AnimaCine: El expreso polar

Robert Zemeckis, Tom Hanks y una película de animación con algunas particularidades y 165 millones de dólares de inversión.



En los papeles, El expreso polar es el típico producto para la temporada de fin de año: una adaptación de un clásico cuento navideño norteamericano, una película de animación, un film para chicos… Hasta ahí, nada sorprendente, salvo por el hecho de que la dirige Robert Zemeckis. Y si hay algo que no se le puede discutir, al director de Volver al futuro, 1985, entre otros hitos, es su capacidad para sorprender. Esta vez, la innovación de Zemeckis pasa por la utilización de una tecnología llamada performance capture. Se trata de unos sensores que capturan la actuación de los actores y luego la trasladan a la computadora, donde se completa la animación. Esta es la manera en que fue creado Gollum de El señor de los anillos, pero ahora, por primera vez se aplica a todos los personajes de un largometraje animado, con el atractivo extra de que, además, el encargado de interpretar a seis de ellos es Tom Hanks.



Y no crean que esto consiguió abaratar los costos de la película. La producción fue de 165 millones de dólares y, desde el punto de vista de la imagen, es distinta a todo lo conocido. Por momentos parece que fuera un film con actores y por momentos se asemeja mucho a las detalladas y coloridas ilustraciones de Chris Van Allsburg, el autor del cuento original y también responsable de Jumanji, otro relato llevado al cine. Varios estudios habían manifestado interés en adaptar El expreso polar a la pantalla grande, pero nunca habían podido convencer a Van Allsburg de que lo representarían fielmente. Hizo falta que el mismísimo Tom Hanks llamara al autor para que finalmente este best-seller infantil llegara al cine. “Hanks me dijo que quería hacer una película que corporizara y expresara los sentimientos que él había tenido cuando les leía mis libros a sus hijos. Y los dos estuvimos de acuerdo en que no sería posible transmitir eso con la manera actual de hacer productos para chicos –llenos de ironía, referencias a la cultura pop y a los videojuegos-. Íbamos a ser más fieles al libro si poníamos en la pantalla una historia que no dependiera de esos recursos y referencias”, explicó Van Allsburg en el estreno norteamericano de El expreso polar.





La historia gira alrededor de un chico que está creciendo y dejando de creer en Papá Noel. Pero en vísperas de Navidad llegará a su casa una visita muy especial, que lo hará conocer un mundo sorprendente. El libro original es pequeño, tiene solo 29 páginas, pero Zemeckis incluye secuencias de mucha acción y números musicales para que los 100 minutos de película se sostengan con buen ritmo. Además, todo el esfuerzo técnico de la performance capture y la presencia de una figura como Tom Hanks colaboran para que el relato y las actuaciones no pierdan fuerza emocional al trasladarse al formato animado.





La crítica, por Bárbara Escamilla

Un milagro de la tecnología, pero...

No es poco lo que se logra desde el punto de vista de la animación, aunque por momentos la historia se desdibuja.

Hay que reconocer el mérito, la proeza técnica: el asombroso resultado de la aplicación de la tecnología de animación CGI, que permite crear imágenes animadas con una asombrosa similitud a las reales. Pero, a estas alturas, en las que empresas como Pixar son capaces de aunar en un mismo producto tecnología e imaginación, es decir, continente y contenido (Los Increíbles es el último ejemplo), un film como El expreso polar queda sobrado de envoltorio y vacío de relleno. Un hermoso paquete sin regalo adentro.





Cada plano es, sin discusión posible, un milagro estético: la piel, el pelo, las expresiones, los movimientos de cada uno de los personajes, las texturas, la atmosfera… Pero no hay alma en la historia (por otra parte, alargadísima, a partir del relato navideño en que está basado), no hay un hilo que nos haga sentir ni el peso del descreimiento de un chico de diez años, incapaz de confiar en la existencia de Santa Claus, ni su emoción al ir descubriendo que el espíritu navideño es un hecho cierto y que el gordo de gorro rojo vive y trabaja en el Polo Norte. Es posible que el empeño del realizador Robert Zemeckis y de su actor fetiche Tom Hanks (que presta su rostro a cuatro personajes en el film) sirvan para respaldar el esfuerzo que hay detrás de esta producción. Pero no es suficiente para hacernos creer.

Ficha técnica:

Dirección: Robert Zemeckis
Año: 2004
Personajes basados en: Tom Hanks, Leslie Harter Zemeckis, Eddie Deezen, Nona Gaye, Peter Scolari
Guión: Robert Zemeckis
Fotografía: Don Burgess y Robert Pressley
Música: Glenn Ballard y Alan Silvestri
Producción: Gary Goetzman


Fuente: Revista Cinemania, número 8, Diciembre de 2004

Perfiles del 24 Festival de Cine de Mar del Plata, entrevista a Tetsuo Lumiére.

Entrevista a Tetsuo Lumière - Director de TL2- La felicidad es una leyenda urbana



¿Podés presentarte?

Soy Tetsuo Lumière, guionista, director, editor, actor. También soy productor de mis películas, algo que no me gusta para nada, y que seguramente dejaré de hacer pronto. Nunca me resultó divertido maquillarme y darle indicaciones a la actriz y al camarógrafo, mientras pienso como editaré la escena que filmaré, que música usaré, y que le voy a decir a la persona que nos prestó la locación para que nos deje filmar 10 minutos más, que en realidad serán 20.

¿Cuáles son las características particulares de tu filmografía?

Son comedias casi mudas, aparentan ser muy viejas y tienen siempre algún elemento de cine fantástico. Eso sí, cuando los personajes hablan lo hacen en demasía.

¿Cómo fue tu acercamiento al cine?

A través de la televisión. Me gustaban mucho las películas de criaturas gigantes. Monstruos. Cuando podía me enganchaba con alguna película muda y pensaba: “No sé qué es esto pero es el tipo de cine que quiero hacer, ahora. No voy a esperar a ser
grande” Y bueno, tuve que esperar. Y no fue lo único que tuve que esperar en mi vida (aquí sería apropiado un emoticón que represente la tristeza mas profunda).

¿Qué es para vos el cine?

No lo sé. Pero cuando veo una película me siento feliz.

¿Cómo fue tu aproximación al tema de tu película en Competencia?

Hace unos años escribí una historia de un humano que desde niño sueña con hacer una película de ciencia ficción inspirada en el clásico La Guerra de los Mundos. A lo largo de su vida demuestra no tener demasiado talento para hacer el tipo de cine al que aspira. Pero es un joven tenaz y ni siquiera su paupérrima economía lo detiene: nunca deja de filmar, y nunca deja de buscar un productor que quiera producir su soñado proyecto. El guión resultó muy largo y decidí dividirlo en tres partes; y que cada una se entienda sin necesidad de haber visto la anterior o la posterior. La película en cuestión, TL-2, es obviamente la segunda parte. Para la mayoría de los
directores no es fácil producir una película por estas tierras pero lo hacemos igual, como sea, filmamos con lo que conseguimos, y usamos como decorados lo que tenemos a mano. El protagonista de TL-2 es una imagen exagerada, grotesca y cínica del tipo de directores que filman a cualquier precio, como yo.

¿Cuáles fueron los desafíos al momento de dirigir el largometraje?

