Julio Diz

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Nació en la ciudad de Lanús, Buenos Aires, Argentina, el 27 de junio de 1956. Desde muy pequeño concurrió al cine, descubriendo a Walt Disney en el viejo Cine Monumental de la ciudad de Bernal. Ya de grande, Román Polanski y su film, “Cul de Sac” fueron los movilizadores hacia el cine de culto. En los años ’70, estudió cine en la EDAC, (Escuela de arte cinematográfico) de la ciudad de Avellaneda. En los ’80 cursó en CECINEMA, (Centro de estudios cinematográficos) dirigido por José Santiso, y asistió al Seminario Introducción al lenguaje cinematográfico, dictado por Simón Feldman. Incursionó en el Cine de Súper 8 y 16 MM. Asociado a UNCIPAR (Unión cineistas en paso reducido), fue cofundador del Biógrafo de la Alondra. Es editor de Woody y todo lo demás, Series de antología y el presente blog. Actualmente trabaja en su primer libro, “Los tiempos del cine”.

viernes, 28 de agosto de 2015

Grandes estudios: Rank Organisation.

La Rank Organisation fue una empresa cinematográfica británica fundada en 1937 por Joseph Arthur Rank.


J.A. Rank era un industrial molinero de firmes creencias religiosas, que vio las posibilidades de utilizar el arte cinematográfico como una eficaz herramienta para difundir su fe metodista. En 1933 realizó su primera película y al año siguiente fundó junto a dos socios, la British National Films Company. Esta empresa produciría su primer film comercial en 1935, pero tuvo conflictos de distribución con empresas estadounidenses que dominaban el mercado británico, lo que decidió a Rank a crear una empresa más importante.
En 1937 logró controlar Pinewood Film Studios (Pinewood Studios), una firma inspirada en los estudios cinematográficos de Hollywood, adquiriendo en 1941 la cadena de cines ODEON y otras empresas, consolidando su posición dentro de la industria cinematográfica británica fundando Rank Organisation (Organización Rank). La Organización Rank se transformó en la más importante empresa distribuidora y exhibidora de Gran Bretaña, que comenzó a utilizar el logo del Hombre del Gong para identificarse. Llegó a poseer 5 estudios y 650 salas de cine.
En el año 1945 formó una escuela de actores de la cual egresó el conocido actor de carácter Christopher Lee, entre otros. También contó con afamados directores como David Lean y Ken Annakin para sus realizaciones. Entre las producciones de renombre realizadas en los Estudios Pinewood está la serie de films del Agente 007 James Bond, Superman, y Aliens, el regreso. La empresa terminó su producción cinematográfica en 1980, pasando en 1996 a ser parte del holding The Rank Group Plc.


El espectáculo gong


Rank hizo algunas de las mejores películas del Reino Unido, pero al final, ninguna cantidad de talento podría salvarlo.

Por Geoffrey Macnab

¿Eres realmente un hombre rico o estás especulando con el dinero de otras personas? "George Bernard Shaw le preguntó una vez a J. Arthur Rank." Estoy bien ", el magnate de las películas, con brusquedad respondió. Hubo una cierta ironía en el intercambio. Al tiempo, la Organización de categoría, fue planeando una adaptación de gran presupuesto de la obra de Shaw, César y Cleopatra, para ser producido y dirigido por el extravagante húngaro Gabriel Pascal. Programado para rodar durante cuatro meses con un presupuesto de 500.000 £, la película (lanzado en 1946 ) tomó cerca de dos años en completarse, costará más de £ 1m y socavado la confianza de Rank.
Con motivo del 70 aniversario del gong de oro, se está lanzando un nuevo juego en estuche de Rank "clásicos" en DVD. Como era de esperar, la malograda Cesar y Cleopatra no es uno de ellos, pero tal vez debería ser. La historia de la adaptación de Shaw a cargo de Pascal captura perfectamente esa extraña mezcla de visión, extravagancia y confusión, con el  aturdimiento que caracterizó a Rank en su pompa. Con el dinero de Rank y aparentemente interminables reservas de buena voluntad, la autocrática Pascal construyó su propia esfinge, camellos importados y se cubrió Denham Studios en arena. Reclutó a los mejores directores de fotografía del día, así como un pequeño ejército de actores británicos. El resultado fue una película que aburre a la mayoría de los críticos.
"Pascal vendió un proyecto de ley de los bienes a Arthur," dijo otro productor Rank, Anthony Havelock-Allan, a principios de 1990. "Si nos hubieran consultado, un hombre que todos hemos dicho [a Rank] que está loco de atar. No deje que Gabriel Pascal intente dirigir nada. Él no sabe cómo. Va a ser un desastre."
En los años previos a César y Cleopatra, J Arthur Rank había sufrido una transformación poco probable. En 1935, el Yorkshire magnate de la harina, de mediana edad y maestro de escuela dominical Metodista, tomo un hilo de temática religiosa sobre beligerantes familias en una comunidad pesquera. Ganó un premio en el festival de Venecia, pero se hundió sin dejar rastro en la taquilla británica.
Este fue también el año en que el boxeador de peso pesado Bombardier Billy Wells ("Beautiful Billy") fue reclutado como el primero de los musculosos para golpear el gong. El gong era el logotipo de General Film Distributors, una compañía Rank que había decidido respaldar porque quería su propio punto de apoyo en la distribución. Nunca fue, sin embargo, exactamente lo que parecía. Las audiencias empezaron a oír en los cines locales, como Billy Wells, desnudo de cintura para arriba, rasgaba con su martillo, el falso sonido. El verdadero ruido fue creado detrás de las escenas, con un percusionista utilizando un tam-tam chino.
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Al principio, Rank parecía simplemente otro financista incursionando en los bordes del cine británico. Pronto, sin embargo, iba a presidir el mayor imperio cinematográfico en la historia del cine británico. Sus tentáculos comenzaron a extenderse en todos los rincones de la realización de películas: animación, noticiarios, películas de serie B, películas infantiles, adaptaciones de Shakespeare, comedias Ealing y melodramas de disfraces Gainsborough, así como películas en la escala de la locura de Pascal. Rank adquirió los mejores estudios, los mejores laboratorios y las salas de cine. Su compañía fue un completamente integrado "importante" con cada pedacito de músculo como sus rivales de Hollywood.
Y, sin embargo, Rank no concuerda en absoluto con el estereotipo del Sam Goldwyn o Louis B Mayer el tipo de estudio-jefe. Una figura patricia, un poco distante con un amor de actividades británicas de campo (golf, tiro), fue apodado "Tío Arthur" por sus empleados. Rank admitió libremente que sabía muy poco sobre el medio que había abrazado con tanto fervor. "Él no era en absoluto lo que ustedes llamarían un hombre artístico," su hija Shelagh Cowen dijo de él. "Era un hombre de acción y gran pensamiento, un hombre de visión, pero no estéticamente - compró el cerebro para hacer eso por él mismo."

