Julio Diz

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Nació en la ciudad de Lanús, Buenos Aires, Argentina, el 27 de junio de 1956. Desde muy pequeño concurrió al cine, descubriendo a Walt Disney en el viejo Cine Monumental de la ciudad de Bernal. Ya de grande, Román Polanski y su film, “Cul de Sac” fueron los movilizadores hacia el cine de culto. En los años ’70, estudió cine en la EDAC, (Escuela de arte cinematográfico) de la ciudad de Avellaneda. En los ’80 cursó en CECINEMA, (Centro de estudios cinematográficos) dirigido por José Santiso, y asistió al Seminario Introducción al lenguaje cinematográfico, dictado por Simón Feldman. Incursionó en el Cine de Súper 8 y 16 MM. Asociado a UNCIPAR (Unión cineistas en paso reducido), fue cofundador del Biógrafo de la Alondra. Es editor de Woody y todo lo demás, Series de antología, Maestros de la imagen y el presente blog. Actualmente trabaja en su primer libro, “Los tiempos del cine”.

jueves, 29 de junio de 2017

Apuntes del 31 Festival.

«Hacer cine es un acto de fe»


Olivier Assayas pasó por Mar del Plata. El realizador francés dio una Charla magistral, presentó sus películas a sala llena y compartió su visión del cine con el Festival.


"He aprendido a escribir guiones de muy joven con mi padre -el famoso guionista y director Jacques Remy-  a una edad muy temprana, a los 19 años, y además escribía cortometrajes para amigos”, recuerda el realizador de Irma Vep, "Para mí, escribir guiones fue un proceso bastante rápido. El cambio más profundo fue pasar de la pintura y artes plásticas, que me dieron mucho placer cuando era joven, al cine. Eso fue más importante y difícil”.

Olivier Assayas es uno de los chicos rebeldes del cine francés. Sus películas difieren mucho una de otra, y no son pocos, los que lo comparan con los directores de la Nouvelle Vague. Su filmografía tuvo diferentes etapas, y además fue uno de los redactores más influyentes de la histórica revista Cahiers Du Cinema de los años ´80, ya que tuvo la perspicacia y visión de descubrir -y llevar- el nuevo cine asiático, como el de Hou Hsiao-Hsien, a Europa.

 "Cahiers Du Cinema es una revista que ha reflejado siempre su época. Tanto lo mejor como lo peor. Cada generación ha escrito su propia historia, como yo escribí la mía. He colaborado con la revista durante muchos años y fue muy importante porque me ayudó a descubrir el mundo. Después empecé a hacer cine y dejé el destino de la revista a otras generaciones”, manifiesta Assayas sobre su pasado como redactor.

El director de Clean, amante del cine de género, realizó numerosos thrillers como los destacados Demonlover -presente en el Festival- Boarding Gate y la miniserie Carlos. Declaró muchas veces ser fanático de la estética de Michael Mann, y no son pocos los que encuentran similitudes entre la estética del director de Fuego contra fuego y las del invitado de lujo que tiene esta edición.



"Es cierto que Michael Mann es un cineasta al que le tengo mucho respeto, pero no diría que mi forma de hacer cine sea una continuación de la suya, ni que me haya inspirado en él”, contesta Assayas. "Hay otros cineastas como Robert Bresson que me han influenciado mucho cuando era joven”.

Entre lo más destacado del Foco que el festival programó sobre el director parisino, se encuentra Personal Shopper, su última película, premiada en Cannes con la Palma a la mejor puesta en escena. "Esta película, en realidad, surgió de mi encuentro con Kristen Stewart”, afirma el realizador, "Cuando filmamos El otro lado del éxito /Clouds of Sils Maria se abrió una puerta. Ella me permitió explorar un personaje contemporáneo, con una vida real y tangible, y también una dimensión del inconsciente.


Imagen de Irma Vep
"Para mí, Kristen es una actriz con una presencia física, un peso real y sensible, pero al mismo tiempo tiene una vida interior muy rica y compleja", afirma el director, "Ella es capaz de expresar ese interior y pasarlo a través del cine. Para mí, esto es una cualidad muy rara en una actriz. Si no me hubiese encontrado con Kristen, no habría filmado esta película, porque no hay otra actriz contemporánea que pueda reflejar lo que ha hecho ella”.

Olivier Assayas está feliz de estar en Mar del Plata. Para él, viajar y poder acompañar sus películas es una oportunidad excelente para poder hablar, dialogar y encontrar otras personas aficionadas del cine con las que intercambiar opiniones. "En la Charla Magistral pude dialogar con apasionados del arte, me expresé y compartí lo que pienso sobre el cine. Ese es el objetivo que me propongo cada vez que viajo. A través de las películas intento dialogar con públicos internacionales, personas de todo el mundo.  Además, Argentina es un país con un cine muy moderno, de calidad internacional”.




Qué es el cine para Olivier Assayas:

"El cine es un arte al que he tenido la suerte de poder dedicarme. He podido reflexionar, escribir, ver y hacer otro tipo de cine. A través de la dirección, he reflejado mis gustos personales en otras ramas artísticas, como la pintura y la literatura. Para mí, hacer cine es una forma de ver la vida, de ver el mundo, de ver lo humano y es un orgullo poder hacerlo”, reflexiona el cineasta.


R. G. Weisskirch



"Para mí, el cine es el arte contemporáneo más relevante. Es una fuente de inspiración y diversión sin fin. Es un privilegio usarlo para mirar el mundo,  representarlo, intentar agarrarlo y llevarlo a las nuevas generaciones y a las personas que me rodean. Intento reflejar lo que veo. Hay otras manifestaciones artísticas, pero siento que el cine es el arte contemporáneo que le da a los artistas una herramienta fresca, tangible y más profunda. Es como un acto de magia. Cuando yo hago cine practico un acto de fe y convicción”. 

Fuente: Pagina oficial del 31 Festival Internacional de cine de Mar del Plata 

Original Soundtrack: Ennio Morricone.

El hombre que más música le puso al cine.

Ennio Morricone. Un nuevo disco celebra 60 años de carrera del compositor de muchas de las mejores bandas de sonido, desde los éxitos del spaghetti western hasta “Sacco y Vanzetti” y “¡Atame!”.


