Cineastas de hoy: Daniel Hendler.

El director debutante.

Nuevo horizonte, el director de “El abrazo partido” presentó su opera prima como cineasta: “Norberto apenas tarde”. Es un film sobre el deseo.


Por Pablo Scholz

El festival de Toronto tiene por costumbre inaugurar sus ediciones con films canadienses, que no siempre siguen el rigor artístico de la programación internacional que alberga “Score: A Hockey Musical” de Michael McCowan, film que combina el hockey sobre hielo –pasión por estas tierras- con el musical, lo hizo anoche, en un Roy Thomson Hall, la casa de la Orquesta Sinfónica de Toronto, repleto. Es una manera de celebrar la pertenencia, el nacionalismo bien entendido, ante todo lo que se verá.

En un segundo viaje a Toronto, ya que acompañó a Ana Katz, su mujer, cuanto trajeron “Una novia errante”, Daniel Hendler sabe de qué se trata este festival “No creas”, bromea el actor y director, que presentó en función de prensa, y hoy mostrará al público “Norberto apenas tarde”, su opera prima. Lo acompañan la productora Micaela Solé, de Cordón Films, y el productor Sebastián Aloi. La comedia, por momentos dramática, es coproducción con Uruguay, donde se rodó. Trata sobre un personaje que prueba suerte como vendedor en una inmobiliaria, pero, hastiado de su vida y de su pareja, descubre en un curso de teatro lo que podría ser su vocación.


Fernando Amaral, el protagonista, es uruguayo como el director. “Cuando dirigí un taller de teatro en Montevideo lo conocí como alumno, y me quedó buena impresión de él. Escribí el guión hace un tiempo. Empezó siendo una película coral; luego lo reformulé: el personaje daba vueltas en el guión anterior, y me acordé de él.

¿Cuándo supiste que tenías ganas de dirigir?

Cuando empecé a actuar, no sabía que iniciaba una carrera como actor; integraba un grupo de teatro en el que todos dirigíamos y actuábamos. Luego, lo de actuar se volvió un trabajo, y empecé a vivir de eso. Se detuvo la experiencia de director. Había dirigido teatro en Montevideo, pero desde que vivo en Buenos Aires, hace seis años, tenía relegado el proyecto de director.

Hendler había realizado un cortometraje y codirigido otro par. “El que dirigí solo, trataba de una separación, y podía tener que ver con “Norberto…, pero el tono era distinto, era más romántico. Este film es más triste y, al mismo tiempo, tiene más humor, aunque no es chistoso”, prefiere aclarar.


En tus palabras, ¿Cuál es el tema que aborda la película?

La soledad, que no es el tema, pero tiene que ver también el deseo y la dificultad con él. Norberto está alienado en una vida que parece enajenarlo, no se da cuenta de lo que le pasa.

¿De qué no se da cuenta?

Está respondiendo ante el mundo exterior desde la persona que ha construido. Él se aleja de esa persona, y toma una decisión cuando a sus amigos y esposa les dice “quiero quedarme viendo esta obra, esperen un poquito, a ver qué me está pasando; ahí, inicia una aventura.


El actor de “El abrazo partido” tiene claro que no se dirigió a sí mismo. “Primero, porque no hubiera podido dirigir la película si actuaba, ni lo imaginé. En eso, tenés razón, mi mujer es más hábil –sonríe-, y el personaje tenía que ser un poquito mayor que yo”, Hendler exhibirá su film en la sección Horizontes latinos, en San Sebastián.