Empezar una película ultraindependiente de por sí es un desafío. Filmar con el único apoyo de algunos amigos es un maldito desafío. Con respecto a lo artístico, TL-2: LA
FELICIDAD ES UNA LEYENDA URBANA no es ni una secuela ni una precuela de TL-1: MI REINO POR UN PLATILLO VOLADOR. Es un anexo, un intersticio, que desemboca en lo que sucedió inmediatamente después del final de TL-1. Contar todo esto, que se entienda sin ningún esfuerzo, y que tenga sentido tanto para los que vieron TL-1 como para los que no la vieron fue mi desafío. Y obviamente, lo que principalmente quería era mas risas por minuto que con TL-1.





De tu filmografía se desprende una clara admiración por los comediantes del cine mudo. ¿Qué aspecto de cada uno de ellos es el que más te atrae?

La capacidad de contar una situación, una historia, sin palabras. Pareciera que actualmente no fuera posible contar nada sin que los personajes hablen... siempre tienen que acotar o subrayar lo que ya se había entendido. Hay películas a las que se las podría entender perfectamente cocinando, barriendo, planchando, sin siquiera mirar la pantalla. Porque en ellas los conflictos nacen con las palabras de los
personajes, se desarrollan con palabras, y tienen un desenlace a través de un diálogo. Entonces uno ve un montón de dinero invertido para filmar a personas que hablan. Obviamente hay excepciones, en donde todos los rubros técnicos están
aprovechados en forma grandiosa, pero son eso, excepciones. Siento que al mirar aquellas películas silentes, comedias, documentales, dramas, policiales, uno se da cuenta de que no son necesarias demasiadas palabras para que se entienda una
buena historia y se conmueva. Yo prohibiría las películas sonoras por lo menos una década, o hasta que George Mèllies resucite y filme para los grandes estudios.

El cine fantástico también es recurrente en tu obra. ¿Te molesta ser encasillado dentro de este género?

Creo que mis películas son comedias. Eso es clarísimo. El género fantástico estará siempre en mis películas, pero lo que yo quiero hacer son comedias. Y las voy hacer hasta que me muera. Y si me muero de risa mejor. Y si me muero de risa por una película mía… mucho mejor.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

TL-3, la tercera y última parte de la saga. Y puedo anticipar que TL-3 sí tendrá un final feliz, dentro de lo feliz que este personaje puede ser. Porque para él y para muchos: la felicidad es tan sólo una leyenda urbana. Por otro lado, al contrario de lo que todo el mundo piensa, TL no son las iniciales de TETSUO LUMIÈRE sino las iniciales de TODO LUMIÉRE, ya que es un proyecto que nació con el fin de mostrar los mejores cortometrajes de este tal Lumière.

Fuente: © Festival Internacional de Cine de Mar del Plata
nook diseño web / Big Sur
www.tetsuolumiere.com

¡Prohibido! ¡Y Ridículo!

Sabias que todas las películas protagonizadas por Grace Kelly fueron prohibidas en Mónaco después de su casamiento con el príncipe Rainiero en 1956.










Sabias que el Ratón Mickey fue prohibido en Rumania en 1935 sobre la base de que asustaba a los niños.




Sabias que los besos están prohibidos en las películas estrenadas en Irán.






Sabias que “Una Eva y dos Adanes” (Some like it hot, 1959) es la historia de unos músicos que se visten de mujer para escapar de la mafia. Fue prohibida en el estado norteamericano de Kansas por que el travestismo era considerado molesto para sus habitantes.










Sabias que “Doctor Zhivago” de 1965 estuvo prohibida en Rusia hasta 1994.




Sabias que en el estado islámico de Mogadishu, Somalia, está prohibido imitar a Elvis Presley sin usar barba.

Fuente: Libro de oro 2008, Revista La Cosa.

Escenas animadas de la vida conyugal

Una entrevista a Michaela Pavlátová, en el marco del 23 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, realizado en 2008.


Entrevistada por Natalí Schejtman

Proveniente de República Checa, Michaela Pavlátová es una animadora original y sensible que explora las relaciones humanas con humor y una gran capacidad de observación. Su filmografía abunda en cortometrajes animados, y en los últimos años ha experimentado también el mundo de las películas con seres humanos.


Su poder de síntesis gráfico para expresar gestos e intenciones se combina con la suspicacia temática cuando aborda el complejo mundo de los encuentros y desencuentros entre las personas. Por ejemplo, su resonante corto “Words, Words, Words”, nominado a los premios Oscar, que va detallando por medio del dibujo animado distintos diálogos e interacciones entre variados personajes. Como uno de los panoramas del Festival, la grilla de programación incluye sus dos largometrajes “con seres humanos”, en los que unos cuantos temas recurrentes se mantienen.



En “Faithless Games”, Pavlátová sigue la vida de una pareja joven en la que Eva, pianista, sigue a su marido compositor a un pueblo en la frontera y empieza a sentir que, así como su marido está complacido por haber encontrado un lugar idóneo para la creación, a ella le resulta difícil adaptarse y extraña su vida social en Praga. En “Night Owls”, la directora se dedica a retratar a una chica de 19 años que acaba de ser dejada por su novio y tiene que redescubrir su mundo sentimental, mientras trabaja de noche en un negocio. Invitada por el Festival, Pavlátová habló de sus inicios, de los temas de sus películas, de los diferentes formatos y de cómo ha cambiado la animación en su país con la caída del muro de Berlín y el paso del Comunismo al Capitalismo.

¿Cómo empezaste tu carrera como animadora?

Empecé mi carrera por una completa coincidencia. A mí me gustaba dibujar, y después del secundario especializado en arte, el camino más fácil para entrar en la universidad era a través de la puerta del Departamento de Animación, porque los otros departamentos estaban llenos. Cuando obtuve mi diploma, cinco años después, descubrí el encanto de la animación, de qué modo en animación uno es independiente en lo que está haciendo si está creando los movimientos, las historias. Como animadora podía hacerlo yo misma, no tenía que esperar que me ayudaran otras personas, algo que necesitas si trabajas en películas con actores de carne y hueso o en animación “puppet”, en la que necesitas un set, un estudio, un lugar. Yo empecé con dibujos, y eso es algo que podes hacer en tu casa.




¿Fue shockeante para tu entorno que te dedicaras a la animación?

Vengo de una familia normal a la que siempre le gustó el arte, pero como audiencia normal, sin una mirada especializada. Debo decir que, en tiempos de comunismo, los artistas eran bastante privilegiados, entonces ser artista era como un buen paso. Podemos decir las peores cosas del comunismo, pero había una cosa: ellos apoyaban algún tipo de arte, como las ilustraciones de los niños o las películas de animación. Además de que mis padres de por sí no estaban en contra, había una importante figura que era mi tía. Ella provenía de Rusia, y como era de los “blancos” había tenido que irse primero a Finlandia para luego mudarse a Checoslovaquia. Era escultora y fue la que le dijo a mi familia que me llevaran a una escuela de arte. De otro modo, no habría experimentado unas cuantas cosas, porque a mí me gustaba dibujar, pero como a muchos otros chicos… Podría haber hecho cualquier otra cosa.

¿Fue difícil insertarse en el mundo de la animación siendo mujer?