A comienzos del siglo XXI, la música de Ennio Morricone es al cine lo que el sueño lennoniano de una música que borre fronteras es al rock. Un mundo de composiciones instrumentales donde las diferencias entre musicalizar cine europeo o americano se desintegran y se funden; en el que las orquestaciones incluyen instrumentos de universos casi antagónicos como guitarra Fender Stratocaster, arpa de boca, látigo, órgano de iglesia y castañuelas. El rock, lo sinfónico y lo étnico, juntos, gracias al camino trazado por un ciudadano del mundo, que nació en Roma hace 88 años.

Morricone 60 puede ser una de las más armónicas pruebas de esa fenomenal potencia de su huella en el cine. El título del disco a la cifra de 60 años en la música (aunque tal vez sean más, porque Morricone comenzó como un ghost composer, escribiendo música para otros). La colección que se lanzó en todo el mundo el 11 de noviembre –un día después del cumpleaños 88 de Morricone– celebra el clasicismo de su legado y es Decca Records, uno de los más conspicuos sellos de música instrumental, el encargado de su edición.

Morricone 60 es, además, el primer álbum en el que el compositor condujo y realizó la curaduría y elección de los temas para una compilación suya. Desde El bueno, el malo y el feo hasta Los ocho más odiados , de Quentin Tarantino, ganadora a mejor banda de sonido del último premio Oscar, pasando por megaéxitos como La misión y Cinema paradiso , todas las obras fueron grabadas nuevamente con la Orquesta Sinfónica Nacional checa, con la que Ennio ha trabajado en los últimos años. La selección de 23 obras es hipnótica y a la vez hace bregar por más: el corte final de los 80 minutos máximos del CD dejó afuera a las melodías de Sacco y Vanzetti y films de Pier Paolo Passolini, de Dario Argento. Pero se trata más bien de una crítica utópica a un autor que ha escrito casi 600 composiciones entre bandas de sonido para radioteatros, televisión, cine, conciertos y hasta una misa dedicada al papa Francisco.

“Es casi imposible haber visto una película italiana sin música de Ennio”, bromeó alguna vez Bernardo Bertolucci, para quien justamente Morricone compuso la música de Novecento . En efecto, lo que no puede abarcarse en repertorio, como en el muy completo y hoy inhallable disco doble The Ennio Morricone Anthology - A Fistful Of Film Music , se gana en arreglos y la propia batuta del maestro. No es poco en un género, el de las bandas de sonido, donde suelen bullir en góndolas orquestas dudosas, con frías reversiones, que muchas veces derrochan lo que la educación sentimental cinéfila atesoró en nuestra memoria.

Este disco, no categóricamente nuevo, pero que sirve vino exquisito en ricas odres, coincide con su gira 60 Years of Music World Tour , en la que Morricone dirige a 200 músicos y cantantes en escena. En Europa lo vio una audiencia de 150.000 personas, número que sorprende tratándose de música instrumental. Los comienzos del Maestro, hace seis décadas, fueron más serenos, pero no menos impresionantes. Luego de que Mario Morricone, su padre, trompetista de orquestas de música ligera, le enseñara a leer música, a los 7 años compone sus primeras lieder . Ennio prosiguió sus estudios de trompeta (ese instrumento tan presente en sus Sphagetti westerns , convertido en un torbellino de mariachis, pura fanfarria de frontera tex-mex) en el Conservatorio de Santa Cecilia. Antes de que un promedio de 9,5 lo hallara a los 26 años con su Diplomatura en composición e instrumentación, retorna a la música de su infancia para piano y voz, basada en poesía. ¿Sus elecciones? Giacomo Leopardi, y de Cesare Pavese, “Vendrá la muerte y tendrá tus ojos”.
A finales de los 50 Morricone empieza a componer para la radio, la TV y los artistas pop. Después de un breve paso por la RAI, la RCA de Italia lo contrata como su arreglador musical más importante. El Italian beat , ese twist mediterráneo que se expande como un siroco contagioso y sensual a través de la Commedia all’italiana , ya tiene en el compositor nacido en el barrio de Trastevere a uno de sus protagonistas principales. Arregla y compone para los más populares cantantes italianos: Rita Pavone (en la época del célebre “Il ballo dil Mattone”), Gino Paoli, Luigi Tenco, Mario Lanza… Algunos proyectos son comerciales y a la vez osados como el disco de la cantante estadounidense Helen Merrill, Helen Merrill Sings Italian Songs , que antes de cada standard incluye a modo de prólogo un recitado de la letra en italiano con un menudo acompañamiento de guitarra. O el éxito “Se telefonando”, para Mina: combinación de líneas melódicas de trompeta, trombones y coro femenino cuyo estilo puede rastrearse en la actualidad hasta el grupo Divine Comedy o Isobel Campbell de Belle & Sebastian. Para la bellísima Catherine Spaak graba “Penso a te” y en 1963 compuso junto a Roby Ferrante la música de “Ogni volta”, canción que Paul Anka cantó en el Festival de San Remo: vendió tres millones de copias en todo el mundo. La música de Il Sorpasso de Dino Risi también lleva sus arreglos, así como el disco debut del cantante italiano de twist más vendedor del momento, Edoardo Vianello, que incluía los hits “Abbronzatissima” y “Guarda come dondolo”. Las orquestaciones eran del argentino radicado en Italia, Luis Bacalov. Y sin credenciales en la comprometida, joven y maciza militancia del Partido Comunista Italiano de su tiempo, Morricone era internacionalista a su manera: se encargó de algunos discos de 45 RPM de Chet Baker con baladas cantadas en italiano. Y más tarde, para Chico Buarque durante su exilio, orquestaría el álbum Per Un Pugno Di Samba . Nunca un título sería tan perfectamente sincrético del samba y lo mediterráneo moderno.
En sorprendente cadencia con una triunfante carrera en la industria musical más mainstream, desde 1964 hasta su separación en 1980, Morricone fue parte de Gruppo di Improvisazione di Nuova Consonanza (G.I.N.C. o directamente Il grupo), un grupo de compositores con sede en Roma que grababan improvisaciones, amalgamándolas con free jazz y técnicas vanguardistas noise. Bajo la influencia de compositores contemporáneos italianos como Luigi Nono and Giacinto Scelsi, grabaron 7 discos para sellos internacionales como Deutsche Grammophon. Seguramente el más famoso sea The Feed-back , que combina free jazz, música clásica y funk y que fue frecuentemente sampleado por DJs de hip-hop. Morricone fue uno de los miembros más destacados de Il grupo y además de ser su trompetista los dirigió en varias ocasiones, incluso para varias bandas de sonido de los 70. Reverenciado en círculos de vanguardia, Il grupo está considerado el primer colectivo experimental de compositores, aun antes que el colectivo inglés AAM. Su influencia se percibe en grupos de improvisación como los de Evan Parker y el jazz punk de Naked City.

