí no hay “productor asociado”- El que hace las películas soy yo, vale decir… el que las discute, el que las planea, las acepta o no las acepta; eso es ser el productor. Vale decir que ha habido un trabajo sin pausa. El cine da mucha publicidad, que yo nunca he deseado; para los artistas, la publicidad es la vida; yo, particularmente, he tratado de permanecer en un puesto administrativo pero las circunstancias… He sido presidente de la sociedad de productores desde su fundación; fui vicepresidente por cuatro periodos consecutivos de la FIAP, donde están todos los productores del mundo, he sido seis años presidente de la UCHA –la Unión Cinematográfica Hispano Argentina-; es decir, he tenido una actividad publicitaria o internacional que, lógicamente, ha llamado la atención. Yo he sido una de las víctimas del movimiento militar del cincuenta y cinco; nunca supe por qué me encontré de repente en una cárcel, yo, que nunca había entrado en una comisaría; la pasé bastante feo porque empezaron con incomunicaciones que duraron diez días. ¿Usted sabe lo que es estar diez días incomunicado? ¡Y en qué condiciones! Usted no sabe por qué está ni sabía si lo iban a fusilar… Uno de mis compañeros de celda era Gómez Morales. Yo le decía a la gente, a los “negros” que cuidaban: “Tengan cuidado, traten bien a la gente porqué de aquí va a salir un presidente de la República. Estaba también un cantor famoso, que cantaba todas las noches la “Marcha Peronista”. Yo le decía: “No cantes esto; canta el “Himno Nacional”… Pero él siempre fue así, uno de los que verdaderamente sentía el movimiento peronista; siempre fue derecho, en ese sentido.





Nosotros teníamos un mercado importante en Latinoamérica, que se perdió.

Hay que gastar miles de millones para hacer lo que hicieron los mejicanos: compraron cines en toda América Central, se fueron infiltrando a fuerza de dinero que el estado les proporcionaba; aquí eso no se puede. Hay un problema, se dice, teníamos el mercado y lo hemos perdido. Nosotros lo teníamos cuando teníamos el tango; el tango fue el puente más importante, llevado a través de Libertad Lamarque; el tango tuvo una difusión extraordinaria. Aquí el tango pasó de moda en el cine: era muy fácil hacer una película; se agarraba un tango –“Adiós, pampa mía”- y se hacía una película sin argumento; lo que interesaba era el tango que cantaba Castillo o quien fuera. Pero en la República Argentina ya la gente no lo iba a ver y nosotros no pudimos seguir haciendo ese tipo de películas que afuera tenía aceptación y nos hacía perder el mercado local. Este mercado es muy europeo, de ahí que no podíamos hacer películas que no gustaran en éste, que es el ochenta por ciento de la explotación, y que gustaran en el mercado centroamericano. No lo hemos perdido; en la Argentina, estamos a una distancia muy larga en cuestión de cultura, en cuestión de gustos que las demás naciones centroamericanas: eso es lo que nos hace ir hacia un cine más parecido al europeo.

Ya que usted menciona el gusto de público, ¿Cuáles son los elementos que tiene en cuenta en la elección del guión?

A veces, hay intuición; otras, se aprovecha bastante de los éxitos de la televisión, ya que la televisión es un elemento masivo de conocimiento del público, se crean actores, actores de moda… El reinado de Palito Ortega, que todavía sigue no sé si con la fuerza de antes, duró diez años… Diez años haciendo películas y fue el número uno; películas normales, decentes, de las que puede ver toda la familia.

¿Cuál es la función que debe cumplir el cine?

El cine es un espectáculo, tiene que estar con el público, no hay que darle la espalda al público, pero tampoco hay que abusar, porque para llevar a la gente tampoco hay que hacer un cine prostibulario; tener picardía, tener sexo… todo dentro de ciertos límites; no llegar a lo que yo he podido ver últimamente; yo las puedo ver y si tuviera veinte años menos iría en forma apasionada, pero ahora me gusta más bien un cine como el de “Estado de sitio”…

Más bien, de ideas.