Nombre real: Daniel Hendler
Nacimiento: Montevideo, Uruguay 3 de enero de 1976 (36 años)
Ocupación: Actor, director de cine y teatro, guionista
Rol debut: Ariel Goldstein en Esperando al Mesías
Año de debut: 1996
Pareja: La actriz Ana Katz
Hijos: Helena


Filmografía

Como actor de cine

Mi primera boda (2011)
Los Marziano (2011)
Fase 7 (2011)
Socket 2 (2011; cortometraje)
Cabeça a prêmio (2009)
Los paranoicos (2008)
La ronda (2008)
Una novia errante (2007)
Derecho de familia (2006)
Cara de queso -mi primer ghetto- (2006)
La perrera (2006)
Los suicidas (2005)
Reinas (2005)
Whisky (2004)
El abrazo partido (2004)
El fondo del mar (2003)
No sabe, no contesta (2002)
El ojo en la nuca (2001; cortometraje)
Sábado (2001)
Todas las azafatas van al cielo (2001)
25 Watts (2001)
Esperando al Mesías (2000)


Como director y guionista

Norberto apenas tarde (2010)
Cuarto de hora (2004, cortometraje)36
Perro perdido (2002, cortometraje)
6 de enero (2001, cortometraje)37
31 de diciembre (1996, cortometraje)38


Como actor en televisión

Los graduados (2012)
Televisión x la inclusión (2011)
Los únicos (2011)
Cuando me sonreís (2011; un capítulo)
Para vestir santos (2010)
Mujeres asesinas (2008)
Aquí no hay quien viva (2008)
Epitafios (2004; dos capítulos) (miniserie)
Sin código (2004) (sin acreditar)
Mujeres en rojo: Despedida (2003; cortometraje)
Walter (2001-2002; campaña publicitaria para la empresa Telefónica)


Teatro

Apenas el fin del mundo (2007)39
Hamelin (2006)40
La vida Real Doméstica (Montevideo, 2002)41
Los magníficos (autor y director, Montevideo, 2001)42
La historia del soldado (Bs. As., 2001)43
Bulimia (Montevideo, 2000)44
Playback (autor y director, Montevideo, 1999)
Centurias (Montevideo, 1999)
El amateur (Montevideo, Porto Alegre; 1998)
La valija (Montevideo, Porto alegre, Manizales, Madrid, Barcelona, Miami; 1997)
Pequeños Asesinatos (Montevideo, 1997)
Bartleby, el escribiente (Montevideo, New York; 1996)
Berenice (Montevideo, 1996)
Rompiendo Códigos (Montevideo, 1996)
Crímenes y Resfríos (autor y director, Montevideo, 1996)


Premios

Festival Internacional de Cine de la Ciudad de México (2011) - Mejor guion por Norberto apenas tarde45
Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2009) - Premio TVE por Norberto apenas tarde46
Festival de Lima (2009) - Mejor actor por Los paranoicos
Festival Internacional de Cine Latinoamericano de Biarritz (2008) - Mejor actor por Los paranoicos
Encuentros de Cine de Touluse 2004 - Homenaje
Festival Internacional de Cine de Berlín (2004) - Oso de Plata a la mejor interpretación masculina por El abrazo partido
Lleida Latin-American Film Festival (2004) - Mejor actor por El fondo del mar
Asociación de críticos del Uruguay (2001) - Mejor actor por 25 Watts
Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (2001) - Mejor actor por 25Watts
Asociación de Críticos de Montevideo (2000) - Actor Revelación por Esperando al Mesías
Premios Clarín (2000) - Actor Revelación por Esperando al Mesías
Premio Morosoli (2000) por su trabajo teatral en Uruguay47
Premio Cutcsa en la 13ª Muestra de teatro Joven (1996) - distinciones especiales al texto y la propuesta plástica por Crímenes y Resfríos



Fuente: Diario Clarín, suplemento espectáculos, viernes 10 de septiembre de 2010,
http://es.wikipedia.org/wiki/Daniel_Hendler

Realizadores de hoy: Lisandro Alonso, noticias de un silencio helado.

La nueva película de Lisandro Alonso es una reflexión sobre la distancia y el tiempo en un mundo sin sonidos, que ha perdido la capacidad de movimiento.

