Nació en la ciudad de Lanús, Buenos Aires, Argentina, el 27 de junio de 1956. Desde muy pequeño concurrió al cine, descubriendo a Walt Disney en el viejo Cine Monumental de la ciudad de Bernal. Ya de grande, Román Polanski y su film, “Cul de Sac” fueron los movilizadores hacia el cine de culto. En los años ’70, estudió cine en la EDAC, (Escuela de arte cinematográfico) de la ciudad de Avellaneda. En los ’80 cursó en CECINEMA, (Centro de estudios cinematográficos) dirigido por José Santiso, y asistió al Seminario Introducción al lenguaje cinematográfico, dictado por Simón Feldman. Incursionó en el Cine de Súper 8 y 16 MM. Asociado a UNCIPAR (Unión cineistas en paso reducido), fue cofundador del Biógrafo de la Alondra. Es editor de Woody y todo lo demás, Series de antología y el presente blog. Actualmente trabaja en su primer libro, “Los tiempos del cine”.
Creo que tienes que ser valiente. Creo que tienes que pensar en ser; Creo que tienes que pensar en ser alguien. Si eres actriz, vas a encarnar a un ser humano. Si
eres valiente y si usted quiere experimentar realmente lo que es,
realmente, que tienes que ser una actriz de desarrollo y un ser humano en
desarrollo al mismo tiempo, porque las dos cosas están siempre juntas. No puede desarrollarse como un ser humano y no desarrollarse como actriz y viceversa.
¿Puede separar su vida de su trabajo?
Mi trabajo se integra totalmente
en mi vida y viceversa, he estado trabajando desde que tenía 16 años y
mi trabajo es mi vida y mi vida es mi trabajo. Me hizo quien soy.
¿Tienes buenos recuerdos de su carrera?
Sí, quería irme a Inglaterra por
motivos personales y algo encontré en Italia porque había una
película interesante que se ofreció a mí. Hice tres o cuatro películas en Italia y estuve por 10 años.
¿Cómo fue trabajar en el cine italiano en los años 60 y principios de los años 70?
Se me convenía.Yo no quería estar en Inglaterra en ese momento, por lo que me convenía.E Italia es el país más maravilloso para trabajar. Ellos aman la belleza y así aman lo que están haciendo, aman el arte actual de la cinematografía.No creo que las películas de Fellini o películas de Visconti jamás se ha hecho ningún dinero.Ellos sólo lo hicieron para la gran sensación de ópera.Era tan diferente de la forma en que el Inglés y los americanos estaban trabajando, no había tanta pasión.Y me viene de una familia protestante en un lugar frío, y me desperté!Ese fue el comienzo de las cosas para mí, de verdad.
¿Qué hubieras conocido a esa edad?
Creo que si yo pudiera ser de 18, ahora, sería genial!Con la suma total de lo que yo he tomado a bordo, sería fantástico ser una joven de 18. Tal vez, no lo sé.O tal vez no?Tal vez ese extraordinario saber-desconocimiento de la juventud, cuando te sientes realmente saber cosas.Usted tiene el poder juvenil y luego tienes que ir por la vida para realmente saber.
¿Le da su consejo niños?
No, porque yo nunca quise asesoramiento a esa edad.Yo no podía ser molestada con que nadie me diga nada, así que no lo hago con mis hijos.En realidad, yo no aconsejo.Si quieren charlar sobre algo, eso es diferente. Pero nunca voy a poner mi opinión sobre ellos, porque yo creo que eso perjudica personas.Realmente lo creo. Debido a que no va a cambiar nada, van a resentir de todos modos.Generalmente, usted quiere ir en contra de todo lo que te dicen.Por lo menos a mis 18 años de edad, uno mismo lo habría hecho.Siempre quise ir en contra de lo que me habían dicho.
¿Qué se siente envejecer en una carrera en la que está siempre delante de la cámara?
Estamos todos en vano, todos estamos narcisista, no nos gusta envejecer.¿Quién quiere envejecer?¿Quién quiere conseguir líneas?¿Quién quiere no ser joven?Pero no podemos ser.Estamos pasando.Somos jóvenes en una etapa y luego nos hacemos más viejos como la naturaleza tendrá con nosotros.Esas cosas no deben ni siquiera entrar en su horizonte como actor porque si te sientas y dices, "Oh, yo no quiero ese papel porque no voy a mirar bastante", entonces no va a tener mucho trabajo a su manera.Creo que la cirugía plástica es el camino más fácil.
Así que usted nunca piensa pasar por el quirófano?
Preferiría no manipular la naturaleza.Creo que es más aterrador manipular el tiempo y la naturaleza que someterse a una cirugía plástica.Si va a permitirse ese lujo a ser viejo - que tal vez feo, para ser más atractivo, al ser menos deseable - si se permite a sí mismo como un actor a ser que en ciertos momentos, usted encontrará que las recompensas son extraordinarias.
Cómo es eso?
Pues vaya más allá de la superficie y de entrar en que estos personajes son en realidad y, lo creas o no, los personajes que salen en realidad se está hablando a usted en términos humanos y que terminan siendo seres, que - lo que parecen y sin embargo se comportan y sin embargo quizá atroz son - en realidad son fundamentalmente como todos ustedes.Porque eso es lo que hacemos cuando somos actores: Nos convertimos en todos ustedes.
¿Es usted que mira mucho el futuro?
Odio tener proyectos en el futuro.Ahora es ahora!Tengo algunos proyectos en fila, pero en cierto modo, realmente, no porque a lo mejor no van a suceder.No sé por qué es tan temible, el futuro.
Un amigo parisino me llamó por teléfono a fines de noviembre de 1974. Me dijo que Lotte Eisner estaba muy enferma y que sin duda iba a morir. Le respondí: no es posible. No en este momento. El cine alemán no podía prescindir todavía de ella, no debíamos permitir que muriera. Tomé una chaqueta, una brújula, una bolsa de deportes y los enseres indispensables. Mis botas eran tan sólidas, tan nuevas, que merecían mi confianza. Me puse en camino hacia París por la ruta más directa, convencido de que, yendo a pie, ella sobrevivirá. Además, tenía ganas de estar a solas conmigo mismo.