Claro. Se puede hacer una película importante sobre lo que pasa en el país, pero quién se atreve a hacerla, a hacerla en serio, para juzgar severamente los acontecimientos. Mañana recibe usted una amenaza o le pegan un tiro por haber hecho una cosa que no gusta de un lado o no gusta del otro, y si no, sale un gobierno que le dice: “No. Esta película puede producir reacciones”.


Ustedes han estado siempre por un cine “apto para todo público”

¡Es lógico!

Mientras otros, por ejemplo Aries, hace “Los caballeros de la cama redonda”.

Déle gracias a eso que se han podido mantener. Ellos eran puristas, sobre todo Ayala, que hacía un cine muy bien hecho y no iba nadie a verlo. Ahora, el salto de una cosa así, a otra totalmente opuesta… ¡No! Hay un cine intermedio, un cine agradable; cuando yo estreno una película, me quedo siempre afuera a ver la salida de la gente y ver las reacciones: usted ve a la gente contenta, contenta de haber podido llevar a sus hijos al cine. Además, no hemos olvidado “el gran cine”. Yo fui el primero que trajo a Dolores del Río para hacer “Historia de una mala mujer” con Saslavsky, una película de gran lujo; traje a Arturo de Córdova para hacer “Dios se lo pague”; fueron las primeras combinaciones internacionales; traje también a Barden para hacer “Los inocentes”, que obtuvo el premio de la crítica en Berlín; traje a Berlanga, que hizo “Las pirañas”. Vale decir que yo he hecho un movimiento internacional con películas muy importantes en todo sentido. Son películas que se pueden hacer pero no con una continuidad, porque los directores extranjeros están acostumbrados a filmar de otra manera y se gastan veinte mil metros para hacer una película; para ellos, es nada, y aquí tenemos que hacer una película dentro de un plan, no digo en el sentido de que le pueda faltar película, pero no gastar de más.

Los problemas de producción a lo largo de la trayectoria de ASF, ¿han sido los mismos o han variado básicamente?

Yo veo mucho cine y le voy a decir una cosa: hay que seguir la corriente. Por ejemplo, los italianos tienen una característica que es notable: empezaron con las películas de cowboys; después esas películas de Hércules; dieron cualquier cantidad de dinero. Inician un ciclo hasta que lo agotan; los westerns los hacían exageradamente: en vez de cinco, mataban veinte de un tiro. Y a la gente le gustó, tuvieron éxito y se metieron luego a hacer la “comedia picaresca”, con los grandes actores que tienen; trataron de hacerlas con más atrevimiento cada vez, hasta llegar a películas como “La Betía”, que ya me pareció… Después vino la película policial “El pájaro de las plumas de cristal”, y toda esa serie que se hizo con mucho éxito. El cine, es un ciclo, es una bola redonda que empieza a dar vueltas y vuelve al principio; los mismos temas se van recorriendo a través del tiempo.

Tomando cuatro elementos –producción, dirección, argumento y actores- ¿Cuál es el que más se tiene en cuenta para un éxito comercial?

Cuando no se tiene un buen libro, un libro fuerte, tiene que defenderse con figuras. Ahora, con un buen libro… Yo me acuerdo de “Rosaura a la diez”, la de Soffici; yo me defendí con el libro; el libro fue tan importante que en Cannes le querían dar el primer premio pero, como allá hay arreglos, a los italianos les faltaba un premio, entonces, a nosotros nos hicieron a un lado. La delegada japonesa me vino a pedir disculpas; le dije: “¿Qué hacemos con las disculpas?”…

Usted hizo una película como “El secuestrador”

Yo me he adelantado muchas veces a la época; si en esta época se hubiera hecho “El secuestrador” hubiera sido un éxito tremendo; en aquélla fue un fracaso; un fracaso tan grande que recuerdo una anécdota: yo estaba en la boletería del cine Broadway, donde se estrenó, cuando salió un hombre todo enojado: “¿Donde está el director? ¿Dónde está el director?” Le digo: “El director no está, pero si usted quiere…” “Es para decirle que clase de película ha hecho, donde un chancho se come a un chico, no hay derecho. ¡Esto no es cine!” Y salió todo indignado. Fue una película que llamó la atención; como las primeras que hizo Torre Nilsson, las que hizo conmigo, “La casa del ángel”, “La caída”…. Fue uno de los ciclos más interesantes que tuvo y fueron películas que se vendieron en todo el mundo.


