Julio Diz

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Nació en la ciudad de Lanús, Buenos Aires, Argentina, el 27 de junio de 1956. Desde muy pequeño concurrió al cine, descubriendo a Walt Disney en el viejo Cine Monumental de la ciudad de Bernal. Ya de grande, Román Polanski y su film, “Cul de Sac” fueron los movilizadores hacia el cine de culto. En los años ’70, estudió cine en la EDAC, (Escuela de arte cinematográfico) de la ciudad de Avellaneda. En los ’80 cursó en CECINEMA, (Centro de estudios cinematográficos) dirigido por José Santiso, y asistió al Seminario Introducción al lenguaje cinematográfico, dictado por Simón Feldman. Incursionó en el Cine de Súper 8 y 16 MM. Asociado a UNCIPAR (Unión cineistas en paso reducido), fue cofundador del Biógrafo de la Alondra. Es editor de Woody y todo lo demás, Series de antología, Maestros de la imagen y el presente blog. Actualmente trabaja en su primer libro, “Los tiempos del cine”.

martes, 21 de octubre de 2008

Cinema-rock: Tommy

Tommy es la adaptación cinematográfica de la ópera rock de The Who homónima,
realizada por el director inglés Ken Russell en 1975.
Además de la banda integrada por Pete Townshend, Roger Daltrey (que interpreta a
Tommy) y Keith Moon, participan en algunos números musicales Tina Turner (La
Reina Ácida), Elton John (Pinball Wizard) y Eric Clapton (El Predicador).
También actúan Jack Nicholson, Ann Margret, Oliver Reed y Robert Powell.
Algunos momentos de la historia y su tratamiento estético, indican que pudo
haber inspirado a Alan Parker y Pink Floyd para la realización de The Wall.




Curiosidades:


Ken Rusell tenía ya en mente, guión y todo, hacer un film sobre las falsas
religiones, las sectas, etc, eso unido a su afición a la música clásica, le
atrajo mucho la versión orquestada del disco homónimo de los Who, que según
Townshend fue decisivo para que se involucrara de lleno en el proyecto, que
tras algún paso por alguna major de Hollywood, cuya producción fue a parar a la
-Robert Spottiswood Organization-RSO, siendo la verdadera primera Opera Rock de
la historia del Cine (si contar con HAIR y Un Fantasma en el Paraíso, mas musicales de Broadway adaptadas al Cine)
Desde un primer momento siempre se pensó en Roger Daltrey para el papel
principal





Lou Reed se pensó como Acid Queen
Rod Stewart iba a interpretar el papel de Elton John, pero éste lo convenció de
que no lo hiciera y tomó el papel él mismo.
Sin embargo Pete Townshend asegura, en el especial edición 30 aniversario que
era Stevie Wonder el que iba hacer de "Local Lad" CHAMP, -el personaje que
compite con TOMMY-, para nada nombra a Stewart, de hecho, da otro nombre, pero
la gracia consistía en hacer participe al "ciego de color", que estuvo muy cerca
de interpretar el papel, solo que su representante a última hora se lo
desaconsejó.
La escena con Jack Nicholson tardó 18 horas en filmarse. En efecto, y fue a raíz
de su estancia en el Festival de Cannes aquel mismo año para lo cual por la
agenda ocupada del actor norteamericano se aprovechó tal conyuntura para rodar
la escena en una habitación.
Clapton participó en el film como agradecimiento, ya que Townshend lo había
ayudado a curar su adicción a las drogas. Aparte de eso, que mejor guitarrista
para hacer de "El Predicador" que había ya compuesto temas como "Presence of the
Lord"-.




Ann Magret se cortó ligeramente la mano en la escena en la que tira la botella
de Champaña contra el televisor, no pudiendo sacar la mano encima de la
mesa,-vendada- en la escena en la que aparece en el programa de TV, y por ello,
se quedó con la cicatriz de por vida, que sin embargo la recuerda como un "gafe
del oficio" pero de una muy grata experiencia cinematográfica
De todo el reparto, están todos de acuerdo que el mas desacertado fue Oliver
Reed, pues no sabia cantar, sin embargo su VIS cómica y vena humorística, fue lo
que más le gustó al Director.
El Film se estrenó en un innovador sonido primogénito del actual Dolby 5.1, de
hecho el documental del 30 aniversario, da entender que Dolby se aprovechó de
todos esos avances y perfeccionó su propio sistema, gracias a, sobre la base
fallida que fue un denominado sonido "quintasound", y en avance al entonces en
boga sonido quadrafonico. Dando a comprender lo vanguardista del asunto y como
la tecnología iba muy por delante que lo que tanto las salas de cine, como la
inédita electrónica de consumo, estaba por aún llegar, adaptar y expandir.