Todo comenzó con un silbido. O mejor dicho con la negativa profunda de Sergio Leone a que su western de bajo presupuesto Por un puñado de dólares fuera musicalizado por Morricone. Hasta entonces las intervenciones del compositor habían sido en comedias italianas o filmes costumbristas y el director que estaba por mudar de continente a la gran épica estadounidense, el western, buscaba algo radicalmente diferente. Morricone conoció al cantante de folk californiano Peter Tevis, expatriado en Italia, y le hizo escuchar a Leone su versión de “Pastures of Plenty” (originalmente una obra del héroe de la canción de protesta Woody Guthrie)… pero en versión instrumental y con un silbido en vez de con su letra original. Fue el comienzo de una amistad a primera vista entre director y compositor. O como expresó el director :“un casamiento como esos que tenían los católicos antes de las leyes de divorcio”. Desde ese momento todos sus filmes llevarían la marca de Morricone. El rugido estilístico de Leone, que podía pasar en un instante de una toma general de un desierto al primer plano de un revólver, pronto panearía con idéntica velocidad de Italia a EE. UU. y al mundo. La banda de sonido de El bueno, el malo y el feo vendió 3 millones de discos. El aullido del lobo, ese barbárico “Ay-ee-ay-ee-ay” que toma al cine por asalto y a los tiros en la secuencia animada de los títulos, sigue siendo uno de los momentos musicales más reconocibles en la historia del séptimo arte. “Morricone es el hombre más responsable de la atmósfera, el impacto y en gran parte de la popularidad de los filmes de Leone”, dice el crítico Robert C. Cumbow en su libro Once Upon a Time: The Films of Sergio Leone .

Desde entonces la carrera de Morricone tuvo un ascenso indeclinable en Hollywood y el mundo: música para filmes de Brian de Palma ( Los Intocables ), Roman Polanski ( Búsqueda frenética ), Pedro Almodóvar ( ¡Atame!) y Margarethe Von Trotta, entre muchos otros. Capaz de los momentos más románticos (como la escena erótico voyeur en Erase una vez en América cuando Deborah/Jeniffer Connelly se deja espiar por el protagonista), de haber encendido la mecha sonora del cine político (en Queimada!

Sacco y Vanzetti junto a Joan Baez o La batalla de Argelia , en la que la percusión musical intensifica la cuenta regresiva de los atentados) o hasta de hacer más siniestro el terror (en Perro blanco de Sam Fuller), Morricone logró el deseo de convertirse en un artista tan popular como anónimo. Hoy su repertorio lo interpreta el grupo Metallica al comienzo de sus shows y se lo puede apreciar en arreglos orquestales de Morrissey y Sting, sin que muchos sepan de su genio en las sombras. Si todo su poder melodramático pudiera concentrarse en una escena, allí está la de Kill Bill en la que Uma Thurman, Beatrix Kiddo, la novia –esa madre coraje, más ninja que brechtiana–, debe salir de su entierro en vida mientras tintinea en la oscuridad el tema que Morricone hizo para el final de Il mercenario de Sergio Corbucci. Y aunque sea difícil reverla sin llorar, no es tiempo para lágrimas: Morricone está vivo y sus melodías son silbables por todos.