Por Juan Pablo Cinelli

El 30 de noviembre de 2008, fue el último día, que en la Sala Lugones se proyectó “Liverpool”, cuarto film del director argentino Lisandro Alonso. La película fue presentada mundialmente en mayo, de ese año, durante la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes, evento al que Alonso ya había concurrido con sus tres películas anteriores: “La libertad”, “Los muertos” y “Fantasma”. Sumando elementos más tradicionales al estilo narrativo del director y filmada por completo durante el invierno en Tierra del Fuego, “Liverpool” cuenta la historia del Farrel, marino solitario y silencioso que, después de veinte años de ausencia, decide visitar a su madre en su pueblito natal, en las afueras de Ushuaia. Sin embargo su carácter hosco irá distanciando el encuentro en una demora en la que se intuyen el miedo y la culpa que han ido cavando la distancia y el tiempo. “Me parece que hay más elementos, más experiencia y aprendizaje puestos en “Liverpool”, afirma Alonso. “A lo mejor parece una película más clásica a nivel formal porque hay un poco más de información. Aunque no sabría definirla, “Liverpool” se me hace un avance en mi deseo de querer contar de una manera más sólida.”


Lisandro Alonso


-Si “Fantasma” actúa como una suerte de clausura formal a la primera etapa de su filmografía, “Liverpool” consigue no ser ajena a ese conjunto, entrelazándose con el círculo en apariencia cerrado que forman las tres primeras.

Siempre pensé a “Liverpool” como una especie de “La libertad” y “Los muertos” con los ingredientes de “Fantasma” puestos encima. Creo que el resultado natural de esa ecuación es “Liverpool”, en base a la manera del uso del sonido, a la manera de encuadrar, de hacer planos más estáticos, de tratar de generar una experiencia de extrañamiento en el espectador, pero sin jugar con la naturaleza o con determinados recursos que tenían las dos primeras, que ocurren en lugares como el monte pampeano o la selva del Paraná, que de por si generan extrañamiento.


Fotograma de Liverpool


-Pero, sin duda, hay elementos que hacen de “Liverpool” una experiencia novedosa dentro de su obra…

“Liverpool” se hizo más fácil después de haber hecho “Fantasma” donde filmamos en pasillos, oficinas, baños, ascensores, lugares donde no se puede mover mucho la cámara. Entonces se trata de extrañar desde otro lugar: desde el sonido, con el tiempo de plano. Eso fue lo que pasó en “Liverpool”, en especial cuando filmamos en un barco, donde todo es muy chico, calculado para que el ser humano apenas pueda moverse. En esta película sentí que era perfecto aprovechar el témpano de esa naturaleza, diferente de la otra donde se escuchaban pájaros, el ruido del agua; donde había animales y pasaban barcos. Esta versión de la naturaleza era todo lo contrario: ni autos, ni animales, ni gente. No hay vida. Es un set congelado. Salvo cuando cae la nieve no hay movimiento. Filmamos en un aserradero que queda en medio de un páramo, a sesenta kilómetros del pueblo más cercano, por calles de hielo. De hecho, el sonidista salía a tomar sonidos del ambiente y cuando en “Los muertos” escuchaba monos, acá no oía absolutamente nada.





-¿Ha podido mostrar su película en Tierra del Fuego, donde fue filmada?

La quise estrenar en Ushuaia, justamente porque quiero mostrar la película a la gente que vive allá, quiero mostrarle los lugares que filmé, mostrarle su puerto, los actores que son de ahí, mostrar el frio que hace y como vive determinada gente. Hay dos salas: una en Ushuaia y otra en Rio Grande. En las dos me dijeron que hablara con el programador, que es un chico de Buenos Aires que programa para 43 salas. Hablé con él y me dijo: “No Lisandro, la tuya no la vamos a poner porque yo tengo que hacer dinero con las películas”. Le respondí que había hablado con uno de los dueños de la sala y que había manifestado sus ganas de poner “Liverpool” en su cine. “No, el dueño del cine soy yo”, me contestó… Ese es el tipo de diálogo que hay. Le pedí si no tenía la amabilidad de permitirme mostrar la película a la misma gente que filmé en Tierra del Fuego. Allá son 140.000 habitantes, ¿sabes cuántos van al cine por mes? Setenta. Me dijo que no porque tenía que poner la película de Suar.


