Otra dosis.....

El incendio por Juan Schnitman

El cineasta estrena un film que funciona como un drama con tono de thriller. “Quería hacer una película sobre las últimas veinticuatro horas de una pareja, pero luego eso fue mutando a algo mucho más extraño”, señala.

 Por Oscar Ranzani

Con 35 años, Juan Schnitman debuta como director solista con El incendio, tras formar parte del cuarteto creador de El amor (primera parte), que se completaba con Alejandro Fadel, Martín Mauregui y Santiago Mitre. El film, que se estrena mañana, tuvo su première mundial nada menos que en la Sección Panorama del Festival de Berlín de febrero de este año. El guión, correspondiente a Agustina Liendo, plantea la historia que Schnitman tenía en su cabeza y que pudo plasmar con gran solvencia en el rodaje. Se trata de una historia cortita en el tiempo (todo transcurre prácticamente en 24 horas), pero intensa. La pareja de treintañeros la componen con notables interpretaciones Pilar Gamboa (en la ficción Lucía) y Juan Barberini (Marcelo). Lucía y Marcelo lograron juntar 100 mil dólares para poder mudarse y tener un departamento soñado, con ayuda monetaria de la familia de ella. Al principio, todo parece marchar sobre ruedas. Pero un llamado termina por desmoronar la operación. Falta alguien que tiene que firmar la escritura y todo se cae hasta el día siguiente. Pero lo que entra en crisis o más bien eclosiona es la pareja. Desde ese momento, la historia muestra un clima opresivo de dos novios con conflictos amorosos y de convivencia, en los que intervienen el dinero, las drogas, el sexo, pero sobre todo las problemáticas de seres urbanos de clase media. ¿Podrán solucionarse esos conflictos? Eso se responderá con el correr del tiempo. O no. “Quería hacer una película sobre las últimas veinticuatro horas de una pareja, pero luego construyendo la historia eso fue mutando a algo mucho más extraño”, comenta Schnitman en diálogo con Página/12.

–¿Coincide en que se trata de un drama con tono de thriller?

–Sí, nosotros bromeábamos un poco con la idea de policial de pareja. Y era algo que nos ordenaba a la hora de escribir. La película tiene mucho dinero, sexo, violencia y un arma. Y, sin embargo, es una película de una pareja.

–De conflictos de una pareja...

–Sí, pero es una pareja con todos sus problemas. Había algo de eso que funcionaba como una idea rectora para escribir la película.

–También la definió como una película de “terror interno”. ¿Por qué?

–Hay algunos momentos de la película que yo trataba de pensarlos en clave de cine de terror. El comienzo con ellos dos en la cama, con ese plano cenital... yo pensaba cómo se filmaría si fuera una película de terror. Y me parecía que ésa era la manera. Y hay otras cosas que suceden con el fuera de campo y el sonido. En una parte de cierta violencia que se desata en el departamento, la cámara está sobre la protagonista y el terror es ella escuchando cómo el otro destruye algunas cosas. Esas pequeñas ideas también nos ayudaban a pensar la película a la hora de hacerla.

–¿En qué medida considera que estos conflictos de parejas jóvenes se dan con mayor asiduidad en la clase media urbana, que es la clase a la que pertenecen estos jóvenes?

–Me parece que es una película de gran ciudad. En este caso, es en Buenos Aires, con una serie de particularidades que tienen que ver con esta metrópolis, pero es una película que podría ser, en algún grado, universal. En toda gran ciudad, el acceso a la vivienda es un tema importante, también hay cierto grado de inseguridad, que es algo que está como trasfondo en la película.

–Y en toda gran ciudad hay conflictos de pareja...

—(Risas.) En todos lados hay conflictos de pareja. Ojalá fuera en las grandes ciudades solamente.

–¿Es común la combinación entre amor y violencia en las parejas jóvenes o éste es un caso extraordinario?

–Espero que no. En ese sentido, tratamos de construir personajes muy particulares y muy especiales. No están tratando de representar un espectro amplio de gente. Tienen particularidades. Tratamos de trabajar también estas pequeñas diferencias sociales que hay entre ellos dos. Ella es de una clase media un poco más alta y él de una más baja. Y por esa pequeña diferencia perciben el dinero de manera diferente. La gran ciudad y las tensiones que se viven allí llevan a un estado que puede hacer que salten cuestiones violentas con los condimentos adecuados.

–Un poco la pregunta que surge es si la idea de comprar un departamento es un proyecto genuino de la pareja o una válvula de escape.

–Yo creo que las dos cosas son imposibles de discernir. En muchas ocasiones, las parejas huyen hacia adelante, por decirlo de alguna manera. Ejemplo: estás en un momento de crisis y te casás; estás en un momento de crisis y te mudás con tu pareja.

–Toda crisis implica, a la vez, una posibilidad de cambio, ¿no?

–Sí, y también como manera de sortear esa crisis con un proyecto en común que redobla la apuesta de esa manera. Ese redoblar la apuesta, a veces, funciona y, a veces, no.

–¿Cómo trabajó la violencia física del personaje? ¿Buscó un tono lo más realista posible en ese aspecto?

–Tratamos de que la exploración de la violencia fuera muy repartida entre los dos personajes; no trabajamos la violencia de género. Trabaja la violencia como un elemento más de poder que están teniendo los personajes en ese día horrible. Pero después sí buscamos que toda la película tuviera una impronta lo más realista posible y lo más cercana posible, que fuera una historia donde la identificación resultara sencilla. Si bien los personajes están pasando por momentos muy extremos, hay algo de eso que uno puede reconocer en lo propio. Sin haber llegado a esos extremos hay algo de uno que está ahí.

–¿Tangencialmente la película refleja las dificultades de la clase media argentina como, por ejemplo, la de acceder a una vivienda?

–Sí, me interesan los temas sociales y políticos. Soy un gran lector de diarios y me interesaba mucho que en esta película la impronta de realidad fuera muy directa y tratara de los problemas que uno tiene. Y el acceso a la vivienda, al menos que haya una ayuda extrafamiliar, es una especie de quimera en este momento. Es complicado. Conozco pocos amigos de mi edad que han podido comprar su propia casa con sus propios medios. En ese sentido, es un tema actual, donde se juegan esas diferencias sociales de las que hablábamos antes. De repente, unos padres que pueden colaborar con la compra de una casa generan un conflicto de una pareja porque el joven no quiere aceptar ese dinero. Y ahí se juegan un poco las diferentes percepciones sobre el dinero. Esas cosas también separan y generan ruido en la pareja.

Extraido de Diario Pagina 12

50 Películas que deberías ver: "La lista de Schindler" de Steven Spielberg.

La lista de Schindler. Es una película biográfica de 1993 dirigida por Steven Spielberg basada en hechos reales, ambientada en plena Segunda Guerra Mundial, en medio del gran poder de los nazis, relata la historia de Oskar Schindler (Liam Neeson), un hombre de enorme astucia y talento para las relaciones públicas, organiza un ambicioso plan para ganarse la simpatía de los nazis.

Después de la invasión de Polonia por los alemanes, consigue, gracias a sus relaciones con los nazis, la propiedad de una fábrica de Cracovia. Allí emplea a cientos de operarios judíos, a los cuales les salvó la vida durante el Holocausto. Está basada en la novela El arca de Schindler (Schindler's Ark), escrita por Thomas Keneally. La película ganó siete premios Oscar, entre los que se encuentra mejor Película, director, guión y montaje.

Sinopsis

En la época de Hitler, un hombre, el empresario Oskar Schindler, se opone al régimen que gobierna en su país y lucha a su manera contra el holocausto que esta viviendo. Utiliza su fortuna para contratar a judíos que están en campos de concentración con el fin de que trabajen para el y así salvarle la vida. Poco después hará una lista con los nombres de los agraciados que vivirán a salvo hasta el fin de la guerra.

Trama

Una mañana desde lo alto de una colina, a donde lo había llevado un paseo a caballo el 30 de junio de 1934, su mirada recae en una niña judía de abrigo rojo que logra escapar de la vigilancia de los alemanes y esconderse en su casa. Poco después Schindler presencia el crematorio de los cuerpos en los barracones, que reconoce el cadáver de la niña del abrigo rojo, transportado en una carretilla.

Este es el inicio de la reflexión de Oskar Schindler que empieza a ver el mundo judío mas de cerca. Sin embargo lo más impactante es cuando Schindler reflexiona y lamenta de no poder haber conseguido contratar a más judíos para salvarles la vida. Una historia basada en hechos reales, ambientada en plena Segunda Guerra Mundial, en medio del gran poder de los Nazis, que hicieron de este suceso el más atroz y sangriento de toda la historia.