Esos cerebros - directores favoritos que incluyen a David Lean, Powell y Pressburger, y Gilliat, todo parte de una compañía llamada Productores Independientes Ltd (IPL) - se les dio carta blanca. "Podemos hacer cualquier tema que deseamos con todo el dinero que pensamos, que sujetos deberían haber gastado en él." La revista Time señaló el enfoque benevolente de Rank: "Tal vez no desde la época de los papas del Renacimiento tiene un grupo de artistas, encontró un patrón de manera rápida con su cartera, tan lento con las direcciones y consejos no solicitados."
Al dar a los cineastas más talentosos sus cabezas, Rank razonó, serían recompensados con el prestigio que les permitirían entrar en el mercado norteamericano de suma importancia. Las zapatillas rojas, Grandes esperanzas y Breve encuentro siguen siendo reconocidas como las mejores películas británicas que se han hecho. También se hicieron durante el mismo período Hamlet de Laurence Olivier y Henry V.
Jean Simmons, quien interpretó a Estrella en Gran expectativa, Ofelia en Hamlet de Olivier y una hermosa sirena en Narciso Negro, da testimonio de la inventiva formal de los mejores cineastas de Rank de la época. Ellos construyeron escaleras al cielo, recreado Inglaterra de Dickens en detalle extravagante, y fueron incluso capaces de hacer de los estudios Pinewood que parezcan el este exótico. "En Negro Narciso", dice Simmons, "Recuerdo que fui a fijar un día y ver un montón de moho blanco. Un anciano estaba sentado allí con una máquina de viento. Él dijo, ven y mira a través de la cámara. Miré a través de la cámara y yo estaba en el Himalaya ". (El viejo de la máquina de viento era Alfred Junge, del mago  Powell como diseñador de producción).
La desventaja del audaz experimento de Rank, sin embargo, era que las sumas no cuadraban. Las películas de la metodología Lean, Powell y Pressburger fueron extraordinariamente costosas de  hacer. Cuando los miembros de IPL se habían quejado de Rank en invertir en algo tan temerario como César y Cleopatra, habían respondido diciéndoles que la épica de Pascal vendería otras seis películas británicas a su paso en los EE.UU.. Esto no sucedió.
Como la Organización Rank creció en tamaño, se hizo cada vez menos eficiente. En 1944, Rank había establecido instalaciones de producción (Films) Ltd, conocido como "Piffle" por sus detractores. Se trataba de una empresa en el local, diseñado para ayudar a todos sus productores sobre cuestiones tales como fundición, accesorios y contratos. En cambio, causó resentimiento y confusión - entre otras cosas porque los cineastas podrían haber conseguido estos servicios mucho más baratos de agencias externas.
"Mi recuerdo de Piffle es de un montón de gente de varios estudios que decían ser expertos en esto, aquello y lo otro, reunido bajo una misma bandera," Charles Staffell, experto en efectos especiales de Pinewood, dijo más tarde. "Ellos nunca hicieron nada, salvo que se dieran una molestia sangrienta."
Tampoco lo hizo la Organización Rank al  tratar a sus artistas con absolutamente tacto como podría haberse esperado. Había indicios de un motín de la Charm School en Londres, donde aspirantes a estrellas como Diana Dors se enteraron de la conducta, mientras que actores como Christopher Lee y Anthony Steel fueron obligados a caminar con los libros en la cabeza para mejorar su postura. No todas las estrellas apreciaron el número de fiestas del pueblo que se vieron obligados a abrir. Y ellos no disfrutaban de ser intercambiados como ganado. Simmons, recuerda Pascal (que co-propiedad de su contrato con la Organización Escala) diciéndole que un día que había sido vendido a Howard Hughes en la RKO. "Yo necesitaba el dinero", Pascal confesó cuando le preguntó por qué no le habían advertido con antelación de sus planes.
Hay muchas razones de la visión audaz de Rank para la industria cinematográfica británica que pronto comenzó a desmoronarse. El mercado de Estados Unidos no estaba dispuesto a abrirse a las películas británicas, e incluso en Gran Bretaña, el público prefiere las películas de Hollywood a productos de cosecha propia. Críticos patrióticos arremetieron contra el apetito de Rank para realizar copias de películas de prestigio de gran presupuesto a expensas de las películas británicas presupuestadas por menor que podrían haber recuperado sus costos en el mercado interno. La izquierda fue muy crítica con sus tendencias monopólicas.
Retirada Rank Organisation de la industria del cine, tomó medio siglo (y sólo se completó definitivamente hace unos meses). Muchos asocian el gong de oro con las películas relativamente débiles realizadas en la década de 1950. En verdad, sin embargo, los bienes de floración de Rank fueron relativamente breves. Desde hace unos años en la década de 1940, Powell y Pressburger, Lean y compañia se les concedió una licencia como cineastas británicos que han disfrutado y respondido al hacer obras maestras.

