Nació en la ciudad de Lanús, Buenos Aires, Argentina, el 27 de junio de 1956. Desde muy pequeño concurrió al cine, descubriendo a Walt Disney en el viejo Cine Monumental de la ciudad de Bernal. Ya de grande, Román Polanski y su film, “Cul de Sac” fueron los movilizadores hacia el cine de culto. En los años ’70, estudió cine en la EDAC, (Escuela de arte cinematográfico) de la ciudad de Avellaneda. En los ’80 cursó en CECINEMA, (Centro de estudios cinematográficos) dirigido por José Santiso, y asistió al Seminario Introducción al lenguaje cinematográfico, dictado por Simón Feldman. Incursionó en el Cine de Súper 8 y 16 MM. Asociado a UNCIPAR (Unión cineistas en paso reducido), fue cofundador del Biógrafo de la Alondra. Es editor de Woody y todo lo demás, Series de antología y el presente blog. Actualmente trabaja en su primer libro, “Los tiempos del cine”.
Era la última estrella del Hollywood clásico, la única superviviente que quedada de esa película mítica que fue 'Lo que el viento se llevó', hoy en el punto de mira por su estela de racismo. Ganadora de dos Oscar de la Academia, el astro más longevo del celuloide murió este domingo a los 104 años, según informó su representante a 'The Hollywood Reporter'. Difícil en este día no pensar en otro gigante de la gran pantalla, Kirk Douglas, otro exponente de la industria de los grandes estudios que falleció en febrero. Con dos estatuillas por sus interpretaciones en 'La vida íntima de Julia Norris' y 'La heredera', la intérprete británico-estadounidense murió hoy a los 104 años en París, donde encontró su verdadero hogar. Vivía desde los años sesenta en la capital francesa, en un lujoso piso de la calle Benouville, en el glamuroso distrito XVI.
Olivia junto a su odiada hermana Joan Fontaine
Fuerte carácter
Acostumbrada a encarnar papeles de mujeres almibaradas, la actriz sin embargo tenía un temperamento recio y litigante. Plantó cara al omnipotente sistema de los grandes estudios por las abusivas condiciones laborales que sufrían los artistas y para sorpresa de muchos salió victoriosa. Por algo su lema era «Never give up» (nunca te rindas). Llevó a los tribunales a la Warner aburrida del encasillamiento a que la sometían.
A lo largo de su carrera, la intérprete participó en títulos emblemático como 'Robin de los Bosques', 'Nido de víboras 'y 'Si no amaneciera'. La noticia de su fallecimiento fue confirmada por su antigua abogada, Suzelle M. Smith, a la revista 'Variety'. «Anoche, el mundo perdió un tesoro internacional, y yo perdí a una amiga y cliente querida. Murió en paz en París».
Junto a Errol Flynn en Robin de los bosques
La primogénita del abogado Walter de Havilland y de la actriz Lilian Fontaine, nació en Tokio en 1916. Como su hermana, Joan Fontaine, Olivia tenía una salud delicada, lo que obligó a que las dos niñas, después de la separación de sus progenitores, se mudaran con su madre a California. De Havilland fue educada en una ambiente diletante. Recibió lecciones de ballet, piano y dicción. Aprendió a leer a edad temprana mientras su madre le recitaba pasajes de Shakespeare.
Hastiada de que los personajes de mayor encarnadura dramática fueran acaparados por Bette Davis, se quejó, y como represalia la Warner no le dio trabajo en seis meses. No le quedaba más remedio que hacer de morena ingenua, pues de rubia candorosa ya se encargaba Anita Louise. Con todo, se sobrepuso a la adversidad y al final acabó trabajando a las órdenes de monstruos de la dirección como Raoul Walsh, Michael Curtiz, William Wyler, Robert Siodmak y Robert Aldrich, entre otros. Con Errol Flynn formó una pareja icónica del cine que hizo ganar dinero a espuertas al productor Jack Warner. No llegó a más con el galán del bigote trazado con tiralíneas porque ella no quiso, pues Flynn bebía los vientos por ella.
Su gran oportunidad llegó cuando la eligieron para dar vida a la dulce Melania Hamilton de 'Lo que el viento se llevó', a pesar de que el productor Jack Warner no la veía en el traje de refinada dama sureña.
Se casó con el novelista Marcus Goodrich, del que se divorció en 1953 y con quien tuvo un hijo, Benjamin. En 1955, contrajo nupcias por segunda vez con Pierre Galante, de quien se separó en 1979 y con quien tuvo una hija, Gisèle. extraido de https: www.elnortedecastilla.es/culturas/cine/muere-olivia-havilland
(Deborah Jane Kerr-Trimmer; Helensburgh, 1921 - Suffolk, 2007) Actriz británica que fue uno de los rostros más célebres del cine de Hollywood durante la década de 1950 y mantuvo intacto su caché durante la década de 1960. Prácticamente retirada del cine después de rodar El compromiso (1969), de Elia Kazan, regresó al plató en muy contadas ocasiones. Pese a ser nominada al Oscar en seis ocasiones, sólo a modo de homenaje recibió la merecida estatuilla, a la edad de setenta y tres años.
Era hija de un militar que había sido herido durante la Primera Guerra Mundial. La tranquila infancia de Deborah, que fue una niña tímida y taciturna, no varió sustancialmente cuando la familia dejó su pequeña villa escocesa originaria para trasladarse a Alford, Inglaterra.
Con diecisiete años, Deborah, a quien siempre habían atraído el canto y la danza, obtuvo una beca que le permitió matricularse en la academia de ballet de Sadler’s Well, en Londres. Llegó a debutar profesionalmente como bailarina, pero era demasiado mayor para triunfar en esa rigurosa disciplina, así que, aconsejada por su tía, profesora de interpretación, no tardó en presentarse a una audición para una pieza de teatro, y obtuvo el papel.
