Nació en la ciudad de Lanús, Buenos Aires, Argentina, el 27 de junio de 1956. Desde muy pequeño concurrió al cine, descubriendo a Walt Disney en el viejo Cine Monumental de la ciudad de Bernal. Ya de grande, Román Polanski y su film, “Cul de Sac” fueron los movilizadores hacia el cine de culto. En los años ’70, estudió cine en la EDAC, (Escuela de arte cinematográfico) de la ciudad de Avellaneda. En los ’80 cursó en CECINEMA, (Centro de estudios cinematográficos) dirigido por José Santiso, y asistió al Seminario Introducción al lenguaje cinematográfico, dictado por Simón Feldman. Incursionó en el Cine de Súper 8 y 16 MM. Asociado a UNCIPAR (Unión cineistas en paso reducido), fue cofundador del Biógrafo de la Alondra. Es editor de Woody y todo lo demás, Series de antología y el presente blog. Actualmente trabaja en su primer libro, “Los tiempos del cine”.
El Teatro 25 de Mayo cumplió 90 años de vida, aunque 35 de ellos sin cine.
Inaugurado oficialmente el 23 de mayo de 1929, permaneció 22 años cerrado y con riesgos de desaparecer. En 2004 fue expropiado por el Gobierno de la Ciudad y reabierto en 2008 como centro cultural. Los vecinos extrañan los tiempos en que funcionaba como sala cinematográfica.
Fue la obra cumbre del arquitecto Maximino Gasparutti. El Cine Teatro 25 de Mayo, el Petit Colón, es posiblemente junto al Banco Nación el edificio más importante de Villa Uquiza. La sala cultural, ubicada en Triunvirato 4440, está cumpliendo por estas horas 90 años de vida, aunque 22 de ellos permaneció cerrada. No sólo eso, corrió el riesgo de convertirse en boliche bailable o bingo. Fue recuperada por los vecinos del barrio tras varios años de lucha, juntando firmas y realizando festivales. El inmueble fue expropiado por el Gobierno de la Ciudad en 2004 y reabierto en 2008, aunque ya sin la proyección de películas. Aun hoy los vecinos siguen preguntando por esa decisión, que obedece a que dejó de ser un cine al pasar a la órbita del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Hoy depende del Centro Cultural Gral. San Martín.
Hoy recordamos su historia. Después de cuatro fatigosos años de trabajos (la piedra fundamental se colocó el 25 de mayo de 1925 bajo el padrinazgo del señor Pedro Del Ponti y la señora Juana Touriñán de Sívori), el 23 de mayo de 1929 se realizó el acto inaugural ante numerosa y “realmente selecta concurrencia” con una característica inesperada: “¡la total ausencia de las autoridades comunales!”, detalló en su crónica el periódico LA PALABRA. Al día siguiente, viernes 24 de mayo de 1929 por la noche, se llevó a cabo la “solemne función inaugural”. La ceremonia del día 23 se inició en el “salón de espectáculos” y, según las crónicas, fue sencilla y solemne. Luego de la bendición del cura párroco Manuel Ruano, pronunció un “conceptuoso discurso el señor Luis Andrés Sívori, presidente del Directorio de la Sociedad que levantó la obra. Finalizó el acto con el Himno Nacional, coreado por toda la concurrencia. Pasó luego ésta al Salón Blanco, donde se sirvió un lunch suntuoso”.
Sívori, gerente General de la flamante sala, dijo: “Esta obra que hoy inauguramos, sobre la que acaba de descender la bendición del Cielo, que se entrega a una alta misión cultural, honrada por vuestra presencia, envuelta en voto popular auspicioso, es grande por las fatigas que desde sus cimientos la han elevado a lo alto… ¡Nada hubiéramos hecho si nuestro propósito hubiese sido hacer algo mezquino; nos propusimos realizar algo grande y lo grande está aquí: ya lo tenemos!”. Según el programa publicado en el periódico INFORMACIÓN, el día 24 se anunciaba el debut de la “famosa troupe Imperial procedente de los teatro europeos y Teatro Colón de Buenos Aires, bajo la dirección del reputado artista Manuel Arroyo. Se pondrá en escena una función en la cual se reproducirán hechos históricos del 25 de mayo de 1810 y año 1840 de la tiranía”.