Una ideología mezquina, que creía que la raza Aria era superior al resto, y que en Alemania no podía haber otra que no sea esta. Los Nazis en el poder, con la clara idea expansionista, ocasionaron la cruel masacre no solo en las batallas propias de la guerra, sino también en los lugares en donde existían otras razas especialmente la judía, que un día había entrado en Alemania gracias al acilo del rey de esta época en protección contra sus perseguidores.

Estos judíos se instalaron, trabajaron y crecieron, llegando muchos de estos ser influyentes y poderosos entre los alemanes, como es el caso de Schindler, hijo de varias generaciones judías en Alemania, que continuó con la laboriosidad de su padre, creando su propia empresa, que contó en un inicio con más de 350 empleados, subiendo esta cantidad posteriormente. Había logrado superar a su padre que había empezado con 50 empleados aproximadamente. Su fábrica ya en plena Segunda Guerra Mundial, manufacturando ollas y parecidos, logró un gran crecimiento. Los Nazis en su afán de limpiar su país de otras razas, se apoderó totalmente de Alemania, esto en el caso interno, y creó las trampas mortales que fueron usados contra los judíos principalmente, una acción sin contemplación de nada. Judío por judío era sacado de su propiedad y trasladado unos a unos a pequeños edificios llamados Gettos, otros a lugares desconocidos, a donde eran llevados con engaños, prometiéndoles trabajo y una vida normal. De hecho, trabajo había, pero la forma en que se presentaba era deshumanizante.

Personas sin oficio, ancianos, rebeldes, mujeres eran cruelmente asesinadas por montón, ejecutando a más de siete mil judíos diarios en los diferentes campos de concentración. Estos actos eran conocidos por los alemanes, ya que eso era su intención, también por algunos judíos importantes como Schindler que a pesar de todo sentía mucho lo que estaba sucediendo, pero también sabía que existía algo que podía hacer por sus hermanos judíos, ya que estaba muy ligado al grupo del poder.

Es interesante la personalidad e historia de Schindler, un personaje que trata de ocultar su gran amor por sus semejantes judíos. Un judío adinerado que cambió sus costumbres normales, en donde malgastaba su dinero, por una acción humana por sus hermanos, creando con posterioridad empresas ficticias, donde tenía a muchos judíos supuestamente trabajando para él. Pero que a pesar de todo, sentía que aún no hacía lo que él esperaba: tener muchas más personas bajo su mando, ya que este le significaba vida para muchos judíos.

La denominada “Lista de Schindler” nace justamente en el afán de este adinerado, que había logrado juntar más dinero de lo que un hombre puede gastar en toda su vida, para sobornar a un corrupto funcionario y así ir comprando judío a judío hasta donde su economía lo resista. Logró albergar en su nueva fábrica a más de mil cien judíos, aunque por poco tiempo; tiempo suficiente para que estos queden libres a consecuencia de la rendición de Alemania y fin de la Segunda Guerra Mundial.

En síntesis, es una historia donde se entremezclan la masacre, la corrupción, la deshumanidad del gobierno de la SS representando la denominada “discriminación racial”. Por otro lado, está el judío Schindler que a pesar de todo ama tanto Alemania como a sus hermanos judíos y que representa la salvación para muchos. Se muestra aunque al final, culpable, con mucho remordimiento, ya que sabía que pudo hacer mucho más.

Escenas impactantes

· La niña del abrigo rojo, que llama la atención en la película, después la matan y la llevan a un crematorio.
· El sufrimiento de los judíos ante la atenta mirada de los Nazis.
· La forma de llevarlos a la muerte, lentamente, para que sufrieran mas.
· El dolor de separar a una familia, y después no volverse a ver.
· La crueldad de los Nazis, al matar a los judíos en las cámaras de gas y ellos creyéndose que solo los iban a duchar.

Curiosidades

· El actor Ralph Fiennes, catapultado a la fama con este film, engordó 15 kilos para encarnar al sanguinario Amon Goeth, jefe del Arbeitslager (campo de concentración) de Plaszow.
· El director Steven Spielberg fue incapaz de conseguir el permiso para filmar dentro de Auschwitz, así que las escenas del campo de exterminio fueron realmente rodadas fuera de las puertas en un escenario construido como una copia exacta del emplazamiento real al otro lado de las puertas.
· La persona que pone las flores sobre las piedras en los créditos finales es Liam Neeson y no Spielberg, como la gente cree.
· Martin Scorsese rechazó la oportunidad de dirigir esta película en los 80, ya que pensaba que no podría hacer un buen trabajo no siendo un director judío.
· El cartel de la película es una mano grande agarrando una mano pequeña con una manga de color rojo, presumiblemente se refiere al deseo de Schindler de haber salvado a la niña de la chaqueta roja.
· En medio del desalojo del gueto de Cracovia, un soldado alemán se sienta al piano e interpreta el preludio de la "Suite Inglesa No 2" del músico alemán Johann Sebastian Bach.


Valoración

Es una película que muestra lo peor y lo mejor que un ser humano puede dar de si mismo... Dicen que el dinero no puede comprar la felicidad, pero en este caso, no solo compra la felicidad sino también la libertad y la vida.

En esta película, que esta basada en hechos reales, que nos transporta a la Segunda Guerra Mundial, nos muestra desde el corazón de los que mas sufrieron: los judíos. Oskar Schindler nunca pretendió ser un héroe, pero si fue capaz de resolver a su manera la cuestión judía construyendo en Cracovia un campo de concentración que a la vez era una fábrica, que tras los muros de estos se albergaron miles de judíos.

En fin una película realmente cruda por su realismo y en definitiva una película excepcional. En Jerusalén, en la avenida de los Hombres Justos, hay un árbol que recuerda la emoción histórica y la maestría de una gran persona: Oskar Schindler.

Fue hallada en Sidney, la lista de Schindler auténtica.

"Salvó a 801 personas de las cámaras de gas"

Localizada en una biblioteca, la lista del industrial alemán que salvó a cientos de judíos del Holocausto. La lista fue mecanografiada a toda prisa el 18 de abril de 1945, durante los últimos compases de la Segunda Guerra Mundial, y compilada por Oskar Schindler, poderoso industrial alemán con carnet del partido nazi. Schindler dirigía una fábrica en Cracovia (Polonia) durante la guerra, y empleaba a trabajadores judíos. Horrorizado por la conducta del régimen nazi, intentó persuadir a las autoridades alemanas de que sus trabajadores eran vitales para el esfuerzo de guerra, por lo que no debían ser destinados a los campos de exterminio. La lista hallada ha sido localizada traspapelada entre notas de trabajo y recortes de periódicos alemanes recopilador por el Keneally. Ni la biblioteca ni el comerciante de libros que les vendió seis cajas de material en 1996 se dieron cuenta de que la lista está oculta entre varios documentos.

Keneally consiguió la lista hace casi 30 años en una tienda en Los Ángeles, cedida por una de las personas a las que ayudó Schindler: Leopold Pfefferberg, el obrero judío número 173 de la lista. Pfefferberg quería que el novelista escribiese la historia de Schindler.

Premios

· 1993: 7 Oscar: Película, director, guión, montaje, música, dirección artística, fotografía
· 1993: 3 Globos de Oro: Película: drama, guión, director. 6 nominaciones
· 1993: 7 premios BAFTA, incluyendo película, fotografía, montaje, bso. 13 nominaciones
· 1993: Nominada al Cesar: Mejor película extranjera
· 1993: National Board of Review: Mejor película
· 1993: 3 premios Círculo de críticos de Nueva York, incluyendo Actor secundario (Fiennes)

La lista de Schindler', Spielberg recupera su gran talento

Por Adrián Massanet

Eso es muy cruel, Oskar. Les estás dando esperanza. No deberías hacerlo. Eso es muy cruel.

- Among Goeth

Después de ese tríptico terrible conformado por ‘Always’, ‘Hook’ y ‘Parque Jurásico’ (la primera muy cuestionable, la segunda lamentable, y la tercera flojísima), que tanto ha contribuido, en mi opinión, a rebajar la altura artística de la carrera de Steven Spielberg, llega un título clave en su filmografía, que él no tiene reparo en afirmar que es la más importante de todas las que ha hecho, mientras que por ejemplo considera ‘E.T.’ como la más personal.