Mi diario de marcha no estaba destinado a ser leído. Hoy, cuatro años después, al volverlo a tomar en mis manos, me ha conmovido singularmente, y el deseo de hacerlo leer me ha ayudado a vencer el pudor de mostrarme desnudo ante ojos extraños.
Sólo he suprimido algunos pasajes muy íntimos.
Werner Herzog, Delft, Holanda, Mayo 24, 1978.
"Circulan pocos coches, hay densa niebla, el cielo está cubierto, y en la atmósfera se percibe una humedad permanente. Trepar, siempre trepar. Helechos color marrón, inclinados, pegados al suelo. Bosques de alta montaña, y allá abajo, valles cubiertos de brumas. Nubes y niebla se deshilachan sobre mi cabeza. Por todas partes chorrea el agua del deshielo. En la cumbre sólo ando entre nubes. Todas las piedras rezuman. Y como siempre, la mirada sólo es atraída por las formas vacías: latas, desperdicios. Los pies, bien."
1974. ALICIA DOESN'T LIVE HERE ANYMORE (Alicia ya no vive aquí) EEUU-Reino Unido. Productor: James B. Harris. Producción: Anya, Harris-Kubrick Productions, Seven Arts Productions y Transwood para MGM. Guión:Valdimir Nabokov y Stanley Kubrick, según la novela del primero. Fotografía:Oswald Morris, en b/n. Música: Nelson Riddle y Bob Harris. Dirección artística:William C. Andrews. Montaje: Anthony Harvey. Duración: 152 minutos.
La primera vez que vi esta película en el cine, en una filmoteca, pensé al comienzo que se habían confundido y habían puesto El mago de Oz en su lugar. Mas que por el color, que en la de Fleming es blanco y negro en esta primera parte mientras que en la de Scorsese está muy saturado (te puede dejar casi ciego si lo ves en una tele un poco vieja), el comienzo recuerda a aquélla en el aspecto de ensoñación infantil, el recuerdo de tiempos mejores en los que aun se podía soñar. Pero a este lado del arco iris los sueños siempre se frustran, para bien o para mal, porque la realidad impone sus condiciones. A veces se dan segundas oportunidades, como en esta película, pero nunca como te las esperas. Como dice Meryl Streep a través de su personaje de Memorias de África (Outland Africa, 1985. Sidney Pollack), «cuando dios quiere castigarnos, hace realidad nuestros sueños».
Muy lejos en el espacio y en el tiempo de la granja en la que Alice soñaba con ser cantante, ella es ahora un ama de casa frustrada y desilusionada. Tiene un marido de carácter irascible, que la ignora como se ignora a quien está siempre a tu lado, y un hijo bocazas y demasiado avanzado para su edad, aspecto positivo que sus poco agudos padres no saben potenciar. Fantasea con una amiga sobre lo bien que podría estar sin un hombre. Pues un buen día le llega la oportunidad de comprobarlo. Su marido muere en un accidente y la deja sin apenas nada. Tras vender lo poco que tiene, se va por el mundo a buscar fortuna como cantante, la promesa de un sonido de un millón de dólares, como dice la canción de Bruce.
Afortunadamente Scorsese no nos atormentará con las canciones de Alice. Sólo un poco al comienzo para que sepamos que no lo hace mal, pero tampoco bien. La conocida atracción de Scorsese por la música la ha mostrado a la menor oportunidad, como por ejemplo en su interpretación como secundario en Alrededor de la medianoche ('Round Midnight, 1984) de Tavernier, la película New York New York (íd., 1977), el documental El último vals o la gloriosa banda sonora de Apuntes del natural (Life Lessons), el episodio que dirigió del collage Historias de Nueva York (New York Stories, 1989). Pero esta vez no es lo que le importa. Tampoco nos deprime con la desesperada búsqueda de trabajo de una cuarentona, que aunque atractiva, tiene poco que hacer en un mundo de veinteañeras. Sólo al comienzo nos nuestra sus avatares. Lo que de verdad importa a Scorsese es la búsqueda de la propia identidad de esta mujer, de su situación en este mundo, su relación con su hijo y su necesidad de amor.
Por eso, tras el onírico comienzo la cámara empieza moviéndose nerviosa, desencuadrando y ocultando a los protagonistas tras los objetos cotidianos, esos tras los que habitualmente nos escondemos y que nos protegen de nosotros mismos, con un montaje confuso, como si se le hubieran quedado cortas las tomas y las hubiera tenido que montar con lo poco que se salvó. A pesar del efecto que pretende mostrar, la desestabilización y las dudas de Alice, para mi gusto es la parte más floja de la cinta. Pero a medida que la vida de Alice se estabiliza (o lo parece), con ella se tranquiliza la cámara. Tras un primer trabajo como cantante en un bar de copas y una relación aparentemente ideal pero al final tormentosa con un veinteañero interpretado por Harvey Keitel, deberá irse a otra ciudad huyendo de él y aceptar un trabajo de camarera. Allí conocerá a un apuesto cantante, perdón, ganadero interpretado por Kris Kristoferson con el que mantiene una relación con altibajos pero con aparente futuro. Aunque no deja de causar cierto desasosiego el saber que, a pesar de las ilusiones que Alice tiene puestas en su carrera como cantante, y de contar aparentemente con el apoyo de su hombre, seguramente habrá de conformarse con la comodidad del hogar y volver a renunciar a sus sueños como hizo en el pasado. Mientras tanto, el niño sigue a la madre de aburrimiento en aburrimiento y de vez en cuando conociendo a alguien interesante de su misma edad, como esa niña precoz interpretada por una tierna Jodie Foster con la que tiene varios puntos en común.
Pero si alguien destaca es el papel protagonista de una sutil y matizada Ellen Burstyn, que tras unos comienzos deslumbrantes con sus papeles en El exorcista (The Exorcist, 1973. William Friedkin) y esta película (por la que obtuvo el oscar en 1975) ha tirado más por el teatro, sin demasiada fortuna en el cine, hasta que en 2000 protagonizó Requiem for a Dream del estrambótico Darren Aronofsky por la que volvió a ser seleccionada (película que, dicho sea de paso, detesto cordialmente). Aquí realiza el papel de su vida, escrito para su exclusivo lucimiento, y de lo cual por tanto se resiente la película, ya que los demás personajes son sólo comparsas creados a su medida. En este sentido la película da la impresión de ser un encargo para aprovechar el tirón que la actriz había alcanzado con El exorcista.