¿Tienen los productores en cuenta a la crítica?

La crítica mal intencionada, yo ni la leo. Yo sé que hay críticos que ya, de por sí, hacen una mala critica; entonces, ya ni me interesa, ni recibo los recortes, ni nada. Leo los tres o cuatro grandes diarios: “La Nación”, “La Prensa”, “La Razón”, y “Crónica”; los diarios populares, los que lee la gente. A esas revistas semanales generalmente no les gusta; son las películas difíciles las que les gustan. Yo no estoy para hacer películas que agraden a ciertos críticos, sino al público; ASF es una sociedad anónima y tenemos un gasto de cerca de treinta millones de pesos mensuales para mantenerla; dentro de este sistema, conviene hacer películas para todo público, que es el ochenta por ciento de nuestra producción. Yo no quiero quedar bien con la crítica especializada, o la alta critica. Yo agarro un libro, qué sé yo, de Cortázar, por ejemplo, y me pasa lo que le pasó a Antín, que hizo dos o tres de Cortázar y no fue nadie a verlas. A Cortázar lo conocemos nosotros, pero vaya por la calle Lavalle y diga: “Es una película de Cortázar…” y todos se van a ver la última de Lando Buzzanca.

A ustedes, la televisión no los ha perjudicado demasiado.

La televisión, poco a poco, ha ido perdiendo vigencia. A nosotros nos ha proporcionado mucha gente para aprovechar la publicidad con que cuentan.

Es algo semejante a lo que pasaba en los primeros tiempos con la radio.

No. Nosotros, en aquella época, hemos sacado más gente del teatro que de otros medios.

Usted descubrió, después de un fracaso, a Luis Saslavsky.

Como director, Saslavsky empezó a dirigir películas con aficionados, películas bien hechas, pero los aficionados eran tan malos que la gente se reía. Las películas que quería dramáticas, le salían cómicas. Un día vi una película suya en el Monumental. Yo estaba en la platea y la gente silbó y pateó de tal manera que daba miedo; pero yo veía que estaba bien hecha. Lo llamé a la mañana siguiente: “Señor Saslavsky, soy Fulano. A mí la película me pareció muy buena; lo que me pareció malo son los intérpretes; usted está perdiendo el tiempo, y yo le puedo dar una oportunidad: tiene que combinar el sentido comercial con el artístico. Usted tiene un gran sentido artístico y ningún sentido comercial”. Así fue que le di para hacer aquella película con Libertad Lamarque, “Puerta cerrada” que fue un éxito mundial. Una de mis ideas fue siempre mezclar lo artístico con lo comercial.

Luis César Amadori estaba ligado a la empresa desde los tiempos de su padre. Fue uno de los grandes pilares comerciales de ASF.

Sí, empezó con “Puerto nuevo”, que dirigieron él y Soffici. Allí, Soffici ponía la dirección técnica y Amadori la argumental; era un hombre muy capaz para eso; conocía mucho el “espectáculo”, al igual que Manuel Romero. Después hizo “Maestro levita” y encaró una serie de éxitos hasta que entró en la cosa sentimental…

Los actores no profesionales no han entrado en su gestión empresarial.

No. No se podía, salvo que fuera algún actor no profesional y demostrara que podría ser actor, pero generalmente nos nutríamos de los teatros; por eso, casi siempre filmábamos de noche, como antes los teatros hacían matinée, vermouth y noche; a Pepe Arias había que ir a esperarlo después de la función. Cuando hizo “Tango”, primero se hacía dar le dinero, después llegaba y no se quería vestir de etiqueta: se ponía nada más que el saco y la corbata; los pantalones no se los quería poner. Moglia Barth, con su capacidad, se las tenía que arreglar para tomarle nada más que la parte de arriba.


¿Cuál ha sido el realizador más trabajoso para ustedes?

Tinayre. Un hombre muy complicado. Es muy buen director, pero complicado. Los hechos están a la vista: la última película que hizo con Sandrini, “Kuma Ching, sin productor profesional, fue un desastre –desastre, no como película, sino como producción- porque no se puede hacer una película con un presupuesto que no se puede cubrir.