Yo no estoy por la labor de llevarle la contraria. Quizá sea la más importante que ha hecho, aunque puede que también por razones que a lo mejor él no considera, como redimirle de varios años muy poco interesantes. No creo que ‘La lista de Schindler’ sea, ni mucho menos, esa obra grandiosa que muchos han proclamado, aunque está claro que es una película formidable a la que algunos defectos absurdos (y que además, convierten la práctica de la crítica cinematográfica en un ejercicio arduo de llevar a cabo) impiden una perfección absoluta que se insinúa en muchos momentos.

Un proyecto complicado

Y lo cierto es que es un proyecto que pasó por bastantes manos antes de llegar definitivamente a las suyas. Cineastas del calibre de Roman Polanski, Martin Scorsese o Billy Wilder, nada menos, pudieron haberla dirigido antes que él. El primero lo rechazó por motivos personales, el segundo intercambió proyecto con Spielberg (que iba a dirigir el remake de ‘El cabo del miedo’...), y el tercero intentó hacerse con los derechos, pero en el último momento los perdió en favor de Spielberg, cuando podría haberse convertido en el testamento del maestro austríaco, cuya madre fue asesinada en Auschwitz.

En cualquier caso, resulta apasionante la identificación que Spielberg experimenta por su protagonista, Schindler, y por el interpretado por Ben Kingsley, el contable Itzhak Stern. La notoria y en cierto modo célebre (aunque no fue la única de estas características, por supuesto, y hubo otros casos en los que se salvaron a un mayor número de judíos) historia del controvertido hombre de negocios Oskar Schindler, fue descrita de manera admirable en la novela homónima de Thomas Keneally, que Steven Zaillian, un consumado guionista, convirtió en un libreto también admirable, quizá el mejor que ha tenido Spielberg en muchos años.

El cineasta tomó la decisión, incontrovertible, de filmar en blanco y negro (exceptuando su prólogo y su epílogo), decisión que como se puede apreciar por su imagen, es acertadísima, aunque muchos temían que se pudiera acusar al director de pretencioso por ello. Pero es inimaginable esta película filmada en color, aunque se le hubiese aplicado algún tipo de decolorado, o hubieran decidido emplear una luz fría y siniestra. El blanco y negro era obligado, y en su primera colaboración con su ahora operador habitual Janusz Kaminsky (que aquí firma, de lejos, el mejor trabajo de su vida), consigue una fusión creativa total, para una imagen en verdad sublime.

Para el papel de Schindler, Spielberg contrató a Liam Neeson, y podemos afirmar que la decisión fue acertadísima. Neeson encarna al moralmente equívoco Schindler con una fuerza y una verosimilitud en verdad impresionantes y conmovedoras. Pero todo el reparto está a la misma altura. Fiennes interpreta al despiadado Amon Goeth con similar perfección. Kingsley, uno de los actores más completos de su generación, borda a su contable judío sin apenas mover una ceja. Y así todos y cada uno de los muchos intérpretes, protagonistas o episódicos. Cuando se supo que Spielberg había comenzado a filmar la película, muchas fueron las voces que demostraron su escepticismo. Supongo que muchas de ellas se acallaron cuando, al ver finalmente la película, observaron solamente el esfuerzo de Spielberg en la dirección de actores. Pero claro, hay muchos detalles más que señalar.

Complejo y contradictorio antihéroe

El tema de este relato, con el trasfondo del genocidio nazi, es por supuesto el viaje de Schindler desde el cinismo ilimitado de un hombre de negocios implacable y astuto, hasta la compasión absoluta experimentada como catarsis y transformación final. Y este largo viaje es entendido por Spielberg como una peripecia de redención a través de un dolor brutal, sin apenas esperanza. El horror visto muchas veces de frente, con la mirada limpia de un niño asombrado por la capacidad de destrucción y crueldad del ser humano. ¿Y como presenta a este anti-héroe? Es interesante observar que primero vemos sus manos, como hiciera con Indiana Jones, para después armar una magnífica secuencia en la que nos percatamos del poder de persuasión de este arribista sin escrúpulos.

En esta larga secuencia, filmada con maestría, se describe con qué habilidad Oskar se hace amigo de los principales mandos nazis para conseguir lo que se propone: salir de la ruina y forrarse con la guerra. Los azules ojos de Neeson son la viva imagen de la ambición, y en su relación con los hombres de negocios judíos (comiunidad a la que Spielberg no se resiste a criticar por su ánimo de lucro y la cobardía de algunos de ellos) comienza a gestarse su futuro destino.

Pero lo que va a vertebrar este relato son dos relaciones apasionantes, las que unen a Oskar con Itzhak Stern y Amon Goeth, respectivamente la luz y la oscuridad, que curiosamente van a extraer de Oskar lo opuesto a lo que representan. Oskar actúa como un espejo invertido ante ellos: la natural bondad del contable provoca mezquindad y displicencia en Schindler, mientras que la suprema abyección de Goeth (posiblemente uno de los personajes más repulsivos y repugnantes de la entera historia del cine) termina por sacar el lado más compasivo de este hombre tan fascinante y dual.

Schindler, poco a poco, va comprendiendo el momento histórico en el que vive, y la capacidad de ayudar de los judíos de la que goza por su privilegiada posición. Será capaz, por tanto, de pactar con el diablo (porque Goeth es el Mal Supremo), infinidad de veces, sacando partido de él, aprovechándose de su amistad, y aprendiendo a la vez a respetar el estoicismo y la serenidad de Stern.

Rasgos estilísticos

Después de tres películas de las que extraer rasgos estilísticos supone un dolor de cabeza, quizá porque no existían, ‘La lista de Schindler’ ofrece material abundante sobre el que escribir. Sin extendernos demasiado, para no hacer este capítulo demasiado largo, primero: decir que es evidente la gran autoexigencia que Spielberg demuestra durante toda la película. Y segundo: que esta historia es, incontestablemente, un verdadero “jardín”. Es decir, que el director se la juega, y de qué forma, llevando a cabo este proyecto.

Ahora bien, y después de dejar claro lo que opino de estos puntos, ‘La lista de Schindler’ queda, bajo mi punto de vista, por debajo de maravillas como ‘Shoah’ o ‘El pianista’. Por la sencilla razón de que el camino que se traza a sí mismo, Spielberg no es capaz de seguirlo durante toda la película. Me explico. Influenciado o inspirado de manera directa por las imágenes de la época y por películas como ‘Alemania, año cero’ (Roberto Rossellini, 1948), muy superior también a ésta, el director navega tanto por las aguas del melodrama histórico como por las del drama realista, y en ocasiones su barco zozobra, aunque nunca llegue a naufragar.

Visualmente alterna de manera brillante una narración cercana al documental de época (reforzado por un empleo soberbio de la cámara en mano), con una puesta en escena más clásica, aunque igualmente fluida, con un gran sentido de la atmósfera y un ritmo que no decae jamás. Y no le tiembla el pulso, narrando con una convicción inusitada esta progresión de atrocidades. Sin embargo, a medida que avanza el relato, estilísticamente sufre incoherencias y su mirada se resiente de ello. Para entendernos: esta historia nos acerca a las vidas de Schindler y sus empleados judíos, salpicada por momentos de horror, pero no siempre Spielberg está a la altura moral y estética de lo que narra.

Un ejemplo: un judío manco de avanzada edad es ejecutado por los nazis, y poco después de ello, Spielberg regresa al cadáver, aún con los ojos abiertos, y su cámara se aleja junto con la sangre. Es innecesario, tendencioso, y manipulador en extremo, tomando esa decisión. Sin embargo, muy poco después, Goeth manda ejecutar a la capataz judía que avisa de los malos cimientos de un futuro edificio. Ahí Spielberg es frío y despiadado, no hay un plano contemplativo o especulativo, sino la pura verdad, un balazo despiadado que nos pone la carne de gallina.

Más ejemplos: en la larga y escalofriante matanza del gueto, Spielberg alterna lo sublime (el plano de la anciana caminando por calle, adelantada por un grupo de furiosos nazis; el rosselliniano momento de la ingesta de objetos de valor) con lo vulgar y facilón (el nazi pianista tocando, mientras suenan los disparos y se ilumina el edificio con intermitencia). Y en cuanto al famoso y polémico momento de la niña vestida de rojo, creo que es una figura burda con la que Spielberg quería construir una metáfora entrañable del genocidio (el rojo quizá simbolizando la sangre derramada, como si fuera necesario simbolizar nada, el rostro espantado de una niña por cierto preciosa simbolizando la pérdida total de humanidad de los nazis) pero que resulta ñoño y tosco, y que rebaja la altura de esta escena.