Además se menciona el “extraordinario estreno del monumental film por Monna Maris y Liane Haid, Marquis d’Eon”, y la presentación de tres orquestas: Clásica, Jazz Band y Típica criolla. También se informa que la empresa Corbicier, Wessels y Cia. “ha tomado en arrendamiento el Cine Teatro 25 de Mayo con el ánimo de realizar, en el campo artístico teatral, una obra concordante con el pensamiento que ha presidido la construcción del edificio monumental que engalana a General Urquiza”. La empresa “ofrecerá al público de General Urquiza, Villa Modelo, Pueyrredón y villas adyacentes, espectáculos teatrales y cinematográficos seleccionados cuidadosamente, morales, instructivos, atrayentes”. Y el anuncio remata así: “Será, para el pueblo, un hogar, no una sala de espectáculos más”.
Intentar enumerar los grandes artistas que pasaron por el escenario del Cine Teatro 25 de Mayo seguramente será un tarea ciclópea e inabarcable. Desde un primer momento estuvo llamado a codearse con grandes como Agustín Magaldi, Edmundo Rivero, Bruno Gelber, Olinda Bozán, Jorge Salcedo, Azucena Maizani,Libertad Lamarque, incontables compañías de teatros y todo tipo de orquestas y músicos. ¿Cuántos actos de fin de curso tuvieron lugar en el 25 de mayo? ¿Cuántas veces sus salones se alquilaron para fiestas y representaciones teatrales de los vecinos, como las que hacía Gregorio Surif con los alumnos de su Instituto? Hasta Carlos Gardel dejó pedazos de su corazón al estampar su autógrafo en alguna de las paredes del camarín, cuando cantó entre junio y setiembre de 1933.
Berkeley, 1928, Director de cine estadounidense. Educado en el seno de una familia burguesa, católica y liberal, estudió Arquitectura y Bellas Artes en la Universidad de Oregón.
No satisfecho con su formación y atraído por el cine, se trasladó a París con la intención de ingresar en la Escuela de Cinematografía. Pero entonces comenzó la guerra de Corea y regresó a California donde completaría sus estudios. Para realizar la práctica de fin de carrera escoge Venecia y allí comienza a rodar Venice: Theme and Variations.
Cuando finaliza el rodaje, viaja a la India, donde su trayectoria encontrará el camino definitivo. Allí rueda el corto The Sword and the Flute (1959), que Ismail Merchant tiene la oportunidad de ver. Merchant le convence para fundar una productora con la que realizar películas en inglés allí en la India y distribuirlas luego a otros países. La sociedad Merchant-Ivory será un éxito tal que bajo su título se producirán más de quince películas hasta la fecha. Una novela de Ruth Prawer Jhalbvala dará lugar a su primera película y sumará un miembro más a la asociación. Esta película, titulada The Householder, narra la llegada a la edad adulta de un hindú que contempla el mundo con ingenuidad.
La filmografía de Ivory está marcada por dos constantes: la India y la adaptación literaria. Sus cuatro primeros títulos: The Householder (1963), Shakespeare Wallah (1965) -que aúna en su historia varios cuentos de Tama Janowitz sobre los jóvenes que desde distintos puntos de los EE.UU. se dirigen a Nueva York con ansias de triunfo-, The Guru (1968), que se rodó con mayor presupuesto gracias a la coproducción de la 20th Century Fox, y Bombay Talkie (1970), no son grandes obras, pero sirven para ir afianzando el trío que más tarde se consolidará definitivamente.
Lo que queda del dia.
Los dos títulos siguientes son: Salvajes (1972) y Fiesta salvaje (1975), que recoge el escándalo protagonizado por Fatty (Roscoe Arbuckle) cuando Hollywood cerraba su periodo mudo. En Roseland (1977) Ivory vuelve a trabajar con la guionista Ruth Jhalbvala tras el paréntesis de las dos películas anteriores. La componen tres episodios que se desarrollan en Nueva York y es una salvedad a su vuelta a los temas hindúes que dará lugar a títulos como Hullabaloo over Georgie and Bonnie´s pictures (1978) y Autobiografía de una princesa (1975), que es una producción televisiva.