Listado de obras

Peliculas

  • 1961: El Federal
  • 1962: Deseo loco
  • 1962: La cuccagna
  • 1962: Los motorizados
  • 1962: Jóvenes al sol
  • 1963: I basilischi
  • 1963: Gringo
  • 1963: El éxito
  • 1964: ... E la donna creò l'uomo
  • 1964: Los mangantes
  • 1964: Antes de la revolución
  • 1964: Llegaron los marcianos
  • 1964: Tutto è musica
  • 1964: I due evasi di Sing Sing
  • 1964: Por un puñado de dólares
  • 1964: Las pistolas no discuten
  • 1964: In ginocchio da te
  • 1964: La scoperta dell'America
  • 1965: Una pistola para Ringo
  • 1965: Amanti d'oltretomba
  • 1965: Altissima pressione
  • 1965: El octavo hombre
  • 1965: Thrilling
  • 1965: Las manos en los bolsillos
  • 1965: Idoli controluce
  • 1965: El retorno de Ringo
  • 1965: La muerte tenía un precio
  • 1965: Se non avessi più te
  • 1965: Non son degno di te
  • 1965: Menage a la italiana
  • 1965: Le monachine
  • 1966: Siete pistolas para los Mac Gregor
  • 1966: Frente al amor y la muerte
  • 1966: Agente 505, muerte en Beirut
  • 1966: Pajaritos y pajarracos
  • 1966: El Greco
  • 1966: La batalla de Argelia
  • 1966: Un río de dólares
  • 1966: Un uomo a metà
  • 1966: La Biblia
  • 1966: Come imparai ad amare le donne
  • 1966: Joe, el implacable
  • 1966: El halcón y la presa
  • 1966: El bueno, el feo y el malo
  • 1966: Mi vedrai tornare
  • 1967: Dalle Ardenne all'inferno
  • 1967: Los despiadados
  • 1967: Las brujas
  • 1967: Los largos días de la venganza
  • 1967: Siete mujeres para los Mac Gregor
  • 1967: Operación Hermano Pequeño
  • 1967: Sugar Colt
  • 1967: Sin rival
  • 1967: De hombre a hombre
  • 1967: L'avventuriero
  • 1967: China está cerca
  • 1967: Diamantes a gogó
  • 1967: La muchacha y el general
  • 1967: L'harem
  • 1967: Agente Z-55, misión Coleman
  • 1967: Cara a cara
  • 1967: Il giardino delle delizie
  • 1967: Arabella
  • 1968: Diabolik
  • 1968: Escalation
  • 1968: Los cañones de San Sebastián
  • 1968: Comandamenti per un gangster
  • 1968: Grazie zia
  • 1968: Salario para matar
  • 1968: Corre, cuchillo... corre
  • 1968: Por techo, las estrellas
  • 1968: Teorema
  • 1968: Galileo
  • 1968: Scusi, facciamo l'amore?
  • 1968: El magnífico Tony Carrera
  • 1968: Partner.
  • 1968: Guapa, ardiente y peligrosa
  • 1968: Un lugar tranquilo en el campo
  • 1968: El gran silencio
  • 1968: Roma come Chicago
  • 1968: Hasta que llegó su hora
  • 1968: Ecce Homo
  • 1968: Eat It
  • 1969: Fräulein Doktor
  • 1969: Cuore di mamma
  • 1969: Tepepa... Viva la revolución
  • 1969: L'alibi
  • 1969: La monja de Monza
  • 1969: Las Vegas, 1.970
  • 1969: Metti, una sera a cena
  • 1969: Un bellissimo novembre
  • 1969: H2S
  • 1969: Sai cosa faceva Stalin alle donne?
  • 1969: Un ejército de cinco hombres
  • 1969: La stagione dei sensi
  • 1969: Sin saber nada de ella
  • 1969: Una breve stagione
  • 1969: El clan de los sicilianos
  • 1969: La donna invisibile
  • 1969: Zenabel
  • 1969: Queimada
  • 1969: La tienda roja
  • 1969: Vergogna schifosi
  • 1969: L'assoluto naturale
  • 1969: Giotto
  • 1970: Uccidete il vitello grasso e arrostitelo
  • 1970: Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha
  • 1970: Dos mulas y una mujer
  • 1970: El pájaro de las plumas de cristal
  • 1970: Sola frente a la violencia
  • 1970: Metello
  • 1970: Y Dios está con nosotros
  • 1970: Nido de avispas
  • 1970: Ciudad violenta
  • 1970: Los caníbales
  • 1970: Cuando las mujeres tenían cola
  • 1970: Días de angustia
  • 1970: Giochi particolari
  • 1970: Los compañeros
  • 1970: La Califa
  • 1971: Tre nel mille
  • 1971: El gato de las nueve colas
  • 1971: Una lagartija con piel de mujer
  • 1971: Sacco y Vanzetti
  • 1971: Veruschka
  • 1971: Los fríos ojos del miedo
  • 1971: El Decamerón
  • 1971: La tarántula del vientre negro
  • 1971: El día negro
  • 1971: Il giorno del giudizio
  • 1971: Sin móvil aparente
  • 1971: La clase obrera va al paraíso
  • 1971: Adiós, hermano cruel
  • 1971: ¡Agáchate, maldito!
  • 1971: El furor de la codicia
  • 1971: El caso está cerrado, olvídelo
  • 1971: La corta noche de las muñecas de cristal
  • 1971: Incontro
  • 1971: Maddalena
  • 1971: 4 Moscas sobre terciopelo gris
  • 1971: ¡Viva la muerte... tuya!
  • 1972: Sumario sangriento de la pequeña Estefania
  • 1972: Jaque mate siciliano
  • 1972: Proceso a un estudiante acusado de homicidio
  • 1972: Esa clase de amor
  • 1972: Quando le donne persero la coda
  • 1972: ¿Qué habéis hecho con Solange?
  • 1972: El cerebro del mal
  • 1972: ¿Quién la ha visto morir?
  • 1972: Los cuentos de Canterbury
  • 1972: Il maestro e Margherita
  • 1972: Forza 'G'
  • 1972: Los hijos del día y de la noche
  • 1972: Barba Azul
  • 1972: El atentado
  • 1972: Noticias de una violación en primera página
  • 1972: Ya le llamaban Providenzia
  • 1972: La cosa buffa
  • 1972: I figli chiedono perché
  • 1972: Un hombre a respetar
  • 1972: El retorno de Clint el solitario
  • 1972: ¡Qué nos importa la revolución!
  • 1972: Quando la preda è l'uomo
  • 1972: Lui per lei
  • 1972: Fiorina la vacca
  • 1972: De amor se muere
  • 1972: Anche se volessi lavorare, che faccio?
  • 1973: Crescete e moltiplicatevi
  • 1973: El serpiente
  • 1973: El amargo deseo de la propiedad
  • 1973: Revolver
  • 1973: Muerte en Roma (Rappresaglia)
  • 1973: Vaarwel
  • 1973: El bruto, el listo y el capitán
  • 1973: Giordano Bruno
  • 1973: Mi nombre es Ninguno
  • 1973: Quando l'amore è sensualità
  • 1973: La sepultada viva
  • 1974: La sonrisa del gran tentador
  • 1974: L'ultimo uomo di Sara
  • 1974: Spasmo
  • 1974: Las mil y una noches
  • 1974: El trío infernal
  • 1974: La cugina
  • 1974: Milano odia: la polizia non può sparare
  • 1974: Allonsanfàn
  • 1974: La gran burguesía
  • 1974: El secreto
  • 1974: Anticristo
  • 1975: Mussolini: último acto
  • 1975: Tensión
  • 1975: Les deux saisons de la vie
  • 1975: Libertad, amor mío
  • 1975: Prostitución de menores
  • 1975: L'ultimo treno della notte
  • 1975: Pánico en la ciudad
  • 1975: La faille
  • 1975: Por las antiguas escaleras
  • 1975: El puente sobre Estambu]
  • 1975: Leonor
  • 1975: Divina criatura
  • 1975: Labbra di lurido blu
  • 1975: Gente de respeto
  • 1975: Víctimas del terrorismo
  • 1975: Saló o los 120 días de Sodoma
  • 1975: El genio
  • 1975: Attenti al buffone
  • 1975: La mujer del domingo
  • 1976: San Babila ore 20 un delitto inutile
  • 1976: Todo modo
  • 1976: Novecento
  • 1976: Una vita venduta
  • 1976: L'Agnese va a morire
  • 1976: La herencia Ferramonti
  • 1976: El desierto de los tártaros
  • 1976: Per amore
  • 1976: L'arriviste
  • 1977: René la canne
  • 1977: Le Ricain
  • 1977: Exorcista II: el hereje
  • 1977: Orca, la ballena asesina
  • 1977: La fuerza del silencio
  • 1977: Il mostro
  • 1977: El cínico y la casada
  • 1977: Holocausto 2000
  • 1977: La casa de los desmadres
  • 1977: Stato interessante
  • 1978: Madame Petit
  • 1978: Pedro Páramo
  • 1978: Days of Heaven
  • 1978: Así como eres
  • 1978: Vicios pequeños
  • 1978: Corleone
  • 1978: La venganza de Baby Simona
  • 1978: Vicios de verano
  • 1979: Dedicato al mare Egeo
  • 1979: Il giocattolo
  • 1979: El humanoide
  • 1979: Un viaje con Anita
  • 1979: Lazos de sangre
  • 1979: La luna
  • 1979: Operación Ogro
  • 1979: El prado
  • 1979: Mentiras inocentes
  • 1979: I... comme Icare
  • 1979: Buone notizie
  • 1980: Ventanas
  • 1980: Spaghetti
  • 1980: El buen ladrón
  • 1980: Stark System
  • 1980: Nouvelles rencontres
  • 1980: La isla
  • 1980: L'oeil pervers
  • 1980: Il bandito dagli occhi azzurri
  • 1980: La banquera
  • 1980: La jaula de las locas
  • 1980: Si salvi chi vuole
  • 1980: La via del silenzio
  • 1981: Bianco, rosso e Verdone
  • 1981: La verdadera historia de la dama de las camelias
  • 1981: Dos granujas en el oeste
  • 1981: La historia de un hombre ridículo
  • 1981: La disubbidienza
  • 1981: Profesor a mi medida
  • 1981: El profesional
  • 1981: Uomini e no
  • 1982: Espion, lève-toi
  • 1982: La marca de la mariposa
  • 1982: La cosa
  • 1982: Perro blanco
  • 1982: Blood Link
  • 1982: Porca vacca
  • 1983: Le ruffian
  • 1983: El tesoro de las cuatro coronas
  • 1983: Copkiller
  • 1983: Nana
  • 1983: Hundra
  • 1983: La llave secreta
  • 1983: El marginal
  • 1983: Aventuras en el Sahara
  • 1983: Tre donne (corto)
  • 1984: Érase una vez en América
  • 1984: Ladrones en la noche
  • 1985: El guerrero rojo
  • 1985: La jaula
  • 1985: El arrepentido
  • 1985: La jaula de las locas (ellas se casan)
  • 1986: La veneciana
  • 1986: La misión
  • 1987: Adiós, Moscú
  • 1987: Project
  • 1987: Los Intocables 
  • 1987: Quartiere
  • 1987: Desbocado
  • 1987: Gli occhiali d'oro
  • 1988: Busqueda Frenética
  • 1988: La fuerza del destino
  • 1988: Cinema Paradiso
  • 1989: Corazones de hierro
  • 1989: Tiempo de matar
  • 1989: Creadores de sombras
  • 1989: ¡Átame!
  • 1990: Dimenticare Palermo
  • 1990: Tre colonne in cronaca
  • 1990: Mio caro dottor Gräsler
  • 1990: Big Man
  • 1990: Stanno tutti bene
  • 1990: Tracce di vita amorosa
  • 1990: El clan de los irlandeses
  • 1990: Hamlet (El honor de la venganza)
  • 1990: Ottobre rosa all'Arbat
  • 1991: Money
  • 1991: La villa de los viernes
  • 1991: La domenica specialmente
  • 1991: La thune
  • 1991: Bugsy
  • 1992: Más allá de la justicia
  • 1992: La ciudad de la alegría
  • 1992: A csalás gyönyöre
  • 1992: Ilona und Kurti
  • 1993: Il lungo silenzio
  • 1993: Jona che visse nella balena
  • 1993: La escolta
  • 1993: En la línea de fuego
  • 1993: Estasi
  • 1994: Pura formalidad
  • 1994: Lobo
  • 1994: La noche y el momento
  • 1994: La Biblia: Génesis
  • 1994: Un asunto de amor
  • 1994: Acoso
  • 1995: Sostiene Pereira
  • 1995: Pasolini, un delitto italiano
  • 1995: El hombre de las estrellas
  • 1995: L'uomo proiettile
  • 1996: El síndrome de Stendhal
  • 1996: Vite strozzate
  • 1996: Ninfa plebea
  • 1996: I magi randagi
  • 1996: La loba
  • 1996: Aventuras en Shanghai 4 (corto)
  • 1997: Con rabbia e con amore
  • 1997: Giro al infierno
  • 1997: Lolita
  • 1997: Un bel dì vedremo
  • 1997: Naissance des stéréoscopages
  • 1997: Cartoni animati
  • 1998: Bulworth
  • 1998: La leyenda del pianista en el océano
  • 1998: El fantasma de la ópera
  • 2000: Canone inverso - making love
  • 2000: Misión a Marte
  • 2000: Vatel
  • 2000: Malèna
  • 2001: La ragion pura
  • 2001: Aida degli alberi
  • 2001: Kill Bill: Volumen 1
  • 2002: Threnody (corto)
  • 2002: Las perversiones de Livia
  • 2002: El juego de Ripley
  • 2002: Il diario di Matilde Manzoni
  • 2002: L'ultimo pistolero (corto)
  • 2003: La luz prodigiosa
  • 2003: Trick Saddle (corto)
  • 2003: Alla fine della notte
  • 2003: Al cuore si comanda
  • 2004: Kill Bill: Volumen 2
  • 2004: 72 metra
  • 2004: Guardiani delle nuvole
  • 2005: Sin destino
  • 2005: E ridendo l'uccise
  • 2005: The Order of Templates (corto)
  • 2006: Play the Game (corto)
  • 2006: A crime
  • 2006: La Sconosciuta
  • 2007: Killfilm II (corto)
  • 2007: Tutte le donne della mia vita
  • 2007: Ultrasordine (corto)
  • 2007: Mr.Werner Herzog! My Best Friends! Meet at Tamsui! (corto)
  • 2007: The Weatherman (corto)
  • 2008: I demoni di San Pietroburgo
  • 2009: Baaria
  • 2009: The Ear (corto)
  • 2010: Angelus Hiroshimae
  • 2010: The Greatness (corto)
  • 2011: April Fools' Day (corto)
  • 2011: Unexpected Hero (corto)
  • 2011: Love Story
  • 2011: Labyrinth (corto)
  • 2012: Django Desencadenado
  • 2013: La migliore offerta
  • 2015: The Hateful Eight
  • 2016: La corrispondenza