Premios Oscar:

1975Oscar a la mejor actriz Ann-Margret Candidata
1975Oscar a la mejor banda sonora – Adaptada Pete Townshend Candidato

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Tommy”

miércoles, 8 de octubre de 2008

Disney de la A a la Z

El universo de Walt Disney de principio a fin.



A de Anticomunismo:
A partir de la huelga de 1942 Walt Disney –de por si un tipo políticamente conservador- se convirtió en un furioso anticomunista. En plena década de 1950 fue un activo miembro (y el primer vicepresidente) de la Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals (MPA), el principal grupo de presión a favor de la caza de brujas en Hollywood dentro de la industria cinematográfica.

B de Barks, Carl:
Si bien trabajo a partir de 1935 hasta 1942 dentro de los estudios de Disney, su mayor contribución a este universo ha sido con su trabajo en las historietas del Pato Donald. Gracias a su creatividad y talento, la Disney tiene hoy a personajes tan jugosos como el Tio Rico, Giro sin tornillos, Gladstone, los Chicos Malos, Magica De Spell, los jóvenes Cortapalos, etc., etc. Un “de nada” no estaría mal…

C de Chouinard Art Institute:
Disney comenzó una larga asociación con esta escuela de arte en la década de 1930. Muchos jóvenes animadores salieron de sus aulas y profesores de la escuela dieron clases especiales pagadas por Disney a grupos de animadores de la compañía (algo que ninguna otra empresa animada de esos años hacia). Hoy el Chouinard se ha convertido en el California Institute of Arts (Cal Arts) y sigue teniendo la misma profunda relación con la Disney.

D de David Crockett:
Personaje de la frontera americana al que Disney le dedico tres segmentos de su programa para contar su vida en una serie hecha con actores. Lo inesperado fue la respuesta que tuvo: la cosa creció en 1955 y 1956 para convertirse en una verdadera manía nacional que nadie se vio venir. Un inesperado golazo televisivo de la compañía.




E de Epcot:
Significa Experimental Prototype Community of Tomorrow (Prototipo Experimental de la Comunidad del Mañana). Fue el último gran proyecto de Walt Disney. La idea original era crear una ciudad ideal, donde la gente viviera cómoda usando los diseños arquitectónicos mas avanzados de esos años. Por supuesto, la gente trabajaría para los espectáculos que allí montaría Disney. La muerte de Disney antes que comenzara a hacerse el proyecto hizo que, poco, la idea grandiosa se convirtiera en otro más de los parques de atracciones de Disney, inaugurado en 1982.

F de Ferguson, Norm:
Nació en 1902 y murió en 1957. Sin ningún entrenamiento formal en animación, llego a Disney en 1929 desde los estudios Terrytoons. Durante los veinte años siguientes, seria uno de los animadores clave del estudio, el tipo que conformaría el estilo de animación de la compañía, basado sobre todo en los personajes y sus acciones antes que en gags. Creo y dio forma a Pluto, tal vez la mejor expresión de su estilo de animación fluido.

G de Guerra Mundial (Segunda):
La segunda guerra mundial trajo infinitos quebrantos económicos a Disney. Incluso antes que Estados Unidos se involucrara en ella, el cierre de los mercados europeos hizo que las ganancias del estudio cayeran… justo en medio de proyectos fastuosos como el de Fantasía. Con la guerra declarada, Disney (un convencido patriota) aporto recursos, tiempo y dinero para ayudar a la propaganda gubernamental… a costos risibles. Estos problemas redundaron en un descenso creativo del que se recuperaría el estudio recién en los años cincuenta.






H de Huelga:
En 1942, los empleados de la compañía hicieron una larga y peleada huelga que cambio el espíritu en el interior del estudio. Tras ella, Disney se convertiría en un furibundo anticomunista y los animadores que se fueron del estudio formarían UPA, el primer gran rival estético (que no es lo mismo que comercial) de la Disney.

I de Iwerks, Ub:
Nació en 1900 y murió en 1971. Mas que nadie, Iwerks fue la persona que mas hizo para que Disney fuera Disney. Un animador de impresionante talento y velocidad, co-creo (y dibujo casi íntegramente en sus primeros cortos) a Mickey Mouse, fue el responsable de la innovadora Danza de los esqueletos (Skeleton Dance, 1929) la primera Silly Simphony y virtualmente fue el estudio Disney en sus inicios. En los años treinta intentaría poner su propio estudio de dibujos animados pero no funcionaria. Volvería en 1940 a la Disney y se encargaría hasta su muerte de inventar efectos ópticos y técnicos para animación (incluyendo el revolucionario uso de la fotocopia, para dibujar personajes múltiples). Nunca hablo mal de Disney (ni el de Iwerks) pero luego de su partida, no volvieron a ser los amigos que en un principio eran.