El mundo de la animación fue siempre mitad hombre y mitad mujer, porque había muchas animadoras que dibujaban el movimiento, además de directoras de películas de animación. Por otro lado, las directoras mujeres son cada vez más. En donde yo enseño hay cada vez más chicas -muy talentosas- que hombres. Debo decir que nunca encontré ningún obstáculo por ser mujer.


Con respecto a los temas de tus cortos y largos, parece interesante el de las mujeres y sus relaciones con los hombres…

Es interesante para mí porque no tengo que crear historias, sólo tengo que mirar lo que tengo alrededor y transformar lo que siento o lo que pienso. Siempre digo que mis temas sobre hombres y mujeres tienen que ver con que no tengo imaginación para crear historias que no existen. Soy capaz de mirar, pero mi imaginación es muy pobre, no podría hacer una historia de detectives. También tiene que ver con la experiencia. Eso no significa que es un espejo de lo que he vivido o sentido, pero debo entender de qué se trata, profundizarlo, y es más fácil si la historia es sobre mujeres. También, mirar tu vida es la inspiración más fácil.

¿Cómo sentís que fue progresando tu carrera, ahora que también dirigiste dos películas no animadas?

Considero que soy muy afortunada en mi carrera, porque siempre tengo nuevas chances de ir haciendo cosas. Para mí es muy importante poder disfrutar de mi trabajo mientras lo estoy haciendo. Cuando trabajas mucho tiempo en un mismo medio, como el del dibujo a mano para animación, te podes llegar a cansar un poco, entonces querés probar técnicas diferentes, documentales o alguna combinación. Estos nuevos pasos me traen un refresco. No me gusta repetirme, y no me gusta que mi trabajo sea siempre el mismo. Cuando me ofrecieron dirigir películas con seres humanos, eso no era algo que yo siempre había querido hacer. No es que escribía guiones tratando de convertirme en una directora de películas no animadas, pero un día vino hacia mí esta oferta y yo supe que quizás no podía hacerlo, pero que definitivamente quería probarlo. Ciertamente, creo que es algo que en algún punto buscan los animadores y los documentalistas, algo que les gustaría probar. Porque una película “de carne y hueso” recibe mucha más atención, se muestra en los cines. A veces, los animadores hacen una película que les lleva mucho tiempo hacer y después no hay muchos lugares para mostrarla. Es un poco frustrante. Pero también siempre quise probarlo como un paso siguiente para ver si era capaz o no de hacerlo.

¿Cómo cambió el mundo de la animación cuando cayó el Comunismo?

Que terminara el régimen comunista fue lo mejor que pudo haber pasado para todos nosotros, lo que necesitábamos, lo que esperábamos, lo que no podíamos creer que sucediera, pero fue lo peor que le pudo pasar a la animación. Porque hasta entonces había un Estado que apoyaba los estudios de cortos con animación. En algún punto, como recibían la plata del Estado, ellos no tenían que pensar en el mercado porque no había uno. Después las cosas cambiaron, como todo en todo el mundo. Ahora comenzamos un Comité de subsidios. El Estado da la mitad de lo que hace falta y cada uno debe conseguir la otra mitad. Creo que es más difícil, pero también pienso que es más justo.



¿Siempre te mantuviste en Praga?

Trabajo y vivo en Praga, pero estuve un tiempo en San Francisco por unos años y después volví porque me ofrecían hacer una película de “carne y hueso”. Cuando estaba en San Francisco, que es una ciudad increíble, me di cuenta de que mientras estuviera allí nunca iba a ser capaz de hacer películas por mi sola. Fui muy afortunada en trabajar como directora en un estudio, pero era solo comercial y con algunas películas para chicos. Yo siempre estaba trabajando para otro. Quizás en unos años podría haber logrado hacer un proyecto propio, pero ahí las reglas son muy diferentes. Es una sociedad en la que manda el mercado.

¿Cómo influyó en tu trabajo el avance de la tecnología?

Al principio yo me negaba a las computadoras, y les tenía miedo como muchos de los animadores que empezamos trabajando en el método tradicional. Pero afortunadamente –y también, probablemente, porque estuve en Estados Unidos- aprendí un poquito, y ahora se me hace muy difícil trabajar sin mi computadora. Yo uso el Simple Flash para animación, que es de animación 2D; no manejo el 3D y probablemente no lo aprenda. Yo siento que tengo que renovarme un poquito porque mis habilidades se frenaron un poco cuando me fui de Estados Unidos. Pero recientemente empecé a enseñar, entonces espero que a través de mis estudiantes pueda adquirir innovaciones en cuanto a las herramientas de la computadora.

¿Tenés alguna película favorita dentro de tu filmografía?

Me gusta mucho “Carnival of Animals”, que es un film que hice con mi marido. Es muy alegre, y trabajar con otro a veces lo hace muy divertido.


¿Qué estás haciendo ahora?

Ahora estoy en el proceso de crear algo nuevo, que es siempre el momento más difícil. Hay muchas cosas que me gustaría hacer, y también hago cosas chiquitas, como escribir historias con ilustraciones, y estoy pensando en cortos y trabajando en algunos guiones en live action. Esa es una etapa dolorosa en la que tengo que tener la idea y tomar decisiones. Es una parte del trabajo en la que el cerebro realmente duele. Pero es necesaria y confío que algo pasará. Mientras, hago cosas pequeñas, como pequeñas animaciones en Flash para las páginas web.

¿Te gustaría hacer otra película con seres humanos?

¡Ojalá! Porque el último lo disfruté mucho. Creo que fui la única del equipo que estaba triste cuando el rodaje terminó. Todo el mundo estaba tan cansado que decía: “¡Ya nos quedan 3 días!”. Y yo decía: “¿Sólo nos quedan 3 días? ¿Qué voy a hacer después?”. Vivís una vida diferente, y cuando se termina te quedas como huérfano.

Fuente: Bitácora 04, Diario oficial del 23 Festival de Cine de Mar del Plata

Clásicos nativos: Madreselva, de Luis César Amadori

La hija de un titiritero confunde a un actor que acaba de salir de un rodaje vestido como un ladrón. Atrapada en su encanto se le ocurre guiarlo por el buen camino. Al enterarse que este vive con una amante, lo deja. Descubierta por un productor emprende una gira como cantante y se convierte en una estrella de la lirica. Exitosa, regresa al hogar en el preciso momento en que su hermana menor acaba de comprometerse con aquel a quien ella había amado. Al llegar, perturba al prometido, y cuando se propone reconquistarlo, su padre moribundo le pide que vele por su hermana. Solo por eso se sacrifica. Allí se la ve a la Madreselva cantando un tema de Liszt durante la ceremonia…




Luis Cesar Amadori

(1902-1977), nació en Pescara, Italia. Cuando era un niño llegó a la Argentina, y con el tiempo se convirtió en uno de esos pocos especialistas en lograr el justo equilibrio entre arte e industria. Su producción dentro del mundo del espectáculo, tanto en el campo del conocido como “teatro de revistas” o music-hall porteño, como en el cine, siempre alcanzó una excelente respuesta de la crítica como del público. Algunas de sus obras, como “Dios se lo pague”, “Juan Globo” y “Nacha Regules”, entre otras, son reconocidos como auténticos clásicos del cine Argentino. En su vasta filmografía, también se destacan obras como “Madreselva”, que reunió a dos de las más importantes figuras que ha dado la canción rioplatense.