A partir de entonces comienza su relación con las adaptaciones de novelas inglesas y americanas entre las que se encuentran dos obras de Henry James: Los europeos (1979) y Las bostonianas (1984); una novela autobiográfica de Jean Rhis, Quartet (1981) y Oriente y Occidente (1983), que había escrito su guionista habitual Ruth Prawer. En 1980 dirige Jane Austen en Manhattan, una adaptación de la novela Sir Charles Gradison, de Jane Austen. Esta película, junto con Esclavos de Nueva York (1988), protagonizada por Bernardette Peters, forman los dos únicos títulos que no son de época de los últimos quince años de su filmografía.
El reconocimiento conjunto de público y crítica, y por tanto su primer éxito, llega en 1985 con Una habitación con vistas, primera de sus tres adaptaciones de E. M. Forster, junto con Maurice (1987) y Regreso a Howards End (1992). Inmediatamente después de haber estrenado Una habitación con vistas en EE.UU., Ivory tuvo la oportunidad de entrar en contacto con la United Artists para rodar con ellos una película. Mientras Ruth Prawer escribía el guión de Esclavos en Nueva York, Ivory se puso en contacto con el guionista Kit Hesketh Harvey y comenzó a preparar Maurice. El riesgo era evidente después de la acogida de Una habitación con vistas, pero Ivory, apegado sin remedio a las adaptaciones literarias, acababa de encontrar en el escritor inglés el tipo de historias con las que se identificaba. Desde el principio intentó que Maurice fuese el contrapunto a su anterior película, no sólo por los personajes, sino también por el ambiente -que en esta historia que ahora rodaba se volvía más lúgubre y gris- en consonancia con la clandestinidad que los personajes necesitaban para su aventura amorosa. Forster había escrito Maurice entre 1913 y 1914 y había volcado su enfrentamiento a la sociedad inglesa mediante la homosexualidad y la mezcla de clases, datos de tinte autobiográfico.
La novela no se publicó hasta 1971, después de la muerte de su autor, y Ivory quiso mantener una fidelidad al texto que se traduciría en la pantalla incluso en la utilización de la Patética de Tchaikovski, a la que se hacía referencia en la novela. Maurice descubrió al actor Hugh Grant, con el que Ivory contactó mediante un agente publicitario. A pesar de que esta película era más sombría que la anterior, el director no quiso que estuviera exenta de humor, tarea que recayó sobre Grant que por aquella época trabajaba como animador en clubes nocturnos.
En 1990, Paul Newman y su mujer, Joanne Woodward, protagonizan Esperando a Mr. Bridge, un guión escrito a partir de dos novelas paralelas en las que el autor Evan S. Connell narra la misma historia desde dos puntos de vista distintos. Lo que queda del día, al igual que Regreso a Howards End, está marcada por la presencia de una mansión. Basada en la novela de Kazuo Ishiguro, narra la vida de un mayordomo que tiene ocasión de trabajar bajo el mandato de dos señores diferentes -uno inglés y otro americano, con las diferencias que esto conlleva- y asistir al periodo entre las dos guerras mundiales de forma tan intensa que perderá la ocasión de disfrutar una vida propia.
En 1994 dirige Jefferson en París, una película absolutamente anecdótica en la que no trasciende ni siquiera el marco en que se desarrolla, que es el preludio a la Revolución Francesa. Nick Nolte da vida a Jefferson antes de convertirse en Presidente de los EE.UU. Greta Scacchi está a punto de ser su amante, pero se ve desbancada por una mulata adolescente a la que Jefferson seguiría unido una vez tomase la presidencia y Gwynneth Palthrow es la hija de Jefferson, a la que todo tipo de acontecimientos y sentimientos le confunden. Jefferson en París pasó por las carteleras sin pena ni gloria.
Todo lo contrario a su siguiente película, Sobrevivir a Picasso, que estuvo rodeada de polémica ya desde antes de comenzar el rodaje. Los herederos de Picasso nunca aprobaron el guión, que trataba al artista como un ególatra cruel y déspota. Anthony Hopkins interpreta a Picasso y, al margen de la psicología del personaje, consiguió un extraordinario parecido físico, incluidos los movimientos. En la película aparecen varios cuadros, pero ninguno de Picasso, porque la familia no lo permitió.
El cine de Ivory, aunque en su personal línea, va ganando cada vez a un público más amplio. Los premios, la delicadeza y el rigor con que trata el cine de época, su especialización y los excelentes actores con los que trabaja han acostumbrado a la audiencia a sus películas. Esto, sumado al reconocimiento de la crítica le han convertido en uno de los directores más consolidados del cine actual.