Fotograma de Fantasma


-¿Por qué piensa que es tan difícil hacer otro cine en Argentina?

No es solo acá, es así en todo el mundo. Lo que no me parece lógico es que en el país no haya lugares para acceder a otras propuestas, a esas otras formas de pensar el cine. Abrir caminos, opciones. Eso hace a que el lenguaje cinematográfico sea, en definitiva, mucho más rico.





Alonso Básico

Buenos Aires, 1975, cineasta

Egresado de la Universidad del Cine, codirigió el corto “Dos en la vereda”, 1995. Fue asistente de sonido en varias producciones del nuevo cine argentino. Su primer film “La libertad”, 2001, presentado en Cannes, descubrió una narrativa original, que se destacaba sobre el resto de su generación. “Los muertos”, 2004, fue éxito de público en la Sala Lugones. Le siguieron “Fantasma”, 2006 y “Liverpool”, 2008.

Fuente: Revista Ñ, numero 270, 29 de noviembre de 2008

Realizadores de hoy: Jorge Gaggero, filmar lo necesario

Filmar lo necesario

Por Natalia Blanc

Pasó de espectador de las funciones de barrio a ser el guionista y director de Cama adentro , una de las películas más emotivas del cine argentino de los últimos años.

Jorge Gaggero, director de cine, 37 años, filmó Cama adentro y Vida en Falcon.



El primer recuerdo que Jorge Gaggero tiene del cine es un viejo proyector de películas de 16 mm de su abuelo. Ahí veía retazos de films de Charles Chaplin y Los Tres Chiflados. Para que el niño Gaggero, que por entonces tenía cuatro o cinco años, no se aburriera de ver siempre lo mismo, el abuelo le pasaba la cinta en cámara lenta o de atrás hacia delante. Y a él lo deslumbraba la capacidad de contar tantas historias diferentes a partir de las mismas imágenes, en blanco y negro y sin sonido.




Ese juego familiar, sostiene hoy, despertó su vocación temprana. Durante la etapa de la escuela primaria iba al cine del barrio (es de Vicente López) a ver funciones en continuado. Y ya en la secundaria, junto con su amigo Pablo Ramos, que tenía una de las primeras cámaras de video que llegaron al país, filmaban historias protagonizadas por ellos mismos y editadas en forma artesanal en videocaseteras hogareñas. "Hacíamos las monografías para el colegio en video. Presentamos en la Bienal de Arte Joven un corto que habíamos preparado para geografía: sacamos una mención. No teníamos idea de que ya estábamos haciendo una carrera. En esa época era impensable hacer cine."



Fotograma de Cama adentro


Estudió fotografía y entró en la UBA para cursar la carrera de Imagen y Sonido. En 1988 rindió examen para ingresar en el Instituto Nacional de Cine. Por entonces no había tantas escuelas y universidades privadas como ahora. "Justo ese año el Instituto se cerró por falta de presupuesto. Mi mamá, que es arquitecta, me decía que mejor estudiara Arquitectura. Recién pude empezar la carrera de Dirección un año más tarde". Mientras estudiaba empezó a trabajar como asistente de cámara del programa periodístico Edición Plus . "Aprendí mucho, fue un trabajo muy intenso, de mucho contacto con la calle, con la realidad. Eso también fue una escuela para mí." Gaggero ya había cambiado las funciones en continuado para recorrer el circuito de cines clubes y ciclos: "Mi primera formación fue cine europeo".