¿Acepta opiniones ajenas?

A mí me gusta discutir: yo lo convenzo a usted o usted me convence a mí y, en el último caso, la razón la tendrá usted… pero trate de convencerme. Siempre me he llevado bien en ese sentido, porque la discusión hace la luz… o algo aproximado. Lo malo es agarrar un libro, no leerlo y dejar que se haga todo. Más vale prevenir que luego cortar y deshacer la película.

Usted debe participar activamente en la ejecución de cada película.

Sí, sí. Yo tengo el libro, lo leo, lo leemos con el director, vemos todas las marcas y le digo lo que acabo de decir antes. Generalmente, la gente me escucha porque sabe que tengo criterio.

Se atribuye a Moglia Barth, en tiempos de “Tango”, la idea de tener una película realizada y dos en ejecución para cubrir la pérdida que cualquiera de ellas pudiera acarrear.

No, él no podía tener esa idea porque no había capital suficiente; yo lo puedo decir: mi padre era un hombre al que le entraba el dinero por acá y le salía por este otro lado. La segunda película se hacía después de hacer la primera y según cómo iba la primera. Nosotros hicimos más producción porque empezamos a tener la casa propia, el estudio propio, que era muy importante, porque no se podía seguir filmando en SIDE o en los gallineros aquellos que había… ASF tiene una propiedad que asegura una buena producción; una buena producción la dan los buenos elementos técnicos que tenemos, el buen estudio, la gente capacitada. Nosotros, con Gori Muñoz hemos estado trabajando cerca de diez años; Gori Muñoz, el escenógrafo, es una eminencia no sólo acá sino en Europa, como pintor y como decorador.

Se supone que habrá algún productor extranjero a quien usted admirará.

Yo admiro a los italianos, porque allá son productores y directores. Por ejemplo, Zeffirelli; su “Hermano sol, hermana luna” tiene una poesía tremenda, tiene esas cosas que a uno le hacen ver qué bonito y que lindo es esto de la producción, sin recurrir a ningún golpe bajo; también Visconti: todas las películas suyas que he visto son extraordinarias, fuera de serie.

La referencia es más bien a un “productor”.

Productor… Carlo Ponti porque tiene la mujer, Sofía Loren. Es el Armando Bo de Italia. Ellos lograron grandes capitales, que les vienen de una gran estrella que le ha permitido una gran evolución. En los grandes países, los productores son todos independientes; de repente, hacen una película, eligen a Fulano para dirigirla y es todo muy fácil: agrupan capitales y hacen la película. Luego, uno dice: “¡Que gran productor este señor!”. El que hizo “Doctor Zhivago” es un gran productor, pero antes de hacer la siguiente película, pasaron dos o tres años. Es el tiempo que ellos necesitan para preparar otra; pero tener una fábrica como la que tenemos nosotros… ¿Sabe alguien lo qué es hacer ocho películas por año? Ocho estrenos. Ocho angustias tremendas. Uno trabaja para tener éxito y cuando no se tiene… Es muy difícil; esto es un negocio… ¡apasionante!, pero estamos en la cuerda floja.

No hace mucho, un director de la “Generación del sesenta” dijo que usted lo había llamado y le ofreció hacer una comedia musical, que él no aceptó.