El guión va evolucionando de la tragedia familiar, a la lucha por la supervivencia y la dignidad, para ir diluyéndose conforme avanza la película en drama sentimental, aunque paradójicamente la cinta gana interés por una mejor construcción de los personajes, aunque las situaciones en las que se mueven sean un tanto forzadas, tendiendo a buscar la felicidad de la protagonista por encima de la verosimilitud de la acción.
En definitiva, una película que sin dejar de ser interesante esta en la media de las producciones del director, y lejos de las grandes obras de finales de los 70 y comienzos de los 80. Sobre un tema muy similar, con una protagonista de igual nombre en un claro homenaje a esta película, el genial Woody Allen hizo Alice (íd., 1987), que sin estar entre las mejores de su autor es una película mucho más certera en el tratamiento de las emociones y necesidades que mueven a los seres humanos.
Entre terrores propios y falta de ofertas ajenas, el actor nunca había podido debutar como cineasta. Su primer film está basado en una obra teatral sobre músicos retirados que montan un concierto.
Suena extraño que un actor con una carrera cinematográfica de 45 años y dos Oscar en sus vitrinas esté paralizado por el miedo al fracaso. O, en todo caso, que hable tan abiertamente sobre el tema. Pero Dustin Hoffman es diferente. “No lo sentí como un fracaso”, confiesa, acercándose. “Yo era un fracaso.” En la entrevista, él se ve como todo lo contrario a eso. Vestido con una camisa celeste y pantalones oscuros, con su abundante cabello plateado peinado hacia atrás y su piel bronceada, Hoffman irradia salud. Y no es para sorprenderse: a los 75, la estrella de El graduado finalmente se graduó al hacer su debut como director con Quartet.
Fracaso. Hoffman recuerda cuando recibió el AFI Lifetime Achievement Award en 1999. Viejos amigos como Warren Beatty acudieron a rendirle homenaje; debería haber sido un momento de orgullo. En cambio, él se fue a su casa, se preparó para acostarse y empezó a tener un ataque de pánico. “Y nunca había tenido uno antes. Ahora entiendo cómo se siente porque yo quería saltar por la ventana. Es un dolor visceral, es horrible. Te sentís como si estuvieras devorándote a vos mismo. Yo era lo opuesto a alguien a quien celebrar, porque sentía que eso era todo: sonaba como una elegía y mi vida estaba terminada, y sentía que ni siquiera había empezado a hacer lo que quería.”
¿El problema era su vida personal? Difícilmente. Hoffman tiene seis hijos: dos de su primer matrimonio y cuatro de su unión de 32 años con su segunda esposa, Lisa. El actor estaba perplejo y fue directo a terapia “para descubrir” qué había causado este ataque, un proceso que llevó a una interrupción de su trabajo que no terminó hasta su retorno en 2002 con La vida continúa. “Creo que, de algún modo, ver todo el trabajo que había hecho me separó de la vida. No podía pensar en la vida que había vivido mientras estaba haciendo todo eso. En ese punto inventé la expresión ‘mi vida es como un queso suizo: llena de agujeros’.”
Ciertamente, si había algo especial que lo machacaba insistentemente era que nunca había dirigido, algo a lo que finalmente ha arreglado con Quartet. “Soy de posponer las cosas”, dice encogiéndose de hombros. Pero hay más que eso. “A lo largo de los años desarrollé cosas por las mías y siempre encontré una excusa para decir ‘no está listo, no está bien’.” Beatty le dijo que nunca esperara que un guión estuviera bien porque nunca iba a estarlo, pero Hoffman seguía esquivando proyectos. “¡Eso fue neurótico, cobarde y autodestructivo!”
Con una reputación irremontable como perfeccionista en la pantalla, lo más cerca que estuvo fue dirigir Libertad condicional, el film de 1978 en el que interpretó a un ex convicto que recién salía de la cárcel. Fue un proyecto preciado que él inició y empezó a dirigir, sólo para “despedirse” a sí mismo después de unos días y contratar a Ulu Grosbard. Nunca más se acercó a la dirección. “Hollywood, como cualquier otro negocio, es reactivo”, argumenta. “A menos que hayas probado tu valor, no te ofrecen nada para dirigir. Puede que te ofrezcan cosas en las que actuar, si demostraste tu valor, pero no para dirigir.”
Hoffman siempre estaba demasiado ocupado demostrando su valor en la pantalla como para comprometerse con un proyecto fuera de ella. En los ’60 y los ’70 fueron Perdidos en la noche, Todos los hombres del presidente y Kramer vs. Kramer, que le dio su primer Oscar. En los ’80, fueron Tootsie y Rain Man, su segundo Oscar. Más recientemente, él saltó de comedias excéntricas (como I Heart Huckabees y El mundo según Barney) a asuntos más mainstream (Los Fockers: la familia de mi esposo, Kung Fu Panda).
De cualquier modo, nunca había dirigido. Hasta ahora. Adaptada por Ronald Harwood de su propia obra teatral, Quartet está inspirada por el documental de 1984 Tosca’s Kiss, ambientada alrededor de Casa Verdi, en Milán, una mansión que el famoso compositor construyó específicamente para albergar a cantantes de ópera retirados. “¿Por qué sí hice ésta? Fue la que me ofrecieron”, responde sin rodeos. “Me dijeron: ‘Tenés que contestar por sí o por no, o seguimos adelante’. De hecho, dije que no. Y mi mujer dijo: ‘No, no, no. Vas a hacer esto’.”
Con las actuaciones de Billy Connolly, Maggie Smith y Tom Courtenay, entre otros, quienes interpretan a músicos retirados que deciden montar un concierto, el film es bastante evocador, evidentemente diseñado para facturar con el público de más de 50 que fue a ver El extraño hotel Marigold. Este no es el Hoffman de sus años mozos sino el alma amable de La última oportunidad. Pero él está contento de haber acorralado a su demonio. “Es la mejor venganza contra la mortalidad”, sonríe. “Quizá si progreso en la vida, desde ahora pueda tener menos agujeros.”