Cuando terminó la carrera, presentó un guión propio en el concurso de Historias Breves , semillero de directores talentosos como Adrián Caetano, Lucrecia Martel y Daniel Burman. "Mi proyecto, Ojos de fuego , salió seleccionado. Esa fue la primera vez que filmé en serio. Fue una buena experiencia, pero sentí que debía seguir filmando cortos, que todavía no estaba listo para hacer un largometraje."





Entonces se anotó para una beca Fulbright, que ganó hacia 1997 y le permitió cursar el Programa de Dirección en el American Film Institute, de Los Ángeles. "Entran quince directores por año, solo cinco extranjeros. Yo era el único de habla hispana y fui el primero que filmó un corto en castellano: El túnel de la lluvia , una historia de amor con final feliz entre un pibe que trabajaba en un lavadero de autos y una chica que atendía un puesto de comidas." Estuvo tres años en Los Ángeles, filmó varios cortos y ganó un premio a la mejor realización latina. Volvió al país en el 2000, en plena crisis. La triste realidad sociopolítica lo inspiró para escribir el guión de su opera prima: Cama adentro . Ya se sentía preparado para dirigir un largo.

Con Cama adentro , que cuenta la simbiótica relación entre una mujer de clase media empobrecida y su mucama de toda la vida, consiguió algo impensado: que Norma Aleandro se maravillara con el guión y aceptara protagonizar la película de un director debutante. "Nunca pensé recibir tanto afecto del público y de los colegas. Leonardo Favio, a quien siempre había admirado, me llamó emocionado después de ver la película. También otra gente que respeto mucho, como Richard Ford, el premio Pulitzer." El film cosechó excelentes críticas y se exhibió en varias ciudades del mundo. En julio pasado se proyectó en Nueva York, en el Film Forum, bastión del cine independiente extranjero.

-¿Qué enseñanzas le dejó su primera película?

-No aflojar. Seguir buscando hasta lograr exprimir algo de lo que querés contar. También, que cada película tiene su propio proceso y que no quiero repetirme.




Lo logró: Vida en Falcon , su segundo film, tiene un registro diferente. Es la historia de un hombre que vive adentro de un auto. Ahora está en la etapa de pre-producción del tercero, La seguridad de los perros . "Es una idea que tenía desde antes de filmar Cama adentro . Tiene que ver con la sensación de seguridad, en distintos planos, que necesitamos sentir los hombres."

Cada una le llevó tres, cuatro años, de preparación. "No soy un director prolífico. Siento que no voy a hacer muchas películas: solo las necesarias.


Fotograma de Vida en Falcon

Tiene una sensibilidad inusual

Por Sergio Renán


Además de las excelentes películas de Lucrecia Martel, Daniel Burman, Adrián Caetano, Pablo Trapero o Damián Szifrón, y algunas pocas más, hay otras del nuevo cine argentino que me parecen borradores interesantes, otras que me parecen solo discretas, también están las mediocres y por fin las abominables. Estoy hablando de un núcleo de películas, generalmente muy bien tratadas por la crítica actual.

Junto con esos casos, hay otros directores también muy elogiados por la crítica, que proponen un cine inteligente, singular y rupturista, pero que siento que no han filmado para mí.

En Jorge Gaggero, en cambio, y en su película Cama adentro, advertí una sensibilidad, un sentimiento (con perdón de la palabra), bastante inusuales en el cine argentino actual. Me gustó lo que este joven director logró con una actriz sin experiencia como Norma Argentina, compartiendo el protagonismo con un talento como el de Norma Aleandro. En esa película encontré una historia sencilla, bien contada y emotiva.


Fuente: adn cultura jueves 24/12/09, lanacion.com

Cineastas de hoy: Albertina Carri, todo menos la paz del campo

Situado en el interior de Buenos Aires, el nuevo film de la directora de “Los rubios” pone en pantalla “la naturalización de la violencia” rural.

