Rosaura a las diez, 1958, El cine negro argentino de Mario Soffici.

Una película bastante desconocida dentro de la Historia del cine. Si nos planteamos el motivo, probablemente sea que no es de nacionalidad estadounidense o europea, además de su escasa promoción fuera de las latitudes latinoamericanas, máxime en aquellas fechas. Camilo Canegato (Juan Verdarguer) es un tímido restaurador de cuadros que vive en la pensión La Madrileña, regentada por Doña Milagros (María Luisa Robledo). Su vida parece bastante rutinaria y es un personaje que carece de interés para el resto de habitantes de la pensión, hasta que un buen día comienza a recibir cartas en un sobre perfumado de color rosa. Ese momento dará pie al cotilleo y la rumorología entre sus compañeros de alojamiento y, más, cuando él no suelta prenda sobre la misteriosa remitente. Un día, Doña Milagros logra que él se sincere, con ella y con sus hijas, y descubren que los sobres provienen de Rosaura (Susana Campos), la hija de un cliente suyo. Es una chica muy tímida a la que su padre le tiene concertado un matrimonio que ella no desea, por lo que una noche se escapa de su casa con lo puesto y se presenta en La Madrileña a las diez, en busca de Camilo. Doña Milagros la recibe con los brazos abiertos y desde ese mismo momento organiza todo para que Rosaura pase a ser un habitante más de la pensión, incluso, para hacerle planes de boda con Camilo. Pero el día de la celebración, una tragedia sacude las vidas de todos los habitantes de este pequeño mundo. Podemos dividir la cinta en dos partes.

Una primera, en la que la historia se narra de modo lineal y, una segunda, en la que la historia se nos cuenta desde cuatro puntos de vista de los personajes, al más puro estilo Rashomon (Akira Kurosawa, 1950). Esta película fue una apuesta valiente por parte de Mario Soffici, que se atrevió a llevar a la pantalla la novela de Marco Deveni, la cual no he leído, pero que según cuentan, Soffici fue perfectamente capaz de adaptarla captando su esencia. La trama arranca con un ritmo más bien pausado, pero que va "in crescendo" a medida que la cinta avanza inexorablemente hacia una sacudida brusca dentro de la historia y que continuará con una serie de giros bruscos que no harán, sino pegarnos al sofá sin poder apartar los ojos de la pantalla. Estamos ante una metáfora ácida y descarnada de las apariencias, las mentiras, la envidia, el cotilleo o la rumorología, a través de un pequeño universo que Soffici monta dentro de La Madrileña, en la que cada personaje presenta una parte de esa clase media argentina de la época.Lo que parece ser una comedia, se torna en una enrevesada historia que abraza con fuerza el más puro cine de intriga en el que nada es lo que parece. Soffici comienza con una fotografía de corte muy clásico, pero luego dará un giro de 180 grados hacia el cine negro utilizando claroscuros, movimientos nerviosos de cámara y contrapicados para crear una atmósfera inquitentante.

Rosaura a las diez supuso el salto de la comedia al drama de un Juan Verdaguer que borda su papel y una actuación, sencillamente, magnífica, de Susana Campos en el rol de Rosaura. Mario Soffici nació en Florencia en el 1900 y a los 9 años se trasladó a Argentina. Comienza su carrera como actor en el teatro hasta que conoce al director José Ferreyra con quién comparte su fascinación por el cine sonoro. Ambos deciden filmar en Buenos Aires desde que dominen su técnica (Mario tenía 28 años por aquel entonces). Así que Soffici comienza a estudiar el cine desde un punto de vista más técnico, buscando investigar la conexión entre la imagen proyectada y la capacidad del ojo para ver. Mientras otros directores filmaban lo que pasara, él se obsesionaba con investigar todas las posibilidades de insinuar que tenía la cámara. Era un director audaz que siempre se renovaba de cara al público, sorprendiéndolo. Filmó 40 películas y también fue actor, siendo su début en "Alma de bandoneón (1934)". Siempre sostuvo que el director no tenía que ser concesivo ni con el público ni con los productores. Como hechos destacables, podemos hablar de que la atmósfera creada por Soffici en Rosaura a las diez se rige por un tono malsano y opresor semejante al de El inquilino (Roman Polanski, 1976), obra que, 18 años después copiaría algunas de las escenas aquí esbozadas. Decir también que Doña Milagros estaba encarnada por la actriz María Luisa Robledo, quién luego daría a luz a la también actriz, Norma Aleandro.