Extraído de https://es.wikipedia.org/wiki/Rank_Organisation
http://www.theguardian.com/film/2005/jul/13/features.features11

miércoles, 19 de agosto de 2015

Apuntes del Marfici XI.

Un drama histórico será la película de apertura del XI MARFICI


Con entrada libre y gratuita, se proyectará este sábado 22 de Agosto, a las 20 hs, en la sala Melany (San Luis 1750), la película de apertura del Festival Internacional de Cine Independiente de Mar del Plata, XI edición.

Stella Cadente (Estrella Fugaz), es una película del director catalán Luis Miñarro, producida en el año 2014. En la misma, se cuenta la historia del fugaz reinado de Amadeo de Saboya en España: Elegido en 1870 por las Cortes, intentó poner en orden y modernizar un país ingobernable. Un rey incomprendido en el exterior y rápidamente refugiado en su interior: fuera de su palacio, el país se derrumba, y dentro de él, su corte se abandona a los juegos, el amor, los placeres, la belleza y la melancolía. La película habla sobre la futilidad del poder y la dificultad en establecer la belleza.




Luis Miñarro, nacido en Barcelona, España, en 1949, es un director y productor español conocido, entre otras películas, por El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (2010) y El muerto y ser feliz (2012). En su fructífera carrera como productor cinematográfico estuvo al frente de más de 30 producciones, y fue, entre otras cosas, jurado del Festival Internacional de Locarno en 2009. Stella Cadente será, asegura, su última producción antes de retirarse.

Esta película forma parte de la sección Cine+Historia, que el MARFICI presenta un año más y que recoge diferentes producciones documentales y de ficción centradas en la reconstrucción de períodos pasados de la Historia Universal.

Stella Cadente volverá a proyectarse el Miércoles 26 de Agosto, a las 22 hs, en la Sala Radio City.
La XI edición del MARFICI se desarrollará del 22 al 29 de Agosto en el Centro de Arte MDQ, San Luis 1750, con funciones comenzando desde las 16 hs. El precio de la entrada general es de $30.
Para más información, se puede consultar la página oficial del Festival en www.marfici.org

Extraido de http://marfici.org/un-drama-historico-sera-la-pelicula-de-apertura-del-xi-marfici/

viernes, 14 de agosto de 2015

Glenda Jackson, para coleccionar.

Glenda Jackson es mas conocida por sus papeles ganadores del Oscar en Mujeres enamoradas y un toque de distinción.

Sinopsis

Glenda Jackson nació el 09 de mayo 1936 en Birkenhead, Inglaterra. Jackson tuvo una exitosa carrera cinematográfica después de actuar en teatro, llegando a ganar dos premios de la Academia. Sus representaciones ganaron su dicha credibilidad, hizo la transición a la política y ganó un escaño en la Cámara de los Comunes.