Y vuelve al tema del fracaso que, de acuerdo con Hoffman, es un miedo mucho más profundamente asentado que simplemente entrar en pánico después de una ceremonia, honrando a su carrera. “Creo que lo que sentís sobre vos mismo durante los primeros años nunca te abandona”, dice. “Mi hermano era el estudiante brillante y el atleta estelar, y yo no era ninguna de las dos cosas. No me podía concentrar en la escuela y ahora siento que debería haberla adorado, porque me encantaba leer y aprender, pero estaba de algún modo programado para pensar que él era un éxito y yo un fracaso, y eso nunca me abandonó. Mi infancia y mi adolescencia son los peores recuerdos que tengo en mi vida.”
Hoffman, que a esta altura bien podría estar recostado en un diván, asegura que su avance surgió en terapia. “Nunca tuve un sentido de mí mismo, jamás. Siempre me sentí fragmentado, sin saberlo conscientemente. Y la primera vez que me sentí centrado, irónicamente, fue interpretando a otro.” Aunque esto pueda explicar por qué Hoffman ha sido tan increíblemente bueno durante todos estos años al habitar la piel de otra gente, es un entendimiento que finalmente le ha permitido dar rienda suelta a su cineasta interior. Y ahora tiene hambre de más. Menciona al director portugués Manoel de Oliveira, de 104 años: “Ese es el tipo al que miro. ¡Todavía sigue haciéndolo!”. Así que quizás esto sólo sea el comienzo de una nueva carrera para Dustin Hoffman.
Por James Mottram – The Independent de Gran Bretaña. Especial para Página/12.
La nueva versión de “El hombre lobo”
con Benicio del Toro en el papel de Lon Chaney Jr.
Tercero en importancia y popularidad
entre los monstruos clásicos del cine, detrás de Drácula y Frankenstein, el
Hombre Lobo vivió su gloria en los años ’40, dentro de las películas de terror
producidas por Universal. Diseñada como un proyecto comercial escrita por Curt
Siodmack, y protagonizada por Lon Chaney Jr., aquella El lobo Humano original
fue todo un éxito que ayudó a salvar al estudio de la bancarrota. Pero luego de
varias secuelas cayó injustamente en el olvido que se extendió por medio siglo.
Ahora la nueva versión de “El hombre lobo”, con Benicio del Toro y Anthony
Hopkins, Radar desempolva la historia de uno de los monstruos más famosos y
menos revisitados del cine de terror clásico.
Por Alfredo García
Era el único
monstruo clásico bien muerto. Pero Larry Talbot, el que se llenaba de pelos en
las noches de luna llena encarnado por Lon Chaney Jr. en la década de 1940,
finalmente lo revivió en el siglo XXI, en un film protagonizado por Benicio del
Toro.
En el
ranking de monstruos clásicos del cine, primero viene Drácula, luego sigue
Frankenstein, y en tercer puesto el Hombre Lobo. Sin fuentes literarias como
las novelas de Mary Shelley y Bram Stoker que lo antecedan, el Hombre Lobo
surgió de antiquísimas leyendas folclóricas de Egipto, Grecia y Roma. En “La
República”, Platón menciona un caso de licantropía.
Pero la fama
del Hombre Lobo no deriva de los estudios filosóficos, sino simplemente de una película de 1941 que
prácticamente salvó de la bancarrota a los estudios Universal. “The Wolfman”
(El lobo humano, de George Waggner) presentó a Lawrence Talbot, es decir al
lobisón más famoso de todos los tiempos. El personajeque inmortalizó a Lon Chaney Jr. fue
explotado y liquidado malamentepor el
estudio, que no lo mató con una bala de plata, sino con un sistemático desdén
que derivó en argumentos kamikaze como una curación a la licantropía y una
última aparición cómica en una legendaria parodia de los monstruos clásicos de
la Universal protagonizada por Abbott & Costello.
A diferencia
de los otros monstruos de la Universal, Larry Talbot no dio señales de vida en
más de medio siglo (ni tuvo un lejano parentesco con lobisones de los ’80 como
los “Aullidos” de Joe Dante, o “El hombre lobo americano” de John Landis). Tal
vez sea que Larry Talbot en realidad no es un monstruo. El vampiro es un ser
maligno que suele disfrutar del mal que provoca con sus poderes sobrenaturales.
En cambio un licántropo como Talbot es “un hombre de corazón puro, que
pronuncia sus plegarias nocturnas…” sin poder evitar convertirse en un monstruo
peludo y homicida toda noche de luna llena. Y siempre al borde de “destruir lo
que más ama”. En cualquiera de sus versiones de ficción, pero sobre todo en la
que concibió el guionista Curt Siodmack para “The Wolfman” de 1941, más que un
monstruo, el personaje es un buen tipo con un grave cargo de conciencia por su
comportamiento monstruoso. Curt
Siodmack podría haber pensado en Platón, o al menos en alguna novela u obra de
teatro más o menos popular de principios de siglo XX. En cambio, muy
honestamente explicó en entrevistas la motivación para crear a un personaje tan
torturado como Lawrence Stewart Talbot: “Me llamó el productor y me dijo:
“Tenemos 180 mil dólares, a Bela Lugosi, Claude Rains, Ralph Bellamy, y el hijo
de Lon Chaney. En 10 semanas tiene que empezar el rodaje, y el titulo sí o sí
tiene que ser “The Wolfman”, así que ponete a trabajar!”.
Por motivos
insondables, en tiempos de guerra el cine de terror funciona especialmente
bien. El público quedó atrapado por “The wolfman”, y con el paso del
tiempoSiodmak elaboró una complicada y
no muy verosímil tesis sobre la analogía entre los tormentos del pobre Talbot y
sus propias experiencias personales en la Alemania nazi –que dejó para
radicarse en Hollywood, como tantos otros colegas alemanes de la época-. Lo que
no se puede negar es la estética expresionista aplicada al film por el
director, y especialmente por el excepcional director de fotografía Joseph
Valentine, que distorsionó todo lo que pudo los encuadres para que el backlot
del estudio pareciera un páramo aterrador. Para entender la importancia de “The
Wolfman” en la historia del cine fantástico, basta señalar que Valentine, luego
de estudiar minuciosamente el trabajo de Greg Tolland en “El ciudadano” de
Orson Welles, hizo preparar especialmente para este film barato de terror unos
lentes angulares que le permitían llevar al límite las posibilidades de la
profundidad de campo y las distorsiones de personajes y decorados, lo que
convirtió al film en uno de los más estilizados del terror clásico de la
Universal.