Frase para recordar: "Todo comenzó unos seis meses antes, aquella mañana en que el cartero trajo un sobre rosa con un detestable perfume a violetas"

Título original: Rosaura a las diez

Director: Mario Soffici

Reparto: Juan Verdaguer, Susana Campos, María Luisa Robledo, Alberto Dalbés, Amalia Bernabé, Héctor Calcaño, María Concepción César, Nina Brian, Lili Gacel, Beto Gianola, Miguel Ligero, Enrique Kossi, Mario Soffici.

Reseña escrita por Juanma Falcón

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La película olvidada: Juggernaut de Richard Lester, 1974

GB, 1974: Richard Harris (comandante Anthony Fallon), Omar Sharif (capitán Alex Brunel), David Hemmings (Charlie Braddock), Anthony Hopkins (agente John McLeod), Shirley Knight (Barbara Bannister), Ian Holm (Nicholas Porter)

Director: Richard Lester, Guión: Richard Alan Simmons

Trama: El Britannic es un enorme transatlántico de bandera inglesa, el cual transporta 1.200 almas en su travesía a través del Atlántico – entre Londres y Nueva York -. Pero ahora un maníaco se ha comunicado con el jefe de la línea marítima, y le ha informado que ha instalado siete bombas a bordo del barco, estratégicamente instaladas como para detonar y hundirlo sin miramientos en menos de 24 horas. Ante la extorsión de un pago de medio millón de Libras el gobierno ha enviado un equipo antibombas al transatlántico, el cual es liderado por el recio comandante Anthony Fallon. El problema es que las bombas son auténticas obras maestras de la ingeniería, plagadas de trampas y falsos detonadores, y basta con que exploten 3 de ellas para producir una catástrofe. Y mientras el tiempo corre y los nervios de Fallon se destrozan, las bombas siguen su rumbo hacia el armagedón, el cual se desatará en alta mar a menos de que ocurra un milagro.

Juggernaut es una intentona del cine británico en treparse a la ola del cine cacástrofe (sí, está bien escrito), el cual reinaba las taquillas a principios de los años 70. En general el cine catástrofe es uno que odio con bastantes ganas, simplemente porque el papá del género – Irwin Allen – lo engendró de manera idiota y mediocre, matando la tensión con abundante melodrama de relleno (y el cual no le interesa a nadie). Esta interpretación británica del cine catástrofe es mas lineal y despojada, mas centrada en los hechos y – tal como en sus pares norteamericanos de la época – salpicada de nombres famosos. El problema es que todo el asunto es tan minimalista – ver durante una hora a unos tipos arrodillados junto a unos barriles – que tiende a hacer agua… y no precisamente porque hablemos de un transatlántico a punto de hundirse en medio del mar.

Ciertamente la flor y nata del cine inglés está reunido aquí, algunos en versiones ridículamente jovencisimas. Está Ian Holm, flaco y con pelo oscuro, el cual se luce como el director de la línea – que rebosa de honestidad e ideales frente a la amoralidad de los funcionarios del gobierno británico -; Anthony Hopkins, haciendo de policía y sobreactuando a baja altura; el siempre aborrecible Freddie Jones; Shirley Knight, antes de perder la pelea con la balanza y cuando era una apetecible MILF; Omar Sharif como Omar Sharif – viendo donde está el cheque para irse a jugar otra partida de Bridge -; David Hemmings, visiblemente agotado después de años de partuza; ese rey de la comedia ridícula que fue Roy Kinnear – el cual tiene su cuota compartida de momentos inspirados y secuencias incómodas, ya que le toca hacer de encargado de diversión y eventos sociales justo en un barco saturado de bombas a punto de explotar -; y hasta Roshan Seth, ese hindú que ha estado en miles de producciones de época como Ghandi o Indiana Jones y el Templo de la Perdición. Y, por supuesto, la frutilla del postre es Richard Harris, el cual se comporta como un loco todo el tiempo que está en pantalla. Mas que un héroe, su personaje parece un deprimido nihilista que se la pasa filosofando sobre la muerte y tirándole pálidas a los demás, cuando no, entra en modo sobreactor a full (posiblemente porque Harris estuviera picoteado por el whisky y se le diera por improvisar en el set). Mientras que el resto de los papeles funciona con mayor o menor éxito, la presencia de Harris es tan chocante como el rechinar del filo de unas uñas sobre la superficie de un pizarrón. ¿Como cinchar por un tipo tan misántropo y detestable?.