Filmografía
Howards End - Restaurados en 4K (2016)
Howard's End (2012)
La ciudad de tu destino final (2010)
La ciudad de tu destino final (2007)
La condesa blanca (2006)
Le Divorce (2003)
El tazón de oro (2001)
La hija de un soldado nunca llora (1998)
Sobreviviendo a Picasso (1996)
Jefferson en París (1995)
Lumière et compagnie (1995)
Los restos del día (1993) (Lo que queda del dia)
Howards End (1992) (La mansion Howard)
Sr. y Sra. Bridge (1990)
Esclavos de Nueva York (1989)
Maurice (1987)
Una habitación con vistas (1986) (Un amor en Florencia)
Concepción Matilde Zorrilla de San Martín Muñoz, (Montevideo, 14 de marzo de 1922 - Ib., 17 de septiembre de 2014), fue una actriz, comediante y directora uruguaya que desarrolló una carrera internacional, en especial desde Argentina, donde se estableció en 1971.
Una de las personalidades artísticas más populares del Río de la Plata y grande dame del teatro rioplatense, fue actriz y directora teatral premiada en cine, radio y televisión, con larga trayectoria en ambas márgenes del Plata, además de guionista, productora, traductora y adaptadora.
En noviembre de 2008 le fue otorgada por el gobierno de Francia la condecoración de la Legión de Honor en el grado de caballero (Chevalier), en 2000 por el gobierno chileno la Orden al Mérito Docente y Cultural Gabriela Mistral y en 2011 el gobierno uruguayo la homenajeó con un sello de correo.
Biografía
Nació en Montevideo en el seno de una familia tradicional uruguaya: es hija de la argentina Guma Muñoz del Campo y del escultor José Luis Zorrilla de San Martín (1891-1975) —autor de obras escultóricas como el Obelisco a los Constituyentes de 1830, La fuente de los atletas y el Monumento al gaucho en Montevideo, así como los monumentos a Julio Roca y a Artigas en Buenos Aires.
Su abuelo paterno fue el poeta Juan Zorrilla de San Martín (1855-1931), autor de La epopeya de Artigas, Tabaré (epopeya) y La leyenda patria; fue ministro plenipotenciario del Uruguay en la corte del rey español Alfonso XIII y designado entre los mandatarios sudamericanos para representarlos en Cádiz, en los actos por los 400 años del Descubrimiento de América.
La segunda de cinco hermanas —la mayor fue Guma Zorrilla, destacada vestuarista teatral— Concepción "China" Zorrilla está emparentada por vía materna con José Gervasio Artigas, principal prócer del Uruguay y con el poeta argentino Estanislao del Campo (autor del laureado Fausto criollo).
Su infancia transcurrió en París, donde su padre —discípulo de Antoine Bourdelle— eligió trabajar después de ganar el concurso para el Monumento al gaucho. Más tarde fue a Uruguay, donde asistió al Colegio Sagrado Corazón, de Montevideo.
El origen de su nombre artístico fue declarado por ella misma: en Montevideo era frecuente apodar a las mujeres cuyo nombre de pila es Concepción con el hipocorístico Cochona (mutación del apodo Concha frecuente en el resto del mundo hispanófono pero que en el dialecto rioplatense resulta malsonante), pero cuando la llevaron a Francia en su infancia le deformaron fácilmente ese sobrenombre llamándola “cochon” (cerda), prefirió que le dijeran "cochina" porque allí no era un insulto, y luego abrevió su apodo autodenominándose China.
Teatro en Uruguay
A su regreso de Londres debutó en Una familia feliz de Antonio Larreta en la Comedia Nacional Uruguaya en 1948 donde actuó en más de 80 obras de teatro como primera actriz en el Teatro Solís de Montevideo en más de una ocasión en compañía de la legendaria Margarita Xirgú que la dirigió en La celestina, Bodas de sangre (de Federico García Lorca), Tres hombres y una mujer de Roger Ferdinand dirigida por el uruguayo Calderón de la Barca, Sueño de una noche de verano y Romeo y Julieta (de Shakespeare); también fue dirigida por Armando Discépolo (en Locos de verano) y por Orestes Caviglia (en "Nuestro pueblo" y "El soldado de chocolate" de Bernard Shaw).