El elenco no
tenía desperdicio, empezando por el gitano Bela (o sea, Bela Lugosi) como el hombre
lobo original que contagia a Lon, más Claude Rains (papá Talbot, que en la
nueva versión es Anthony Hopkins), la scream queen Evelyn Keyes (ahora Emily
Blunt) y la ominosa gitana Maleva, María Ouspenskaya (¡ahora Geraldine Chaplin!).
Los implacables ejecutivos de la Universal trataron tan mal a Larry Talbot como
a Lon Chaney Jr. Los defensores del estudio aseguraron que el hijo de “El
hombre de las mil caras” se las buscó, con su pésimo comportamiento, que incluía
no soportar horas y horas de maquillaje a cargo de Jack Pierce (más o menos el
triple de lo que aguantó ahora Benicio del Toro en manos de Rick Baker) y luego
arruinarse la cara arrancándose los pelos a tirones al final de cada día de rodaje.
Al pobre Chaney Jr. lo mandaron a hacer de momia ultra barata en las peores
secuelas del estudio, y a ambos –el actor y su taquillero licántropo Talbot-
los incluyeron en varias secuelas que a veces ni siquiera incluían su nombre
enel título. Lo más increíble es que
todas –“Frankenstein contra el hombre lobo”, 1943, “La guarida de Frankenstein”,
1944- eran buenas, además de exitosas. En “La mansión de Drácula”, 1946, Talbot
lo arruinaba todo curando su licantropía en un imposible final feliz que podría
considerarse herético dentro del género.
Tal vez para
liquidar para siempre a Chaney los ejecutivos del estudio volvieron a contagiar
de licantropía a Talbot en la inolvidable“Abbott y Costello contra los fantasmas”, 1948, con Lugosi como Drácula,
Strange como Frankenstein y un cuasi protagónico Chaney Jr. como el torturado “hombre
de corazón puro”. Es una de las mejores comedias de terror de la historia, pero
también puede ser considerada como el fin del horror clásico hollywoodense. Chaney
no se recuperó nunca, y sólo repitió un hombre lobo con cierto parentesco con
Talbot en un film mexicano protagonizado por el comediante Tin Tan, “La casa
del terror”, 1960 de Gilberto Martínez Solares.
Contada esta
historia con pelos y señales, queda claro que una película que intente revivir
al Larry Talbot original inspirándose en el viejo guion de Curt Siodmak, tiene
que ser buena en serio, o al menos tan divertida como una parodia de Abbott y
Costello. Es que si no lo reviven bien a Talbot, sólo les queda su criatura ecológica
de los ’50, “El monstruo de la laguna negra”…
Extraído de
Pagina 12, suplemento Radar, 7 de febrero de 2010.
Mick, es un vendedor de café, gracias a su suerte, va ampliando su campo de trabajo. Un día, accidentalmente, entre en el recinto de una central nuclear de Escocia. Le arrestan y le someten a tortura. Más tarde, aprovechando que el edificio estalla, consigue escapar. Después de una serie de peripecias entra en el equipo de un misterioso médico, dedicado a extraños experimentos, del que deberá huir de nuevo. También participará, más tarde, en un complejo asunto de tráfico de drogas y será condenado por ello a cinco años de prisión. Finalmente, será maltratado por las mismas gentes a las que intentaba ayudar.
"Un hombre de suerte" es el tercer largometraje de Lindsay Anderson. En 1963 rodó "El ingenuo salvaje" (This sporting life) y, en 1968 "If" (ídem), que obtuvo el Gran Premio en el Festival de Cannes. Posteriormente, en 1975 rodó "In celebration", sobre una obra teatral de David Story.
Titulo original: O lucky man
Producción: Michael Medwin y Linday Anderson
Dirección: Lindsay Anderson
Guión: David Sherwin, según una idea de Malcom McDowell
Camara: Miroslav Ondricek
Musica y canciones: Alan Price
Intérpretes: Malcom McDowell (Mick Travis)
Ralph Richardson ((Monty/Sir James Burgess)
Rachel Roberts (Gloria/Mint Paillard/Mrs. Richards)
La Rank Organisation fue una empresa cinematográfica británica fundada en 1937 por Joseph Arthur Rank.
J.A. Rank era un industrial molinero de firmes creencias religiosas, que vio las posibilidades de utilizar el arte cinematográfico como una eficaz herramienta para difundir su fe metodista. En 1933 realizó su primera película y al año siguiente fundó junto a dos socios, la British National Films Company. Esta empresa produciría su primer film comercial en 1935, pero tuvo conflictos de distribución con empresas estadounidenses que dominaban el mercado británico, lo que decidió a Rank a crear una empresa más importante.
En 1937 logró controlar Pinewood Film Studios (Pinewood Studios), una firma inspirada en los estudios cinematográficos de Hollywood, adquiriendo en 1941 la cadena de cines ODEON y otras empresas, consolidando su posición dentro de la industria cinematográfica británica fundando Rank Organisation (Organización Rank). La Organización Rank se transformó en la más importante empresa distribuidora y exhibidora de Gran Bretaña, que comenzó a utilizar el logo del Hombre del Gong para identificarse. Llegó a poseer 5 estudios y 650 salas de cine.
En el año 1945 formó una escuela de actores de la cual egresó el conocido actor de carácter Christopher Lee, entre otros. También contó con afamados directores como David Lean y Ken Annakin para sus realizaciones. Entre las producciones de renombre realizadas en los Estudios Pinewood está la serie de films del Agente 007 James Bond, Superman, y Aliens, el regreso. La empresa terminó su producción cinematográfica en 1980, pasando en 1996 a ser parte del holding The Rank Group Plc.
El espectáculo gong
Rank hizo algunas de las mejores películas del Reino Unido, pero al final, ninguna cantidad de talento podría salvarlo.