Trabajando como figurante en el Teatro al Aire Libre de Regent’s Park, en 1939 fue vista por un ejecutivo cinematográfico llamado John Gliddon. Aunque el papel de la joven era mudo, Gliddon quedó tan impresionado por la expresividad de su mirada que se arriesgó y le ofreció un contrato. Sólo dos años más tarde debutó en el cine, concretamente en una adaptación cinematográfica de la comedia Major Barbara, de Gabriel Pascal, con Wendy Hiller y Rex Harrison.
El éxito obtenido la llevó a convertirse rápidamente en una de las actrices más prometedoras del cine británico. Durante la década de 1940, contratada por la compañía Rank, rodó varios filmes, de los cuales el noveno de su carrera, Narciso negro, le dio proyección internacional. Arropada por un reparto estelar (Jean Simmons, Sabú, Esmond Knight) y por el eficaz dúo realizador integrado por Michael )Powell y Emeric Pressburger, Kerr interpretaba a una de las religiosas protagonistas, la hermana Clodagh. El rol contribuyó a forjar la imagen de mujer de moral íntegra, fría sólo en apariencia, que tan buen resultado le daría muy pronto en Hollywood.
Deborah Kerr y Robert Taylor en "Quo Vadis?"
Y es que la Metro Goldwyn Mayer (MGM) no tardó en fichar a la actriz escocesa. Su primer rodaje en Estados Unidos fue el de Mercaderes de ilusiones (1947), de Jack Conway, donde compartía protagonismo con un galán entonces ya en declive, Clark Gable. Fue el primero de una serie de roles bastante estereotipados, pero de gran eficacia en taquilla. Kerr dio rostro a las protagonistas de grandes superproducciones como Las minas del rey Salomón (1950), de Compton Bennett y Andrew Marton o Quo Vadis? (1951), de Mervyn LeRoy. Probablemente la mejor película de ese período fue la sensacional adaptación shakespeariana de Julio César (1953), dirigida Joseph L. Mankiewicz, aunque tres años antes fue nominada por primera vez al Oscar a la mejor actriz principal por su trabajo en Edward, mi hijo, de George Cukor.
Fue sin duda el reto de superarse profesionalmente el que llevó a Kerr a aceptar en 1953 el importante cambio de registro que supuso su papel de Karen Holmes en De aquí a la eternidad (1953), de Fred Zinnemann. La oferta provenía de la Columbia Pictures, y la actriz no la desaprovechó. En la película interpretaba a la aparentemente feliz esposa de un militar, seducida por un sargento a quien daba vida Burt Lancaster.
La imagen de la pareja besándose en la playa, muy popular todavía hoy, resultó de un inusitado erotismo para la época y contribuyó no poco a que el gran público desterrara de su memoria la virginal imagen de la ex estrella de la MGM. También la Columbia arriesgó lo suyo apostando por un talento aún por explotar, al que probablemente no hubiera recurrido si la primera actriz elegida, la difícil Joan Crawford, no hubiese insistido en rodar exclusivamente con su operador personal.
El filme de Fred Zinnemann supuso además una nueva nominación al Oscar, galardón que volvía a resistírsele, como sucedería en otras cuatro ocasiones más: en 1957 (El rey y yo), 1958 (Sólo Dios lo sabe), 1958 (Mesas separadas) y 1961 (Tres vidas errantes). Un récord cuanto menos sorprendente, ya que todos estos papeles distaban considerablemente de los clichés del biopic que había interpretado para la MGM. Por cierto, la productora también modificó sus planes con respecto a Kerr, proporcionándole a partir de mediados de la década de 1950 papeles de mucho mayor peso psicológico.
Para hacerse a la idea de la magnitud del cambio en la carrera de la actriz, baste recordar una anécdota: durante el rodaje de Sólo Dios lo sabe, Robert Mitchum había expresado al realizador, John Huston, sus dudas acerca de la capacidad de la escocesa ante la dificultad de un personaje tan sutil como la hermana Angela; dudas que se disiparon cuando el propio actor pudo ver cómo las gastaba Kerr, capaz de plantarle cara y hasta de insultar al curtido director de El halcón maltés.
En 1959 Deborah Kerr, ya con sus dos hijos, se divorció de su primer marido, Anthony Bartley, después de quince años de relación. Al cabo de sólo un año se casó con el guionista Peter Viertel, de quien ya no se separaría.
Convertida en una estrella consagrada, a partir de la década de 1960 fue espaciando sus apariciones en el cine. De hecho, después de Suspense (1961), de Jack Clayton, sólo rodó ocho filmes; eso sí, algunos de ellos memorables. Es el caso de La noche de la iguana (1964), de John Huston, con un memorable reparto y un espectacular duelo “morena-rubia” junto a una soberbia Ava Gardner. También trabajó en la más heterodoxa de las películas de James Bond, Casino Royale (1967), hoy un filme de culto. El compromiso (1969), de Elia Kazan, fue su último largometraje.
Deborah Kerr en (La noche de la iguana)
A partir de esa fecha se retiró voluntariamente del cine. Rechazó la mayoría de invitaciones a pisar de nuevo un plató, aduciendo su abierto rechazo a las crecientes dosis de sexo y de violencia explícita en las producciones cinematográficas. Durante la década de 1980 se dedicó exclusivamente a la televisión, aunque sólo trabajó en cinco series. Curiosamente, la suerte también le fue esquiva con los premios BAFTA (equivalentes a los Oscar en el medio televisivo), ya que sólo recibiría el premio a modo honorífico después de cuatro nominaciones.
Como ha sucedido con muchos otros grandes de la pantalla, el Oscar llegó a las manos de Deborah Kerr cuando ya hacía muchos años que no pisaba un plató: en 1994 recibió la estatuilla concedida por la Academia de Hollywood en reconocimiento a su larga carrera, tras las ya mencionadas seis nominaciones sin recompensa. Con la salud ya frágil y deteriorada, recibió el galardón de manos de Glenn Close en la que sería su última aparición pública.