J de Jodido:
Si bien Walt Disney era una persona que favorecía la creatividad de sus empleados, también podía ser devastador en sus críticas. Además, era un ególatra de cuidado que impedía cualquier desarrollo de una idea que no le gustase, incluso sabiendo que era buena.

K de Kimball, Ward:
Nacido en 1914 y muerto en el 2002, Kimball fue uno de los Nine Old Men, probablemente el favorito del propio Disney. A su evidente talento profesional y su gran sentido del humor, se sumaba su capacidad de decir las cosas claras ante todo el mundo incluso al propio Disney, un tipo al que no siempre le gustaba ser criticado. Este toleraba sus exabruptos y le tenia todo el afecto que un tipo tan reservado como el podía demostrar a un subordinado. Su corto Trot, Whistle, Plunk and Boom es una clase de historia de la música resumida en diez minutos y con unos gráficos que no le envidian nada a los de la UPA. Y tenía una banda llamada The Firehouse Five Plus 2 que tocaba jazz la mar de bien.

L de Leyendas Urbanas:
No, el cuerpo de Walt Disney no esta congelado criogenicamente y enterrado bajo el juego de Piratas del Caribe de Disneylandia. Fue cremado dos días después de su muerte y enterrado en el cementerio Forest Lawn de Los Ángeles. Pero como todo esto se hizo discretamente (a petición del propio Walt), el rumor creció y creció hasta convertirse en la leyenda urbana que todo el mundo conoce.




M de Merchandising:
Si bien los productos con la imagen de Mickey comenzaron a aparecer desde el comienzo, fue en 1932 que el fenómeno de Disney como generador de merchandising comenzó. Ese año Herman “Kay” Kamen se convirtió en el director comercial de la Walt Disney Enterprises. Con el, el estudio comenzó su política de licencias a nivel global, con ideas vanguardistas para su tiempo. Hoy por hoy, la cosa sigue y sigue sin parar.

N de Nine old Men:
A partir de fines de la década de 1940 hasta su muerte (e incluso varios años a posteriori), este grupo de nueve animadores fueron los consejeros centrales de Disney en todo lo referido a producciones animadas y manejo general de las películas del estudio. Sus nombres: Les Clark, Marc Davis, Ollie Jonson, Milt Kahl, Ward Kimball, Eric Larson, John Lounsbery, Woolie Reitherman y Frank Thomas. Su estilo y forma de trabajar marcarían al estudio hasta bien entrada la década de 1980.

O de Oswald the Rabbitt:
Creado por Disney e Iwerks en 1927, era básicamente una copia bien hecha del gato Félix. Su razonable éxito hizo que su distribuidor, Charles Mintz, le pegara una patada en el tujes a Disney para producir con su propio estudio. Disney, en una situación difícil, respondió abriendo un nuevo estudio y creando a Mickey Mouse. Oswald termino su carrera dentro de los estudios de Walter Lantz, el del Pájaro Loco… pero eso es otra historia.

P de Para leer al Pato Donald:
Estudio de Ariel Dorfman y Armand Matelart, publicado en 1971 y que fue un éxito entre la intelectualidad revolucionaria de la época. En el, los autores –usando los modelos de análisis de texto post estructuralistas tan en boga en esos años- explicaban como las historietas de Disney reproducían subrepticiamente los modelos capitalistas y burgueses y hacían que los niños desde chiquitos aprendieran que el orden establecido era el correcto. Hoy por hoy, dicho discurso ha recibido una cantidad impresionante de críticas, pero como primer ejemplo de libro para enseñar a leer los varios niveles de la cultura pop, tuvo un lugar meritorio.

Q de ¿Quién le teme al lobo feroz?:
Canción clave de Los tres Cerditos (Three Little Pigs, 1933) que se convirtió en un hit en ese año entre las audiencias atrapadas en lo profundo de la Gran Depresión. El tono optimista de la canción hizo que la gente se enganchara con ella, funcionando como antídoto optimista en esos años de mierda.

R de Roy Disney:
Nació en 1893 y murió en 1971. El hermano mayor de Walt, socio de su compañía desde el inicio y el tipo que llevaba las cuentas. También era el que le paraba la moto a Walt cuando creía que un proyecto era muy caro… lo cual era casi siempre. Roy y su actitud de financista serio y cuidadoso (no tacaño) era el contrapeso ideal para las geniales pero no siempre económicamente viables ideas de su hermanito. Sin Roy, probablemente Disney se habría fundido.