Entrevista de Ida Mogones



Albertina Carri, junto a Lucrecia Martel y Celina Murga, es una de las hijas dilectas de aquel fenómeno que hace diez años recibió el mote de “nuevo cine argentino” y del que recién ahora –con la aparición de una nueva camada de realizadores- comienza a establecer cierta perspectiva crítica. Si “Pizza, birra, faso” de Stagnaro y Caetano es estudiada hoy como la punta de lanza que habilito la posibilidad de hablar de la avenida de una generación singular, “Los rubios” (2003), de Carri –aun con las polémicas que suscito- encarna tal vez el mayor ejemplo de cine político de reciente factura. Si en esa película se abordaba el tema de la identidad desde una traza documental alejada de los lugares comunes acerca de las víctimas de la represión ilegal de los setenta, la producción de Carri continuo signada por la apropiación de la violencia como temática casi central. Si “Géminis” (2005), se centraba en una familia disfuncional que arrastraba a sus vástagos al incesto, “La rabia” viaja al interior de la provincia de Buenos Aires, donde el campo (como un paisaje casi abismal) atraviesa la vida de dos familias instaladas entre el ímpetu furioso de la animalidad y una brutalidad que nada les debe a los animales, por ser genuinamente humana.




¿La idea de violencia ligada a la infinitud del campo fue seminal al hacer el guion del film?

Si, por eso se llama “La rabia”, la película. Primero que nada apareció el titulo. Siempre fue una película sobre el campo, pero sobre todo acerca de la idea de rabia como contagio, no solo como estado de furia.




¿Cree que hay una tradición en el cine argentino que utiliza el campo como símbolo y reservorio de violencia?

No creo que exista una tradición en ese sentido, más bien al contrario. Hay si una tradición que muestra un campo más costumbrista. En “Detrás de un largo muro” de Lucas Demare, 1958, por ejemplo, aparecía esa idea de la corrupción vinculada a la ciudad mientras que el campo era visto como depósito de la nacionalidad, inclusive a partir de la idealización del gaucho.

Muy diferente del campo que usted describe…

No creo que exista una dicotomía entre el hombre de campo y el de ciudad, como si unos fueran los buenos y los otros, los malos. Utilizo ese escenario donde se tiene un contacto con la muerte y con la sangre, en fin, con la naturalización de la violencia como metáfora de nosotros mismos, independientemente del lugar donde vivamos.

¿Qué cree que separa a esta película de “Géminis”? En las dos aparece el campo…

Formalmente son muy distintas. Además, cada una retrata una clase social distinta, “Géminis”, es una película más formal desde la puesta, hay un trabajo sobre la mirada dentro de la cámara y los movimientos de vestuario. “La rabia” apuesta a cierta indagación entre lo ficcional y lo documental, aunque no es una película que trabaje el realismo para nada.




No obstante, tiene escenas muy realistas…

Si. Pero más allá de las escenas documentales en sí mismas –la de la muerte del cerdo, podría ser una- hay escenas profundamente ficcionales que tienen una observación que desde la puesta están narradas desde un lugar muy documental.

La composición del protagonista, Javier Lorenzo, resulta excepcional. ¿Cómo se le ocurrió trabajar con un actor cuyo “physique du rol” se aleja tanto de lo que suele entenderse como el estereotipo del gaucho?

Yo quería para el personaje de Pichón, encontrar un actor que pudiera hacer más bien de un gaucho maula que pudiera relacionarse con Hormiga Negra (protagonista del folletín de Eduardo Gutiérrez), incluso pequeño físicamente. Cuando llegamos al rodaje el equipo se sorprendió muchísimo al encontrarse con que Javier iba a hacer de Pichón, porque él se aleja de lo que la convención entiende por “masculino”. Debía ser un actor que estuviera dispuesto a jugar con eso. A contradecir lo que a priori se espera de él.

¿Pudo hacer ya un balance de las reacciones del público frente a la película?

La gente queda como congelada, un poco en shock. Es una película destinada a incomodar, me parece. En ese sentido, esta un poco relacionada con algún cine de terror. Me parece que no genera miedo, pero si una cierta incomodidad en la visión.