Al menos el habitualmente mediocre Richard Lester (Superman II) se da maña para crear algo de suspenso, en especial a la hora del desarme de las bombas… pero la cosa es bastante flácida y estática, en especial al momento de la resolución. Mientras que en el cine catástrofe norteamericano hay infinidad de actores viejos con melodramas mediocres de relleno, aquí hay una parva de gente famosa metiendo algún que otro bocado sobre la situación de las bombas (como Clifton James – el sheriff Pepper de 007 Vive y Deja Morir! -, o Shirley Knight, quien hace de amante del capitán), lo cual se transforma en un montón de cameos sin utilidad que bien podrían haber quedado en el piso del cuarto de edición. Por lo menos la pesquisa policial está ok, y sirven para mostrar algo de dinamismo en un filme infestado de gente hablándole a la cámara.

Juggernaut no es un gran filme; a lo sumo es un pasable entretenimiento de matineé, tan prolijo que a veces aburre. Quizás precisaba menos personajes y mas escenas jugadas, un detalle que le jugó en contra en la hora del estreno – ya que no fue a verla nadie -, y un estigma que hoy en día le persigue, demostrando que la correctitud y la lógica suelen atentar contra la efectividad de un pasatiempo válido.

Extraido de http://www.portalarlequin.com.ar/juggernaut/

Al rescate de William Wellman (1896-1975)

 

William Wellman

(Brookline, 1896 - Santa Mónica, 1975) Director de cine estadounidense. Tuvo unos variopintos comienzos profesionales (fue estibador, vendedor y jugador profesional de hockey), y luego se enroló en la Marina de los Estados Unidos para tomar parte en la Primera Guerra Mundial, primero como camillero y luego como piloto en la "escuadrilla Lafayette" (que con el tiempo adquirió ciertos tintes románticos). Finalmente, fue repatriado tras haber sido herido en combate.

En 1918, con apenas veinte años, se casó con la actriz Helene Chadwik, que fue la primera de sus cuatro esposas y le introdujo en el mundillo del cine y del espectáculo. Se hizo así actor, profesión a la que sumó una amplia gama de actividades (decorador, productor y ayudante de dirección), hasta que Douglas Fairbanks le prestó su ayuda. Inició su carrera de director en el cine mudo con una película de extraño título, El hombre de pecho triunfa (1923). El mismo año rodaría otras dos producciones, tituladas Amor y voluntad y Amor al rojo, aunque durante este periodo las más destacadas fueron Ballet ruso (1926) y Alas (1927). Este último trabajo, con Clara Bow de protagonista y un casi debutante Gary Cooper en el reparto, mereció el Oscar de la Academia a la mejor película, pero sus secuelas no alcanzaron la misma repercusión.

Durante los años treinta consolidó su fama y sus conocimientos cinematográficos, y realizó una importante cantidad de películas, entre las que destaca el filme policíaco El enemigo público (1931). En 1937 rodó la versión de una obra que luego tuvo numerosas adaptaciones a la pantalla, Nace una estrella, interesante análisis psicológico y social sobre el mundo del espectáculo para una actriz que comienza y un actor que inicia su decadencia. A finales de los treinta hizo una bella versión de Beau Gest (1939), una clásica novela de aventuras de Percival Christopher Wren ambientada en la Legión extranjera francesa, que permitió a Wellman tocar el tema de la amistad y el amor en el contexto de la vida militar.