Deborah Kerr, que en los últimos años padecía la enfermedad de Parkinson, murió el martes, 16 de octubre de 2007 en Suffolk, en el este de Inglaterra, adonde se había retirado con su marido, Peter Viertel, al agravarse su dolencia. Tras vivir con ella durante casi medio siglo, Viertel falleció en Marbella al cabo de sólo 22 días.
Más
de cinco décadas abarca la carrera cinematográfica de la actriz June
Allyson, quien conoció sus máximos momentos de esplendor durante los
años cuarenta y cincuenta. Allyson murió el pasado sábado en su hogar de
Ojai, California, a los 88 años, a causa de una insuficiencia
respiratoria. Su sonrisa dulce y la luminosidad de su rostro forman
parte incombustible del recuerdo de muchas generaciones de cinéfilos y
su talento como bailarina, cantante y actriz de sólidos recursos marcan
una de las etapas más importantes de la Metro Goldwyn Mayer a lo largo
de la década de los años cincuenta.
June Allyson nació el 7 de octubre de 1917 en el Bronx,
Nueva York, y sufrió una infancia más que difícil, marcada por la
ausencia de su padre, divorciado de su madre, y encerrada en la pobreza
de su barrio. De niña, también hubo de hacer frente a un accidente de
bicicleta que provocó que pasase cuatro años con su espalda envuelta en
un refuerzo de acero. El deporte de la natación salvó su cuerpo, siempre
frágil, y propició que pudiera desarrollar su amor por el baile, nacido
de su pasión por las películas de Fred Astaire y Ginger Rogers.
Después de la escuela preparatoria, su presencia era constante en
concursos y pruebas teatrales, hasta que logró su primer papel en
Broadway en 1938, con 21 años, en el musical Sing out the news.
Tras varios trabajos en los coros de numerosas obras, la oportunidad se
presentó cuando fue empleada como suplente de Betty Hutton en Panamá Hattie. Su labor impresionó de tal modo al productor y director John Abbot, que la contrató para su musical Best foot forward.
La carrera de June Allyson se asentaba y su talento comenzaba a
llamar la atención. Nunca fue la mejor cantante; tampoco una excepcional
bailarina; pero se desenvolvía en ambos terrenos con pericia más que
notable y guardaba en su interior una actriz de notoria solvencia que
explotaría pronto.
La Twentieth Century Fox le ofrece un contrato gracias al cual
participa, durante varios años, en un puñado de modestas películas de
segunda fila que preparan el terreno para la llegada de Two girls and a sailor,
su primer éxito popular, ya bajo contrato con la Metro -en la que
permanecería 11 años y para la que rodaría 25 películas- y a las órdenes
del gran Richard Torpe. Una obra que supuso su encuentro con el actor
Van Johnson, con quien llegaría a coincidir en cuatro filmes más.
Durante los años cuarenta, June Allyson afirmaría su presencia en las
pantallas, siempre con personajes agradecidos que permitían su
lucimiento musical, y trabajó con muchos de los grandes en títulos como Dos hermanas de Boston (1946), de Henry Koster, junto a Peter Lawford o la biografía del pionero de Broadway Jerome Kern, Hasta que las nubes pasen,
donde coincidió con un extraordinario elenco en el que se encontraban
Frank Sinatra, Robert Walker, Van Heflin y Judy Garland, desde entonces
amiga personal de Allyson.
Los años cincuenta suponen un giro en su carrera como actriz: tras liderar la memorable versión de Mujercitas
que dirigiese en 1949 Mervyn LeRoy, en la que se convertía en la más
entrañable Jo March que se haya visto en la gran pantalla, una June
Allyson treintañera decide dejar de lado su imagen juvenil para
convertirse en la esposa cinematográfica con la que soñaban todas las
madres americanas.
De hecho, ella misma se reconocía feliz por dejar atrás su lado
musical, como reconocía en 1951 con excesiva modestia: "No sé bailar y
no sé cantar; el señor Richard Rodgers siempre me libraba de ser
despedida".
Dos grandes películas junto a James Stewart la encumbran
definitivamente y permiten que muestre su ductilidad como actriz: la
biografía de Glenn Miller Música y lágrimas (1953) y el drama militar Strategic air command
(1955), ambas dirigidas por el maestro Anthony Mann. Su registro
actoral como amante y fiel esposa se mantendría en títulos como La torre de los ambiciosos (1954), junto a William Holden, y The McConnell story,
en compañía de Alan Ladd; no obstante, y pese a lo prefabricado de
muchos de sus personajes, Allyson los encarnaba con una dignidad
especial, los engrandecía, los llenaba de vida como sólo las grandes
estrellas y las grandes actrices pueden hacerlo.
"Las mujeres se identificaban conmigo", aseguraba en una entrevista
en 1986, "y aunque los hombres deseaban a Cyd Charisse era a mí a quien
querían encontrar al llegar a casa". Lástima que su talento quedase
encasillado hasta el punto de provocar la indiferencia del público
cuando aceptó interpretar a mujeres más oscuras, como la dura,
desagradable y arpía esposa de José Ferrer en The shrike (1955).
Obediente siempre, renunció a explorar otros territorios como actriz,
aunque en ocasiones supiese mostrar una cara rebelde, como cuando
desafió al propio Louis B. Mayer al anunciar su compromiso matrimonial
con la estrella Dick Powell, por entonces casado con Joan Blondell.
Allyson permanecería casada con Powell hasta la muerte de éste, en 1963,
a causa de un cáncer.