Primeros años de vida

La dos veces ganadora del Premio de la Academia, Glenda Jackson primero hizo su nombre como actriz y más tarde como un político. Nació en Birkenhead, Inglaterra, en 1936, de padres de clase trabajadora. Su padre era albañil y su madre trabajaba como limpiadora. Después de terminar sus estudios a los 16 años, Jackson trabajó en una farmacia durante dos años. Ella comenzó a actuar en el teatro de aficionados en todo este tiempo.
A la edad de 18 años, Jackson se matriculó en la prestigiosa Real Academia de Arte Dramático de Londres. Ella hizo su debut teatral en 1957. Unos años más tarde, Jackson hizo su primera aparición, en una pequeña parte en el film This Sporting Life (1963), protagonizada por Richard Harris. Tuvo un avanze en su carrera al año siguiente con la producción de la Royal Shakespeare Company La Persecución y asesinato de Jean-Paul Marat interpretada por los internos del asilo de Charenton bajo la dirección del Marqués de Sade (más tarde en cortocircuito a Marat / Sade ) . Ella interpreto a uno de los internos en la obra, papel que repitió en Broadway en 1965 y en el 1967 la película Marat / Sade .

La mayoría de los Roles famosos

Aunque no se considera una gran belleza por la mayoría de los estándares, Jackson ha exudado cierto tipo de atractivo sexual en muchas de sus películas. Ella protagonizó la adaptación de Ken Russell de la novela de D.H. Lawrence Mujeres enamoradas . Para la película, Jackson ganó el Oscar a la Mejor Actriz. Ella entonces interpreto a la esposa exigente sexualmente del compositor Tchaikovsky (con Richard Chamberlain) en Los amantes de la músicaEn Domingo sangriento (1971), Jackson dio una buena actuación como mujer que ejerze un triángulo amoroso extraño.

Jackson también es capaz de imbuir a sus personajes con seriedad y realeza. En 1971, interpretó a la reina Isabel I de Inglaterra en dos ocasiones en la miniserie de televisión Elizabeth R. y la película María, reina de Escocia , protagonizada por Vanessa Redgrave. La miniserie de televisión fue un gran éxito en los Estados Unidos y ayudó a introducir a Jackson a las audiencias americanas. Ganó dos premios Emmy por su actuación.
En 1973, Jackson ganó su segundo premio de la Academia a la Mejor Actriz por la comedia romántica Un toque de distinción con George Segal. Ella tomó uno de los personajes más famosos del teatro de Henrik Ibsen, en 1976 la adaptación cinematográfica de Hedda . Alrededor de este tiempo, Jackson interpreto uno de los principales papeles femeninos de Shakespeare en Antonio y Cleopatra, en el escenario de Inglaterra y en Broadway. Obtuvo su propio título en 1978 cuando fue nombrada Comandante del Imperio Británico (CBE) por la reina Isabel II.
Uno de los papeles más significativos posteriores de Jackson fue la película para televisión de 1981, La historia de Patricia Neal . También dio una brillante actuación como Lady Macbeth en Macbeth en Broadway a finales de 1980. Para entonces, sin embargo, Jackson había empezado a pensar en una vida después de la actuación.