Pero probablemente la obra más importante de este director sea un extraño western que rompió los esquemas de una época tan conservadora como los años cuarenta: Incidente en Ox-Bow (1943). Protagonizada por Henry Fonda, su argumento no era todo lo previsible que esperaba un público con claros códigos de lectura cinematográfica, y, además, resultaba muy perturbador en aquel momento en que los Estados Unidos se encontraban inmersos en la Segunda Guerra Mundial. La misma línea siguió al rodar, con Robert Mitchum y Burgess Meredith como intérpretes principales, También somos seres humanos (1945), una visión de la guerra desde el lado oscuro, no el de los soldados que integran el heroico ejército, sino la realidad de aquéllos abocados a terminar en una fosa común.

Wellman se convirtió en un director reputado (mejor acogido entre los intelectuales que entre el gran público), y sus películas dejaron una honda huella en el discurso cinematográfico. En 1951 volvió a realizar otro western, Caravana de mujeres, historia sobria y espontánea, y en cierta medida feminista. Los años posteriores fueron contemplando cómo su pulso se aflojaba y rodaba un cine bastante más convencional, poniendo incluso su talento al servicio del sistema con filmes de marcado signo anticomunista. Su última película fue La escuadrilla Lafayette (1958), que le sirvió al veterano director de Alas para recordar sus experiencias y vivencias como piloto durante la Primera Guerra Mundial.

Filmografía parcial

The Twins of Suffering Creek (1920) (no acreditada) The Boob (1926) Alas (1927) Ladies of the Mob (1928) Beggars of Life (1928) Chinatown Nights (1929) The Public Enemy (1931) Other Men's Women (1931) Night Nurse (1931) Frisco Jenny (1932), Barrio Chino The Hatchet Man (1932), El hacha justiciera So Big! (1932) The Purchase Price (1932) Yhe Conquerors (1932), Los conquistadores Love Is a Racket (1932) Midnight Mary (1933), Rosa de medianoche Central Airport (1933), Aeropuerto Central Wild Boys of the Road (1933) Heroes for Sale (1933), Gloria y hambre College Coach (1933) Viva Villa! (1934) (no acreditada) The President Vanishes (1934) Stingaree (1934) Call of the Wild (1935), La llamada de la selva Small Town Girl (1936), Una chica de provincias La fuga de Tarzán (1936) (no acreditada) A Star Is Born (1937), Ha nacido una estrella Nothing Sacred (1937)

Beau Geste (1939) The Light that Failed (1939), En tinieblas Thunder Birds (1942) Roxie Hart (1942), Roxie Hart The Great Man's Lady (1942), Una gran señora La estrella del Variedades (1943), Lady of Burlesque The Ox-Bow Incident (1943), Incidente en Ox-Bow Buffalo Bill (1944), Las aventuras de Buffalo Bill This Man's Navy (1945) The Story of G.I. Joe (1945), También somos seres humanos Magic Town (1947), Ciudad mágica The Iron Curtain (1948), El telón de acero Yellow Sky (1948), Cielo amarillo Battleground (1949), Fuego en la nieve The Happy Years (1950) Across the Wide Missouri (1951), Más allá del Missuri Westward the Women (1951), Caravana de mujeres Island in the Sky (1953), Infierno blanco The High and the Mighty (1954), Escrito en el cielo Track of the Cat (1954), El rastro de la pantera Blood Alley (1955), Callejón sangriento Good-bye, My Lady (1956), Good-bye, My Lady Darby's Rangers (1958), Los jóvenes invasores Lafayette Escadrille (1958), La escuadrilla Lafayette

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de William Wellman. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/wellman.htm

Original Soundtrack: Marvin Hamlisch

 

POR ALLWEBB

Marvin Frederick Hamlisch nació el 2 de Junio de 1944 en New York City. De familia judía, siendo su padre acordeonista y director de orquesta, demostró desde muy pequeño su habilidad para la música, siendo capaz de interpretar al piano cualquier melodía escuchada en la radio. Empezó sus estudios antes de los 7 años en la Escuela Juillard Pre-College Division.

Creció escuchando musicales y de entre sus favoritos se encuentran My Fair Lady, Gypsy, West Side Story o Bye Bye Birdie. Comenzó a trabajar en Broadway como pianista en los ensayos de Funny Girl, que protagonizó Barbra Streisand, con la que continuó su amistad a lo largo de los años, escribiendo música para algunas de sus películas como El amor tiene dos caras (The mirror has two faces) o dirigiendo sus conciertos, cuando la cantante decidió salir de su prolongado retiro.