Por Geoffrey Macnab
¿Eres realmente un hombre rico o estás especulando con el dinero de otras personas? "George Bernard Shaw le preguntó una vez a J. Arthur Rank." Estoy bien ", el magnate de las películas, con brusquedad respondió. Hubo una cierta ironía en el intercambio. Al tiempo, la Organización de categoría, fue planeando una adaptación de gran presupuesto de la obra de Shaw, César y Cleopatra, para ser producido y dirigido por el extravagante húngaro Gabriel Pascal. Programado para rodar durante cuatro meses con un presupuesto de 500.000 £, la película (lanzado en 1946 ) tomó cerca de dos años en completarse, costará más de £ 1m y socavado la confianza de Rank.
Con motivo del 70 aniversario del gong de oro, se está lanzando un nuevo juego en estuche de Rank "clásicos" en DVD.Como era de esperar, la malograda Cesar y Cleopatra no es uno de ellos, pero tal vez debería ser.La historia de la adaptación de Shaw a cargo de Pascal captura perfectamente esa extraña mezcla de visión, extravagancia y confusión, con el aturdimiento que caracterizó a Rank en su pompa.Con el dinero de Rank y aparentemente interminables reservas de buena voluntad, la autocrática Pascal construyó su propia esfinge, camellos importados y se cubrió Denham Studios en arena.Reclutó a los mejores directores de fotografía del día, así como un pequeño ejército de actores británicos.El resultado fue una película que aburre a la mayoría de los críticos.
"Pascal vendió un proyecto de ley de los bienes a Arthur," dijo otro productor Rank, Anthony Havelock-Allan, a principios de 1990."Si nos hubieran consultado, un hombre que todos hemos dicho [a Rank] que está loco de atar. No deje que Gabriel Pascal intente dirigir nada. Él no sabe cómo. Va a ser un desastre."
En los años previos a César y Cleopatra, J Arthur Rank había sufrido una transformación poco probable.En 1935, el Yorkshire magnate de la harina, de mediana edad y maestro de escuela dominical Metodista, tomo un hilo de temática religiosa sobre beligerantes familias en una comunidad pesquera.Ganó un premio en el festival de Venecia, pero se hundió sin dejar rastro en la taquilla británica.
Este fue también el año en que el boxeador de peso pesado Bombardier Billy Wells ("Beautiful Billy") fue reclutado como el primero de los musculosos para golpear el gong.El gong era el logotipo de General Film Distributors, una compañía Rank que había decidido respaldar porque quería su propio punto de apoyo en la distribución.Nunca fue, sin embargo, exactamente lo que parecía.Las audiencias empezaron a oír en los cines locales, como Billy Wells, desnudo de cintura para arriba, rasgaba con su martillo, el falso sonido.El verdadero ruido fue creado detrás de las escenas, con un percusionista utilizando un tam-tam chino.
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Al principio, Rank parecía simplemente otro financista incursionando en los bordes del cine británico.Pronto, sin embargo, iba a presidir el mayor imperio cinematográfico en la historia del cine británico.Sus tentáculos comenzaron a extenderse en todos los rincones de la realización de películas: animación, noticiarios, películas de serie B, películas infantiles, adaptaciones de Shakespeare, comedias Ealing y melodramas de disfraces Gainsborough, así como películas en la escala de la locura de Pascal.Rank adquirió los mejores estudios, los mejores laboratorios y las salas de cine.Su compañía fue un completamente integrado "importante" con cada pedacito de músculo como sus rivales de Hollywood.
Y, sin embargo, Rank no concuerda en absoluto con el estereotipo del Sam Goldwyn o Louis B Mayer el tipo de estudio-jefe.Una figura patricia, un poco distante con un amor de actividades británicas de campo (golf, tiro), fue apodado "Tío Arthur" por sus empleados.Rank admitió libremente que sabía muy poco sobre el medio que había abrazado con tanto fervor."Él no era en absoluto lo que ustedes llamarían un hombre artístico," su hija Shelagh Cowen dijo de él."Era un hombre de acción y gran pensamiento, un hombre de visión, pero no estéticamente - compró el cerebro para hacer eso por él mismo." Esos cerebros - directores favoritos que incluyen a David Lean, Powell y Pressburger, y Gilliat, todo parte de una compañía llamada Productores Independientes Ltd (IPL) - se les dio carta blanca."Podemos hacer cualquier tema que deseamos con todo el dinero que pensamos, que sujetos deberían haber gastado en él." La revista Time señaló el enfoque benevolente de Rank: "Tal vez no desde la época de los papas del Renacimiento tiene un grupo de artistas, encontró un patrón de manera rápida con su cartera, tan lento con las direcciones y consejos no solicitados."
Al dar a los cineastas más talentosos sus cabezas, Rank razonó, serían recompensados con el prestigio que les permitirían entrar en el mercado norteamericano de suma importancia.Las zapatillas rojas, Grandes esperanzas y Breve encuentro siguen siendo reconocidas como las mejores películas británicas que se han hecho.También se hicieron durante el mismo período Hamlet de Laurence Olivier y Henry V.
Jean Simmons, quien interpretó a Estrella en Gran expectativa, Ofelia en Hamlet de Olivier y una hermosa sirena en Narciso Negro, da testimonio de la inventiva formal de los mejores cineastas de Rank de la época.Ellos construyeron escaleras al cielo, recreado Inglaterra de Dickens en detalle extravagante, y fueron incluso capaces de hacer de los estudios Pinewood que parezcan el este exótico."En Negro Narciso", dice Simmons, "Recuerdo que fui a fijar un día y ver un montón de moho blanco. Un anciano estaba sentado allí con una máquina de viento. Él dijo, ven y mira a través de la cámara. Miré a través de la cámara y yo estaba en el Himalaya ".(El viejo de la máquina de viento era Alfred Junge, del mago Powell como diseñador de producción).
La desventaja del audaz experimento de Rank, sin embargo, era que las sumas no cuadraban.Las películas de la metodología Lean, Powell y Pressburger fueron extraordinariamente costosas de hacer.Cuando los miembros de IPL se habían quejado de Rank en invertir en algo tan temerario como César y Cleopatra, habían respondido diciéndoles que la épica de Pascal vendería otras seis películas británicas a su paso en los EE.UU..Esto no sucedió.