Ficha Técnica

Película Argentina de 1938
Productora: Argentina Sono Film
Productor: Atilio Mentasti
Dirección: Luis Cesar Amadori
Guión: Luis Cesar Amadori e Ivo Pelay, sobre una idea del primero
Fotografía: John Alton
Coreografía: Roque Giacovino
Escenografía: Raúl Soldi
Música: Hans Diernhammer
Montaje: Carlos Rinaldi
Interpretes:
Libertad Lamarque
Hugo del Carril
Malisa Zini
Miguel Gómez Bao
Perla Mary
Julio Traversa
Leo Rapoli
Julio Renato
Cirilo Erulain
Arturo Barnio
Blanco y negro, 35 mm. Estreno 05/10/38

Fuente: A passage to Argentina, 1998, Films and Filmmakers

Realizadores de hoy: Jorge Gaggero, filmar lo necesario

Filmar lo necesario

Por Natalia Blanc

Pasó de espectador de las funciones de barrio a ser el guionista y director de Cama adentro , una de las películas más emotivas del cine argentino de los últimos años.

Jorge Gaggero, director de cine, 37 años, filmó Cama adentro y Vida en Falcon.



El primer recuerdo que Jorge Gaggero tiene del cine es un viejo proyector de películas de 16 mm de su abuelo. Ahí veía retazos de films de Charles Chaplin y Los Tres Chiflados. Para que el niño Gaggero, que por entonces tenía cuatro o cinco años, no se aburriera de ver siempre lo mismo, el abuelo le pasaba la cinta en cámara lenta o de atrás hacia delante. Y a él lo deslumbraba la capacidad de contar tantas historias diferentes a partir de las mismas imágenes, en blanco y negro y sin sonido.




Ese juego familiar, sostiene hoy, despertó su vocación temprana. Durante la etapa de la escuela primaria iba al cine del barrio (es de Vicente López) a ver funciones en continuado. Y ya en la secundaria, junto con su amigo Pablo Ramos, que tenía una de las primeras cámaras de video que llegaron al país, filmaban historias protagonizadas por ellos mismos y editadas en forma artesanal en videocaseteras hogareñas. "Hacíamos las monografías para el colegio en video. Presentamos en la Bienal de Arte Joven un corto que habíamos preparado para geografía: sacamos una mención. No teníamos idea de que ya estábamos haciendo una carrera. En esa época era impensable hacer cine."



Fotograma de Cama adentro


Estudió fotografía y entró en la UBA para cursar la carrera de Imagen y Sonido. En 1988 rindió examen para ingresar en el Instituto Nacional de Cine. Por entonces no había tantas escuelas y universidades privadas como ahora. "Justo ese año el Instituto se cerró por falta de presupuesto. Mi mamá, que es arquitecta, me decía que mejor estudiara Arquitectura. Recién pude empezar la carrera de Dirección un año más tarde". Mientras estudiaba empezó a trabajar como asistente de cámara del programa periodístico Edición Plus . "Aprendí mucho, fue un trabajo muy intenso, de mucho contacto con la calle, con la realidad. Eso también fue una escuela para mí." Gaggero ya había cambiado las funciones en continuado para recorrer el circuito de cines clubes y ciclos: "Mi primera formación fue cine europeo".

Cuando terminó la carrera, presentó un guión propio en el concurso de Historias Breves , semillero de directores talentosos como Adrián Caetano, Lucrecia Martel y Daniel Burman. "Mi proyecto, Ojos de fuego , salió seleccionado. Esa fue la primera vez que filmé en serio. Fue una buena experiencia, pero sentí que debía seguir filmando cortos, que todavía no estaba listo para hacer un largometraje."





Entonces se anotó para una beca Fulbright, que ganó hacia 1997 y le permitió cursar el Programa de Dirección en el American Film Institute, de Los Ángeles. "Entran quince directores por año, solo cinco extranjeros. Yo era el único de habla hispana y fui el primero que filmó un corto en castellano: El túnel de la lluvia , una historia de amor con final feliz entre un pibe que trabajaba en un lavadero de autos y una chica que atendía un puesto de comidas." Estuvo tres años en Los Ángeles, filmó varios cortos y ganó un premio a la mejor realización latina. Volvió al país en el 2000, en plena crisis. La triste realidad sociopolítica lo inspiró para escribir el guión de su opera prima: Cama adentro . Ya se sentía preparado para dirigir un largo.

Con Cama adentro , que cuenta la simbiótica relación entre una mujer de clase media empobrecida y su mucama de toda la vida, consiguió algo impensado: que Norma Aleandro se maravillara con el guión y aceptara protagonizar la película de un director debutante. "Nunca pensé recibir tanto afecto del público y de los colegas. Leonardo Favio, a quien siempre había admirado, me llamó emocionado después de ver la película. También otra gente que respeto mucho, como Richard Ford, el premio Pulitzer." El film cosechó excelentes críticas y se exhibió en varias ciudades del mundo. En julio pasado se proyectó en Nueva York, en el Film Forum, bastión del cine independiente extranjero.

-¿Qué enseñanzas le dejó su primera película?

-No aflojar. Seguir buscando hasta lograr exprimir algo de lo que querés contar. También, que cada película tiene su propio proceso y que no quiero repetirme.




Lo logró: Vida en Falcon , su segundo film, tiene un registro diferente. Es la historia de un hombre que vive adentro de un auto. Ahora está en la etapa de pre-producción del tercero, La seguridad de los perros . "Es una idea que tenía desde antes de filmar Cama adentro . Tiene que ver con la sensación de seguridad, en distintos planos, que necesitamos sentir los hombres."

Cada una le llevó tres, cuatro años, de preparación. "No soy un director prolífico. Siento que no voy a hacer muchas películas: solo las necesarias.


Fotograma de Vida en Falcon

Tiene una sensibilidad inusual

Por Sergio Renán


Además de las excelentes películas de Lucrecia Martel, Daniel Burman, Adrián Caetano, Pablo Trapero o Damián Szifrón, y algunas pocas más, hay otras del nuevo cine argentino que me parecen borradores interesantes, otras que me parecen solo discretas, también están las mediocres y por fin las abominables. Estoy hablando de un núcleo de películas, generalmente muy bien tratadas por la crítica actual.

Junto con esos casos, hay otros directores también muy elogiados por la crítica, que proponen un cine inteligente, singular y rupturista, pero que siento que no han filmado para mí.

En Jorge Gaggero, en cambio, y en su película Cama adentro, advertí una sensibilidad, un sentimiento (con perdón de la palabra), bastante inusuales en el cine argentino actual. Me gustó lo que este joven director logró con una actriz sin experiencia como Norma Argentina, compartiendo el protagonismo con un talento como el de Norma Aleandro. En esa película encontré una historia sencilla, bien contada y emotiva.


Fuente: adn cultura jueves 24/12/09, lanacion.com

La pelicula olvidada, "Luna nueva", cine de verdad.