Como compositor dentro del mundo del cine comenzó con producciones modestas como El nadador (The swimmer), Robo, huyo y lo pescaron (Take the Money and run), o Bananas (Bananas), hasta que ya fue buscado para otros proyectos como Gente corriente (Ordinary people), La decisión de Sophie (Sophie’s choice), Salvad al tigre (Save the tiger), Castillos de hielo (Ice castles), El próximo año, a la misma hora (Same time, next year) o la adaptación para televisión de Un tranvía llamado deseo (A streetcar named desire), que le proporcionaron alguna nominación a los premios Oscar, en el apartado de canción original o banda sonora.

  
Entre sus trabajos más populares está desde luego la banda sonora y canción para Tal como éramos (The way we were) y la adaptación musical para El golpe (The sting), por las que consiguió en 1973 tres premios Oscar, record no conseguido por ningún otro músico en el mismo año hasta la fecha.

La imposibilidad de John Barry por problemas fiscales, de poder volver a Inglaterra para trabajar en una película de la serie de James Bond para las que había compuesto la mayoría de bandas sonoras, dio a Marvin Hamlisch la oportunidad de trabajar en La espía que me amó (The spy who loved me) por las que también fue nominado al Oscar como Banda sonora y canción.

  
Sus trabajos en el campo del teatro musical comenzaron como arreglista de los números de danza de Seesaw (1973), que compuso Cy Coleman, donde coincidió con Michael Bennett que escribió el libreto y cuando tuvo que trabajar en A chorus line (1975), buscó a Hamlisch para la partitura. Luego vendrían They’re playing our song (1978), centrada en la colaboración de un músico y una letrista y sus problemas de relación de pareja,  inspirada claramente en su experiencia personal con Carole Bayer Sager, con la que escribió este musical.

En 1983 vendría Jean Seberg, basado en la vida de la actriz de mismo nombre, que fue un fracaso de público y nunca llegó a Broadway. Smile (1986) fue su siguiente proyecto con letras de Howard Ashman, que también fracasó y tuvo que cerrar tras 58 funciones.Siguiendo con el musical, en 1993 estrenó The goodbye girl, con letras de David Zippel, adaptando el guión de Neil Simon para la película del mismo título, aquí contó con Bernadette Peters y Martin Short como protagonistas,  aunque obtuvo un discreto éxito con 188 funciones en Broadway, que animaron a exportarlo a Londres.El año 2002 estrenó en Broadway Sweet smell of success, basado en la amarga película del mismo título de 1957 dirigida por Alexander Mackendrick, que fue nominada a 7 premios Tony, aunque solo consiguió el de mejor actor en un musical, que fue para John Lithgow,  que compartía protagonismo con Brian d’Arcy James y que a pesar de las nominaciones sólo aguantó 109 funciones en cartel.

Su último trabajo en teatro fue en una obra de Nora Ephron, con el título de Imaginary friends (2006), a la que escribió algunas canciones con letras de Craig Carmelia. Estaba basada en la relación entre Lillian Hellman y Mary McCarthy, siempre enfrentadas en sus planteamientos y en sus historias sentimentales con los hombres con los que compartieron su vida, Dashiell Hammett y Philip Rav, respectivamente.
  
Tras trece años de inactividad en el mundo del cine, volvió para hacerse cargo de El soplón (The informant) en el año 2009, con Matt Damon de protagonista, siendo su trabajo bastante ignorado aunque bien valorado por los aficionados a las bandas sonoras.

Trabajando con Richard Holmes como letrista para el musical de "The nutty professor" (El profesor chiflado), basado en la película del mismo título que protagonizó Jerry Lewis, que se encargó de dirigir su adaptación al musical, estrenado en Nashville en Julio de 2012,  como estudio previo a llevarse a Broadway, no pudo verlo en Broadway ya que le sobrevino la muerte el 6 de Agosto de 2012 en la ciudad de Los Ángeles, dejando un vacío enorme en la historia de la música de cine, teatro y musical americano.Lamentablemente su último musical aún sigue sin estrenarse en Broadway. Estaba trabajando también en otro musical con el titulo de "Gotta dance".

Extraido de :https://www.love4musicals.com/2012/08/07/marvin-hamlisch-musico/