Documentales

  • 1962: Gli italiani e le vacanze
  • 1964: I malamondo
  • 1971: Oceano
  • 1974: Sesso in confessionale
  • 1975: Macao
  • 1975: A Escola Aberta
  • 1976: Ariel Limon
  • 1978: Forza Italia!
  • 1980: The Fantastic World of M.C. Escher
  • 1982: Maja Plisetskaja
  • 1983: Pelota
  • 1989: 12 registi per 12 città
  • 1990: Ennio Morricone: la musica negli occhi
  • 1994: Roma Imago Urbis: Parte I - Il mito
  • 1994: Roma Imago Urbis: Parte II - L'immortalità
  • 1994: Roma Imago Urbis: Parte III - Gli acquedotti
  • 1994: Roma Imago Urbis: Parte V - I volti
  • 1995: Roma Imago Urbis: Parte VI - Le gesta
  • 2001: Un altro mondo è possibile
  • 2002: Carlo Giuliani, ragazzo
  • 2002: I sogni nel mirino
  • 2006: Adolfo Celi, un uomo per due culture
  • 2009: Salvare Procida
  • 2013: Vengeance rides a horse
  • 2015: The Sun is Dark
  • 2016: Voyage of Time (Post-Producción)

Fuente: http://www.revistaenie.clarin.com/escenarios/Ennio-Morricone-hombre-musica-puso-cine_0_1690031010.html

domingo, 25 de junio de 2017

La ficción es mi única religión.