“Walter, eres maravilloso. De un modo repugnante”. Hildy





Ahora que tanto se habla de la secuela de ‘Crepúsculo’, ‘Luna nueva’, estando ya muy próximo el estreno, me ha parecido una idea divertida, incluso sana, recuperar la que podríamos catalogar como la verdadera ‘Luna nueva’, que por supuesto no tiene nada que ver con ese producto de vampirillos para adolescentes (y en realidad se
titula ‘His Girl Friday’, en absoluto ‘New Moon’). Como sin duda sabéis todos, se trata de una deliciosa comedia dirigida por Howard Hawks en 1940, con Cary Grant y Rosalind Russell al frente del reparto. Una gozada de principio a fin.

La película es una adaptación de la famosa obra teatral de Ben Hetch y Charles MacArthur, ‘The Front Page’, llevada al cine en varias ocasiones (en ‘Un gran reportaje’ de Lewis Milestone o ‘Primera plana’, de Billy Wilder). La historia se centra en un editor que está a punto de perder a su mejor periodista, justo cuando surge la posibilidad de un gran reportaje que requiere de su talento. Hawks y el guionista Charles Lederer introdujeron algunos cambios importantes en la trama, que a la postre se revelaron como grandes aciertos; el mayor de todos, que uno de los dos protagonistas fuera una mujer, dando pie a una impagable guerra de sexos.







Hildy Johnson (Rosalind Russell) piensa casarse por segunda vez, pero no lo tendrá fácil. Para empezar su nuevo proyecto de vida, debe romper con el periódico al que ha estado atada durante los últimos años, dirigido por el canalla Walter Burns (Cary Grant), su ex-marido. Hildy acude a la redacción para comunicar la noticia: deja su trabajo para casarse con el “bueno” de Bruce Baldwin (descrito por Walter como alguien clavado al actor Ralph Bellamy, en una de las mejores bromas de la película). Para Walter es algo imposible, inconcebible. No sólo va a perder a su mejor empleada, sino también a la mujer de su vida, aunque a ambos les resulte más
fácil odiarse que llevarse bien, claro.





El editor intentará entonces todo tipo de trucos para quitarle a Hildy la estúpida idea de casarse con un tipo como Bruce, y que recupere su pasión por la profesión; si por el camino ella vuelve a caer rendida a sus brazos, pues mejor que mejor. El clavo ardiendo al que se va a agarrar Walter, para mantener a Hildy a su lado, será
la ejecución del preso Earl Williams (John Qualen). Walter convence a Hildy para que cubra la noticia, como favor desesperado. El plan le saldrá mejor de lo previsto cuando pronto todo empiece a complicarse de forma alocada, y la mujer recupere su imparable ritmo de trabajo…

Da gusto ver una película como ésta porque todo funciona a la perfección, como un reloj. Y en cuanto al ritmo, va como un rayo. Es frenética. La demoledora batalla dialéctica entre Walter y Hildy es impresionante, no hay respiro, no hay tregua. No hay ni hueco para música. Van tan rápido que no esperan a que el otro termine, se
pisan, hablan a la vez, en un intento por zanjar el asunto soltando la mejor réplica. Howard Hawks quería con esto dar sensación de realismo, y lo logra, a diferencia de la gran mayoría de los guionistas y cineastas actuales que se dedican a la comedia, que creen que para que sus personajes parezcan verosímiles deben decir
chorradas con aire improvisado, o contar chistes o anécdotas graciosas delante de la cámara, con todos los tacos que sea posible. Es fundamental el ritmo, y esto lo saben los mejores cómicos.





‘Luna nueva’ no podía funcionar, aun con un guión espléndido y la experta y elegante dirección de Hawks, sin una pareja de actores que estuvieran a la altura de las exigencias. Pocos, muy pocos, mejores que Cary Grant para interpretar a Walter, el cínico y seductor editor jefe del periódico en el que trabaja Hildy, una estupenda
Rosalind Russell que se compenetra de forma maravillosa con Grant (y eso que no fue la primera opción de Hawk, que quiso antes a Jean Arthur, Carole Lombard o Claudette Colbert, entre otras). El enfrentamiento y el progresivo (re)enamoramiento de los dos personajes encaja perfectamente con la trama en torno al proceso judicial y la sátira periodística, dando como resultado una película ejemplar, que juega con todo, que se ríe de todo, y que no te suelta en ningún momento. Verdadero cine.

Una de las cumbres de la “screwball comedy”, ‘Luna nueva’ funciona igual de bien cuando se centra en la hilarante relación entre los dos protagonistas, que cuando se lanza a pisotear la labor de los periodistas o de los políticos, presentados de forma crítica (y realista también). No pierde el tiempo, tiene una hora y media y la
va a aprovechar; hoy en día se hacen películas de dos horas en las que no pasa gran cosa, como si no importara tener al espectador sentado en la butaca más tiempo del necesario. Me quedo antes con ‘La fiera de mi niña’ (1938) y sobre todo con ‘Historias de Filadelfia’ (1940), que me parecen más redondas, pero sin duda, éste es uno de los títulos imprescindibles de la gran comedia norteamericana. La que nunca pasará de moda, la que siempre estará ahí para alegrarnos el día.


Fuente: Blog de cine

Perfiles del 24 Festival de Cine de Mar del Plata, entrevista a Pablo Stoll

12 noviembre 2009


Entrevista a Pablo Stoll - Director de Hiroshima



¿Podés presentarte?

Pablo Stoll Ward, oriental, soltero, de 35 años. Vivo con mi novia y un gato en Montevideo. Mi color preferido es el violeta. Estoy enojado con el 52% de los uruguayos. Y no creo que se me pase.

¿Cuáles son las características particulares de tu filmografía?

Hice tres películas, 25 Watts y Whisky, junto a Juan Pablo Rebella. Hiroshima es mi primer película en solitario. Creo que siempre hago comedias, pero eso lo tendrán que decir otros.


¿Cómo fue tu acercamiento al cine?

En Montevideo durante los 80 era costumbre que en los cumpleaños infantiles apareciera un señor con un proyector super 8 y una pantalla. Se proyectaban fragmentos de películas: La guerra de la galaxias, Cupido motororiado, El mago de Oz, entre otras. Ese fue mi acercamiento al cine.

¿Qué es para vos el cine?

La forma más completa de contar historias, el arte burgués del siglo XX por antonomasia, la más acabada forma de la industria del entretenimiento, un oficio que estoy aprendiendo.


¿Cómo fue tu aproximación al tema de tu película en Competencia?

Hiroshima es un retrato de mi hermano Juan Andrés en el que él mismo es el protagonista. La idea de hacer la película vino de las conversaciones con mi hermano sobre sus días, que para mi contenían algo de misterio. ¿Qué hace este tipo todo el día? me preguntaba y entonces, basandome en las pocas cosas que Juan Andrés me decía armé el guión. La película es muda porque mi hermano habla poco, pero además porque quería trabajar de una manera cinematográfica sobre esa sensación que me da mi
hermano de estar siempre un poco alejado de la realidad de los que lo rodeamos.

¿Cuáles fueron los desafíos al momento de dirigir el largometraje?

Por un lado estaba dirigiendo mi primera película solo y además estaba dirigiendo a mis hermanos y a mi padre. Fue raro.

Hiroshima parece invitar al espectador a un viaje a lo profundo de un domingo a la tarde. ¿Cuál fue tu búsqueda inicial para lograr esta sensación?