Dos secuencias, eso sí, en las que Spielberg enseña el horror sin falsas componendas: la cremación de los cadáveres exhumados, y el paseo de las mujeres por el infierno en la tierra que fue Auschwitz. Ambos pueden ser los dos mejores y más escalofriantes momentos filmados jamás por Spielberg. Es conmocionador observar al nazi disparando a la pira de cadáveres (uno de los planos más desoladores que recuerdo haber visto en un cine), y es terrorífica la recreación del más famoso y siniestro lugar del siglo XX. Pero no siempre Spielberg mira al horror con semejante aplomo. Y el epílogo me parece, de nuevo innecesario, así como la caída en el sentimentalismo de ver llorar a Schindler en su despedida a sus empleados.

Conclusión

Una gran película, que roza con los dedos muchas veces la maestría, pero que no la atrapa a manos llenas. Spielberg recupera el talento perdido, o aguado, de sus realizaciones previas, y filma, junto con ‘Tiburón’, ‘E.T.’, y ‘La última cruzada’, una de sus películas más completas y conmovedoras. Se echa en falta, eso sí, una mayor cohesión estilística. Spielberg no es Rossellini, Polanski o Lanzmann, pero vuelve a ser Spielberg. La colección de barbaridades nazis en ocasiones es manipuladora, pero también en otras respira una verdad incontrovertible.

por Emilio Calvo

La experiencia de una generación no es transmisible a ninguna otra: se transmiten los detalles, los símbolos, pero no la Historia no se regenera, íntegra, corregida, para que el futuro aprenda de sus errores y consienta una esperanza. Pudiera estar reflexión servir como punto de partida para comprender una película como ésta.

El cine no es testigo mudo de la Historia: es Historia, inventario de modas y de culturas, de etnias y de religiones. La Lista de Schindler es una película formidable y es una página de un libro de Historia.
El espectador es arrebatado de su ambiguedad: se le conmina a que tome una postura y las imágenes son de una sobriedad tan brutal que no existe escapatoria.

Oskar Schindler ( Liam Neeson ) se opone a los nazis contratando a judíos que salvan así su vida. Este viene a ser, muy sucintamente, el argumento de la película, pero hay más. Está el horror de la guerra retratado como pocas veces: con fría objetividad, con grises demoledores, con absoluta asepsia. Quiere Spielberg no involucrar su ojo en lo que filma: se limita a encuadrar, a mover la cámara por donde la acción lo requiere, pero no se deja contaminar por lo que ojo ve, que es ( insisto ) la estulticia del hombre, el miedo del hombre, la guerra que el hombre interpone entre su felicidad y su destino.

Estos tiempos de reconversión de los idearios políticos precisan que una película como La lista de Schindler exista para que la vida triunfe, y esto que acabo de escribir no es una frase de libro de frases rimbonbantes: es la forma más eficiente de expresar el sentimiento que queda en el alma después de que hayamos visto su apasionante trama.

La Lista de Schindler es un canto a la vida desde la ausencia de vida. Un poema de tres y pico con rima canalla en los pares y dolor en los impares. Cuenta Oskar Schindler en una escena de ampuloso tenebrismo al oficio nazi al mando del Campo cómo el poder se reconoce por la benevolencia y la flexibilidad de quien lo ejerce. Le dice que el reo se sabe muerto antes de la ejecución y que reconoce al amo por la posibilidad que éste tiene de resucitarlo o de aplazar su muerte. Sobre esta concepción de la autoridad, en tiempos de guerra, Spielberg levanta un monumento de ternura y de llanto con un blanco y negro ( soslayado únicamente en la llama del principio y del final del film ) exquisito, preciso, hermoso hasta la ausencia de palabras que puedan expresarlo.

El muy genuino sistema de vida americano, tan amigo de virar a un lado o a otro de la prudencia y de la justicia, comete de cuando en cuando el pecadillo de consentir películas como ésta: faro de luz que debe alumbrar la ceguera del hombre, rezaba en una publicidad de la época de su estreno.
Ben Kingsley y Liam Neeson, aun protagonistas, no llevan el peso del film, a pesar también de que su capacidad dramática esté a la altura de las muy graves circunstancias que representan.
Aquí no hay actores: el personaje borra al actor. Spielberg aparcó sus mitos de infancia ( el extraterrestre, el héroe con látigo, Peter Pan, los dinosaurios ) y saldó una cuenta con la Historia.
Su reciente Munich no puede contemplarse desde todas esta perspectiva, si bien guarda innegables similitudes con La Lista de Schindler.

Curiosidades al hilo de la película:

1.- Una costumbre judía es ir depositar una piedra en la tumba de un ser querido en señal de agradecimiento eterno. Al final de la película, se ve como una comitiva de judíos va dejando piedras en la tumba de Schindler. Son los judíos que en la vida real fueron salvados por el propio Schindler.
2.- Steven Spielberg no pudo conseguir el permiso para firmar dentro de Auschwitz, así que las escenas del campo de exterminio fueron realmente rodadas en un escenario que pretendía ser una copia exacta de aquél.
3.- El guión de la película pasó por manos de Martin Scorsese, que se echó atrás por mor de su ascendencia judía y por no saber si acometería la empresa con la suficiente objetividad.
4.- Tom Hanks y Kevin Costner también aspiraban a ser Oskar Schindler, pero Spielberg permitió al más novato y menos conocido Liam Neeson hacer el papel de su vida.
No tenemos aquí la mejor película de nazis o la mejor película sobre el Holocausto: es una de las mejores películas de los últimos años y, sin duda, la mejor ( en mi opinión ) de Steven Spielberg. Y la banda sonora más adaptada ( junto con la de El piano de Michael Nyman ) al objeto que orquesta. John Williams es, no hay duda, un maestro.

Fuentes: ecured.cu/index.php/La_lista_de_Schindler

blogdecine.com/criticas/steven-spielberg-la-lista-de-schindler-spielberg-recupera-su-gran-muchocine.net/criticas/857/La-lista-de-Schindler

«Los globos» - Ópera prima en familia.

Mariano González salta de la actuación a la dualidad actor/director, con su ópera prima Los globos. Una historia sencilla que se ensancha como los globos que fabrica su protagonista, al contar los lazos que se van construyendo entre un padre y su hijo. Lejos de los golpes bajos, Los globos es una mirada sincera a las dificultades, limitaciones y contradicciones de un hombre que se encuentra en la encrucijada de hacerse cargo, o no, de su propio destino.

¿Cómo surge la idea de Los globos?

Surge de las ganas y necesidad de filmar. Había escrito dos guiones anteriormente, pero por diferentes motivos quedaron en un cajón. Decido escribir un tercer guion y comienzo a pensar qué tenía como para escribir una nueva historia. En una servilleta en un bar, con una amiga comencé a dibujar y a anotar: había sido padre, una nueva experiencia fuerte que me presentaba la vida, entonces anoté, tengo un hijo, y así continué, tengo un auto, hay rutas, consigo un campo, y como para finalizar, está la pequeña fábrica de globos -lugar que siempre me fascinó- de mi amigo Martin Viale -actor en la película-. Así comenzó Los globos. Luego me encontraría ganando el premio Opera prima INCAA 2012, y el libro pasaría a ser película.

¿Cómo fue la experiencia de tu pasaje de delante de cámara como actor a la actuación y dirección?

La experiencia fue muy buena. Fui consciente de que era mi opera prima y que tenía que protagonizar y dirigir, entonces lo primero que hice fue formar un equipo con "̈trayectoria”, y ante todo, con gente con la que me sintiera cómodo, contenido, y protegido. El equipo siempre estuvo atento, aportando y disfrutando del rodaje. Eso ya era un logro muy grande, ver a todos muy comprometidos y alegres con lo que estábamos haciendo. En cuanto a lo de actor y director, si bien mi herramienta más fuerte en ese entonces era la actuación, tenía cierta duda sobre si cuando estaba actuando podía abstraerme de la dirección con los otros actores, pero por suerte eso no paso, los actores y no actores -como mi padre y mi hijo- me sorprendieron en todas sus escenas

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¿Por qué decidiste trabajar con tus propios familiares, con tu papá y tu hijo, en los mismos roles en la película?