¿Tiene ya desarrollado su próximo proyecto?

Tengo dos, pero no se cual vendrá primero. Uno es un infantil y el otro, una película de terror.





Director:

La rabia (2008)
Urgente (telefilm - 2007)
Géminis (2005)
De vuelta (corto - 2004)
Los rubios (2003)
Fama (corto - 2003)
Barbie también puede eStar triste (corto - 2001)
Historias de Argentina en Vivo (2001)
Aurora (corto - 2001)
No quiero volver a casa (2000)


Guionista:

La rabia (2008)
Urgente (telefilm - 2007)
Géminis (2005)
Los rubios (2003)
Fama (corto - 2003)
Barbie también puede eStar triste (corto - 2001)
No quiero volver a casa (2000)


Producción:

Los rubios (2003)
Barbie también puede eStar triste (corto - 2001)
No quiero volver a casa (2000)


Cámara:

Los rubios (2003)
No quiero volver a casa (2000)


Montaje:

Aurora (corto - 2001)


Asistente de Cámara:

Silvia Prieto (1998)
De eso no se habla (1993)


Fuente: Revista Ñ, numero 36, 10/05/2008

Realizadores de hoy: Raul Perrone, el hombre suburbano

Ganador del premio al mejor director en el Festival de cine de Buenos Aires, de 2007, Perrone, una de las miradas mas singulares del cine argentino, ya esta embarcado en el rodaje de un nuevo film que probablemente jamás llegue a estrenarse.

Por Marcelo Panozzo
De la redacción de La Nación





"Un daiquiri de durazno".

Son las cuatro de la tarde de un viernes de invierno. "No se si tengo".

En la TV de 29 pulgadas (reglamentaria) del bar se puede ver un partido de tenis sin argentinos.

"¿Baccardi tenès?"

De un lado del bar, la estación Ituzaingó. El mozo mira por sobre el hombro derecho, escanea el estante de las bebidas espirituosas y asiente en silencio. La chica del comienzo, sentada frente a su novio (reglamentario) vuelve a hablar:

"Si tenès Baccardi, tenès daiquiri. Uno de durazno... por favor."

La pausa antes del "por favor" es de impaciencia. Siguiente paso: un hombre que se encuentra detrás de la caja, tras un breve cuchicheo con el mozo, deja su lugar y sale del bar. Vuelve a los cinco minutos; trae en la mano la indisimulable forma de una lata de duraznos dentro de una bolsa blanca (reglamentaria) de súper chino.

"Ya marcha tu daiquiri, eh."

Buena escena para una película de Raúl Perrone. Acaso un momento fugaz de poesía suburbana, protagonizado por una pareja, en un bar, a deshora; personas alejadas del mundo y a la vez fatalmente conectadas con ese Planeta Ituzaingó. "estación del Ferrocarril Sarmiento, distrito del partido de Morón -define el critico Fernando Martín Peña en el librito que acompaña la flamante edición de la trilogía, coqueta caja con tres films de Perrone en DVD: "Labios de churrasco", "Graciadió" y "5 pal'peso"-, espacio suburbano del Oeste por el que circulan (los personajes) sin poder salir." Pero Perrone no esta en ese bar; su cámara se mueve a gusto en los pasillos y los sótanos del cine contiguo, filmando otra cosa.