En los años sesenta, su ritmo de trabajo descendió notablemente,
aunque incluso regresó a las tablas de Broadway para reemplazar a Julie
Harris en la obra 40 carats. Los años setenta y ochenta son
años televisivos para June Allyson, como para la mayoría de las
estrellas clásicas del viejo Hollywood. Ese Hollywood a la que ella
contribuyó a impulsar y a engrandecer. Allyson siempre permanecerá en el
corazón de quienes aman el cine clásico.
Filmografia
That's Entertainment! III (1994)
The Kid With the Broken Halo (1982)
Blackout/Blackout (1978)
Vegas (1978)
Three on a Date (1978)
Curse of the Black Widow (1976)
Letters From Three Lovers (1973)
They Only Kill Their Masters /Sólo matan a sus dueños (1972)
Stranger in My Arms (1959)
My Man Godfrey /Un mayordomo aristócrata (1957)
Interlude /Interludio de amor (1957)
The Opposite Sex (1956)
You Can't Run Away From It (1956)
Strategic Air Command (1955)
The McConnell Story (1955)
The Shrike (1955)
Executive Suite /La torre de los ambiciosos (1954)
The Glenn Miller Story /Música y lágrimas (1954)
Woman's World /El mundo es de las mujeres (1954)
Battle Circus (1953)
Remains to Be Seen (1953)
The Girl in White (1952)
Too Young to Kiss (1951)
The Reformer and The Redhead (1950)
Right Cross (1950)
Little Women /Mujercitas (1949)
The Stratton Story (1949)
The Three Musketeers /Los tres mosqueteros (1948)
Words and Music (1948)
The Bride Goes Wild (1948)
Good News (1947)
High Barbaree (1947)
Two Sisters From Boston /Dos hermanas de Boston (1946)
The Secret Heart /Desconfianza (1946)
The Sailor Takes a Wife (1945)
Her Highness and The Bellboy (1945)
Two Girls and A Sailor (1944)
Meet the People (1944)
Music for Millions /Al compás del corazón (1944)
Best Foot Forward (1943)
Girl Crazy (1943)
Extraído de http://elpais.com/diario/2006/07/12/agenda/1152655206_850215.html
https://es.wikipedia.org/wiki/June_Allyson
Este pasado día 16 fallecía en Los
Ángeles el actor Ed
Lauter a la edad de 74
años. Era uno de esos eternos secundarios de los que el público
no suele recordar su nombre pero sí reconoce su rostro, algo que suele suceder
con demasiada frecuencia cuando se trata de intérpretes especializados en
papeles de reparto y que no conocen el estrellato de los principales.
El aficionado le recordará
sobre todo por sus intervenciones en numerosas series de televisión, medio en
el que en la década de los ochenta fue muy solicitado. Su rostro podemos verlo
en series tan míticas como ‘Las
calles de San Francisco’ (‘The Streets of San Francisco’,
1972-1977), ‘La
conquista del oeste’ (‘How the West Was Won’, 1978), ‘Sheriff Lobo’
(‘The Midsaventures of Seriff Lobo’, 1979- ) —serie de la que un servidor no se
perdía ni un episodio—, ‘Magnum’ (id, 1980-1988) o ‘El
equipo A’ (‘The A-Team’, 1983-1987).
En pantalla grande se estrenó a
principios de los años setenta, década en la que destacan películas como ‘Rompehuesos’ (‘The
Longest Yard’, Robert Aldrich, 1974), ‘Contacto en Francia II’ (id, John Frankenheimer, 1975) —excelente
secuela del conocido film de William Friedkin—, o ‘Trama macabra’ (‘Family
Plot’, Alfred Hitchcock, 1976), última película del maestro del suspense. En
los ochenta baja considerablemente la calidad de las películas en las que
aparece, tal y como lo demuestran títulos como ‘Escuela de genios’ (‘Real Genious’,
Martha Coolidge, 1985), ‘El
justiciero de la noche’ (‘Death Wish 3’, Michael Winner, 1985)
—un éxito comercial en nuestro país— o ‘Ejecutor’
(‘Raw Deal’, John Irvin, 1986) —uno de los autores de la historia falleció recientemente—. En los noventa apareció en films tan dispares
como ‘Nacido el cuatro
de julio’ (‘Bron of the Fourth of July’, Oliver Stone, 1989) o ‘Rocketeer’ (id, Joe Johnston, 1991).
Gracias a su aspecto era capaz
de hacer del mejor amigo del protagonista o de todo lo contrario. Algunos de
sus últimos papeles fueron en la oscarizada ‘El artista’ (id, Michael Hazanavicius,
2011) y al lado de Clint Eastwood en ‘Golpe
de efecto’ (‘Trouble With the Curve’, Robert Lorenz,
2012).
Shirley Jane Temple (Santa Mónica, California, 23 de abril de 1928 – Woodside, California, 10 de febrero de 2014), también conocida (por su segundo matrimonio) como Shirley Temple Black, fue una actriz y diplomática estadounidense que apareció a edad infantil en importantes películas de principios de la década de 1930. Considerada una niña prodigio por su habilidad como actriz y bailarina, su fama declinó al entrar en la adolescencia, aunque siguió activa en el cine hasta finales de la década de 1940. Nacida en una familia de clase media asentada en el estado de California, estudió desde su niñez teatro, canto y danzas en diversos institutos. A los tres años de edad fue elegida para actuar en diversos cortometrajes para la empresa Educational Pictures y, luego, hacer breves apariciones en largometrajes como Carolina y As the Earth Turns, en papeles no acreditados. Su primer papel protagonista lo obtuvo en 1934 en Bright Eyes, que la consagró. Entre las producciones más destacadas que actuó, siendo niña destacan The Little Colonel, Curly Top, Wee Willie Winkie, Heidi, A Little Princess, The Bachelor and the Bobby-Soxer y Fort Apache, todas estrenadas durante las décadas de 1930 y 1940. Fue dirigida por cineastas como David Butler, Walter Lang o John Ford e incursionó activamente en los géneros tanto dramáticos como cómicos hasta su retiro del cine, en 1949. Temple también actuó en televisión conduciendo programas propios y haciendo apariciones como invitada hasta mediados de las décadas de 1960. Posteriormente se dedicó a la diplomacia.