En teatro de repertorio se impuso como actriz dramática y como brillante comediante primero en la Comedia Nacional, el TCM (Teatro de la Ciudad de Montevideo) y luego en el Teatro El Galpón.
Se recuerdan sus actuaciones en:
Madre Coraje y sus hijos (de Bertolt Brecht),
Los gigantes de la montaña (de Luigi Pirandello),
La gaviota (de Antón Chéjov),
Las de Barranco (de Gregorio de Laferrère),
Tartufo (de Molière),
La Celestina (de Rojas),
Nuestro pueblo (de Thornton Wilder),
Macbeth y Sueño de una noche de verano (de Shakespeare),
Fin de semana (fiebre de heno) (de Noel Coward),
El amor de los cuatro coroneles (de Peter Ustinov),
Don Gil de las calzas verdes (de Tirso de Molina),
La farsa en el castillo (de Ferenc Molnár),
El alcalde de Zalamea (de Calderón de la Barca),
El tobogán (de Jacobo Langsner),
Filumena Marturano (de Eduardo De Filippo),
Plaza Suite (de Neil Simon),
La Loca de Chaillot (de Jean Giraudoux),
Todo sea para bien (de Luigi Pirandello),
La casamentera (de Thornton Wilder),
Danza macabra (de August Strindberg),
El honor no es cosa de mujeres (de Robert de Flers),
El diario de Ana Frank (dirigida por Antonio Larreta),
Baal (de Bertolt Brecht),
Sabor a miel (de Shelagh Delaney),
La extravagante Sra. Bennet (de John Patrick),
y otras.
China Zorrilla en 1975
En 1961 fundó el Teatro de la Ciudad de Montevideo (TCM) junto con Antonio Larreta y Enrique Guarnero, con cuyo elenco viajaría a Buenos Aires, París y Madrid. En la capital francesa actuaron en el Teatro de las Naciones y en la española presentaron en el Teatro Español: La zapatera prodigiosa de Federico García Lorca, en pleno régimen de Franco, En familia, Mano santa y Porfiar hasta morir de Lope de Vega por la que ganaron el Premio de la Crítica Española.
Produjo, tradujo, adaptó y dirigió las obras de teatro Ha llegado un inspector y Esquina peligrosa de J. B. Priestley y con la compañía del SODRE las óperas La Boheme (de Giácomo Puccini) y Un ballo in maschera (de Giuseppe Verdi). En 1975, Zorrilla dirigió El barbero de Sevilla de Rossini en el viejo Teatro Argentino de La Plata (Argentina).
Entre otras múltiples actividades se desempeñó como corresponsal del diario madrileño El País, cubriendo el Festival de Cannes y otros eventos internacionales y como periodista y animadora de televisión en Uruguay en los programas de Saeta Canal 10 Hogar Club y De padre a hija, recordándose las entrevistas televisadas con su padre, con quien discutían la actualidad y el pasado uruguayo.
Nueva York
A mediados de los años sesenta hizo un paréntesis en su actividad teatral estableciéndose por espacio de cuatro años en Nueva York, donde trabajó como profesora de francés y secretaria de una agencia teatral.
Con el humorista Carlos Perciavalle presentó en Broadway la comedia musical Canciones para mirar, un espectáculo para niños sobre textos de María Elena Walsh, con el que retornó a Montevideo llevándolo en gira por Uruguay.
Al regreso, actuó y dirigió El honor no es cosa de mujeres (de Robert de Flers y Gastón Arman de Caillavet), y el ciclo televisivo El teatro y el amor.
Argentina
En 1971 viajó a Buenos Aires donde rodó su primera película, Un guapo del 900 (dirigida por Lautaro Murúa) y luego La maffia (de Leopoldo Torre Nilsson) con Alfredo Alcón, iniciando una entrañable relación con la Argentina. En la temporada teatral marplatense reemplazó a Ana María Campoy en la pieza Las mariposas son libres junto a Rodolfo Bebán y Susana Giménez (en su debut teatral).
Actuando en teatro con tres monólogos (Hola hola, un dos tres) y las Canciones para mirar se instaló en Buenos Aires desplegando una intensa carrera en cine, teatro y televisión, medio que le dio inmensa popularidad gracias a su participación en teleteatros bajo la autoría de Alberto Migré.