"Bonus track" se llama la película que esta terminando de rodar, una nueva polaroid de la vida juvenil en Ituzaingó, registro documental con algunas incrustaciones de ficción. ¿Que como es eso? "Bonus track" nació en el taller de cine que Perrone dicta en su ciudad hace ya seis años; después de las actividades, alumnos y profesor suelen reunirse a tomar algo en el bar del daiquiri, y por la ventana Perrone siempre veía a un grupo de pibes yendo y viniendo por la plaza en skate. Esa visión, sumada al entusiasmo de los alumnos y sazonada con los ecos de la edición de "la trilogía" en DVD, puso en marcha el asunto: el retrato de un grupo de adolescentes skaters que toman un cine vacío y pasan horas allí dentro, patinando y soñando (¿patinando por un sueño?), fumando, charlando, enamorándose. Dice Perrone: "Encontré muchas cosas actuales en mis viejas películas, que a su modo son documentos de una época, sobre como eran los pibes en la década del 90. Y pensé ¿que pasa ahora con eso?, ¿como puedo abordar de nuevo a los pibes? A la vez, recordé que antes de ser adquirido y refaccionado por el estado, el Gran Ituzaingó siempre estaba copado por pibes. No eran okupas, era pibes y pibas que saltaban la tapia y se metían ahí a pasarla bien. Entonces, a partir de eso, decidí que el espacio tomado no fuera una plaza, sino un cine abandonado."





¿Puede ser que, antes de llegar a "Bonus track", te hayas ido ocupando paulatinamente de personajes mas grandes de edad?

Nunca fue consciente. Hay dos o tres cosas que no hago y especular es una de ellas. Soy un pasional de mierda, bah. Ahora que salio en DVD, se habla de "la trilogía", pero que se trata de una trilogía inconsciente. En mis películas siempre hay personajes jóvenes; lo que pasa es que acá quería abordar el tema desde el modo en que lo veo a mi edad. Creo entender muy bien a los pibes, mucho más que los tipos jóvenes.

¿A que se lo adjudicas?

A que yo en el fondo soy un pendejo. No puedo estar con tipos de mi edad, me aburren. Escuchan tango y lloran.

Las primeras escenas de la jornada involucran a un grupo de seis chicos que van de aquí para allá con sus tablas por los pasillos del cine y por la enorme explanada en que, limpia de butacas, se transformo la sala. Hablan de cosas importantes y de algunos quebrantos, hacen competencias de saltos, llegan las chicas, coquetean, poco más. "Es fácil hacer una película sobre adolescentes metiendo celulares, Playstation, Internet, fiestas, drogas, música, embarazos, problemas con los padres. No quería esas cosas en la película y el desafió era: ¿como contar una historia sin eso?, dice Perrone. El trabajo previo al rodaje tuvo que ver con la búsqueda de los chicos, con largas charlas entre ellos y con la posibilidad de ir y venir entre la empatia y la extrañeza; "Empieza con situaciones pensadas de antemano y después dejo que me aborde el azar. Creo mucho en asombrarme con lo que hago, en dejarme ganar por la jornada y no depender de algo que ya esta escrito y que creo saber como va a quedar."

Si bien gracias a Canadá se llevo el premio al mejor director de la "Selección Oficial Argentina" en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires de 2007 (galardón justiciero que compartió con Rafael Filippelli y su "música nocturna"), estrenar sus películas le sigue resultando tan difícil como hace diez años. "Estrenar" es una forma de decir; "mostrar", en todo caso, es una palabra mas adecuada. "Encuentro espacio en el Festival de Buenos Aires, al que siento mi casa. Pero después es muy difícil llegar a mostrar mis películas. Intento seguir de la manera en la que empecé, prepotentemente, pero ya casi no hay espacios. Y estrenar es una locura. Fuera de lo que puedan hacer el Malba, la Sala Lugones o el Centro Cultural Rojas, no hay posibilidades para estas películas."

¿A pesar de que tenès un nombre, una trayectoria y hasta premios?

Es lo mismo. Cada vez tomo más al cine como un dibujante que hace un cuadro y busca el momento de colgarlo. Pero es muy difícil, a tal punto que a veces quiero largar todo. En esos momentos medio amargos, por suerte aparece el humor y termino ironizando conmigo mismo; no te desesperes, me digo, estas haciendo películas para futuras retrospectivas.

Filmografía

Labios de churrasco
Graciadió
5 pal'peso
Bonus track

Seleccionado de adncultura, del diario La Nación.