Sí, sí; lo voy a decir: era David Kohon. Con el señor Kohon pasó una cosa muy especial: yo vi “Tres veces Ana” y me gustó muchísimo; lo llamé y le dije que me gustaría hacer una película con él. Vino un día y me entregó una hoja escrita donde decía: “El argumento y los artistas los elijo yo; las tomas las tengo que ver yo, exclusivamente”. Yo, al final, le dije: “Y para qué me necesita a mí”, y se lo devolví. Pasó un par de años y me vino a ver: “Mire señor Mentasti quisiera hacer una película”. Vale decir, que tocó todas las puertas necesarias y vino acá; yo lo estimaba, no tenía ningún problema con él: “¿Qué es lo que quiere? ¿Quiere un éxito comercial? Yo le voy a dar un éxito comercial”. Se llamaba “La cigarra está que arde”, que luego hizo Demare, y que fue un gran suceso. “Si lo que quiere es hacer una de esas películas que usted hace, yo no se la voy a dar, porque sé que será una buena película pero no va a caminar”. Entonces hizo “Breve cielo”, fuera de Sono. Si él tiene buena memoria, se debe acordar de que vino con esta película y yo se la hice pasar por donde pudieran, porque nadie se la quería estrenar. Primero, fui al Instituto Nacional de Cinematografía y hablé con todos los “genios” que había allí. No quisieron saber nada, pero sí le gustó al Agregado Cultural de la Unión Soviética y, siempre siguiendo mis indicaciones, la mandaron, por la vía diplomática, a Rusia. La pusieron en las secciones del Festival, oficialmente, sin representar a la Argentina, ya que, aquí, seguían insistiendo en cualquier cosa, no querían saber nada. “Breve cielo” saca el premio que sacó una película argentina en el mundo, el premio a “la mejor actriz” (estaban Sofía Loren y todas las demás estrellas) que fue Ana María Picchio. Y eso me lo debe a mí. Me acuerdo siempre, el asunto de Kohon fue gracioso; le dije: “Dígame usted ¿para qué me necesita? ¿Para que ponga dinero? No. Yo no soy capitalista, soy productor, que es la diferencia”. Capitalista son los Hurovich, que hicieron “Juan Moreira” y se salvaron porque Dios es grande.