S de Silly Simphonies:
El músico Carl Stalling (que comenzó con Disney para luego terminar siendo el compositor del periodo clásico de la animación de la Warner Bros.) le propuso a Disney comenzar (tras el éxito de Mickey) con una segunda serie animada, esta vez basada no en un personaje sino en temas musicales (generalmente clásicos). La serie de 75 cortos (hechos entre 1929 y 1939) se convertiría en clásica. Con ella, Disney experimento en la técnica y en lo formal. La gran mayoría de los Oscars ganados durante esos años vendrían de esta serie. Una de las primeras muestras del interés por experimentar con la animación del tío Walt.

T de Tytla, Hill:
Nacido en 1904 y muerto en 1969. Un animador fuera de serie, excepcional incluso dentro del estudio Disney en sus años dorados. El animo la escena en que la mama de Dumbo lo hace dormir con la trompa mientras esta prisionera (y si no se te planto un lagrimòn viéndola, sos un desalmado). El les dio personalidad a los Siete Enanitos de Blancanieves. El estuvo tras el impresionante demonio Chernobog del final de Fantasía. Trabajo en la compañía entre 1934 y 1943, cuando se fue, en parte por su apoyo a la huelga de 1941. Una pena, nos hubiera encantado seguir viendo más animaciones de Tytla en los largometrajes disneyanos.

U de UPA:
Compañía fundada por algunos de los antiguos empleados de la Disney que habían apoyado la huelga de 1941, y que en los años cincuenta se convirtió en la principal competidora de Disney en el favor de la critica (no en el negocio). Su uso de la animación limitada, su valoración del fondo como elemento psicológico, su interés en experimentar con cosas nueva, hizo que por primera vez en décadas, Disney fuera visto como un estudio común y corriente y, por acto reflejo, motivo una cierta renovación temática y estilística en sus producciones.

V de Vanguardia:
Disney siempre quiso hacer cosas novedosas y estuvo siempre a la vanguardia técnica. Suyo es el primer corto animado sonoro, suyo es el primer corto animado a color, suyo es el primer largometraje animado con éxito a nivel mundial, suyo es el uso de documentales animados para explicar la ciencia y la tecnología durante los años cincuenta, suyo es el uso de la fotocopiadora para animar múltiples personajes. Disney arriesgo seguido, pero en general los resultados le dieron la razón.

W de Werner Von Braun:
Fue el tipo que invento las bombas voladoras V1 y V2 para los nazis. Tras la guerra y con su pasado convenientemente blanqueado, fue el hombre clave en el desarrollo espacial de Estados Unidos durante los siguientes treinta años. Colaboro junto a sus colegas de la NASA en el desarrollo de la serie de documentales Man in Space que la Disney hizo en los cincuenta para la televisión y que fueron un rotundo éxito.

X de Xerox:
Con La noche de las narices frías (101 Dalmatians, 1961) los estudios Disney introdujeron por primera vez la posibilidad de usar la foto duplicación de personajes similares para producir muchedumbres de manera mas rápida. El responsable de adaptar el sistema a la animación fue, por supuesto Ub Iwerks.

Y de Yen Sid:
Nombre del hechicero del segmento “El aprendiz de Hechicero” de la película Fantasía. Por si no se dieron cuenta, es “Disney” al revés.

Z de Zorro:
Nacido en 1910, este personaje recibió un nuevo impulso cuando la Disney hizo una serie para televisión, con Guy Williams en el papel de Diego de la Vega. Gracias a esta, todo el mundo recuerda al personaje y más de un niño fue castigado por dibujar zetas con marcadores indelebles en la pared de su casa mientras bestia con capa y antifaz negro.


Fuente: Revista La Cosa 2008

martes, 7 de octubre de 2008

Dioses de barro.

Olympia, los dioses del estadio
de Leni Riefenstahl

por Fernando Martin Peña




"YO NO FUI", dice todo el tiempo la realizadora germana Leni Riefenstahl desde sus voluminosas Memorias, publicadas a los 85 años y recientemente traducidas al castellano. La edad, y la objetiva veneracion que le ha valido la destreza formal de sus trabajos, parecen haberla convencido de que en los años del nazismo ella fue realmente una joven-inocente-e-impresionable. Conserva, sin embargo, el suficiente sentido comun como para dedicarle mas espacio a "Olympia", 1938, monumental registro de las Olimpiadas que tuvieron lugar en Berlin en 1936, que a su cortometraje "Sieg des Glaubens" (La victoria de la fe"), 1933 o a "Triumph des Willens" (El triunfo de la voluntad), 1934, que tienen mas punta para la polemica.