Con mi padre fue porque en principio no se me ocurría un actor con las características que tenía en mente para el personaje; un tipo grandote, que prácticamente no habla, pero su presencia es muy fuerte, su mirada, su cuerpo, un peso pesado. Mi padre tenía todo eso. A su vez él estaba algo aburrido de su trabajo, casi que ya ni iba, entonces le propuse si quería actuar, que yo sabía que lo podía hacer perfectamente. Estuvo todo el rodaje muy contento con su nueva aventura, y lo disfrutó mucho. Luego se operó y lamentablemente falleció, así que me dejó un hermoso y único regalo. ¡Lo tengo conmigo en Los globos! Con mi hijo, estaba en duda si era mejor trabajar con él o con un niño ajeno. Sabía que trabajar con un niño ajeno quizás me resultaba mejor, en cuanto a no tener que estar fuera y dentro del rodaje con él. Pero con mi hijo sabía que en cuanto a construcción de historia tenía mucho más potencial. Lo que el personaje -César- tenía pensado hacer con su hijo, ya había algo que movía las tripas, y que luchaba internamente con esa decisión, o indecisión mejor dicho. Así que decidí trabajar con él y cansarme más, creo que fue una buena elección. Alfonso está muy bien en la película.

¿De qué manera trabajaste desde el guion el crescendo en las relaciones interpersonales, que son el corazón de tu película?

Cesar sale de una rehabilitación y se entera de la existencia de un hijo. Concentra su tiempo en el trabajo, en los globos, hasta sentir mucha presión de parte del abuelo del niño, para que vaya por él. Cesar decide buscarlo, pero piensa dejarlo en adopción -algo que ya tiene hablado con una amiga del pueblo-. La relación se va construyendo en los espacios y momentos que van compartiendo -auto, restaurante, bar, casa de amiga- pero hay un lugar en el que Cesar acepta su paternidad y a su hijo. Eso sucede en el bosque, es ahí en donde saca su angustia y miedo acumulado y puede preguntarle al hijo, ¿Te gusta el bosque? Luego, ya en el galpón de los globos y en un almuerzo que tienen, nos demuestra su total aceptación del vínculo con el hijo.

¿Cuáles son tus expectativas acerca de la presentación de tu película y de la recepción del público en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata?

Es mi primera película y primer festival como director. Tengo muchas ganas de descubrirlo. Claro, ojalá a la gente le guste y pueda disfrutarla, pensarla, que les quede algo de lo que quise contar.

Fuente: Festival de Internacional de Cine de Mar del Plata.

Keir Dullea, para coleccionar.

Una conversación con Keir Dullea

"Mis padres vinieron a mí y cerca del final de la semana, dijeron que me querian visitar" Keir, si quieres ser un carpintero que está bien con nosotros, pero ¿se te ha ocurrido pensar que sea un actor? "Era como el eureka del momento ".


Sam Tweedle: ¿Qué fue lo que le hizo dedicarse a la actuación?

Keir Dullea: Supongo que tendría que rastrear de nuevo a mis años de adolescencia.  Fui a un campamento de verano durante parte de mi infancia, donde había siempre alguna manera de ser  dibujado a convertirse en parte de parodias, y en la escuela yo era parte de la Navidad [producciones].  Luego, en la secundaria, yo era parte del club de teatro.  Ellos no tienen una clase de teatro, pero el club se puso cortas obras en un acto, y en mi último año de la secundaria nos pusieron en una jugada de larga duración.  Luego me fui a un internado.  Fui a la Escuela George, que es el co-ed Quaker internado en el condado de Bucks Pennsylvania, y tenían un programa de teatro extraordinario.  La mayoría de las escuelas secundarias tienen la obra menor, o la obra de teatro de alto nivel, pero tenían un curso de crédito medio que se puede tomar en lugar de tomar el arte o tienda.  Yo estaba allí sólo por tres de cada cuatro años y me tomé el drama de los tres años.  Fue muy difícil.  Hicimos Galsworthy y Shaw y Shakespeare y yo estaba acertado en que tendía a jugar, si no a los clientes potenciales, que sin duda eran papeles de apoyo.  Pero luego me gradué y yo no era un gran erudito.  Yo era bastante bueno en Inglés.  Creo que era atlético, pero lo que conseguí fue en el drama.  Pero nunca, en un millón de años, se me ocurrió hacer una carrera fuera de eso.  Una carrera es algo que pone su nariz a la muela.  Es trabajo.  [Interino] es divertido.  No hacer una vida fuera de la diversión.  Así que fui a la Universidad de Rutgers, que fue la Universidad Estatal de Nueva Jersey, pero después de una media de un semestre me quité.  No le dije a nadie.  Yo escribí mis padres una carta y me fui porque no tenía objetivos.  No sabía por qué estaba yo allí.  Yo sólo fui a la universidad, porque cuando vas a preparar a todo el mundo la escuela va a la universidad.  Pero yo no sabía lo que quería hacer con mi vida.  Así que me quité de New Brunswick, Nueva Jersey y autostop a San Francisco.  Conseguí un trabajo en la construcción pesada como la asistencia de un carpintero y me sentí muy feliz.  Hice muchos amigos, y fue un momento muy feliz.  Fui responsable de mí mismo, y mis padres eran bastante comprensivos.  Ellos eran fenomenales al respecto.  Estoy seguro de que tenían un montón de preocupaciones.  Bueno, el verano siguiente mis padres vinieron a mí y cerca del final de la semana, dijeron "Keir, si quieres ser un carpintero está bien con nosotros, pero qué se le ha ocurrido a usted para ser un actor?" Era como el momento eureka.



Sam: Tus padres suenan como si fueran gente extraordinaria.  La mayoría de los padres no quieren que sus hijos sean actores.

Keir: Ellos eran muy liberales políticamente.  Abrieron una librería en el Greenwich Village en 1939 y la vendieron en 1963. Ese tipo te da una idea de qué tipo de padres que eran.  Mi madre había actuado en el drama de la Universidad Northwestern y mi padre había participado en obras de teatro en la universidad, y fueron al teatro mucho.  También vendrían a verme en obras de teatro cuando estaba en la Escuela George.

Sam: Sé que tienes un amor por el escenario.  Usted empezó en el escenario, y continúa trabajando en el escenario, ¿no?

Keir: Medio.  Tengo una nueva película que va a los festivales de cine en estos momentos llamados Is not It, delicioso.  Está protagonizada por una actriz de teatro muy conocida llamada Kathleen Chalfant que hizo una muy exitosa carrera de una obra llamada El ingenio de una mujer a morir de cáncer.  Pero, de vuelta a su pregunta sobre el escenario.  Después de que mis padres dijeron lo que dijeron, que me ayudaron a encontrar un lugar para estudiar y empecé mi primer año de nuevo en San Francisco State College como drama importante y no tenía ninguna intención de volver [a la Costa Este].  Pero llegué Medio [de nuevo] porque mis padres tenían su librería en la Villa y clientes habituales de mis padres estaban en las artes y de alguna manera me conseguí un aprendizaje en un teatro en el "circuito de sombrero de paja." Alguien me tomó bajo su ala.  Era un escenógrafo de Broadway y dijo: "Si usted es serio sobre el teatro, los mejores maestros están en Nueva York y estoy en el personal de la Neighborhood Playhouse." En este punto en el tiempo, que era 1956, [El Barrio Playhouse] fue la mejor escuela de teatro en Nueva York.  Usted tuvo que aplicarse a los seis meses de antelación, [pero él dijo] "Si usted está interesado voy a interceder por ti." Bueno, ellos me aceptaron.  Nuestro maestro de baile era Martha Graham.  El jefe del departamento de actuacion  era un miembro original del Teatro Círculo, el nombre de Sandy Meisner que está considerado como una de los tres más grandes maestras de actuación del siglo XX.  Así que esa fue mi introducción al teatro real.




Sam: ¿Cuanto tiempo estudio alli antes de su debut en el escenario? 

Keir: Bueno, fue una escuela de arte dramático de dos años.  Ellos no le permiten trabajar.  Era una escuela de tiempo completo y que sería echarte si se enteraran que usted trabajó en el teatro o en cualquier otro lugar [durante el año escolar].  Pero no importa si usted trabajó en el verano en el primer y segundo año.  Así que envié mi curriculum vitae y fotos de cincuenta sociedades anónimas de verano y me dieron una respuesta de tres a una audición.  Conseguí un trabajo como aprendiz de segundo año en un teatro en el suroeste de Pennsylvania. Terminé haciendo unas cinco obras de teatro, así que fue mi debut profesional y técnico.  Tengo cuarenta dólares a la semana y tengo mi tarjeta de la equidad, pero después yo estaba de vuelta en la escuela de teatro por un año más.  Luego, al final de ese tiempo, me hice en el verano un stock nuevo, pero esta vez yo era un miembro de la equidad.  Yo estaba en el oeste de Pennsylvania en el teatro de Berkshire.  El tipo de valores que hicimos en esos días era conocido como sociedades residentes.  Hice diez obras en diez semanas.  Tenía ensayo de una semana y luego se abria, y estaba ensayando la siguiente obra, mientras estaba interpretando en la noche.  Se acaba de agregar a mi capacidad y mi entrenamiento.