Compañía Productora - filmografía

1.Los superagentes, nueva generación (2008)
2.Brigada explosiva: Misión pirata (2008)
3.Incorregibles (2007)
4.Bañeros III, todopoderosos (2006)
5.Papá se volvió loco (2005)
6.El séptimo arcángel (2003)
7.Un día en el paraíso (2003)
8.Apasionados (2002)
9.La soledad era esto (2002)
10.Rodrigo, la película (2001)
11.Papá es un ídolo (2000)
12.Esa maldita costilla (1999)
13.La venganza (1999)
14.Tango (1998)
15.Un argentino en New York (1998)
16.La furia (1997)
17.Las cosas del querer: Segunda parte (1995)
18.Siempre es difícil volver a casa (1992)
19.Extermineitors IV: Como hermanos gemelos (1992)
20.Extermineitors III: La gran pelea final (1991)
21.Ya no hay hombres (1991)
22.Extermineitors II: La venganza del dragón (1990)
23.Los extermineitors (1989)
24.Bañeros II, la playa loca (1989)
25.Kindergarten (1989)
26.Las locuras del extraterrestre (1988)
27.Las puertitas del señor López (1988)
28.Los pilotos más locos del mundo (1988)
29.Johnny Tolengo, el majestuoso (1987)
30.Los matamonstruos en la mansion del terror (1987)
31.El manosanta está cargado (1987)
32.Las esclavas (1987)
33.Los bañeros más locos del mundo (1987)
34.Las colegialas (1986)
35.Brigada explosiva contra los ninjas (1986)
36.Brigada explosiva (1986)
37.Los superagentes contra todos (1980)
38.La noche viene movida (1980)
39.Las muñecas que hacen pum (1979)
40.Amigos para la aventura (1978)
41.Los chiflados dan el golpe (1975)
42.No hay que aflojarle a la vida (1975)
43.Yo tengo fe (1974)
44.Los padrinos (1973)
45.Aquellos años locos (1971)
46.La valija (1971)
47.Vamos a soñar por el amor (1971)
48.Amalio Reyes, un hombre (1970)
49.Los muchachos de mi barrio (1970)
50.¡Viva la vida! (1969)
51.¡Qué noche de casamiento! (1969)
52.Somos novios (1969)
53.Los muchachos de antes no usaban gomina (1969)
54.Este cura (1968)
55.Humo de Marihuana (1968)
56.Digan lo que digan (1968)
57.Matrimonio a la argentina (1968)
58.Un muchacho como yo (1968)
59.Amor en el aire (1967)
60.La boutique (1967)
61.El andador (1967)
62.Ya tiene comisario el pueblo (1967)
63.El hombre invisible ataca (1967)
64.La muchachada de a bordo (1967)
65.La cigarra está que arde (1967)
66.¿Quiere casarse conmigo? (1967)
67.Una ventana al éxito (1966)
68.Del brazo y por la calle (1966)
69.La pérgola de las flores (1965)
70.Los viciosos (1964)
71.Las mujeres los prefieren tontos (1964)
72.Cleopatra era Cándida (1964)
73.Alias Flequillo (1963)
74.Millonario por un día (1963)
75.Bajo un mismo rostro (1962)
76.El hombre de la esquina rosada (1962)
77.El rufián (1962)
78.A hierro muere (1962)
79.Rebelde con causa (1961)
80.El centroforward murió al amanecer (1961)
81.La sed (1961)
82.Amorina (1961)
83.Obras maestras del terror (1960)
84.Luna Park (1960)
85.Todo el año es Navidad (1960)
86.Gringalet (1959)
87.De los Apeninos a los Andes (1959)
88.Zafra (1959)
89.La caída (1959)
90.Amor se dice cantando (1959)
91.El dinero de Dios (1959)
92.El secuestrador (1958)
93.Procesado 1040 (1958)
94.Socios para la aventura (1958)
95.La hermosa mentira (1958)
96.Rosaura a las 10 (1958)
97.Detrás de un largo muro (1958)
98.En la ardiente oscuridad (1958)
99.La casa del ángel (1957)
100.Que me toquen las golondrinas (1957)
101.Las campanas de Teresa (1957)
102.Novia para dos (1956)
103.Más allá del olvido (1956)
104.Catita es una dama (1956)