Carrera política

Después de un intento anterior, Jackson ganó las elecciones a la Cámara de los Comunes de Inglaterra en 1992, sirviendo como miembro del Parlamento, por Hampstead y Highgate. Fue miembro del Partido del Trabajo de toda la vida, ella renunció a su cargo en 1999, en un esfuerzo por asegurar la nominación de su partido para la alcaldía de Londres. Jackson no tuvo éxito en su intento a la alcaldía y regresó a su oficina parlamentaria.
De 2000 a 2004, Jackson también sirvió en el gabinete de asesoramiento Gran Asamblea de Londres sobre la falta de vivienda. Ella ha sido un abierto crítico en muchos temas, incluyendo la participación de Gran Bretaña en la guerra de Irak. En 2010, Jackson se ganó el lugar en el parlamento para el recién creado Hampstead y Kilburn. 
Filmografia
The Secret Life of Arnold Bax (TV Movie)
Harriet Cohen
 1991The House of Bernarda Alba (TV Movie)
Bernarda
 1991Asesinato de calidad (TV Movie)
Ailsa Brimley
 1990The Real Story of Humpty Dumpty (Video short)
Glitch the Witch (voice)
 1990T-Bag's Christmas Ding Dong (TV Movie)
Vanity Bag
 1990Carol y compañía (TV Series)
Dr. Doris Kruber
- Kruber Alert (1990) ... Dr. Doris Kruber
 1990Los reyes del viento
Queen Caroline
 1989Doombeach
Miss
 1989El arco iris
Anna Brangwen
 1988Salomé, el precio de la pasión
Herodias / Lady Alice
 1988Chantaje a una mujer
Babs Flynn
 1988American Playhouse (TV Series)
Nina Leeds
- Strange Interlude (1988) ... Nina Leeds
 1987Tres en un diván
Charlotte
 1985Turtle Diary
Neaera Duncan
 1984Sakharov (TV Movie)
Yelena Bonner (Sakharova)
 198224 horas sin mentir
Sophie
 1982El retorno del soldado
Margaret Grey
 1981La historia de Patricia Neal (TV Movie)
Patricia Neal
 1980The Morecambe & Wise Show (TV Series)
Woman Kissed by Eric
- 1980 Christmas Show (1980) ... Woman Kissed by Eric
 1980Un enredo para dos
Isobel
 1980Salud
Isabella Garnell
 1979Un toque de clase
Tricia
 1979La clase de Miss MacMichael
Conor MacMichael
 1978Stevie
Stevie Smith
 1978Alegrías de un viudo
Ann Atkinson
 1977Malas costumbres
Sister Alexandra
 1976The Norman Gunston Show (TV Movie) 
 1976Sara
Sarah Bernhardt
 1975Hedda
Hedda Gabler
 1975La inglesa romántica
Elizabeth
 1975The Maids
Solange
 1974La sonrisa del gran tentador
Sister Geraldine
 1973Un toque de distinción
Vickie Allessio
 1973Legado de un héroe
Lady Hamilton
 1972La máscara y la piel
Alice
 1971María, reina de Escocia
Queen Elizabeth
 1971El novio
Rita Monroe (uncredited)
 1971Domingo, sangriento domingo
Alex Greville
 1971Elizabeth R (TV Mini-Series)
Queen Elizabeth I
- Sweet England's Pride (1971) ... Queen Elizabeth I
- The Enterprise of England (1971) ... Queen Elizabeth I
- Horrible Conspiracies (1971) ... Queen Elizabeth I
- Shadow in the Sun (1971) ... Queen Elizabeth I
- The Marriage Game (1971) ... Queen Elizabeth I
Show all 6 episodes
 1970La pasión de vivir
Nina (Antonina Milyukova)
 1970BBC Play of the Month (TV Series)
Margaret Schlegel
- Howards End (1970) ... Margaret Schlegel
 1969Mujeres enamoradas
Gudrun Brangwen
 1969ITV Saturday Night Theatre (TV Series)
Marina Palek
- Salve Regina (1969) ... Marina Palek
 1968Negatives
Vivien
 1968Armchair Theatre (TV Series) 
- Home Movies (1968)
 1965-1968The Wednesday Play (TV Series)
Julie / Cathy
- Let's Murder Vivaldi (1968) ... Julie
- Horror of Darkness (1965) ... Cathy
 1968Tell Me Lies
Guest
 1967Half Hour Story (TV Series)
Claire Foley
- Which of These Two Ladies Is He Married To? (1967) ... Claire Foley
 1967Marat/Sade
Charlotte Corday
 1963Z Cars (TV Series)
WPC Fernley / Hospital Nurse
- By the Book (1963) ... WPC Fernley
- Act of Vengeance (1963) ... Hospital Nurse
 1963El ingenuo salvaje
Singer At Party (uncredited)
 1957-1961ITV Play of the Week (TV Series)
Jurywoman / Iris Jones
- Doctor Everyman's Hour (1961) ... Jurywoman
- A Voice in Vision (1957) ... Iris Jones
 1956The Extra Day
Extra (uncredited)

Extraído de http://www.biography.com/people/glenda-jackson-http://www.imdb.com/name/nm0413559/

sábado, 8 de agosto de 2015

Nuestras estrellas: Ana María Giunta, (1943-2015)

Ana María Giunta (Concepción del Uruguay, 1 de marzo de 1943 - Buenos Aires, 14 de marzo de 2015) fue una actriz, directora de actores y dramaturga argentina.



Carrera

Con una definida trayectoria en cine, teatro y televisión, Ana María Giunta se destacó sobre todo por sus papeles cómicos. Hizo más de 19 apariciones en el cine de Argentina, desde Juan que reía (1976, en el papel de Minga, junto a Luis Brandoni, Luisina Brando y Ana María Campoy, y desde Romeo y Julieta (1971). Aunque tuvo papeles memorables como la alocada mucama Domitila en Las minas de Salomón Rey (1986) con Rolo Puente, Tristán, Susana Traverso y Reina Reech, en Susana quiere, el negro también! (1987) en el rol de la mucama Pamela con Alberto Olmedo y la Traverso, y en De mi barrio con amor (1995) junto a Brandoni y Alicia Bruzzo.

En Teatro tuvo su propia escuela de enseñanza docente que estuvo abierta a muchos actos solidarios por varios años. Fue la directora, durante más de 15 años, de los «Talleres de Arte para la Vida», donde dedicó todo su potencial y corazón a niños, adolescentes y adultos con capacidades especiales.

En televisión participó desde programas humorísticos-satíricos, pasando por telenovelas dramáticas hasta infantiles. En los últimos años de su vida tuvo apariciones como invitada especial en el programa periodístico de Mauro Viale, Mediodía sangriento y luego Mauro 360°.

Fue una fiel defensora por el derecho de la mujer, de la no violencia familiar y de la no violencia de género. Apoyó y se comprometió activamente en el tema del matrimonio igualitario y el derecho a la vida.


Vida privada

Giunta estaba casada desde hace varios años con el productor y director Ricardo Octavio Racconto (n. 1953), con quien tuvo dos hijas: Alfonsina Racconto y Gimena Racconto (n. 1977), que es actriz.




Galardones

En 1987 ganó el Cóndor de Plata por mejor actriz de reparto en La película del rey (de 1986).