Falleció en la noche del lunes 10 de febrero de 2014, a la edad de 85 años, por causas naturales.
Biografía Carrera Nadie sabe cuándo Shirley Temple comenzó a hacer películas, ya que los Estudios FOX hicieron un certificado de nacimiento falso. Entre finales de 1931 y 1933 apareció en dos series de cortos para Educational Pictures. Su primera serie, Baby Burlesks, satirizó las películas y política recientes. La serie fue considerada polémica por algunos telespectadores por la representación que en ella se hacía de niños pequeños en situaciones adultas. Su segunda serie en Educational, Frolics of Youth, fue un poco más aceptable e hizo el papel de una irritante hermana menor en una familia suburbana contemporánea. Mientras trabajaba para Educational Pictures, Temple también interpretó muchos papeles de figurante en diferentes películas. Finalmente firmó con Fox Film Corporation (que más adelante se fusionó con 20th Century Pictures para convertirse en 20th Century Fox) a finales de 1933 después de aparecer en Stand Up and Cheer! con James Dunn. Más tarde, hizo pareja en el cine con Dunn en varias películas
Temple estaría con Fox hasta 1940, convirtiéndose en la actriz más lucrativa para el estudio. Su contrato fue corregido varias veces entre 1933 y 1935, y fue prestada a Paramount para un par de películas exitosas en 1934. Durante cuatro años, figuró como la estrella más taquillera de Estados Unidos. Para mantenerla en su infancia, el certificado de nacimiento de Shirley había sido alterado. Sólo en su duodécimo cumpleaños se dio cuenta de que tenía de hecho trece.
Su popularidad ganó tanto la adulación pública como la aprobación de sus colegas. Incluso con cinco años, el sello de sus actuaciones era su profesionalismo: siempre tenía sus frases memorizadas y sus pasos de baile preparados cuando comenzaba el rodaje. Fue la primera receptora del Premio Oscar especial al Intérprete Juvenil en 1935. Setenta años más tarde, Temple sigue siendo la intérprete más joven de toda la historia del cine en haber recibido este honor. Es también la actriz más joven en añadir las huellas de pies y manos en el exterior del Grauman's Chinese Theatre. Temple hizo asimismo películas con Carole Lombard, Gary Cooper, Adolphe Menjou y muchos otros. Arthur Treacher apareció como un bondadoso mayordomo en varias películas de Temple.
La capacidad de Temple como bailarina (especialmente como bailarina de claqué) es bien conocida y célebre. Incluso en sus primeras películas bailó y era capaz de hacer coreografías complejas de claqué con cinco años. Fue emparejada con el famoso bailarín Bill "Bojangles" Robinson en The Little Colonel, The Littlest Rebel, Rebecca of Sunnybrook Farm y Just Around the Corner. Robinson también preparó y desarrolló su coreografía para muchas de sus otras películas. Como Robinson era afroamericano, sus escenas cogiendo las manos de Temple tuvieron que ser suprimidas en muchas ciudades del Sur. Aparte de las películas, hubo muchos productos de promoción, de Shirley Temple durante los años 1930. Numerosas muñecas de Temple, vestidas con trajes de las películas, fueron muy vendidas. Otros artículos exitosos de Temple incluían una línea de vestidos de chica y lazos de pelo. Varias canciones de las películas de Temple, como "On the Good Ship Lollipop" (de Bright Eyes de 1934), "Animal Crackers in My Soup" (de Curly Top de 1935) y "Goodnight My Love" (de Stowaway 1936) fueron populares éxitos de radio. Frecuentemente prestó su imagen y talento para promover varias causas sociales, incluyendo la Cruz Roja. El papel de Dorothy en El Mago de Oz fue originalmente pensado para Judy Garland. Sin embargo, los ejecutivos de MGM estaban preocupados con el interés taquillero de Garland. Temple fue tenida en cuenta para el papel. No obstante, no pudo aparecer en la película al no haber un acuerdo entre Fox y MGM. Igualmente se rumoreó que fue la inspiración para Bonnie Blue Butler en Lo que el viento se llevó y fue una de las primeras competidoras para el papel en la película, pero era demasiado mayor cuando comenzó se inició el rodaje.
En 1940, Temple dejó la Fox. Combinó las clases en Westlake School for Girls con películas para varios estudios, incluyendo MGM y Paramount. Sus películas más exitosas de ese momento fueron Since You Went Away con Claudette Colbert, The Bachelor and the Bobby-Soxer con Cary Grant y Fort Apache. Se retiró del cine en 1949. En los años 1950 y 1960, hizo un breve retorno al negocio del espectáculo con dos series de televisión. Shirley Temple's Storybook se estrenó en la NBC el 12 de enero de 1958 y su última emisión fue el 1 de diciembre de 1959. Shirley Temple Theatre -también conocido como The Shirley Temple Show- se estrenó en la NBC el 11 de septiembre de 1960 y su última emisión fue el 10 de septiembre de 1961. Ambos programas mostraban adaptaciones de cuentos de hadas y otros cuentos orientados a la familia. Shirley Temple fue la presentadora y esporádica narradora/actriz en ambas series.
Familia y carrera como Shirley Temple Black
Con 17 años, Temple se casó con el soldado convertido en actor John Agar (1921–2002) el 19 de septiembre de 1945. Tuvieron una hija, Linda Susan Agar (más tarde conocida como Susan Black) nacida el 20 de enero de 1948. Temple presentó una demanda de divorcio a finales de 1949, siendo el divorcio efectivo el 5 de diciembre de 1950. A principios de 1950, mientras estaba de vacaciones en Hawái, Shirley conoció y se enamoró del hombre de negocios californiano Charles Alden Black (1919–2005) y se casaron el 16 de diciembre de 1950. Juntos tuvieron dos hijos: Charles Alden Black Jr., nacido el 29 de abril de 1952, y Lori Black, nacida el 9 de abril de 1954. Permanecieron casados hasta la muerte de él de un síndrome mielodisplásico con 86 años el 4 de agosto de 2005.