105.Graciela (1956)
106.Alejandra (1956)
107.Amor a primera vista (1956)
108.África ríe (1956)
109.Para vestir santos (1955)
110.Los hermanos corsos (1955)
111.Chico Viola Não Morreu (1955)
112.Vida nocturna (1955)
113.Veraneo en Mar del Plata (1954)
114.Caídos en el infierno (1954)
115.El castigo de los mares del sur (1954)
116.Tormenta de odios (1954)
117.La calle del pecado (1954)
118.El conde de Montecristo (1954)
119.La mujer de las camelias (1954)
120.El vampiro negro (1953)
121.Armiño negro (1953)
122.Los sobrinos del Zorro (1952)
123.El túnel (1952)
124.Especialista en señoras (1951/I)
125.Lo que fue de la Dolores (1951)
126.El hincha (1951)
127.Native Son (1951)
128.El extraño caso del hombre y la bestia (1951)
129.La indeseable (1951)
130.La orquídea (1951)
131.Pasaporte a Río (1950)
132.El Zorro pierde el pelo (1950)
133.Nacha Regules (1950)
134.La vendedora de fantasías (1950)
135.Toscanito y los detectives (1950)
136.Almafuerte (1949)
137.Alma de bohemio (1949)
138.La doctora quiere tangos (1949)
139.Mujeres que bailan (1949)
140.Don Juan Tenorio (1949)
141.Una noche en el Ta-Ba-Rín (1949)
142.La rubia Mireya (1948)
143.Historia de una mala mujer (1948)
144.Porteña de corazón (1948)
145.Dios se lo pague (1948)
146.Tango vuelve a París (1948)
147.Navidad de los pobres (1947)
148.Una mujer sin cabeza (1947)
149.Albéniz (1947)
150.Adiós pampa mía (1946)
151.Los majos de Cádiz (1946)
152.Cristina (1946)
153.Celos (1946)
154.Santa Cándida (1945)
155.Madame Sans-Gêne (1945)
156.Cinco besos (1945)
157.Dos ángeles y un pecador (1945)
158.24 horas en la vida de una mujer (1944)
159.Carmen (1943)
160.Valle negro (1943)
161.Una mujer con pantalones (1943)
162.Cándida, la mujer del año (1943)
163.Los ojos más lindos del mundo (1943)
164.Su hermana menor (1943)
165.Un nuevo amanecer (1942)
166.La mentirosa (1942)
167.Vacaciones en el otro mundo (1942)
168.Yo conocí a esa mujer (1942)
169.Bajó un ángel del cielo (1942)
170.El camino de las llamas (1942)
171.El tercer beso (1942)
172.Fantasmas en Buenos Aires (1942)
173.Soñar no cuesta nada (1941)
174.Orquesta de señoritas (1941)
175.Historia de una noche (1941)
176.La canción de los barrios (1941)
177.Napoleón (1941)
178.Al toque de clarín (1941)
179.Boína blanca (1941)
180.El hermano José (1941)
181.La casa de los cuervos (1941)
182.Una vez en la vida (1941)
183.Confesión (1940)
184.Huella (1940)
185.Cita en la frontera (1940)
186.Con el dedo en el gatillo (1940)
187.Dama de compañía (1940)
188.El haragán de la familia (1940)
189....Y mañana serán hombres (1939)
190.Caminito de Gloria (1939)
191.Una mujer de la calle (1939)
192.El loco Serenata (1939)
193.El matrero (1939)
194.La vida de Carlos Gardel (1939)
195.Doce mujeres (1939)
196.Puerta cerrada (1939)
197.El viejo doctor (1939)
198.Madreselva (1938)
199.Senderos de fe (1938)
200.Kilómetro 111 (1938)
201.Con las alas rotas (1938)
202.El último encuentro (1938)
203.Maestro Ciruela (1938)
204.Melodías porteñas (1937)
205.Viento norte (1937)
206.¡Segundos afuera! (1937)
207.Palermo (1937)
208.Melgarejo (1937)
209.Cadetes de San Martín (1937)
210.El pobre Pérez (1937)
211.Amalia (1936)
212.Loco lindo (1936)
213.Puerto nuevo (1936)
214.Goal (1936)
215.Monte Criollo (1935)
216.El alma de bandoneón (1935)
217.Riachuelo (1934)
218.Dancing (1933)
219.¡Tango! (1933)