Su estadía en Buenos Aires coincidió con el advenimiento de la dictadura militar uruguaya donde fue proscrita por las autoridades de facto motivando su exilio en Argentina.
En televisión argentina además apareció en producciones del ciclo Alta comedia (en El tobogán de Jacobo Langsner junto a Narciso Ibáñez Menta, Inda Ledesma y Pepe Soriano y la versión original de Esperando la carroza que sería adaptada para cine en 1985), un especial donde interpretó siete heroínas del teatro universal (de Oscar Wilde, Antón Chejov, Eugene O'Neill, etc.) y otros ciclos unitarios como Atreverse, Mi mamá me ama y La salud de los enfermos dirigidos por Alejandro Doria.
Con Pepe Soriano en Los gauchos judíos.
Ha sido una presencia constante en los últimos 35 años del teatro argentino cosechando éxitos como Judith Bliss en Fin de semana de Noel Coward, Querido mentiroso (basado en la correspondencia entre la actriz Patrick Campbell y el autor George Bernard Shaw interpretado por Villanueva Cosse), La voz humana de Jean Cocteau, Encantada de conocerlo de Oscar Viale, Una corona para Benito y Una margarita llamada Mercedes de Jacobo Langsner —que fue llevada al cine como Besos en la frente—, Delirante Leticia de Peter Shaffer, El camino a La Meca de Athol Fugard y en la adaptación de El diario privado de Adán y Eva de Mark Twain que representó en 1985 y en el 2007-2009 junto a su compatriota Carlos Perciavalle.
Hizo el monólogo Emily (The Belle of Amherst) de William Luce sobre la poeta norteamericana Emily Dickinson —traducido al castellano por Silvina Ocampo— con el que recorrió el país y Latinoamérica que finalizó con una presentación en el Kennedy Center (Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas).
En 1984 Emily propició un retorno triunfal a Montevideo en un Uruguay democrático. Los diarios titularon «El regreso de China Zorrilla tuvo un claro valor simbólico: al estrenar «Emily» tendió un puente para el reencuentro de todos los uruguayos» y «China Zorrilla volvió junto con la democracia: después de estar 10 años prohibida, la popular actriz subió de nuevo a un escenario de Montevideo». En su homenaje la sala del Teatro Alianza fue nombrada «Sala China Zorrilla».
Viajó con Emily y otros monólogos presentándose en Lima, Santiago, La Paz, Quito, Caracas, en el Festival de Teatro de Bogotá, en Nueva York, Miami, Tel Aviv, San Juan de Puerto Rico y en el Festival Grec de Barcelona.
Encarnó en televisión (Las cuatro caras de Victoria) y luego en teatro a la escritora Victoria Ocampo en la pieza Eva y Victoria de Mónica Ottino que planteó una confrontación imaginaria entre las figuras antagónicas de Eva Perón y la aristócrata escritora, fundadora de la Revista Sur.
En Emily como la poetisa Emily Dickinson, 1980.
En 1995 en el Teatro Colón de Buenos Aires, China Zorrilla revivió el papel de recitante que Igor Stravinsky escribió para Ida Rubinstein y que la Ocampo estrenó en 1936 en el teatro dirigida por el propio Stravinsky: la ópera-ballet Perséphone (Perséfone) sobre textos de André Gide.
La multifacética Zorrilla además produjo y dirigió varios espectáculos teatrales como Arlecchino, servidor de dos patrones de Carlo Goldoni, Scapino (un musical basado en la obra de Molière), Dando Pasos, Salven al cómico, La pulga en la oreja de Georges Feydeau, La mujer invisible, Doce hombres en pugna y la multipremiada Perdidos en Yonkers de Neil Simon con Soledad Silveyra y Lydia Lamaison.
Cine
Con Betiana Blum en Esperando la carroza.