El 14 de agosto de 2010, se le entregó la «Distinción de Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires», en el Salón Dorado de la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

  • Mención por valioso aporte a nuestra cultura, otorgado por el Honorable Senado de la Nación. Año 2005.

  • Premio «Podestá» a la trayectoria honorable, otorgado por el Honorable Senado de la Nación Argentina, Comisión de Educación, Cultura, Ciencia y tecnología. Año 2004.

Fallecimiento

La actriz falleció a los 72 años en su casa ubicada en el barrio de Balvanera, en la mañana del sábado 14 de marzo de 2015. En 2014 estuvo internada en terapia intensiva en tres ocasiones por complicaciones respiratorias debido a un enfisema pulmonar. Ana María era oxígeno dependiente y su salud se había agravado en el último tiempo. En el momento de su fallecimiento estaba acompañada por su hija en su casa de la calle Saavedra. En el asunto intervino inmediatamente la comisaría de la zona por ser muerte en domicilio. Sus restos fueron velados en la casa Zuccotti Hnos. (avenida Córdoba 5080) y luego sepultados en el Cementerio de la Chacarita.

 

Cine


1976: Juan que reía, como Minga; junto a Luis Brandoni, Luisina Brando y Ana María Campoy
1979: Contragolpe
1980: Queridas amigas
1980: Toto Paniagua, el rey de la chatarra
1986: Chechechela, una chica de barrio
1986: La película del rey
1986: Las minas de Salomón Rey, como la alocada mucama Domitila; con Rolo Puente, Tristán, Susana Traverso y Reina Reech
1987: Susana quiere, el negro también!, como la mucama Pamela;
1988: El acompañamiento
1988: Extrañas salvajes
1988: Paraíso relax (casa de masajes)
1989: Eterna sonrisa de New Jersey (inédita).
1990: Yo tenía un plazo fijo (película para televisión).
1993: Picado fino, selectora de personal
1994: S.O.S. Gulubú
1995: De mi barrio con amor, junto a Luis Brandoni y Alicia Bruzzo.
2000: Las aventuras de Dios, huésped 4
2002: ¿Te dije que te quiero? (corto), como la madre
2004: Dos ilusiones, como Yolanda2006: Sensaciones (historia del sida en la Argentina)
2013: Limbo, largometraje de Ivan Noel
2014: Algunos días sin musica

Televisión


Ana María Giunta tuvo en su haber una amplia carrera actoral con personajes mayormente picarescos y cómicos:

  • 1981: Los especiales de ATC (episodios «Romeo y Julieta» y «Abuso de confianza»).
  • 1981: El ciclo de Guillermo Brédeston y Nora Cárpena (episodios: «Francisca Alegre y olé», «Un drama en el quinto piso» y «Qué bollo es vivir») como María, emitido por Canal 9
  • 1982: Gracias doctor como Elsa
  • 1982: Los siete pecados capitales (episodio:«La gula») como Serafina
  • 1982/1983: Verónica, el rostro del amor
  • 1983: Cara a cara como Amalia
  • 1985: Duro como la roca, frágil como el cristal junto a Pablo Alarcón, Selva Alemán y Bárbara Mujica.
  • 1987/1990: Las gatitas y ratones de Porcel junto a Jorge Porcel, Jorge Luz, Beatriz Salomón, Chico Novarro, Beba Bidart y Mario Sánchez,entre otros.
  • 1988: Las mil y una de Sapag junto al cómico Mario Sapag
  • 1990: Yo tenía un plazo fijo
  • 1991: Tato, la leyenda continúa.
  • 1991/1992: Atreverse
  • 1993: 300 kilates, la amistad de tres mujeres.
  • 1994: Más allá del horizonte como Juana
  • 1995: Chiquititas
  • 1999: Campeones de la vida
  • 2001: Tiempo final (episodio: «Cita a ciegas») como Lili
  • 2002: Las cortesanas (Conducción).
  • 2003: Costumbres argentinas como Matilde Romero
  • 2004: Un cortado
  • 2005: Floricienta en el papel de una presa
  • 2009: Mediodía sangriento como invitada especial emitido por E24
  • 2012/2013: Mauro 360° como invitada especial
  • Extraño juguete (directora de actores, directora).
  • Dios los junta, el diablo los amontona (autora, adaptación).
  • Ellos, nosotros (autora, directora).
  • Brutta miseria (actriz).
  • Los colores de Niní, la salida (directora).
  • 1978: Crónica de adultos, de Brian Friel.
  • 1983: Doña Flor y sus dos maridos (actriz)
  • 1986: Secuestro de un industrial capitalista, de Darío Fo
  • 1990: Mi suegra está loca, loca, loca (actriz).

Extraido de https://es.wikipedia.org/wiki/Ana_Mar%C3%ADa_Giunta

    miércoles, 29 de julio de 2015

    El cisne negro: donde mueren las películas.



    EL CISNE NEGRO, de Darren Aronofsky
        
    por Santiago García
        
    El cisne negro narra la historia de una bailarina y su obsesión con la perfección. El film es un poco sutil y nada profundo ejercicio de crueldad con el cual su director, Darren Aronofsky, pretende amedrentar al espectador, haciéndole creer que a mayor sufrimiento, más arte. Los premios obtenidos y la fervorosa adhesión de muchos espectadores confirman que su fórmula funcionó una vez más.