Catalina Aguilar Mastretta presenta su primera novela, Todos los días son nuestros
 
La guionista y cineasta mexicana, hija de los escritores Angeles Mastretta y Héctor Aguilar Camín, se planteó para su debut en la novela una dolorosa historia de amor. “Una nunca deja de crecer, todo lo que escribo trata sobre el crecimiento y la pérdida”, reflexiona.
 
 
Mastretta dirigió dos films de su autoría: Las horas contigo (2015) y Todos queremos a alguien (2017).
Mastretta dirigió dos films de su autoría: Las horas contigo (2015) y Todos queremos a alguien (2017). 
Imagen: Rafael Yohai
 
“Somos del espacio en el que nos olvidamos”, dice María una joven de treinta años que escribe críticas de cine, cuando le preguntan si conoce al cineasta Emiliano Cervera, el hombre que fue el amor de su vida. La separación, después de casi nueve años de convivencia, la hunde en el dolor que produce la obsesión de algo que se perdió: el amor y la juventud, como dos líneas rectas que se cruzan en el plano de los objetos extraviados. Lo que podría transformarse en un drama para leer con un arsenal de pañuelos descartables deviene una suerte de tragicomedia, con la ironía como mejor aliada para mantener a raya el exceso de sentimentalidad. “Tengo el corazón roto. Y tener el corazón roto es como andar borracho, pero como borracho de dos copas de vino, o sea, desinhibido, medio impertinente, pero no súper atento al hecho de que uno está borracho”, reflexiona la protagonista de Todos los días son nuestros (Planeta), primera novela de Catalina Aguilar Mastretta, guionista y directora de cine que ha dirigido dos películas de su autoría: Las horas contigo (2015) y Todos queremos a alguien (2017).

Aguilar Mastretta, hija de los escritores Ángeles Mastretta y Héctor Aguilar Camín, vive entre la ciudad de México y Los Ángeles hace nueve años. Tenía 24 cuando decidió estudiar cine en la Universidad de Nueva York. “Los guiones de cine son estructuras muy rígidas que no te dejan irte por ninguna tangente. Al estar viviendo en Estados Unidos, con todas mis amigas y mis hermanos en México, sentía que se me perdían muchas observaciones y reflexiones de los que les estaba pasando a ellos. Entonces fui tomando notas y eso se fue volviendo una novela”, cuenta la escritora y cineasta mexicana en la entrevista con Página 12.


–¿En qué sentido “el cine salva”, como plantea María en Todos los días son nuestros?
–El cine te transporta de un modo particular y te permite olvidar el lugar en el que estás sentado. La ficción es la única religión que tengo. Que un extraño te cuente una historia y te haga sentir que te la escribió a ti y que no estás solo, implica que hay una conexión muy espiritual. El cine tiene una especificidad inmediata que para mí fue muy impresionante de niña y es por eso que me fui más hacia ese medio, por la idea de tener una experiencia conjunta con un actor y al mismo tiempo con una persona que no ves, que está detrás de todo un esfuerzo que se siente grande. Ya no puedo ver una película sin saber que hay miles de personas tratando de concentrarse en el detalle más estúpido, para transmitirme la cosa más específica.

–Todos los días son nuestros es una novela no sólo sobre la ruptura de una pareja, sino sobre las pérdidas en un sentido amplio. De un modo más preciso es una historia sobre la pérdida de la juventud, ¿no?
–Sí, es una novela sobre lo que significa crecer y cómo uno nunca deja de crecer. Todo lo que escribo trata sobre el crecimiento y la pérdida. La idea de estar lejos, de estar en Estados Unidos, hacía que sintiera que me estaba perdiendo el crecimiento de los demás. Aunque no era muy consciente, quería escribir un libro para mis amigas, para que dentro de veinte años, cuando lo leamos, digamos: “esta es la ciudad en la que crecí”, “esta es la ciudad en la que nos hicimos amigas”.

–¿Qué diferencias hay entre la escritura de un guion y de una novela?
–La novela es una historia completa. Los guiones no están hechos para ser obras completas. Los escribes para convencer a alguien de que los convierta en otra cosa. Los personajes están hechos para un actor, lo cual quiere decir que no están terminados por completo en un guion, y siempre van a ser radicalmente distintos porque van a tener el cuerpo de otra persona en la versión final. En cambio la novela está hecha para un lector y tiene una rara falta de neurosis: “no estoy tratando de convertir esto en nada; esto es lo que es y el lector lo acepta o no lo acepta”. Pero sale de mí y ahí termina. Eso me da mucha tranquilidad (risas).

–”Escribo porque es lo que hago, pero no es lo que me llama como un chamán molesto que no me deja vivir”, plantea María. ¿Coincide?
–No. Como quería contar la historia desde el punto de vista de María, sabía que Emiliano nos iba a quedar más lejos. Entonces la manera de que Emiliano no se me perdiera es que se pareciera a mí. Emiliano tiene mis obsesiones, mi personalidad, reacciona a las cosas de la misma manera en que yo reaccionaría. Como Emiliano, me puedo perder obsesivamente en qué le va a pasar a un personaje que inventé.

–¿Cómo se escribe un buen diálogo?
–Los diálogos que más disfruto y por lo tanto trato de emular son una mezcla entre algo realista –que dos personas puedan hablar de ese modo– y algo elevadito, donde hablan de manera más elocuente de lo que hablamos todos los días. El único parámetro es que los diálogos te hagan pensar que los personajes tienen un ingenio y una inteligencia que te llaman. Que cada personaje hable como una persona individual y distinta, que no hablen igual. Esto es técnica, pero también instinto. En la mejor versión estás escribiendo una conversación que te gustaría tener.