Desde 1971 hasta 2008 actuó en más de 50 películas dirigida por Leopoldo Torre Nilsson (La Maffia), Luis Puenzo (La Peste), María Luisa Bemberg (Señora de nadie), Alejandro Doria (Darse cuenta, Esperando la carroza), Marcos Carnevale (Elsa y Fred, Tocar el cielo), Oscar Barney Finn (Contar hasta diez, Cuatro caras para victoria), Raúl de la Torre (Heroína, Pubis angelical, Pobre mariposa), Edgardo Cozarinsky(Guerreros y cautivas), Adolfo Aristarain (Últimos días de la víctima), Carlos Gallettini (Besos en la frente), Manuel Antín (La invitación), André Melancon (El verano del potro), Santiago Carlos Oves (Conversaciones con mamá), Ricardo Wullicher (La nave de los locos), Juan José Jusid (Los gauchos judíos), Héctor Olivera (Las venganzas de Beto Sánchez), Fernando Ayala (Dios los cría), Javier Torre, Sergio Renán (en un breve papel escrito especial para ella por Mario Benedetti para la versión fílmica de La tregua, primer film argentino nominado para un Óscar de la Academia de Hollywood en 1975 y en Tres de corazones), como Doña Carlota en el debut cinematográfico como director de Antonio Larreta (Nunca estuve en Viena) y en el 2008 en Sangre del Pacífico, dirigida por Boy Olmi.
Como protagonista o en participaciones especiales acompañó a Alfredo Alcón (La Maffia, Pubis angelical), Federico Luppi (Últimos días de la víctima), Héctor Alterio (La Maffia, Las venganzas de Beto Sánchez, La tregua, Contar hasta diez, El verano del potro), Pepe Soriano (Heroína, Las venganzas de Beto Sánchez, Los gauchos judíos, Pubis angelical, Pobre mariposa), Luis Brandoni (La tregua, Darse cuenta, Esperando la carroza), Soledad Silveyra (Últimos días de la víctima, Dios los cría), Graciela Borges (Heroína, Pubis angelical, Pobre mariposa), Luisina Brando (Los gauchos judíos, Señora de nadie), Cipe Lincovsky (La tregua, Pobre mariposa), Norma Aleandro (La tregua, Las sorpresas), Ulises Dumont (Últimos días de la víctima, La invitación, Conversaciones con mamá), Alberto de Mendoza, Facundo Arana (Tocar el cielo), etc.— o internacionales —William Hurt, Dominique Sanda, Leslie Caron, Manuel Alexandre, etc.
Música
En la década del 60, fue regisseur en la compañía del SODRE de Montevideo. Allí dirigió las óperas La Boheme (de Giácomo Puccini) y Un ballo in maschera (de Giuseppe Verdi). En 1975, Zorrilla dirigió El barbero de Sevilla de Rossini en el viejo Teatro Argentino de La Plata (Argentina).
En 1995 en el Teatro Colón de Buenos Aires, China Zorrilla revivió el papel de recitante que Igor Stravinsky escribió para Ida Rubinstein y que Victoria Ocampo estrenó en 1936 en el teatro dirigida por el propio Stravinsky: la ópera-ballet Perséphone (Perséfone) sobre textos de André Gide. Participó en “Satie y los otros”, con la pianista Marcela Roggeri, el actor Jean-Pierre Noher recitando conocidas poesías de Cocteau, Apollinaire, Prévert, Borges.
Tradujo y escribió las canciones para varias comedias musicales, entre ellas Sugar y La mujer del año, con Susana Giménez y Ricardo Darín.
En 2010 fue la voz narradora del disco conceptual Otra vida del compositor inglés Clive Nolan.
Retiro y fallecimiento
En 2008 la actriz sufrió una insuficiencia respiratoria y debió ser internada para su estabilización.
Se retiró del escenario y la vida pública en 2012 al cumplir 90 años.
El domingo 14 de septiembre de 2014 fue internada por neumonía, falleciendo posteriormente el 17 de septiembre a los 92 años.
El gobierno uruguayo decretó duelo nacional, sus restos fueron velados en el Salón de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo de Montevideo y el cortejo fúnebre pasó frente al Teatro Solís. El sepelio tuvo lugar en el panteón de la familia Zorrilla de San Martín del Cementerio Central de Montevideo.
Junto a Betiana Blum y Andrea Tenuta en Esperando la carroza
La pucha, que vale la pena estar viva!
El Gobierno de la Ciudad la homenajeó por su trayectoria. Estuvieron, entre otros, Fernando de la Rúa, Enrique Pinti, Thelma Biral y Soledad Silveyra.