    El cisne negro es una de esas películas que generan un culto fervoroso a su alrededor. Y si bien hay opiniones a favor y en contra de casi todo lo que se estrena a lo largo y ancho del planeta, algunos film adquieren, debido al fervor poco tolerante de sus admiradores, un cierto aura de intocables. Con demasiada facilidad se le ha colocado la palabra arte pegada a cada mención que se hace del film.

    Analizar y criticarlo no es, que quede claro, un ataque a sus admiradores ni a quienes lo hayan disfrutado. Estoy convencido de que hay que ponerle un límite al sufrimiento gratuito en el cine. Los espectadores ya no pueden someterse mansamente a la experiencia masoquista de ser maltratados por una película. Una obra lúcida y amarga no implica que deba ser cruel y sádica con los espectadores.




    Con ello no quiero decir tampoco que el final feliz deba ser obligatorio así como tampoco el optimismo en donde no corresponde. Que los espectadores salgan del cine habiendo pasado un mal momento no es una buena señal, no significa necesariamente que han atravesado una experiencia cinematográfica profunda. El problema de films como El cisne negro -y podría citar muchos otros- es que venden su sadismo como arte. Y ahí está el origen del error. Una obra ampulosa, pretenciosa, que mediante escenas sórdidas o terribles reclama a los cuatro vientos que se la califique como obra artística. Claro que se podrá discutir cada caso en particular, pero El cisne negro es una película bastante vulnerable en ese aspecto. Es tan obvia, torpe y posee tan poco vuelo, que se presenta como el caso ideal para exponer las limitaciones de su propuesta y la utilización irresponsable del sadismo para obtener el respeto de críticos y espectadores.

    Hay muchas películas disponibles en el cine actual, muchas más que antes. Y en esta situación de sobreoferta, algunas gritan desesperadamente por prestigio, se autodenominan artísticas y se colocan en primera fila pidiendo ser tomadas como obras de arte. Hollywood, que tanto placer le ha dado al mundo con grandes films, no deja de sentir cierta culpa y de creer que una película ligera y  luminosa jamás podrá convertirse en una obra de arte. Desde Europa se cierne sobre Hollywood este complejo de inferioridad absurdo que desemboca en que Estados Unidos haga films que pretenden imitar el arte europeo dejando de lado la capacidad de metáfora, sutileza y belleza que caracterizó desde siempre al cine norteamericano. Se entregan al desastre de entender mal el buen cine europeo y sólo copian del mismo un elemento: el maltrato y la crueldad hacia el espectador.




    Darren Aronofsky plantea una combinación de elementos. Por un lado un realismo de cámara en mano y coqueteos con la estética del cinema verité y por el otro un artificio kitsch –no es raro reírse frente a las escenas finales– al que se siente habilitado por el universo del ballet en el cual transcurre su película. Dejando de lado las citas a otras películas y las similitudes con grandes films de la historia del cine, El cisne negro no puede avanzar sino a través de golpes de efecto. Ingredientes para impactar a la platea, elementos vacíos que apuntan a distraer al espectador del centro del problema. Y el problema es que la película carece de cualquier profundidad y de cualquier elemento que pueda otorgarle complejidad. Su discurso y su narración son de una obviedad insólita. El guión, anunciado y previsible, no funciona como prefacio de una tragedia, sino como un tortuoso camino hacia una moraleja tan pequeña y pueril que no puede justificar una película adulta. En el medio, el espectador recibe gratuitas dosis de escenas desagradables, momentos que intentan retratar la caída en la locura de la protagonista, pero que no son otra cosa que un manejo irresponsable del tema, tanto por su retrato de la patología como por el tratamiento cinematográfico, que sin estar atado a ningún verosímil, resulta igualmente arbitrario.



    Mención aparte merece la actuación de Natalie Portman, víctima de los mismos males del film. Si alguna vez la actriz tuvo encanto y talento, lo desperdicia todo aquí con una serie interminable de
    llantos y una sobreactuación que la sitúa al borde de la peor actuación de su carrera. Pero de la misma forma que el director grita a los cuatro vientos que es un artista, la actriz grita a los cuatro vientos que quiere recibir un premio por su esfuerzo. El único premio que El cisne negro merece es para los espectadores que la toleraron, quienes deberían, de una vez y para siempre, ponerse de pie y no permitir más el maltrato cruel de este tipo de propuestas sádicas que, aunque se disfracen de seda, no pueden ocultar sus serias carencias.