No creo que sea domingo aunque la película no dice nada, pasan cosas que no son de domingo. En todo caso la idea era instalar un clima extraño un poco onírico en la segunda parte y de cierta extrañeza en la primera.

¿Cuál es el rol que juega la música desde la realización?

El personaje escucha música todo el tiempo. La música que escucha o que hace es una forma que él tiene de comunicarse con el mundo que lo rodea. Esta película siempre se planteo como un musical. Mudo, pero musical al fin.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Mi proyecto en general es seguir haciendo películas.





Competencia Latinoamericana: Hiroshima

Sinopsis

Un joven trabaja en una panadería. Empaqueta la última bolsa de grisines y vuelve caminando a su casa, temprano en la mañana. Evita cruzarse con su familia, se encierra en su cuarto y antes de dormir lee una nota firmada por sus padres donde le anuncian que lo anotaron en un sorteo de TV. Con este fresco post adolescente comienza la última película de Pablo Stoll –primera sin la codirección del fallecido Juan Pablo Rebella–, un envolvente musical mudo donde casi todo es devorado por las canciones, el sonido ambiente y el ruido de objetos que interactúan con el tránsito del protagonista, quien no es otro que Juan, hermano del director. Como en un extraño satori, atado a medias al presente, Juan se vincula con las cosas en cuanto aparecen y las deja guiado por un impulso suave, sin demasiada vehemencia. Iluminado y parpadeante como la luz a dínamo, el muchacho avanza, se mueve y pedalea por entornos desolados, vuelto hacia sí como una isla y con un pálpito de explosión nuclear inminente. Pero Hiroshima no plantea un culto de la deriva juvenil, sino una manera sensitiva y visual de mostrar el ritmo metafísico de la existencia. Aquí sólo tienen voz los niños pitcheados de un video en Súper 8 o un bebé balbuceante. Los adultos están silenciados; el mundo de lo intraducible resuena.



Pablo Stoll

Nació en Montevideo, Uruguay, en 1974 y estudió Comunicación Social en la Universidad Católica del Uruguay. Junto con Juan Pablo Rebella (1974-2006), escribió y dirigió los largometrajes 25 Watts (2001) y Whisky (2004), y los videos Nico de Exilio Psíquico, El faro de Buenos Muchachos, Frágil de La Vela Puerca e In the city de Astroboy. Entre 2006 y 2007 se desempeñó como guionista y director del programa de humor televisivo Los informantes.



ficha tecnica

Uruguay / Colombia / Argentina / España
2009 / 80' / 35 mm / Color


Direccció: Pablo Stoll
Guión: Pablo Stoll
Fotografía: Arauco Hernández Holz
Escenografía: Pablo Stoll, Fernando Epstein
Dirección artística: Gonzalo Delgado Galiana
Sonido: Daniel Yafalián
Producción: Jhonny Hendrix, José María Morales, Hernán
Musaluppi, Diego Ramírez
Coproducció: Control Z Films, Antorcha Films, Rizoma
Films, Wanda Films
Interpretes: Noelia Burlé, Leonor Courtoisie, Juan Andrés
Sala, Guillermo Stoll, Mario Stoll


Fuente:© Festival Internacional de Cine de Mar del Plata
nook diseño web / Big Sur

Javier Bardem, esencia ibérica

Por Mariel Diez

Si bien hace unos años viene pisando fuerte en Hollywood, Javier Bardem se siente más español que nunca. Considera que el ambiente norteamericano es ruidoso e interesado, y que Madrid es su única casa.


Con 40 años recién cumplidos, Javier Ángel Encinas Bardem se destaca por ser un pionero en casi todos lo que se propone. Nació el 1 de marzo de 1969 en Gran Canaria, y su costado artístico se desarrolló en el seno de su familia, ya que sus abuelos, su madre y sus hermanos son actores. De hecho, su madre fue quien lo llevó en 1980 a participar por primera vez, con un pequeño papel, en una película que ella misma protagonizaba: “El poderoso influjo de la luna”. Sin embargo, Javier es el único de la familia reconocido internacionalmente.

Quizás un motivo por el que es famoso en todo el mundo sea su belleza tosca, que enamora mujeres en los cinco continentes. Tiene la nariz rota debido a un ataque inesperado de un extraño en una discoteca, quien tras preguntarle su nombre lo golpeó y le rompió el tabique. Pero ese infortunio del pasado lo ayudó a tener un perfil más rústico que, junto con el físico privilegiado que ganó tras haber sido jugador de rugby en las inferiores del seleccionado español, lo ayudó a obtener papeles agresivos, como el que tuvo en “Las edades de Lulú”, en la que con solo 19 años interpretó escenas de alto contenido sexual. A partir de ese momento se transformó en el actor fetiche del director Bigas Luna, quien luego lo convocó para “Jamón jamón”, junto a Penélope Cruz, “Huevos de oro” y “La teta y la luna”. Al mismo tiempo otro controversial director puso los ojos en él, Pedro Almodóvar, quien lo dirigió en “Tacones lejanos”, y más adelante en “Carne trémula”, Ganó así un poco más de fama en su tierra natal, y trabajó con otra camada de cineastas españoles; Alex de la Iglesia, en “Perdita Durango”, y Santiago Segura en “Torrente, el brazo tonto de la ley”.


Javier Bardem junto a Penélope Cruz y Salma Hayek

Cruzando el océano

En el año 2000 dio el puntapié inicial para su carrera internacional con “Antes que anochezca”, el film de Julian Schnabel que lo llevó a trabajar junto a Johnny Deep y que le mereció un Oscar como mejor actor. Así se convirtió en el primer español en estar nominado a los premios de la Academia y con ello puso su nombre en el mapa cinematográfico mundial.

Sin embargo, esta primera experiencia Hollywoodense no fue de mucho agrado para él. Previo a los Oscar, pasó por los Globos de oro y en una entrevista confesó: “No me sentí parte de aquel circo. A los europeos nos sentaron en una mesa apartada de las estrellas, que estaban en primera fila. Era la mesa de los perdedores, pero yo me sentía muy orgulloso. Teníamos platos y cubiertos delante, pero eran parte del decorado, todo mentira. Me costó horrores corromper al camarero para que me trajera algo de comer”. Además, despotricó contra el proceso de premiación porque considera que “los galardones sacan lo peor de uno, la envidia y la ambición del éxito por el éxito. Convierten a compañeros en competidores”. Quizás esa primera experiencia en las grandes ligas norteamericanas no fue tan grata porque él ya se consideraba perdedor: “Tengo muy pocas posibilidades de ganar: soy español y no tengo 18 agentes de prensa trabajando para mí, como Tom Hanks”. Más adelante cambiaría de opinión, al reconocer que gracias a las nominaciones los grandes directores se fijaron en él, incluso uno de sus favoritos, Steven Spielberg. “Tuve el privilegio de entrevistarme con él en su casa durante tres horas. Me temblaban las piernas, porque es una de las personas que más admiro en la profesión. El había visto “Perdita Durango” y me ofreció un papel pequeño que, tal como temía, apenas tenía entidad. Más tarde, me propuso ser el coprotagonista, con Tom Cruise. Era el malo de la película, que se limitaba a perseguir a Cruise por los tejados. Pero le dije que no, y ha sido la decisión más importante que he tomado en mi vida profesional. Lo llamé por teléfono y le dije que no podía hacer ese papel. El me entendió y me contestó que no me preocupase, que ya hablaríamos en el futuro”. Todavía ese futuro no llegó, pero si le llegaron varias ofertas en ese momento, aunque ninguna que despertara su atención: “Los guiones que me ofrecieron no me gustaron nada, como el de “Bajos instintos 2”, por ejemplo. Me ofrecían mucho dinero. Ese es el problema de los Estados Unidos: las cantidades que te pagan son muy difíciles de rechazar. Ver las películas que hacen otros y resulta muy fácil decir que tu nunca las harías. Luego, descubres lo que pagan y, hostias, piensas en cómo podrías ayudar a tu familia y a tus amigos con ese dinero”.