–¿Por qué a través de algunas series como 13 Reasons Why y Stranger Things se manifiesta cierta nostalgia por la música y la estética de los años 80?
–Los millennials –léase nuestra generación– no quieren crecer, entonces vuelven al pasado. A la hora de estar en posición de crear, crean cosas que se parecen a las que los marcaron de niños. No es la primera vez que pasa. El mundo está cambiando cada vez más rápido y las cosas que entiendes están atrás, incluso para la gente joven. El futuro inmediato se empieza a sentir como un abismo que no vas a poder abarcar.

–¿Cómo está viviendo el Estados Unidos de Donald Trump?
–Al haber crecido en la ciudad de México, la frontera me parecía que estaba lejos. Pero en Los Ángeles la siento muy cerca. La manera en que la cultura gringa ha reflejado a los latinos que viven en Estados Unidos es profundamente pobre. Los latinos se sienten ilegítimos porque la mayoría llegó de manera ilegal al país. Es radicalmente opuesta a la experiencia de los afroamericanos, que sienten que tienen una herida que la sociedad les debe resarcir. Y tienen razón. No es lo mismo un migrante que llegó voluntariamente que un migrante que llegó esclavizado.


Fuente: https://www.pagina12.com.ar/45154-la-ficcion-es-mi-unica-religion

viernes, 16 de junio de 2017

Apuntes del 31 festival.

«Todo lo demás» - La dualidad humana


Se presentó el largometraje de Natalia Almada, en Competencia Latinoamericana
Como en El Velador–Competencia Latinoamericana 26° Festival- Natalia Almada construye su última producción de un detalle que rompe con la monotonía, que dispara un universo de significados y líneas narrativas. Todo lo demás es la historia de una mujer que trabaja en una oficina estatal, otorgando, y no, las identificaciones para votar. Una cámara cercana y sensible la acompaña desde que se levanta, al lado de su gato, su viaje al trabajo -con hermosos registros de la urbe mexicana- y la adictiva burocracia de la que es parte. Con una actuación soberbia de Adriana Barraza, Todo lo demás, logra presentar un tema universal desde la perspectiva intimista de una mujer presa de un sistema que todo lo fagocita.

¿Cómo surge la idea de tu película?

Después de hacer El Velador, que trata sobre la violencia del narco tráfico en México, quería seguir tratando el tema de la violencia desde otra perspectiva, la violencia de la burocracia. Me inspiré mucho en una idea de Hanna Arendt, que la burocracia es una forma de violencia porque deshumaniza al individuo volviéndolo un engranaje en la maquinaria del sistema. Solía nadar en la alberca del Deportivo Hacienda, donde conocí a muchas burócratas jubiladas. En ese ambiente eran muy abiertas y muy físicas, algo opuesto a la burócrata ejerciendo su labor. Ellas me inspiraron en hacer un retrato de la vida íntima de una mujer que suele ser invisible en la sociedad.



Es increíble la interpretación de Adriana Barraza. ¿Cómo trabajaste con ella para lograr esa gestualidad minúscula y a la vez tan elocuente?

Fue un honor trabajar con Adriana Barraza. Para mí fue mi primera experiencia en ficción, dirigiendo la actuación tanto de una gran actriz como Adriana como de los no-actores. Me preparé leyendo mucho sobre la actuación y tomando algunos cursos. Lo que me dio mucha confianza es que tanto el documental como la ficción buscan retratar algo "real”. Cuando entendí esto pude confiar en mi experiencia filmando documentales por más de quince años. Entendí que igual que en el documental tenía que buscar esos momentos de sinceridad que se sienten, y evitar a toda costa la insinceridad. El trabajo con Adriana siempre fue el de buscar la simplicidad y sutileza. Confiar en los gestos para emitir las emociones y luego confiar en la cámara para capturar esos momentos y detalles.

El mundo interior de la protagonista se amalgama con el sistema, con la calle, el subte. ¿Cómo trabajaste desde el guion este aspecto?

Gran parte de la película se filmó como documental, especialmente las secuencias del metro. El guion sólo fue un punto de partida porque estábamos en un contexto real - el metro de la ciudad de México durante las horas pico. No controlábamos el entorno y teníamos que ser muy ágiles para movernos entre tanta gente y lograr captar los momentos improvisados. Para mí, este proceso fue lo más enriquecedor, porque realmente combina el documental con la ficción.

¿Qué elementos tuviste en cuenta a la hora de retratar a una mujer como cara visible del sistema burocrático?

El retrato de Doña Flor es complejo porque es un personaje que odiamos y amamos al mismo tiempo. Por un lado es la burócrata que impone su poder sin sentido, por otro lado, detrás de esa dureza hay una mujer con sentimientos, en este caso una mujer muy sola con mucho dolor. Esta dualidad me interesa mucho porque todos tenemos una imagen exterior y una realidad interior, y estamos tratando de reconciliar esos dos personajes en uno. Siento que la invisibilidad que sufre Doña Flor es muy común y es la razón de mucho sufrimiento.



Es la segunda vez que participás de la Competencia Latinoamericana en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. La primera fue con El Velador, en el 26° Festival ¿Cuáles son tus expectativas ahora con Todo lo demás?

Es un honor participar de nuevo en el festival de Mar del Plata. Me encantaría ir otra vez pero acabo de dar a luz y el pequeñito todavía no estará listo para viajar. Espero que el público argentino logre simpatizar y verse identificados con Doña Flor. Lo que más me llena de hacer cine es la capacidad de cruzar fronteras y afectar a personas de países y culturas tan distintas.

Agustina Salvador









Fuente: Pagina oficial del 31 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

El juez, Downey + Duvall.




Robert Downey Jr. produce y actúa en El Juez, junto con Robert Duvall, quien interpreta a un magistrado de pueblo acusado de un homicidio. Downey Jr. es un abogado exitoso que vuelve a su lugar de origen a hacerse cargo del juicio contra su padre. En esta exclusiva charla, los dos Robert hablan sobre la película.


Esta es una película del tipo que los estudios ya no hacen.

Robert Downey Jr.: Sí, pero ¿sabés que?  La hicieron. Eso es lo grandioso que tiene esta industria: nadie hace nada hasta que alguien lo hace. Sospecho que siempre fue así. Hace veinticinco o treinta años yo actué en "Ciencia loca" y después aparecieron "Los cazafantasmas" o "Volver al futuro" de la mano de directores de comedias. Al día de hoy, todavía estamos hablando de esas películas.