          
    Extraído de Revista Leer Cine.

    miércoles, 22 de julio de 2015

    Roger Corman / Edgar Allan Poe: 'El cuervo'




    Por Alberto Abuin


    ‘El cuervo’ (‘The Raven’, Roger Corman, 1963) es la segunda adaptación cinematográfica del famoso poema de Edgar Allan Poe tras la realizada en la década de los treinta, ‘El cuervo’ (‘The Raven’, Louis Friedlander, 1935). La misma reunía a las dos leyendas del cine de terror Boris Karloff y Bela Lugosi en un relato que se tomaba no pocas licencias con respecto al original, lo cual no es descabellado, puesto que hablamos de un poema. Lo mismo sucede con la presente, que cuenta con un guion de Richard Matheson, quien junto a Corman optó por un tono totalmente cómico.

    Con dicha decisión la película no sólo se aparta considerablemente del tono del poema –Vincent Price consideraba descabellada la idea de adaptar simplemente un poema−, sino de lo que la serie de adaptaciones del escritor de Boston por parte de Corman estaban ofreciendo hasta ese instante. Price quedó encantado con el tratamiento de Matheson, teniendo como compañeros de filmación a Boris Karloff y Peter Lorre, ofreciendo así una comedia que en cierto modo parodiaba los títulos anteriores. El resultado puede resultar desconcertante, pero también altamente disfrutable.





    La única conexión con el poema de Poe son algunos de los versos recitados al inicio del film por la poderosa voz de Vincent Price –voz que medio planeta tendría metida en su subconsciente gracias a la participación del actor en el popular vídeo musical ‘Thriller’ de Michael Jackson, y dirigido por John Landis en 1983−, que da vida a uno de los tres magos alrededor de los cuales gira la película.

    Erasmus Craven (Price) es visitado por un cuervo negro para pedirle ayuda. El simpático animal no es otro que Adolphus Bedlo (Peter Lorre), que ha sido hechizado por el maligno Scarabus, interpretado por Boris Karloff, quien no tenía un papel protagonista en el cine desde 1958.

    Los roces entre Karloff y Lorre fueron continuos, puesto que el primero era una actor muy metódico y maniático con lo que el guion “mandaba”, y el segundo gustaba además de beber, improvisar a gusto sus líneas. Este incidente, que a día de hoy puede resultar gracioso, en realidad ayudó sobremanera al enfrentamiento entre ambos personajes, mientras Price mediaba tanto en el rodaje como en el propio argumento hasta que Scarabus presenta sus malvadas cartas, dando lugar a un duelo final entre ambos que sólo puede ser tildado de antológico.




    El amor entre la comedia y el horror

    Aunque el film se centra en las andanzas de los tres magos, las cuales no van más allá de la comedia pura y dura –con lo que Corman realiza un cierto ejercicio de retrospectiva de su propia carrera−, deambulan por el film dos personajes secundarios de cierto peso. Por un lado el hijo de Bedlo, personaje a cargo de un ya histriónico Jack Nicholson, que en aquellos años era un actor fijo en la factoría Corman; un personaje realmente poco sustancioso y cuyo “peso” consiste en sacar de ciertos “problemas” a su padre y compañeros, practicando en algún instante la sonrisa que años más tarde le quedaría perfecta en inolvidables personajes.





    Por otro lado, la sensual y morbosa Hazel Court, que Corman “tomó prestada” de su tan admirada Hammer para tres de las películas de este ciclo. La actriz da vida a Leonor, la esposa de Craven supuestamente fallecida hace tiempo, sumiendo a su esposo en una peligrosa melancolía. Personaje retorcido donde los haya, pensando sólo en la fortuna y el poder que el mejor postor pueda ofrecerle, es en realidad la verdadera motivación de los personajes de Karloff y Price para enfrentarse.

    En una comedia pura y dura que adapta con mucho tacto un poema de Poe, con cuyos versos también concluye el film en un muy divertido desenlace, el amor se erige una vez más como el motor incombustible, ya sea para dominar el mundo de la magia, o para liberarse de las cadenas que un amor falso e interesado puede provocar.

    Karloff y Nicholson repetirían ese mismo año con Corman en la inferior ‘El terror’ (‘The Terror’), y el director de Detroit, tras dirigir a Ray Milland en la prodigiosa ‘El hombre con rayos X en los ojos’ (‘X’, 1963) se atrevería a ser el primero en la historia del cine en adaptar un relato de H.P. Lovecraft, que la American International Pictures incluiría en el ciclo Poe.


    Reparto
    Vincent Price - Dr. Erasmus Craven
    Peter Lorre - Dr. Adolphus Bedlo
    Boris Karloff - Dr. Scarabus
    Hazel Court - Lenore Craven
    Olive Sturgess - Estelle Craven
    Jack Nicholson - Rexford Bedlo
    Connie Wallace - La sirviente
    William Baskin - Grimes
    Aaron Saxon - Gort




    Otras películas
    El cuervo es la quinta de las ocho adaptaciones de cuentos de Edgar Allan Poe dirigidas por Roger Corman entre 1960 y 1964.
     

    Las otras fueron:
    La caída de la casa Usher (1960)
    Pit and the Pendulum (1961)
    La obsesión (1962)
    Tales of Terror (1962)
    The Haunted Palace (1963)
    The Masque of the Red Death (1964)
    La tumba de Ligeia (1964)



    Extraído de Blog de cine.