Distribuidor - filmografía

1.Los superagentes, nueva generación (2008) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
2.Incorregibles (2007) ... Distribuidor (Argentina) (todos los medios de comunicación), Distribuidor (Argentina) (video)
3.Bañeros III, todopoderosos (2006) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
4.Papá se volvió loco (2005) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
5.Rodrigo, la película (2001) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
6.Un argentino en New York (1998) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
7.Las cosas del querer: Segunda parte (1995) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
8.Siempre es difícil volver a casa (1992) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
9.Extermineitors IV: Como hermanos gemelos (1992) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
10.Extermineitors III: La gran pelea final (1991) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
11.Ya no hay hombres (1991) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
12.Extermineitors II: La venganza del dragón (1990) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
13.Los extermineitors (1989) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
14.Bañeros II, la playa loca (1989) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
15.Las locuras del extraterrestre (1988) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
16.Las puertitas del señor López (1988) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
17.Los pilotos más locos del mundo (1988) ... Distribuidor (Argentina)
18.Los matamonstruos en la mansion del terror (1987) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
19.El manosanta está cargado (1987) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
20.Las esclavas (1987) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
21.Los bañeros más locos del mundo (1987) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
22.Brigada explosiva contra los ninjas (1986) ... Distribuidor (Argentina)
23.Brigada explosiva (1986) ... Distribuidor (Argentina)
24.Adiós, Roberto (1985) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
25.Mire qué lindo es mi país (1981) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
26.Los superagentes contra todos (1980) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
27.La mamá de la novia (1978) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
28.Yo tengo fe (1974) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
29.El veraneo de los Campanelli (1971) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
30.La valija (1971) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
31.Vamos a soñar por el amor (1971) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
32.Los herederos (1970) ... Distribuidor (mundial) (teatral)
33.Amalio Reyes, un hombre (1970) ... Distribuidor
34.Los muchachos de mi barrio (1970) ... Distribuidor
35.¡Viva la vida! (1969) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
36.Su primer encuentro (1969) ... Distribuidor
37.El novicio rebelde (1968) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
38.Este cura (1968) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
39.Humo de Marihuana (1968) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
40.Destino para dos (1968) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
41.Un muchacho como yo (1968) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
42.Coche cama alojamiento (1968) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
43.En la selva no hay estrellas (1967) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
44.Ya tiene comisario el pueblo (1967) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
45.La cigarra está que arde (1967) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
46.Una ventana al éxito (1966) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
47.Del brazo y por la calle (1966) ... Distribuidor
48.Escala musical (1966) ... Distribuidor
49.Canuto Cañete, detective privado (1965) ... Distribuidor
50.Fiebre de primavera (1965) ... Distribuidor
51.Cleopatra era Cándida (1964) ... Distribuidor
52.Alias Flequillo (1963) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
53.El hombre de la esquina rosada (1962) ... Distribuidor Argentina) (teatral)
54.El último piso (1962) ... Distribuidor
55.A hierro muere (1962) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
56.Rebelde con causa (1961) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
57.El centroforward murió al amanecer (1961) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
58.Don Frutos Gómez (1961) ... Distribuidor
59.La sed (1961) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
60.Amorina (1961) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
61.Los acusados (1960) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
62.De los Apeninos a los Andes (1959) ... Distribuidor (Argentina)
63.Zafra (1959) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
64.La caída (1959) ... Distribuidor (Argentina)
65.El secuestrador (1958) ... Distribuidor
66.La casa del ángel (1957) ... Distribuidor (Argentina)
67.Que me toquen las golondrinas (1957) ... Distribuidor
68.Más allá del olvido (1956) ... Distribuidor
69.Graciela (1956) ... Distribuidor (Argentina)
70.Alejandra (1956) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
71.África ríe (1956) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
72.Para vestir santos (1955) ... Distribuidor
73.Veraneo en Mar del Plata (1954) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
74.Tormenta de odios (1954) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
75.La calle del pecado (1954) ... Distribuidor
76.El vampiro negro (1953) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
77.Native Son (1951) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
78.El Zorro pierde el pelo (1950) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
79.La vendedora de fantasías (1950) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
80.Almafuerte (1949) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
81.Alma de bohemio (1949) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
82.La doctora quiere tangos (1949) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
83.Don Juan Tenorio (1949) ... Distribuidor
84.La rubia Mireya (1948) ... Distribuidor
85.Dios se lo pague (1948) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
86.Tango vuelve a París (1948) ... Distribuidor
87.Albéniz (1947) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
88.Adiós pampa mía (1946) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
89.Santa Cándida (1945) ... Distribuidor
90.24 horas en la vida de una mujer (1944) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
91.Valle negro (1943) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
92.Vacaciones en el otro mundo (1942) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
93.Yo conocí a esa mujer (1942) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
94.El camino de las llamas (1942) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
95.Cita en la frontera (1940) ... Distribuidor
96.Con el dedo en el gatillo (1940) ... Distribuidor
97.Alas de mi patria (1940) ... Distribuidor Argentina) (teatral)
98....Y mañana serán hombres (1939) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
99.Caminito de Gloria (1939) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
100.Una mujer de la calle (1939) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
101.El loco Serenata (1939) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
102.El matrero (1939) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
103.La vida de Carlos Gardel (1939) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
104.Doce mujeres (1939) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
105.Puerta cerrada (1939) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
106.El viejo doctor (1939) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
107.Madreselva (1938) ... Distribuidor Argentina) (teatral)
108.Senderos de fe (1938) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
109.Kilómetro 111 (1938) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
110.Con las alas rotas (1938) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
111.El último encuentro (1938) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
112.Maestro Ciruela (1938) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
113.La vuelta al nido (1938) ... Distribuidor
114.Melodías porteñas (1937) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
115.Viento norte (1937) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
116.¡Segundos afuera! (1937) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
117.Palermo (1937) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
118.Melgarejo (1937) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
119.Cadetes de San Martín (1937) ... Distribuidor Argentina) (teatral)
120.El pobre Pérez (1937) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
121.Amalia (1936) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
122.Loco lindo (1936) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
123.Puerto nuevo (1936) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
124.Monte Criollo (1935) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
125.El alma de bandoneón (1935) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
126.Riachuelo (1934) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)
127.Dancing (1933) ... Distribuidor (Argentina) (teatral)



Compañia misceláneas - filmografía

1.Antigua vida mía (2001) ... grip
2.Este cura (1968) ... Estudio (como Argentina Sono Film - Buenos Aires)
3.Juan Globo (1949) ... Estudio (como Argentina Sono Film - Buenos Aires)



Fuentes: Reportaje al cine Argentino, los pioneros del sonoro,por Mariano Calistro, Oscar Cetrángolo, Claudio España, Andrés Insaurralde, Carlos Landini.
Anesa, Editorial Abril, 1978.
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