Temple posteriormente se involucró en la política del Partido Republicano, entrando sin éxito en la carrera congresional de 1967 en una plataforma pro-guerra. Consiguió varios puestos diplomáticos, sirviendo como delegada de Estados Unidos en muchas conferencias y cumbres internacionales. Fue nombrada delegada de las Naciones Unidas por el Presidente Richard M. Nixon en 1969. Fue nombrada embajadora estadounidense en Ghana (1974–76). En 1976, se convirtió en la primera mujer Jefa de Protocolo de los Estados Unidos que puso a su cargo todas las ceremonias, visitas y regalos del Departamento de Estado a líderes extranjeros y la coordinación de temas de protocolo con todas las embajadas y consulados de Estados Unidos. Fue embajadora en Checoslovaquia (1989–92) y fue testigo de la Revolución de Terciopelo, sobre la que comentó, "Ese fue el mejor trabajo que tuve en toda mi vida". En 1987 fue nombrada la primera funcionaria honoraria del servicio extranjero en la historia de Estados Unidos por el entonces Secretario de Estado, George Shultz.
Temple apareció en la portada de la revista People en 1999 con el título "Picture Perfect" y más tarde ese mismo año como parte de su informe especial, "Sobreviviendo al cáncer de mama". Apareció en los Óscar de 1997 y también en ese mismo año recibió un Premio Kennedy. Temple sirvió en la junta directiva de algunas grandes empresas incluyendo The Walt Disney Company (1974–75), Del Monte, Bancal Tri-State y Fireman's Fund Insurance. Sus nombramientos en las juntas de organizaciones sin ánimo de lucro incluyeron el Institute for International Studies en la Universidad de Stanford, el Council on Foreign Relations, el Council of American Ambassadors, el World Affairs Council, la Comisión de Estados Unidos para la Unesco, el National Committee on US-China Relations, la Asociación de las Naciones Unidas y el US Citizen's Space TaskForce.
Recibió doctorados honorarios de la Universidad de Santa Clara y la Lehigh University, una Beca de College of Notre Dame y un Chubb Fellowship de la Universidad de Yale.
Últimas actividades
En 2001, sirvió como asesora para la producción de la red de televisión ABC Child Star: The Shirley Temple Story, basada en la primera parte de su autobiografía. En 2004, se unió con Legend Films para restaurar, colorear y publicar su primeras películas en blanco y negro, así como episodios de sus series de televisión de 1960, The Shirley Temple Storybook Collection. El Sindicato de Actores (SAG) anunció el 12 de septiembre de 2005 que recibiría el Lifetime Achievement Award. La Presidenta del SAG Melissa Gilbert declaró:
"No puedo pensar en nadie que merezcan más el premio del SAG Life Achievement de este año que Shirley Temple Black. Sus contribuciones a la industria del entretenimiento no tienen precedente; sus contribuciones al mundo no son menos inspiradoras. Ella ha vivido la vida más extraordinaria, como la brillante intérprete que el mundo llegó a conocer cuando sólo era una niña, a la dedicada servidora pública que ha servido a su país tanto en casa como fuera durante 30 años. En todo lo que ha hecho y cumplido, Shirley Temple Black ha demostrado una gracia, talento y determinación poco común, sin mencionar la compasión y coraje. De niña, estaba encantada de bailar y cantar sus películas y más recientemente como presidenta del gremio he tenido el orgullo de trabajar junto a ella, como amiga y colega, en servicio a nuestra unión. Ha sido una indeleble influencia en mi vida. Fue mi ídolo cuando era una niña y sigue siendo mi ídolo hoy en día". Shirley Temple murió de causas naturales la noche del 10 de febrero de 2014, a la edad de 85 años en su casa en Woodside, California, rodeada de su familia y seres queridos. Le sobreviven sus tres hijos, así como nietos y bisnietos.
Robin Williams (Chicago, Illinois, 21 de julio de 1951 -Tiburón, California, 11 de agosto de 2014) fue un actor y comediante estadounidense.
Ganó un Óscar y cinco Globos de Oro, y fue conocido por sus actuaciones en películas como, Papa por siempre,Good Will Hunting, Jumanji, La sociedad de los poetas muertos, Hook, Patch Adams y El hombre bicentenario.
Biografía
Nació en Chicago, en el estado de Illinois, como hijo único de un ejecutivo de la industria del automóvil. Creció en un ambiente económicamente holgado y no mostró en su infancia y primera adolescencia interés por la interpretación. Se concentró en cambio en sus estudios y en la práctica de deportes.
Sus inicios
En 1967 la familia de Williams se trasladó a Marina County, en California. En el colegio en el que continuó sus estudios, se despertó su interés por el teatro. A raíz de ello abandonó los estudios de política, con la intención de iniciar una carrera de actor. La casualidad le llevó a ingresar en la prestigiosa academia de interpretación Juilliard School en Nueva York. Tres años después, Williams regresó a California y se instaló en San Francisco, buscando su oportunidad para actuar en comedias teatrales. En 1976 tuvo una prueba y fue contratado, lo que marcó el inicio de su carrera.
Dos años después trabajó en Mork & Mindy, una serie de televisión en la que interpretaba a un extraterrestre, con el que obtuvo un éxito arrollador. La serie continuó durante años y Williams corría el riesgo de quedarse encasillado en el papel. Por ello la abandonó e hizo una primera película de cine, que pasó inadvertida. Su verdadero debut lo tuvo en Popeye, de Robert Altman, película que no consiguió el éxito esperado, pero que sí dio a conocer a Williams a las audiencias de cine. Su siguiente película fue El mundo segun Garp de George Roy Hill, en la que interpretaba a un personaje difícil, agradable pero no cómico. Williams también superó esta prueba de forma brillante e incrementó su popularidad.