Hacerse un lugar en Hollywood

Así fu como en 2002 trabajo bajo la dirección de John Malkovich en “Pasos de baile”, una película española, y dos años más tarde junto a Michael Mann en “Colateral”. También en 2004 realizó una de las actuaciones más jugadas de su carrera en “Mar adentro”, interpretación por la que le otorgaron la Copa Volpi en el Festival de Cine de Venecia y su cuarto premio Goya como Mejor Actor.

En 2006 trabajo con el director inglés Mike Newell en “El amor en los tiempos del cólera”, basada en la novela homónima de Gabriel García Márquez. Al año siguiente se puso bajo las órdenes de Joel y Ethan Coen en “Sin lugar para los débiles”. Por su papel del asesino Antón Chigurh ganó el BAFTA al Mejor Actor de Reparto y finalmente el Oscar en la misma categoría, siendo, una vez más, el primer actor español que conseguía tal premio. Cuando subió a recibir el galardón su reacción inmediata fue “¡Guau! ¡Esto es para España y para todos nosotros!”, dijo Bardem en castellano, un guiño a los millones de televidentes de habla hispana orgullosos por tener a uno de ellos arriba del escenario del teatro Kodak.




Nuevamente las cabezas voltearon a verlo, pero él continuó sosteniendo su actitud de actor superado al que Hollywood no lo afecta. “No va a haber Oscar en el mundo que pueda cambiar mi trayectoria”, anunció incluso antes de ganarlo, “Pienso seguir como hasta ahora, haciendo películas que tengan algo interesante que decir”. En ese momento de su carrera los medios del mundo lo entrevistaron, y los españoles se pusieron un poquito celosos de que su niño mimado hubiera sido manchado por Hollywood. En una entrevista que dio a la revista de The New York Times publicaron que Javier reclamaba que sus compatriotas estaban en su contra. “Los españoles son duros. Ellos critican mi trabajo y piensan que soy un vendido. Y ante eso lo que quieres decir es: “Parad, sois una pandilla de estúpidos”. A pesar de que en la misma entrevista confiesa que Madrid es su hogar y el lugar donde más cómodo se siente, los ibéricos estaban que trinaban. Tan sólo 24 horas después, Bardem, aclaró que fue un error de traducción y que eso no fue lo que quiso decir. “Debido a la mala interpretación de mis palabras en una entrevista y su eco en los medios de comunicación, quiero aclarar que nunca insulté a la población española. Entre otros asuntos tratados en la entrevista di mi opinión sobre un pequeño grupo de personas indiscriminada e independientemente de lo que haga o diga. Muy al contrario de lo que se ha dicho, yo siento un profundo respeto y agradecimiento hacia la inmensa mayoría de la gente de mi país. Su apoyo y cariño me han ayudado a crecer en mi profesión”.

Coherente con esta posición, se enorgullece de su papel en el último film de Woody Allen, “Vicky Cristina Barcelona”, en el que puede combinar sus dos actualidades: es un film americano, rodado en España. Allí, interpreta a un artista español que vive un romance con una turista norteamericana (Scarlett Johansson) y con su reaparecida ex mujer, interpretada por su compatriota, novia actual y también actriz adoptada por Hollywood, Penélope Cruz. El director confesó que Javier es “el único actor en el mundo que podría haber hecho este papel para mí. Necesitaba un español que fuera sexy sin tener una belleza convencional, pero más allá de eso lo he visto en películas y me pareció excelente. Me encantó trabajar con él, y no sabía que eso podía pasar alguna vez en mi vida”.

Bardem reconoció estar orgulloso de trabajar con el afamado director de “Manhattan” y lo considera una persona excelente: “Cada vez que lo necesité, me dio la respuesta adecuada, una respuesta que me ayudaba a entender que era lo que tenía que hacer. Trabajar con él es como tener joyas en la boca. El diálogo es brillante y sus palabras te ayudan a encontrar la razón de la escena”.

Actualmente el actor terminó de roda “Biutiful”, del mexicano Alejandro González Iñárritu, y está trabajando desde hace varios años en “The Last Face”, en la que interpreta a un médico que trabaja en un campamento en Sudáfrica. Para ello, Javier estuvo hace unos años en Etiopía junto a la organización humanitaria Médicos Sin Fronteras observando cómo trabajan estos grupos. “Quería comprender como se comportaría un médico en esa situación. Los actores estamos obligados a informarnos sobre el contexto y la esencia de nuestros personajes, sobre todo por el respeto a las personas que interpretamos. Para mí este viaje ha sido un privilegio”. Esperemos ver más de Bardem en el futuro, y que continúe haciendo papeles aquí y allá, para conformar tanto a los americanos, como a los españoles y a todos los hispanoparlantes que siempre esbozamos una sonrisa cuando en el cine entendemos lo que dicen y no necesitamos prestarles atención a las letritas de abajo.

Fuente: Revista Miradas.

Adela en el espejo, a proposito de La historia de Adela H.

UNA ESCRITORA ELIGE SU ESCENA DE PELICULA FAVORITA

Adela en el espejo


En los ’70 el cine francés empezaba a vivir una profunda crisis luego de que los relámpagos de la nouvelle vague –surgida a finales de la década del ’50– se fueran apagando de a poco. Las nuevas películas de François Truffaut, sin embargo, eran de las pocas que no quedaban para nada rezagadas con respecto a la grandiosa década anterior. Y una de esas películas que planearon con tanta dignidad sobre la crisis fue, sin lugar a dudas, L’histoire de Adèle H. (1974) que acá se tradujo como Diario íntimo de Adela H. por estar basada, justamente, en los diarios de la hija menor de Victor Hugo. Es a partir de su trunca y obsesiva relación con el militar (Bruce Robinson) al que hace mención Hebe Uhart que Adèle (Isabelle Adjani) cae en una esquizofrenia que la llevará gradualmente al manicomio de Saint Mande, donde finalmente muere en 1915. Efectivamente, la belleza intensa y prolijamente descuidada de Adèle impregna toda la película.


Por Hebe Uhart

Una de las películas que más me impresionaron en mi vida es Adela H., con Isabelle Adjani. No necesito volver a verla porque la tengo absolutamente incorporada a mi memoria. Adela era hija de Victor Hugo y se fue a vivir a una ciudad de provincia; dormía en una buhardilla estrecha, leía mucho, iba a la librería y al banco a buscar el cheque que le mandarían de la casa, con tal de sacársela de encima (debería ser difícil).