Como la Organización Rank creció en tamaño, se hizo cada vez menos eficiente. En 1944, Rank había establecido instalaciones de producción (Films) Ltd, conocido como "Piffle" por sus detractores.Se trataba de una empresa en el local, diseñado para ayudar a todos sus productores sobre cuestiones tales como fundición, accesorios y contratos.En cambio, causó resentimiento y confusión - entre otras cosas porque los cineastas podrían haber conseguido estos servicios mucho más baratos de agencias externas.
"Mi recuerdo de Piffle es de un montón de gente de varios estudios que decían ser expertos en esto, aquello y lo otro, reunido bajo una misma bandera," Charles Staffell, experto en efectos especiales de Pinewood, dijo más tarde."Ellos nunca hicieron nada, salvo que se dieran una molestia sangrienta."
Tampoco lo hizo la Organización Rank al tratar a sus artistas con absolutamente tacto como podría haberse esperado.Había indicios de un motín de la Charm School en Londres, donde aspirantes a estrellas como Diana Dors se enteraron de la conducta, mientras que actores como Christopher Lee y Anthony Steel fueron obligados a caminar con los libros en la cabeza para mejorar su postura.No todas las estrellas apreciaron el número de fiestas del pueblo que se vieron obligados a abrir.Y ellos no disfrutaban de ser intercambiados como ganado. Simmons, recuerda Pascal (que co-propiedad de su contrato con la Organización Escala) diciéndole que un día que había sido vendido a Howard Hughes en la RKO."Yo necesitaba el dinero", Pascal confesó cuando le preguntó por qué no le habían advertido con antelación de sus planes.
Hay muchas razones de la visión audaz de Rank para la industria cinematográfica británica que pronto comenzó a desmoronarse.El mercado de Estados Unidos no estaba dispuesto a abrirse a las películas británicas, e incluso en Gran Bretaña, el público prefiere las películas de Hollywood a productos de cosecha propia. Críticos patrióticos arremetieron contra el apetito de Rank para realizar copias de películas de prestigio de gran presupuesto a expensas de las películas británicas presupuestadas por menor que podrían haber recuperado sus costos en el mercado interno.La izquierda fue muy crítica con sus tendencias monopólicas.
Retirada Rank Organisation de la industria del cine, tomó medio siglo (y sólo se completó definitivamente hace unos meses).Muchos asocian el gong de oro con las películas relativamente débiles realizadas en la década de 1950. En verdad, sin embargo, los bienes de floración de Rank fueron relativamente breves.Desde hace unos años en la década de 1940, Powell y Pressburger, Lean y compañia se les concedió una licencia como cineastas británicos que han disfrutado y respondido al hacer obras maestras.
Extraído de https://es.wikipedia.org/wiki/Rank_Organisation
Un drama histórico será la película de apertura del XI MARFICI
Con entrada libre y gratuita, se proyectará este
sábado 22 de Agosto, a las 20 hs, en la sala Melany (San Luis 1750), la
película de apertura del Festival Internacional de Cine Independiente de
Mar del Plata, XI edición.
Stella Cadente (Estrella Fugaz), es una película del
director catalán Luis Miñarro, producida en el año 2014. En la misma,
se cuenta la historia del fugaz reinado de Amadeo de Saboya en España:
Elegido en 1870 por las Cortes, intentó poner en orden y modernizar un
país ingobernable. Un rey incomprendido en el exterior y rápidamente
refugiado en su interior: fuera de su palacio, el país se derrumba, y
dentro de él, su corte se abandona a los juegos, el amor, los placeres,
la belleza y la melancolía. La película habla sobre la futilidad del
poder y la dificultad en establecer la belleza.
Luis Miñarro, nacido en Barcelona, España, en 1949, es un director y productor español conocido, entre otras películas, por El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (2010) y El muerto y ser feliz
(2012). En su fructífera carrera como productor cinematográfico estuvo
al frente de más de 30 producciones, y fue, entre otras cosas, jurado
del Festival Internacional de Locarno en 2009. Stella Cadente será, asegura, su última producción antes de retirarse.
Esta película forma parte de la sección Cine+Historia, que el MARFICI
presenta un año más y que recoge diferentes producciones documentales y
de ficción centradas en la reconstrucción de períodos pasados de la
Historia Universal.
Stella Cadente volverá a proyectarse el Miércoles 26 de Agosto, a las 22 hs, en la Sala Radio City.
La XI edición del MARFICI se desarrollará del 22 al
29 de Agosto en el Centro de Arte MDQ, San Luis 1750, con funciones
comenzando desde las 16 hs. El precio de la entrada general es de $30.
Para más información, se puede consultar la página oficial del Festival en www.marfici.org
Glenda Jackson es mas conocida por sus papeles ganadores del Oscar en Mujeres enamoradas y un toque de distinción.
Sinopsis
Glenda Jackson nació el 09 de mayo 1936 en Birkenhead, Inglaterra. Jackson tuvo una exitosa carrera cinematográfica después de actuar en teatro, llegando a ganar dos premios de la Academia. Sus representaciones ganaron su dicha credibilidad, hizo la transición a la política y ganó un escaño en la Cámara de los Comunes.
Primeros años de vida
La dos veces ganadora del Premio de la Academia, Glenda Jackson primero hizo su nombre como actriz y más tarde como un político. Nació en Birkenhead, Inglaterra, en 1936, de padres de clase trabajadora. Su padre era albañil y su madre trabajaba como limpiadora. Después de terminar sus estudios a los 16 años, Jackson trabajó en una farmacia durante dos años. Ella comenzó a actuar en el teatro de aficionados en todo este tiempo.
A la edad de 18 años, Jackson se matriculó en la prestigiosa Real Academia de Arte Dramático de Londres. Ella hizo su debut teatral en 1957. Unos años más tarde, Jackson hizo su primera aparición, en una pequeña parte en el film This Sporting Life (1963), protagonizada por Richard Harris. Tuvo un avanze en su carrera al año siguiente con la producción de la Royal Shakespeare Company La Persecución y asesinato de Jean-Paul Marat interpretada por los internos del asilo de Charenton bajo la dirección del Marqués de Sade (más tarde en cortocircuito a Marat / Sade ) . Ella interpreto a uno de los internos en la obra, papel que repitió en Broadway en 1965 y en el 1967 la película Marat / Sade .