Hasta Flor, la perrita yorkshire color caramelo, subió al escenario del remozado Teatro Presidente Alvear, donde el Gobierno de la Ciudad homenajeó a la actriz China Zorrilla otorgándole su más alta condecoración: el escudo de la ciudad de Buenos Aires. El acto, conducido por Andrés Percivale, fue un volver a vivir. Desfilaron numerosas personalidades: Enrique Pinti, Edda Díaz, Thelma Biral, Soledad Silveyra. Hasta llegó un amigo del alma desde Miami, invitado por los organizadores. Se leyeron cartas del poeta Mario Benedetti y del presidente uruguayo Julio María Sanguinetti.China no perdió la oportunidad de dialogar con gente de los palcos o de la platea, canturrear una canción, leer una poesía, mechar el empaque con el humor y rematar con un La pucha, que vale la pena estar viva!. Fernando de la Rúa le dijo, emocionado: Te quiero y te admiro. Sos parte del corazón de Buenos Aires. Cuando me comunicaron que me harían un homenaje -contó- la persona que llamó se presentó: Habla San Pedro, dijo. Yo contesté: Ah, sí, claro, pensando que era una cargada. Después supe que no pretendía hacerse pasar por el personaje bíblico sino que así se llama ese funcionario del área de cultura.Todo fue inesperado, -comentó a Clarín- desde la canción que entonaron las Trillizas de Oro,
Amanece, que representa mis primeros años porteños, hasta la aparición de los actores de la Comedia Nacional Uruguaya, amigos de toda la vida.
Y ese remate, con la llegada del pintor Sebastián Spreng, a quien conocí en Miami cuando él tenía 15 años, andaba con muletas, condenado a la silla de ruedas, y era ya un genio de la pintura que tomaba con espíritu lo que le venía. Hoy es un joven que expone con éxito. Cuando Percivale me habló de él sentí algo extraño; giré la cabeza y lo vi. Fue la sorpresa más grande de la noche, confiesa. ¿Tenés un imán para las historias? Siempre me sucede algo. Como cuando el chico del supermercado se cruzó conmigo en la calle y me dijo: Ay, China, cómo me gustaría tener un sombrero para sacármelo ante usted. ¿Cuál fue el mayor halago que recibiste? El que me dijeron en el Fondo Nacional de las Artes cuando me dieron un premio. Era la primera vez que lo otorgaban a un extranjero y dije que, por eso, me sentía doblemente emocionada. Y el presidente contestó: China, usted no es extranjera, es uruguaya. Después de todo, en la calle Bolívar, una placa dedicada a mi abuelo decía: En esta casa vivió el poeta uruguayo Juan Zorrilla de San Martín, autor de Tabaré. Lástima que la placa desapareció. Hoy está como trofeo en una verdulería.Se puede decir que has recorrido el mundo cosechando anécdotas.
Cuando entrevisté a Susan Barrantes, tres días antes de su muerte, en el programa de cable Noches Chinas, le mostré una tarjeta de racionamiento de Londres que había guardado desde 1946. Le conté que entonces yo iba con papá a un negocio donde paraba un señor que pedía que se lo ayudara a conseguir una beca para su hija, que era una chica muy inteligente. La chica era Margaret Thatcher. ¿Qué te deja este homenaje? Un consejo: No estrenes en estas ocasiones zapatos de taco alto. ¿Un balance, China? Mucho en el haber y poco en el debe.¿Qué te gustaría hacer? Seguir haciendo las cosas que hago.
Filmografía
Homenaje a China Zorrilla en la Casa Rosada.
Guionista
Darse cuenta (1984, idea original)
Intérprete
1971: Un guapo del 900
1972: La maffia...Asunta Donato
1972: Heroína
1973: Las venganzas de Beto Sánchez...la maestra
1974: La tregua
1974: Los gauchos judíos
1975: Triángulo de cuatro
1975: Las sorpresas (episodio «Corazonada»)
1982: Señora de nadie: la madre
1982: Últimos días de la víctima Beba
1982: Pubis angelical
1982: La invitación
1984: Darse cuenta (también idea original)
1985: Contar hasta diez la actriz
1985: Esperando la carroza: ...Elvira Romero de Musicardi
1986: Pobre mariposa
1989: Nunca estuve en Viena doña Carlota
1991: El verano del potro
1991: Dios los cría
1991: La peste Emma Rieux
1992: Cuatro caras para Victoria (producida en 1988/1989)