Carrera
Entre 1987 y 1991 Williams actuó entre otras en tres películas que le valieron una nominación al Óscar como mejor actor principal. La primera fue Buenos dias, Vietnam, en la que interpretaba a un locutor de radio del ejército durante la guerra de Vietnam. La segunda nominación la ganó por La sociedad de los poetas muertos, en la que su papel fue de profesor de literatura de un colegio, y la tercera por The Fisher King en la que interpreta a un vagabundo.
Su talento para cambiar la voz e imitar acentos le permitió hacer papeles hilarantes, como en Papá por siempre. En la década del 90, Williams alternó papeles cómicos con interpretaciones dramáticas, realizando papeles de perfiles psicológicos muy complejos como es el caso del film Retratos de una obsesión, y se convirtió en uno de los grandes actores contemporáneos.
Desde el principio de su carrera, Williams luchó con gran esfuerzo para conservar su personalidad única como humorista y para convertirse al mismo tiempo en un excelente actor de carácter. Tenía claro que no debía perder sus cualidades propias, pero que necesitaba dominar la interpretación para ser alguien en el mundo del cine. Consiguió ciertamente realizar su objetivo. Considerado un actor de gran versatilidad tanto en comedia como en drama, gana finalmente el tardío reconocimiento de la Academia, que le otorga el Óscar por su actuación en Good Will Hunting, filmada en 1997.
En 1992 puso la voz en inglés para la película animada de Disney Aladdín, interpretando al genio de la lámpara, y en su tercera parte en 1996. Durante 1995 interpretó a Alan Parrish en la película de aventuras Jumanji, basada en un relato infantil de 32 páginas publicado por Chris Van Allsburg, junto con Bonnie Hunt y los entonces niños Kirsten Dunst y Bradley Pierce, recibiendo buenas críticas y éxitos en taquilla. En el mismo año, tiene un papel secundario en la película Nueve meses, interpretando al cómico y escandaloso Dr. Kosevich, quien recibe al hijo de Julianne Moore y Hugh Grant.
En 1996, uno de sus años de mayor éxito, actúa formidablemente en el drama cómico Jack, donde interpreta a un niño de diez años que tiene una enfermedad (similar a la progeria) que lo hace ver treinta años mayor; dirigida por Francis Ford Coppola, música de Michael Kamen y Bryan Adams, comparte protagonismo junto a Diane Lane, Brian Kerwin, Jennifer López y Bill Cosby. En el mismo año, interpreta a Armand Goldman, un homosexual dueño de un teatro-cabaret llamado The Birdcage, en la película de comedia que lleva el mismo nombre, compartiendo créditos junto con Nathan Lane y Gene Hackman.
En 1998 interpreta la vida del doctor Hunter "Patch" Adams en la película Patch Adams, dirigida por Tom Shadyac, en su lucha por obtener el título de médico con su terapia de la risa que tanto hizo entender a colegas médicos y público en general. Tuvo gran aceptación en el público, con gran éxito en taquilla, nominaciones al Óscar y Globo de Oro y ha sido una de las películas más recordadas de Williams. Comparte protagonismo junto con Monica Potter y Philip Seymour Hoffman. Tiempo después, es contratado para actuar junto con Cuba Gooding Jr. y Annabella Sciorra en el drama Más allá de los sueños, obteniendo grandes críticas por sus actuaciones como por su dirección fotográfica, ganadora de un Óscar de la Academia.
Ya en 1999 actúa en el drama cómico El hombre bicentenario, interpretando al robot humanoide inteligente Andrew, que con el pasar del tiempo va adquiriendo sabiduría y sentimientos, pidiendo a sus dueños la libertad tan anhelada por la humanidad; al ser libre construye su propia casa empezando una nueva vida, luego irá en busca de robots similares como él y, al final de su búsqueda y llegando al lugar de origen de su partida, encuentra a un científico, hijo del creador de la serie de robots como Andrew, quien estaba creando fórmulas para hacer aparentar a los robots como seres humanos, empezando una nueva aventura para Andrew: ser el ser humano más viejo de la historia. Williams comparte protagonismo junto con Sam Neill, Embeth Davidtz y Oliver Platt.
En 2002 protagoniza su película de acción Insomnia junto con Al Pacino y Hilary Swank, película rodada en el estado de Alaska.
2006 es el año donde actúa en un sinnúmero de films: El hombre del año, como un entusiasta conductor de televisión que se postula a la presidencia de Estados Unidos; Una noche en el museo, como la estatua de Theodore Roosevelt en el museo de Nueva York junto con Ben Stiller, repitiendo su papel en la secuela de 2009; en la animada Happy Feet, hace la voz de dos personajes y comparte créditos con Elijah Wood, Britanny Murphy, Hugo Weaving, Nicole Kidman y Hugh Jackman, así como también en su segunda parte de 2011; en la comedia RV protagoniza a un ejecutivo que es obligado a suspender sus vacaciones a escondidas de su familia para conseguir un ascenso en su trabajo.
En 2007, actúa como el molesto reverendo Frank en la comedia License to Wed, junto con Mandy Moore y John Krasinski.
En 2009, trabaja junto con John Travolta y Kelly Preston en la comedia de Disney, Old Dogs.
Vida personal
Robin Williams (centro), en la gala de los Óscar del año 1990.