"Olympia" es singular en todo sentido, desde la circunstancias que llevaron a su realizacion hasta su tema y formato. Riefenstahl gozo la proteccion personal de Hitler, lo que le garantizaba recursos extraordinarios y sorteaba toda supervision, incluyendo la de Goebbels, que de otro modo estaba personalmente a cargo de toda la produccion cinematografica alemana. En "Triumph des Willens", Riefenstahl habia registrado un congreso del partido nazi en Nuremberg y para hacerlo mejor conto con la excepcional ventaja de que todo el evento se coreografio a partir de la disposicion de sus camaras. La filmacion de la Olimpiadas suponia una libertad menor dadas las restricciones impuestas a los camarografos por los reglamentos del Comite Olimpico, por lo que hizo necesario un extenso periodo de preparacion. El equipo no solo debio familiarizarse con los estados en los que tendria lugar el evento, sino con los lugares reservados al Fuhrer. Se gastaron miles de metros en la filmacion de otras pruebas deportivas para determinar angulos posibles, lentes y hasta velocidad del rodaje, se trabajo con distintas marcas de pelicula virgen de acuerdo a lo que cada cameraman tuviera que registrar; Riefenstahl literalmente diseño un tratamiento plastico para cada disciplina, a partir de sensaciones e impresiones visuales. Desde luego, los recursos materiales para hacer el film no constituyeron un problema.






Asi como el rodaje principal estaba predestinado a ocupar las dos semanas que durara el evento, Riefenstahl decidio tomarse dos años para resolver el montaje. Su pelicula no debia ser vista como un noticiero, por lo que el problema de la actualidad del registro no era relevante, sino como la evocacion definitiva de la idea de la Olimpiada. Esa intencion quedaba manifiesta en el prologo del film, rodado en las ruinas griegas. Aunque luego argumento ser la unica responsable del montaje de "Olympia", Riefenstahl conto con el asesoramiento de Walter Ruttmann, uno de los mayores cineastas de vanguardia que tuvo la historia del cine. Ruttmann se habia especializado en el trabajo de montaje, buscando en el un equivalente cinematografico a la composicion musical. El ejemplo mas notable de su trabajo es el clasico "Berlin, sinfonie der Grosstadt" (Berlin, sinfonia de una ciudad), 1927.

La influencia de Ruttmann es mas notable si se comparan los resultados de "Olympia" con los prolongados bostezos que provoca buena parte de "Triumph des Willens", con su camara que sube y baja y con su interminable sucesion de discursos.

La version actualmente disponible de "Olympia" esta narrada en ingles, sin traduccion alguna. Ello no constituye un obstaculo mayor, pero puede pasar desapercibida la mencion al inefable Zabala, campeon argentino de la maraton en las olimpiadas previas. De todas maneras, y aunque aparece rodeado por numerosos deportistas anonimos, Zabala impone su presencia y su nacionalidad portando en la cabeza un pañuelo anudado en los extremos.

"Olympia" es considerada, lisa y llanamente, una obra maestra total y absoluta por buena parte de la critica clasica y moderna. Hitler aparece con una frecuencia de gag, como para que, mas alla de todo, el espectador no olvide quien era el productor de Riefenstahl. Con un poquito de mala intencion deliberada, se podria recordar que la echaron a patadas de Hollywood cuando fue a presentar este film y que cuando quiso reponerlo en Alemania, hacia 1972, las protestas publicas se lo impidieron.




Por otra parte, tambien se puede vivir actualizado y evitar la inutil molestia de indignarse, en la certeza de que sobran argumentos teoricos solidos que permitan disociar sin culpa forma y contenido.

Por eso estetica e historia son disciplinas complementarias, pero distintas. A una de las dos le corresponde el trabajo de recordar circunstancias. Nadie esta obligado a tomarlas en cuenta, pero cuando en sus Memorias Riefenstahl se refiere al campeon negro Jesse Owens, uno recuerda los esfuerzos que hizo Griffith en "Intolerancia" para sepultar en el olvido la bronca racista de "El nacimiento de una nacion".

Ficha Tecnica

Olympia, los dioses del estadio, Alemania 1936/38

Direccion y montaje: Leni Riefenstahl
Direccion y fotografia prologo: Willy Otto Zielke
Direccion artistica: Robert Herlth
Musica: Herbert Windt y Walter Gronostay

En dos partes: "Fest der volker" (Festival del pueblo)
y "Schonheit" (Festival de la belleza".

Fuente: Revista Film, Diciembre/Enero 1993