Sam: ¿Cuándo se hace la transición a la pantalla?

Keir: Al final de ese año, que fue 1958, que comenzó a hacer pequeños papeles en la televisión y comenzó a recibir algunos de los principales papeles en programas religiosos del Domingo.  Así que me dio un poco de exposición de la cámara de esa manera.  Hice un espectáculo fuera de Broadway en 1959 e hice otra temporada de verano.  En algún momento alrededor de entonces conseguí mi primer papel importante en una nueva versión de la señora Miniver para televisión protagonizada por Maureen O'Hara.  Interprete una parte de un piloto alemán que quedó derribado durante la batalla de Gran Bretaña, que se jugó en la película original de Casco Dantine.  Era importante porque sólo tuve una escena, pero sólo era Maureen O'Hara y yo, donde le aterrorizan en la cocina. Lo curioso es que tengo un muy buen acento alemán, aunque no hablo una palabra de alemán.  Pero yo había hecho una obra de teatro donde había jugado un alemán, así que cuando hice la prueba me dijeron "¿Usted habla alemán?" Yo estaba pensando que sería Inglés con acento alemán.  ¿Cómo iban a saber que no hablo alemán?  Así que mentí y le dije: "Sí, hablo alemán." Igual entramos en el ensayo que llamaron a mi agente y le dijeron que habían cambiado de opinión y que lo hacían en alemán.  Bueno, yo tenía un amigo que era un año detrás de mí en la escuela de teatro y era fluido en alemán, por lo que me entrené.  Tuve que aprenderlo de memoria en 1959 y sigue estando en mi cabeza.

 Sam: ¿Cuándo usted se involucra en las películas?

Keir: Bueno, en 1960 me hicieron una prueba para interpretar "Broadway y yo" no me llamaron.  Hubiera sido mi primera obra de teatro de Broadway, pero yo no lo entiendo.  El director fue muy conocido en el momento y tuve la sensación que su novio iba a conseguir el papel.  Así que en ese momento recibí una llamada de mi agente que tenía un mensaje de un agente de la oficina de la costa oeste, a quien nunca había conocido, que me vio en un programa de televisión durante el día y pensé que sería perfecto para una película que era fundición con Don Murray.  Si pudiera encontrar la manera de volar a mí mismo que pondría yo hacer lo mejor para mí promocion.  Así que creo que para evitar la decepción de no conseguir la obra de Broadway que lo hice y funcionó perfecto porque yo estaba terminando mi último juego en Massachusetts.  Hice una audición dos veces por Don Murray y el director, Irving Kirshner, y me dieron el papel.  [Se terminó siendo] un ​​papel de liderazgo en mi primer largometraje, "Refugio de criminales".  Se trata de un sacerdote jesuita que es apodado El Refugio de criminales porque él está presionando para que un centro de rehabilitación en San Luis por la penitenciaría estatal.  No hubo centros de reinserción social en los Estados Unidos y fue significativo a saltar lejos en ese hecho.  Se basaba en un verdadero sacerdote, que fue interpretado por Don Murray.  Jugué un carácter compuesto de un joven ex convicto que mata inevitablemente alguien.  Él no es un tipo de asesino, pero él es juzgado y condenado a muerte.  De hecho, usted me ve morir en la cámara de gas.


Sam: Ahora me parece que su papel en la señora Miniver y El Refugio de criminales ya estaba estableciendo el tipo de papeles que se podrían obtener durante la primera parte de su carrera.  ¿Qué había en ti, que tenía que lanzar continuamente tan intensamente, y con frecuencia de miedo?

Keir: Creo que la respuesta a eso es todo por culpa de David y Lisa.  No pasó por estar encasillado y me tomó mucho tiempo para deshacerlo.  No afectó mi carrera teatral en particular.  Realmente me siguió derecho hasta Odisea del espacio. Pero las cosas comenzaron a cambiar después de eso.

Sam: Me encanta David y Lisa.  Es mi favorita de todas sus películas.  Creo que es una hermosa película.

Keir: David y Lisa era una pequeña película de presupuesto.  Fue producido y co-dirigida por un hombre llamado Frank Perry, quien hizo algunas películas conocidas.  Su mejor película conocida habría sido Mommie Dearest.  Él estaba trabajando para el departamento de suscripción para el gremio del teatro en Nueva York y que siempre quiso involucrarse en el cine, y produjo un espectáculo para la televisión pública llamado Dramaturgo en el Trabajo, que era un espectáculo de media hora en una escena culminante de una obra en progreso [apareció en la primera media] y luego la segunda mitad sería una entrevista con el dramaturgo.  Hice dos [Dramaturgo en Obras], pero yo estaba jugando un carácter mayor y yo tenía el pelo muy largo.  Bueno, yo estaba en mis veinticinco años, y David, de David y Lisa, es una adolescente.  Así que mi agente se enteró del casting de esta película de muy bajo presupuesto, pero [Frank Perry] dijo: "[de Keir] un actor maravilloso y realmente disfrutamos de trabajar con él, pero creo que es demasiado viejo." De todas formas, se echaron Robert Walker Jr. en el papel y, de repente, un mes antes de disparar, [Walker] se le ofreció una película de Hollywood.  No era una película que se convirtió en algo, pero probablemente tiene un sueldo mucho más grande.  Así que ellos estaban desesperados y tuvieron que encontrar a alguien con prisa.  Así que mi agente llamó de nuevo y me fui a hacer una prueba de pantalla en el apartamento de Frank Perry.  Su esposa, Eleanor, había adaptado el guión del libro, llamada Lisa y David.  Entré en un pasillo oscuro y Eleanor dije "Oh Keir.  Si usted fuera tan sólo cinco años mas joven ... "y luego sólo se detuvo.  Yo sólo había conseguido un corte de pelo corto y ella dijo "Dios mío.  Usted dentro de cinco años va a ser más joven! "Así que me echaron.  Yo tenia en realidad veintiséis. David y Lisa se ​​hizo y se hizo la obra con noventa mil, levantaron el dinero como si se tratara de una obra de Broadway.  Ellos no van a ningún estudio.  Ellos simplemente lo hicieron a través de individuos.  Se planteó el dinero y lo ha hecho y no tenía acuerdo de distribución.  Frank Perry tomó literalmente las latas de película bajo el brazo y voló a Venecia y contrató a un estadounidense bilingüe que hablaba un perfecto italiano.  Ni siquiera se ha introducido en el Festival de Cine de Venecia, pero de alguna manera consiguió su entrada.  Ni siquiera era una entrada oficial estadounidense, y ganó el "mejor película de un director novel".  Con ese premio que acaba de abrir las puertas.  Él consiguió un acuerdo de distribución que se abrió en el Teatro Astra en Nueva York y terminó jugando allí durante un año.  Tengo un Globo de Oro a la "Mejor promesa de Nuevo Actor" y gané un premio en el Festival de Cine de San Francisco.  Por ciento noventa mil, David y Lisa definen el término "durmiente". Abrió mi carrera en el cine.  Para muchos, muchos años después, yo no tenía a una audición para películas.  Yo sólo me  ofrecia.

Sam: Creo que lo que hace que el trabajo de la película sea muy bueno, es la increíble química entre usted y Janet Margolin.

Keir: Me enamoré de Janet Margolin.  Eso no duele.  Nunca estuvimos juntos.  Me casé en el momento, pero era un ex matrimonio que no funcionó.  No se rompió a causa de eso, pero Janet Margolin fue muy importante en mi vida en ese momento, y no sirvió de nada.

Sam: Tal vez ahí es donde la conexión de ustedes se establece en la película.  Hay algo muy real y tierno en la película.

 Keir: Estoy seguro.  Tengo que añadir que he disfrutado trabajando con Howard Da Silva.  Se convirtió como un tío holandés para mí.  Howard Da Silva hizo un montón de películas en los años 40 pero en la década de los 50 fue a la lista negra durante la era McCarthy.  Su carrera cinematográfica se detuvo pero él continuó haciendo alguna obra de teatro off-Broadway. David y Lisa ayudó a resucitar su carrera.