El primer matrimonio de Robin Williams fue con Valerie Velardi el 4 de junio de 1978, con quien tiene un hijo, Zachary Pym (Zak) (nacido el 11 de abril de 1983). Durante el primer matrimonio de Williams, él estuvo involucrado en una relación extramarital con Michelle Tish Carter, una camarera a quien conoció en 1984. Ella lo demandó en 1986, afirmando que él no le había dicho que estaba infectado con herpes simple antes de embarcarse a una relación sexual con ella a mitad de la década de 1980, durante la cual, dijo, que él le transmitió el virus a ella. El caso se resolvió fuera de los tribunales. Williams y Velardi se divorciaron en 1988.
El 30 de abril de 1989, se casó con Marsha Garces, quien era niñera de su hijo, ya estando esta embarazada; tienen dos hijos, Zelda Rae (nacida el 31 de julio de 1989) y Cody Alan (nacido el 25 de noviembre de 1991). En marzo de 2008, Garces solicitó el divorcio de Williams, citando diferencias irreconciliables.
El 20 de agosto de 2007, el hermano mayor de Williams, Robert Todd Williams, murió de complicaciones de una cirugía de corazón realizada un mes antes.
Williams fue miembro de la Iglesia Episcopal. Describió su afiliación religiosa en una rutina de comedia diciendo:
"tengo la idea de un chicagüense protestante, episcopaliano-católico light: mismos rituales, mitad de culpa."
Mientras estudiaba en Juilliard, Williams se hizo amigo de Christopher Reeve. Tuvieron varias clases juntos en las que eran los únicos estudiantes, y siguieron siendo amigos por el resto de la vida de Reeve. Williams visitó a Reeve después del accidente de caballo que lo llevó a estar tetrapléjico, y lo animó fingiendo ser un excéntrico doctor de Rusia (similar a su papel en Nine Months). Williams afirmaba que estaba allí para practicarle una colonoscopía. Reeve dijo que ésa fue la primera vez que rió desde el accidente y supo que la vida iba a continuar bien.
Se sabe que Robin era un fanático de la saga The Legend of Zelda. De igual manera, confesó que decidió llamar a su hija Zelda Rae debido a que le agradaba jugar los juegos de Zelda.
Problemas de drogas y alcohol
Durante la década de 1970 y 1980, Williams tuvo una adicción a la cocaína; ha dicho que desde entonces lo ha dejado. Williams era un amigo cercano de John Belushi. Él dijo que la muerte de su amigo y el nacimiento de su hijo lo llevó a dejar las drogas: "¿Fue una llamada de atención? Oh sí, en un gran nivel. El gran jurado también ayudó".
El 9 de agosto de 2006, Williams se internó en un centro de rehabilitación (ubicado en Newberg, Oregón), luego admitió que era un alcohólico.Su publicista dio el anuncio:
"Después de 20 años de sobriedad, Robin Williams se ha encontrado bebiendo nuevamente y ha decidido tomar medidas proactivas para lidiar con esto por su propio bien y el de su familia. Él pide que respeten su privacidad y la de su familia durante este tiempo. Espera volver a trabajar este otoño para apoyar sus próximos lanzamientos de películas".
En 2011, ya recuperado, apareció en el documental de la BBC para Discovery Channel, en el especial "Curiosidad: ¿Cómo funcionan las drogas?".
Problemas de salud
Williams fue hospitalizado en marzo de 2009 debido a problemas cardíacos. Pospuso su gira en solitario para someterse a una cirugía para reemplazar su válvula aórtica. La cirugía se completó con éxito el 13 de marzo de 2009, en la Clínica Cleveland.
Fallecimiento
El 11 de agosto de 2014, Williams fue encontrado muerto en su domicilio de Tiburón, California, en lo que aparentemente podría haber sido un suicidio por asfixia, según el informe inicial del Departamento del Sheriff del Condado de Marin.El 12 de agosto fue confirmado que el actor fue encontrado ligeramente suspendido en el aire con un cinturón atado a su cuello por un extremo y el otro enganchado a la parte superior de un armario en su dormitorio.
La irónica frase de Robin Williams sobre la cocaína y el dinero
El actor tuvo durante toda su carrera una dramática relación con las drogas. En ocasión de separarse de su esposa en 1988 lanzó una frase que sintetiza los excesos de Hollywood.
Fue sin duda uno de los más fantásticos actores de las décadas de 1980, 1990 y 2000.Su muerte conmovió no sólo a sus colegas de actuación, sino también a millones de admiradores a lo largo de todo el planeta. La partida de Robin Williams deja además la triste secuela de una vida repleta de excesos, tan típica de las exitosas estrellas del cine.
Luego de conocerse las sentidas palabras de su hija, quien lo despidió con muy tristes palabras, trascendió también la carta que el presidente de los Estados Unidos, Barack Obama, le dedicó a su admirado actor. Tal fue el impacto que provocó su deceso.
Pero su muerte también sirve para reabrir un viejo -pero no por eso vencido- debate en torno a los excesos que provoca en algunas ocasiones la fama, el dinero y la exposición pública. Y Williams tenía muy claro eso. Tanto lo sabía que en ocasión de separarse de quien fuera su primera esposa -Valerie Velarde-, el artista lanzó una irónica frase que quedará grabada como una sentencia de su propia vida.
"La cocaína es la manera que tiene Dios de decirte que estás ganando demasiado dinero", declaró en esa época el actor que se hizo famoso en la serie "Mork & Mindy" (1978). Fue en este periodo de fama cuando el artista comenzó a relacionarse con las drogas y el alcohol.
Fue el propio Williams quien relató
cómo vivió esos primeros años de excesos, en una larga entrevista que concedió al diario español ABC. "Mi vida pasó entre la cocaína y el alcohol. Era parte de la fama", sentenció en 2006.
En esa ocasión también quiso dar por tierra con el preconcepto que muchos podrían tener de él a consecuencia de sus personajes: "La gente piensa que vivo como un loco salvaje colgado de las paredes. Sería divertido ser algo así, pero no vivo a saltos. Aunque a veces puedo gritar y hacer locuras, la mayor parte del tiempo soy yo".
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