El juez no termina en un juicio, sino que va más allá, como un melodrama de los años 50.

RDJ: Creo que los verdaderos dramas tienen que ser realmente ingenioso para que no salgas destruido por tantos golpes pensando que no hay salida. La película comienza de una manera extraña y después hace que te sumerjasw más y más, pero nunca te ahoga, mantiene la liviandad aun en situaciones muy oscuras.

Una vez un director me dijo que todas las películas son sobre padres e hijos. "Iron Man" era sobre Tony Stark y el padre, por ejemplo.

RDJ: Howard, sí. Bueno, yo recuerdo que alguien me dijo que hay siete tramas para todas las películas. ¿En serio? A mí me parece haber visto doce o veinte o treinta. Igual, cada vez que alguien generaliza esconde algo de verdadero: en las películas de Sherlock Holmes nunca vemos al padre, pero quizás la figura paterna es la época victoriana en Inglaterra y el hijo es el crimen. Todo se trata sobre el desafío de contar una historia en la que Sherlock Holmes es el padre de la historia, pero es a su vez el hijo del hombre sobre el cual trata la historia en sí.

Sin develar nada, el final de El juez queda abierto.

RDJ: A mí me encantan ese tipo de películas con finales ambiguos, aunque usualmente no trabajo en ellas. Yo termino en películas que son muy claras sobre lo que sucede al final y esto no tiene nada que ver con que sean películas de género, sino por cómo están escritas. A veces leés guiones que sabés que son muy inteligentes, pero están mal ejecutados.

¿Cómo resuena en ustedes ser padre e hijo en esta película?

Robert Duvall: Bueno, en mi caso, me identifico con la complejidad del asunto. Mis problemas empiezan con mi hijo, que es un catalizador de todo lo que me afecta. El porcentaje de amor y odio cambia a diario en la relación, como todos los lazos que nos unen a las familias. En este caso, es un lazo profundo, aunque perturbador.

RDJ: Sí, mi personaje, Hank Palmer, no es consciente de esa característica de la relación.

Como todo hijo

RDJ: Exacto. Pero hay una escena en la que trata de contarle al juez todos los errores cometidos como padre y al final el juez le dice: "De nada". Tiene razón, porque gracias a él, Hank llegó hasta donde está, más allá de las situaciones que vivió para llegar ahí. Su respuesta es "de nada" porque en ese punto creemos que Hank podría ser un buen tipo que busca a su padre. Alguien observó que aunque en toda la película podemos pensar que el juez es un tipo difícil, nunca se desvía de ser directo y honesto, y eso es una virtud.

RD: El juez intenta hacer las cosas bien, pero sus acciones tienen una marca negativa encima. Él quería tener a su familia junta, pero sus hijos no le reconocen sus intenciones.

La película habla del legado que dejamos, porque el juez quiere ser recordado. Todos tratamos de ser inmortales en ese sentido.

RD: A veces hacemos cosas muy malas para que nos recuerden.

RDJ: Creo que el legado tiene que ver con la proyección que tiene Hank del juez, que es como una brújula moral. Hank se alejó de su familia y se preocupó por el dinero. Parte del "volver a casa" "en cierto extraño sentido" se trata de completar la educación para convertirse en un hombre. Y ese consejo no lo quiere escuchar de parte de su padre. Si lo leés en papel, el juez no es un personaje muy agradable, pero Bobby lo interpretó de tal manera que encontró grandeza en la relación con los demás.

¿Y cuál es su aproximación en esta película con tanto diálogo?

RDJ: Bueno, todos tienen su método. David (Dobkin, el director) pasó mucho tiempo filmando y observándonos sin darnos muchas notas. No nos guió demasiado. A veces yo interrumpía la escena sorprendido y preguntaba si no necesitaba otro ángulo, pero después veía lo filmado y él tenía todo cubierto, porque ponía la cámara en diferentes lugares. Aun en una escena en la que tenemos una botella de licor de por medio como punto visual de referencia, continuaba cambiando la manera en la que la veías y mantenía cierto interés visual en la conversación. Confío en él y en Janusz Kaminski, nuestro director de fotografía, que era un personaje más en la película. Y claro, en el elenco.

RD: ¿Nos vemos como una familia?

Si.

RDJ: Es lo mismo cuando vemos qué rol cumple cada uno en una familia: Dobkin nos dirigía de determinada manera para que nos pareciéramos a una familia con características en común.

¿Planean dirigir de nuevo?

DRJ: Sí.

RD: Sí, mi esposa va a interpretar a una texana latina, una mujer de campo. Trabajé mucho tiempo en esta película, que tiene un buen elenco.

Es interesante porque en la película, vos, cuando crecés, hablás mal de tu mentor.

RDJ: Sí.

RD: ¿Quién habla mal?

Todos. Usualmente, nuestro camino en la vida es desprenderse de nuestro maestro y aprender a equivocarse solo.

RDJ: Totalmente. Hank hace exactamente eso con el juez.

RD: Sí, es verdad. Algunas personas se quejan por cualquier cosa. Conocí a algunos que criticaban a Messi o a Maradona. Decían que no eran geniales. Todos se quejan de algo, todos creen que pueden hablar. Nunca es suficiente. ¿Chango todavía trabaja?

¿Félix Monti? Sí.

RD: (imitándolo) "Hola, che, ¿cómo estás?".

(A RDJ:) Habla así porque Chango tiene un acento muy marcado, es de Argentina. Fue director de fotografía de "Gringo viejo" con Gregory Peck.

RDJ: Oh...

RD: Mucha gente de México no quiere trabajar con él, pero yo lo considero un tipo muy profesional. Un gran director de fotografía que puede iluminar cualquier escena en tres segundos. Nunca vi a alguien trabajar tan bien, tan rápido. ¿Con quién había trabajado hace poco? Un director muy bueno.

Juan José Campanella.

RD: Sí, el director de "El hijo de la novia".

Y ganó el Oscar por "El secreto de sus ojos".

RDJ: Oh, Dios...

RD: Qué tipo serio ese Campanella. Me hubiera encantado que Argentina ganara el Mundial. Amo a Messi.

¿Cuál es tu lugar favorito para comer en Argentina?

RD: A mí me gusta uno que hace unos churrascos riquísimos. La Cabrera es bueno, pero a mí me gusta uno al lado del Four Seasons.

RDJ: Para Bobby, la actuación es fácil. Pero la comida es algo muy serio.


Fuente: Revista Miradas.