La mayoría de los Roles famosos
Aunque no se considera una gran belleza por la mayoría de los estándares, Jackson ha exudado cierto tipo de atractivo sexual en muchas de sus películas. Ella protagonizó la adaptación de Ken Russell de la novela de D.H. Lawrence Mujeres enamoradas . Para la película, Jackson ganó el Oscar a la Mejor Actriz. Ella entonces interpreto a la esposa exigente sexualmente del compositor Tchaikovsky (con Richard Chamberlain) en Los amantes de la música. En Domingo sangriento (1971), Jackson dio una buena actuación como mujer que ejerze un triángulo amoroso extraño.
Jackson también es capaz de imbuir a sus personajes con seriedad y realeza. En 1971, interpretó a la reina Isabel I de Inglaterra en dos ocasiones en la miniserie de televisión Elizabeth R. y la película María, reina de Escocia , protagonizada por Vanessa Redgrave. La miniserie de televisión fue un gran éxito en los Estados Unidos y ayudó a introducir a Jackson a las audiencias americanas. Ganó dos premios Emmy por su actuación.
En 1973, Jackson ganó su segundo premio de la Academia a la Mejor Actriz por la comedia romántica Un toque de distinción con George Segal. Ella tomó uno de los personajes más famosos del teatro de Henrik Ibsen, en 1976 la adaptación cinematográfica de Hedda . Alrededor de este tiempo, Jackson interpreto uno de los principales papeles femeninos de Shakespeare en Antonio y Cleopatra, en el escenario de Inglaterra y en Broadway. Obtuvo su propio título en 1978 cuando fue nombrada Comandante del Imperio Británico (CBE) por la reina Isabel II.
Uno de los papeles más significativos posteriores de Jackson fue la película para televisión de 1981, La historia de Patricia Neal . También dio una brillante actuación como Lady Macbeth en Macbeth en Broadway a finales de 1980. Para entonces, sin embargo, Jackson había empezado a pensar en una vida después de la actuación.
Carrera política
Después de un intento anterior, Jackson ganó las elecciones a la Cámara de los Comunes de Inglaterra en 1992, sirviendo como miembro del Parlamento, por Hampstead y Highgate. Fue miembro del Partido del Trabajo de toda la vida, ella renunció a su cargo en 1999, en un esfuerzo por asegurar la nominación de su partido para la alcaldía de Londres. Jackson no tuvo éxito en su intento a la alcaldía y regresó a su oficina parlamentaria.
De 2000 a 2004, Jackson también sirvió en el gabinete de asesoramiento Gran Asamblea de Londres sobre la falta de vivienda. Ella ha sido un abierto crítico en muchos temas, incluyendo la participación de Gran Bretaña en la guerra de Irak. En 2010, Jackson se ganó el lugar en el parlamento para el recién creado Hampstead y Kilburn.
Filmografia
The Secret Life of Arnold Bax (TV Movie) Harriet Cohen
1991The House of Bernarda Alba (TV Movie) Bernarda
1991Asesinato de calidad (TV Movie) Ailsa Brimley
1990The Real Story of Humpty Dumpty (Video short) Glitch the Witch (voice)
1990T-Bag's Christmas Ding Dong (TV Movie) Vanity Bag
1990Carol y compañía (TV Series) Dr. Doris Kruber
- Kruber Alert (1990) ... Dr. Doris Kruber
1990Los reyes del viento Queen Caroline
1989Doombeach Miss
1989El arco iris Anna Brangwen
1988Salomé, el precio de la pasión Herodias / Lady Alice
1988Chantaje a una mujer Babs Flynn
1988American Playhouse (TV Series) Nina Leeds
- Strange Interlude (1988) ... Nina Leeds
1987Tres en un diván Charlotte
1985Turtle Diary Neaera Duncan
1984Sakharov (TV Movie) Yelena Bonner (Sakharova)
198224 horas sin mentir Sophie
1982El retorno del soldado Margaret Grey
1981La historia de Patricia Neal (TV Movie) Patricia Neal
1980The Morecambe & Wise Show (TV Series) Woman Kissed by Eric
- 1980 Christmas Show (1980) ... Woman Kissed by Eric
1980Un enredo para dos Isobel
1980Salud Isabella Garnell
1979Un toque de clase Tricia
1979La clase de Miss MacMichael Conor MacMichael
1978Stevie Stevie Smith
1978Alegrías de un viudo Ann Atkinson
1977Malas costumbres Sister Alexandra
1976The Norman Gunston Show (TV Movie)
1976Sara Sarah Bernhardt
1975Hedda Hedda Gabler
1975La inglesa romántica Elizabeth
1975The Maids Solange
1974La sonrisa del gran tentador Sister Geraldine
1973Un toque de distinción Vickie Allessio
1973Legado de un héroe Lady Hamilton
1972La máscara y la piel Alice
1971María, reina de Escocia Queen Elizabeth
1971El novio Rita Monroe (uncredited)
1971Domingo, sangriento domingo Alex Greville
1971Elizabeth R (TV Mini-Series) Queen Elizabeth I
- Sweet England's Pride (1971) ... Queen Elizabeth I
- The Enterprise of England (1971) ... Queen Elizabeth I
- Horrible Conspiracies (1971) ... Queen Elizabeth I
- Shadow in the Sun (1971) ... Queen Elizabeth I
- The Marriage Game (1971) ... Queen Elizabeth I
Show all 6 episodes
1970La pasión de vivir Nina (Antonina Milyukova)
1970BBC Play of the Month (TV Series) Margaret Schlegel
- Howards End (1970) ... Margaret Schlegel
1969Mujeres enamoradas Gudrun Brangwen
1969ITV Saturday Night Theatre (TV Series) Marina Palek
- Salve Regina (1969) ... Marina Palek
1968Negatives Vivien
1968Armchair Theatre (TV Series)
- Home Movies (1968)
1965-1968The Wednesday Play (TV Series) Julie / Cathy
- Let's Murder Vivaldi (1968) ... Julie
- Horror of Darkness (1965) ... Cathy
1968Tell Me Lies Guest
1967Half Hour Story (TV Series) Claire Foley
- Which of These Two Ladies Is He Married To? (1967) ... Claire Foley