Tanto en el banco como en la librería tenía dos candidatos posibles que la miraban con buenos ojos, pero ella no tenía ojos para nadie porque estaba un poco loca. Su ruta era librería, banco, buhardilla. Pero también, porque estaba enamorada de un oficial de una guarnición destacado en esa ciudad (no me acuerdo si eso venía de antes). Y él era el prototipo de joven convencional, lindo, aplomado, de buenas maneras. Ella lo empieza a acosar; se le aparece de una forma muy extraña y abrupta; ella se hace presente como una recurrencia, como una maldición, él no sabe qué quiere ella de él, se acerca a los lugares que él frecuenta con el mismo paso firme que usaba para ir a la librería y al banco.

Por fin él, picado por la curiosidad, le habla y queda en pasar a buscarla por la posada (qué mierda querría ella). La escena que más recuerdo es cuando él está esperando abajo (ella tarda mucho en bajar). Cuando por fin baja se había arreglado de forma muy desastrosa y aparatosa, como les pasa a ciertas novias que mejor no las hubieran arreglado nunca. Quedó más fea, pero esto no es tan terrible (no era fea) sino lo rara que quedó. Yo me identifico con ella no por la tardanza en bajar (siempre he ido a los más diversos foros más rápido que un bombero) sino porque imagino cómo empleó el tiempo previo a la cita: cuando yo me tenía que encontrar con algún novio y me esmeraba en aparecer muy bien, me quedaba un pirincho del pelo parado y no lo podía dominar. Posiblemente, esa forma de arreglarse tan artificiosa o mi pirincho parado tenga que ver con “Me tiene que querer de cualquier forma en que me vea, aunque mi aspecto sea amenazante o consternante”. La paradoja es que cuanto más rara aparece, más ella misma aspira a ser. Por supuesto que Adela H. no tiene éxito con ese oficial.



Por más que se mude de guarnición ella lo sigue a todos lados, siempre con su paso decidido, el de ir a la librería y al banco. Porque ella no es una chica de hacer un paseo moderado, digamos ir a dar una vuelta al perro al centro mirando vidrieras: una vez que sale de la buhardilla, no para hasta Marte. Y así llega, finalmente, al Africa –enferma, harapienta y más loca que nunca–, y se reclina en el regazo de una negra vieja, que no le pregunta qué le pasa porque no conoce el idioma de Adela H., ni la siente amenazante porque, a lo mejor, cree que la locura es transitoria, y no se dedica a analizar mucho ni a denunciar públicamente la pobreza o las injusticias (ahora decimos cosas sesudas sobre la otredad o la alteridad). La negra sabe lo que Adela H. necesita.

Diario íntimo de Adèle H.


El diario íntimo de Adela H. (también L'Histoire d'Adèle H.) es un film de 1975
en francés e inglés, que cuenta la historia de la vida real de Adèle Hugo, hija
del escritor Victor Hugo, cuya obsesión por un amor no correspondido de un
oficial de la marina condujeron a su caída. La película se basa en sus diarios.
Protagonizada por Isabelle Adjani, Bruce Robinson y Sylvia Marriott.

La película fue adaptada por Jean Gruault, Frances Vernor Guille, Suzanne
Schiffman y François Truffaut, con la adaptación al Inglés por Jan Sawson. La
película fué dirigida por Truffaut.




Sinopsis

La película cuenta la historia de la hermosa Adèle Hugo, la segunda hija de Victor Hugo, que está devastada por la muerte accidental de su hermana mayor Léopoldine Hugo. Hugo vive en el exilio en la isla de Guernesey, donde Adèle conoce un obsesivo y no correspondido amor por un oficial británico, el teniente Pinson (Robinson). Ella lo sigue a Halifax, Nueva Escocia, bajo el supuesto nombre de la Srta. Lewly. Mientras en Halifax el la rechaza, ella le comunica a sus padres, a través de carta, que se ha casado con él. Su padre le insta a regresar a sus hogar, pero Pinson destruye la esperanza de felicidad de ella por reclamar a su novia actual,la hija de un juez, y Pinson se con ella. Ella lo sigue a Barbados, Indias Occidentales, cuando se le envió y asume el nombre de la Sra. Pinson, ahora con la ropa desgarrada. Al momento en que el busca a Adèle ella no lo reconoce.

Adèle regresó a París luego de que una nativa se lograra comunicar con Victor Hugo y le informara de su lamentable estado físico y mental,al llegar la Tercera República se ha establecido, y Adèle se recluye en un asilo por su padre. Ella muere en París en 1915, a los 85 años.

Comentarios del director

Acerca de la película, Truffaut escribió:
«Al escribir el guión de L'Enfant Sauvage basada en las memorias del Dr. Jean
Itard, descubrimos, Jean Gruault y yo, el enorme placer de la escritura de
ficción histórica basada en hechos reales, sin inventar nada y sin alterar los
hechos documentados. Si es difícil construir una intriga(...) con la
participación de una docena de personajes cuyos caminos entrelazar, es casi tan
difícil escribir una (...) película que se centra en una sola persona. Creo que
fue este aspecto solitario el que más me atrajo a este proyecto, habiendo
realizado historias de amor con la participación de dos y tres personas, yo
quería tratar de crear una experiencia apasionante que impliquen un carácter
donde la pasión es de solo una vía.»


Locaciones de la película

Muchas de las escenas exteriores fueron grabadas en St Peter Port, Guernsey, y muchos extras de la película son conocidos locales. Tanto Sir Raymond Falla y Sir Cecil de Sausmarez eran, en el momento, prominentes políticos de la isla. Los sets en Halifax de escenas interiores fueron creados principalmente en una casa de Guernsey y las escenas de exterior también se grabaron en Guernsey. No fueron filmadas en Halifax.

Ficha Tecnica

Titulo original: L'histoire d'Adèle H.(Francia
The Story of Adele H. (Inglés)
Diario íntimo de Adèle H.(Español)

Dirección: François Truffaut
Producción: Claude Miller, Marcel Berbert
Guión: François Truffaut,Suzanne Schiffman, Jean Gruault
Reparto
Isabelle Adjani
Bruce Robinson
Sylvia Marriott
Joseph Blatchley


Premios y nominaciones

Premios de la Academia (Estados Unidos)
Nominada: Mejor actriz – Papel principal (Isabelle Adjani)

Premios César (Francia)
Nominada: Mejor actriz – Papel principal (Isabelle Adjani)
Nominado: Mejor director (François Truffaut)
Nominado: Mejor diseño de producción (Jean-Pierre Kohut-Svelko)

Premios David di Donatello (Italia)
Nominada: Mejor actriz extranjera (Isabelle Adjani; con Glenda Jackson por Hedda)

Sindicato fránces de críticos de cine
Ganadora: Mejor película

Junta Nacional de Revisión (Estados Unidos)
Ganadora: Mejor actríz – Papel principal (Isabelle Adjani)
Ganadora: Mejor película en lengua extranjera

Sociedad Nacional de Críticos de cine (Estados Unidos)
Ganadora: Mejor actriz – Papel principal (Isabelle Adjani)

Crítica de cine de New York (Estados Unidos)
Ganadora: Mejor actriz – Papel principal (Isabelle Adjani)
Ganadora: Mejor guión (Jean Gruault, Suzanne Schiffman and François Truffaut)


Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Diario_%C3%ADntimo_de_Ad%C3%A8le_H."
http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-4696-2008-06-29.html