Sam: Usted se considera incluso un poco galán después de hacer David y Lisa.  Las mujeres se enamoraron de ti en ese papel.

 Keir: Sí.  Me gustaría conseguir cartas de admiradores así.

 Keir Dullea con Anne Howard en "El Zorro": "Si estás jugando a un villano para justificar sus acciones.  De lo contrario, usted está jugando un personaje.  Puedes haberlo encontrado, me da miedo (en "El Zorro"), pero no creo que él era un villano como tal. "

 Sam: Creo que una de sus actuaciones más espeluznantes de todos los tiempos fue en The Fox.

 Keir: Eso se hizo en Canadá.  Fue hecho al norte de Toronto.  He trabajado mucho en Canadá, y había un tiempo que la gente pensaba que era canadiense.

 Sam: El Fox es un drama intenso.  Creo que su personaje sea absolutamente aterrador.  El final de la película era muy molesto para mí.  ¿Quién era él para usted, y cómo fueron capaces de crear una actuación tan siniestra?

 Keir: Si estás jugando un villano para justificar sus acciones.  De lo contrario, usted está jugando un personaje.  Puedes haberlo encontrado, me da miedo, pero no creo que él era un villano como tal.  Él estaba en competencia con Sandy Dennis.  Ella es una competidora y estaba en mi camino.  Si yo era consciente de que era una posible situación de lesbianas o no, pero sin duda mi personaje consciente de que Sandy Dennis estaba en el camino.  Creo que el derribo del árbol una metáfora.  Si quieres matar a alguien hay maneras más fáciles.  No recuerdo los detalles, pero sin duda tenía que ver con el deseo de estar juntos con Anne Heywood.

Kier Dullea con Buddy Ebsen y Lois Nettleton en "Mail Order Bride"

Sam:. Usted trata con una gran cantidad de temas pesados ​​en sus primeras películas, de David y Lisa expuesto el tema oculto de los adolescentes con enfermedad mental Bunny Lake is Missing tenido un subtexto incesto The Fox tenía un tema lésbico...  Estos fueron todos los temas tabú durante los años sesenta.  ¿Estabas naturalmente atraído por películas como éstas?

Keir: No. Yo no fui después de esos papeles.  Que estaba siendo encasillado.  Yo siempre estaba un poco aliviado cuando yo no hice una.  En 1963 hice un pedido por comedia occidental con Buddy Ebsen y una actriz maravillosa llamada Lois Nettleton.  No sería del género que está hablando.  Hice una película italiana que nunca llegó un comunicado de aquí, pero fue muy divertido, llamado Le Ore desnuda.  Era una historia de amor en la que tengo un romance con una mujer casada mayor.  Eso fue filmada en Italia en el '64.  El próximo año lo hice Bunny Lake y justo después yo era el hijo de Lana Turner en Madame X. Eso no era un papel particularmente intenso.  Acabo de jugar a un abogado simpático que no sabía que estaba representando a su madre.

Sam: 2001: Una odisea del espacio cambio por un encasillamiento para usted?

Keir Dullea: posiblemente, su papel más famoso, doctor Dave Bowman, en "2001: Una odisea del espacio": "pensé" 2001 "sería avanzar en mi carrera.  Realmente no lo hizo ".
Keir: No aumentó mi encasillamiento.  En realidad, lo creas o no, pensé que 2001 sería avanzar en mi carrera.  Realmente no lo hizo. 2001 sólo se ha convertido en una película icónica en retrospectiva.  Fue un éxito, pero se puso muy críticas.

 Sam: Creo que fue sobre las cabezas de la audiencia media.

 Keir: Tal vez fue la naturaleza de mi papel.  Seamos sinceros.  Yo estaba más maquinal que HAL.  Así que no sé.  De hecho, la próxima película que hice, fue The Fox, pero que se hizo durante los dos años que Kubrick estaba en post-producción. 2001 tomó tanto tiempo para completar que yo podría hacer una película entera de características y que salió antes de 2001.  Entonces hice DeSade y fue lanzado justo después de 2001.  Yo estaba en Broadway haciendo Las mariposas son libres con Blythe Danner cuando 2001 salio a las pantallas.

Sam: Sé que le han pedido una y mil veces, pero como estaba trabajando con Stanley Kubrick?

El director Stanley Kubrick habla con Keir Dullea en el set de "2001: Una odisea del espacio": "Yo estaba temeroso de él.  Pasó dos o tres horas simplemente para sentarse conmigo para ayudarme a superar mi temor.  Sólo sabía que estaba en la presencia de un genio.  El tipo de genio como Orson Welles ".

Keir: Fue maravilloso.  Él era un gran apoyo.  Él era el director más preparado que he trabajado.  No sé cuánto más para describirlo, pero era maravilloso.  Fue una experiencia memorable.  Al entrar en esos juegos era como entrar en Disney World.

Sam: Es una película extraordinaria para la época.  Fue increíble ver a Kubrick recrear el viaje espacial, que era como una nueva ciencia, por la manera realista en 1968.

Keir: Bueno, lo filmó en 1966. Ni siquiera habían aterrizado en la luna todavía.

Sam: ¿Cuándo lo viste por primera vez, hizo volar tu mente?

Keir: Siempre es difícil para un actor ver [una película] en su conjunto, porque toda la naturaleza de la realización de películas es que lo haces en pedazos.  Nuestra sección de la película se realizó en continuidad.  Las últimas escenas que se disparo fue cuando yo estaba en esa habitación extraña, y luego, cuando me hice viejo.  Lo primero que se rodo era toda la secuencia con el científico de subir al satélite y luego a la luna para ver el monolito.  Que recibió un disparo en el otoño del '65, y empecé a rodar en '66.  Luego tomaron un gran hiato y lo último que se filmó fue el comienzo.  El amanecer del hombre.  Para mí, eso [fue la parte que más me afectó], porque eso era toda una experiencia para mí.  Todavía me dan escalofríos desde los albores de la secuencia de hombre.  Ahora que lo he visto varias veces veo la experiencia de la película, y no veo el genio de Kubrick.  Si me entrevisté para una obra de teatro que estoy haciendo, una gran parte de esa entrevista, inevitablemente, va a terminar siendo aproximadamente 2.001.

Keir Dullea con Kay Rowan y Robin Ward en la serie de culto de ciencia ficción "The Starlost": ". Yo no estaba triste cuando El Starlost llegó a su fin"

Sam: En el extremo opuesto del género de ciencia-ficción es El Starlost que es, bueno, no tanto un clásico.  ¿Cuáles fueron las circunstancias que te tiene involucrado con el Starlost?

Keir: No estaba triste cuando El Starlost llegó a su fin.  Tuve dos personas encantadoras para  trabajar.  De hecho, todavía estoy en contacto con Kay Rowan.  Acabo de verla en una convención de hace unas semanas.  Ella vive en San Diego y vino y me vio cuando estaba en Burbank.

Sam: Así que si usted no estaba triste cuando El Starlost llegó a su fin, ¿por qué te involucraste con la serie en el primer lugar?

Keir: Tenía una gran promesa.  Un director de televisión muy importante llamado Harvey Hart, y fue creado por Harlan Ellison.  Hicieron que llevara su nombre en los créditos.  Fue un muy interesante piloto de televisión.  Sterling Hayden fue la estrella invitada.  De hecho, me lo recomendó.  Nunca había trabajado con él, pero yo lo había encontrado cuando estaba trabajando en una película llamada Paul y Michelle en París.  Pero a partir de ahí se desintegró.  Deben haber estado pagando un dólar setenta y cinco por guión.  Sólo se deterioró y, desde mi punto de vista, se convirtió en una especie de broma.  Los tres nos sentimos de esa manera.  Te voy a dar un ejemplo.  Uno de los episodios fue acerca de estas abejas monstruo y un científico loco que los desarrolló.  Bueno sólo bajaron y ampliaron las abejas reales en vista posterior de proyección.  Kay Rowan y yo éramos prisioneros de este científico loco y Robin Ward, tuvo que salvar el día.  Ellos no quieren gastar dinero en un arma de lujo, por lo que veían una de esos grandes extintores en la pared que rocio espuma y aerosol pintado de verde, y Ward llegó corriendo y rociaron la pantalla trasera proyectada y mató a todas las abejas.  Se deterioró cuando tuvieron que hacer las cosas por el estilo.

Sam: Sí.  Era muy lejos de 2001.

Keir: Oh, Dios mío, sí.  Si usted caminó demasiado rápido por las paredes del conjunto, serían agitar en el viento.

Sam: Hace poco que vi en Paperback Hero, que es un papel muy peculiar pero con un final trágico.

Keir: Sí, y no suele ser el tipo de papel que vendría a mi manera.

Sam: Pero usted es perfecto para ello.  Esa fue también una película canadiense.

Keir Dullea con Elizabeth Ashley en "Paperback Hero": "He trabajado con (Elizabeth Ashley) más que cualquier otra actriz en mi carrera.  He hecho ocho conciertos con ella a través de los años ... me encanta trabajar con ella, y me encantó trabajar con ella en esa película. "

Keir: Eso fue filmado en Delisle, Saskatchewan, cerca de veinticinco millas fuera de Saskatoon.  Vivíamos en Saskatoon y viajamos a la película todos los días en, literalmente, una ciudad de un caballo.  Tenía una barra, una ferretería, un restaurante chino.  Fue una experiencia maravillosa.  Recibí una llamada de mi agente que dijo "Hay una pequeña película canadiense que se está realizando", y él me dio el guión.  Leí el guión y me encantó, pero me dijo: "No hay ninguna manera voy a estar echo en este normalmente." Así que lo que hice es que no me afeito por un par de días, y tuve en viejos pantalones vaqueros raídos y una camisa naranja y yo fuimos a ver al director y lo primero que hice fue sentarme y poner mi pie en su escritorio y dijo "Oye Pedro, yo no lo entiendo.  Tengo esta carrera y he estado haciendo todas estas películas y yo nunca me echo como yo.  Yo no lo entiendo. "Él no me dejó leer.  Él sólo me ofreció el papel.  Me encantó trabajar con Peter Pearson.  Tuvo un papel muy importante película canadiense.  Yo lo vi no hace mucho.  Y, por supuesto, Elizabeth Ashley y yo habíamos hecho La gata sobre el tejado de zinc caliente, pero he trabajado con ella más que cualquier otra actriz en mi carrera.  He hecho ocho conciertos con ella a través de los años.  La última cosa que hice con ella fue en American Shakespeare Theater en Washington, DC.  Hicimos The Little Foxes.  Me encanta trabajar con ella, y me encantó trabajar con ella en esa película.

Sam: Paperback héroe nunca vio la luz del día en los Estados Unidos.

Keir: No, pero se rompió récords de taquilla en Canadá.  Realmente lo hizo.

Sam: Después de que David y Lisa, mi próxima película tuya que es mi favorito es el Negro de Navidad.  Esa película tiene un culto masivo!  Tiene un maravilloso elenco ecléctico!

Keir: Tengo una oferta para un recién salido de la nada.  Yo estaba viviendo en Londres con mi difunta esposa.  Me dieron la oferta para hacer Negro Navidad en Toronto y pensé que era una gran oportunidad de volver a ver a mis amigos de Nueva York y mis padres.  No tengo muchos recuerdos de hacer esa película.  Mi punto de vista era que se trataba de otro concierto.  Olivia Hussey era una maravilla trabajar con élla.

Sam: ¿Le sorprendió cuando se convirtió en un clásico de culto?


 Keir: Sí.  Creo que se convirtió en un clásico de culto antes de que yo era consciente de ello.  Yo no estaba allí para la mayor parte del plan de rodaje.  Probablemente estaba allí por la misma cantidad de tiempo como John Saxon.

Sam: Usted puede decir la forma en que la película está rodada porque algunos actores estaban allí sólo por un corto período de tiempo, y muchos no aparecen juntos en absoluto en la película.  Pero algunas de sus escenas son tan memorables.  Sobre todo la de que tocar el piano.  No estabas realmente jugando el piano, ¿verdad?

 Keir: No. Creo que se puede llamar a eso un papel intenso.  Así que hice la película y luego se acabó y me fui a Nueva York, y mientras yo estaba allí el director del festival de Shakespeare en Stratford, Connecticut quería verme haciendo La gata sobre el tejado de zinc caliente con Elizabeth Ashley y Fred Gwynne.

Sam: ¿En serio?  Hizo Fred Gwynne interpretar a Big Daddy?

Keir: ¿Alguna vez interpretar a  Big Daddy!  Lo nterpreto mejor que Burl Ives.  No tienes ni idea.  Fue formación clásica.  Fue a la Universidad de Yale para el drama.  Fue brillante.  No es simplemente genial.  Él fue memorable. Fue un muy gran éxito en Nueva York.

Sam: Durante 1975 fue el renacimiento de La gata sobre el tejado de zinc caliente, sacaste una oportunidad de conocer a Tennesse Williams?

Keir: Él estaba allí en los ensayos.

Sam: Wow.  Como era el?

Keir: Se sentó en la parte trasera de la casa, y mucho de lo que hizo fue hablar con el director.  No tuve mucha interacción con él.  Llegué a conocerlo.  Era un hombre muy dulce.  Un poco afeminado.  Tenía una especie de alta voz.  Yo realmente no llegue conocerlo.  La única reescritura fue en el tercer acto, que tuvo que ver con un famoso fuera broma, que fue eliminado de la producción original porque Elia Kazan, quien lo dirigió, penso que era un poco cruda para la época.  Este fue el primer avivamiento desde ese original.

El elenco de 1974 del elenco de "La gata sobre el tejado de zinc caliente", con Keir Dullea como ladrillo, Elizabeth Ashley como Maggie y Fred Gwynne como Big Daddy.  Este otoño Keir Dullea regresará a la producción en el papel de Big Daddy: "Ya sea consciente o inconsciente, siempre estás afectado por la totalidad de lo que has visto y te pide prestado de los mejores.  Eso se integran en su personaje.  Yo no voy a ser una imitación de Fred Gwynne, pero voy a ser él canalización ".

Sam: Se están preparando para regresar a La gata sobre el tejado de zinc caliente en estos momentos en el William Festival Tennessee en Providence, Rhode Island.

Keir: Sí.  Estoy interpretando a  Big Daddy opuesto de mi esposa, Mia Dillon, que es un candidato de Tony del pasado.  Ella ha hecho más Broadway que yo.  Ella está interpretando a Big Mama.  Hemos estado juntos durante quince años y hemos estado en cuatro o cinco obras de teatro junto con los años.  Ella está interpretando en realidad a mi cuñada  ¿No es delicioso?.

Sam: ¿Qué diferencias traes al papel de Big Daddy?

 Keir: Siempre traer algo de sí mismo en lo que hagas.  Sin embargo, ya sea consciente o inconsciente, que está siempre afectado por la totalidad de lo que has visto y te pide prestado de los mejores.  Eso se integran en su personaje.  Yo no voy a ser una imitación de Fred Gwynne, pero voy a ser él canalizandolo.  Gracias a Dios tengo tres meses para prepararme.  Big Daddy y Maggie, que en el primer acto y en el segundo, tienen monólogos que a veces se prolongan durante dos páginas sin descanso.  El director es Elizabeth Kalk.  Ella es originaria del Sur y una vez había interpretado a  Maggie.  Ella encontró a dos jóvenes actores notables para jugar los roles de Maggie y ladrillo.  Se abre cerca del final de agosto o principios de septiembre. Interpretamos tres semanas en Gales Springs, que es una ciudad que se encuentra a quince minutos de Provincetown, y luego nos trasladamos a Provincetown para la parte del festival de la misma.  Estoy muy emocionado.

Keir Dullea se aparecen como Big Daddy en La gata sobre el tejado de zinc caliente en Provincetown, Rhode Island.  Hablando con Keir Dullea fue una verdadera alegría.  Cálido, inteligente y centrado. Yo podría haber escuchado sus historias durante horas, pero con una vida de historias en el cine y el teatro, ninguna entrevista siquiera puedo empezar a cubrir todas las historias que Keir Dullea tiene para ofrecer.  Trabajando con algunos de los mayores talentos de la industria, Dullea ha tenido una carrera rica en frente de la audiencia, por lo que lo convirtió en uno de los verdaderos talentos en el viaje de la cultura pop.

POP ADICTO CULTURA NOTA: Me gustaría tomar un momento para agradecer a mi querida amiga Carol Summers para organizar esta entrevista con Keir Dullea.  Una de las personas más importantes en mi vida, estoy eternamente agradecido por la orientación, las conversaciones y la amistad de Carol.  Gracias por todo lo que Carol.

Extraído de http://popcultureaddict.com/interviews/keirdullea/