Animacine: Antz.

Antz (titulada Antz en Argentina y México, Antz, Hormigaz en España y Hormiguitaz en Venezuela) es una de las primeras películas animadas enteramente por computadora.

Argumento

Z es una hormiga neurótica e insegura que forma parte de una colonia de millones de hormigas. Z nació siendo un obrero y se queja constantemente de su labor, algo que su amiga Azteca se toma a la ligera. Mientras, Bala la princesa de la colonia se queja de su monótona y aburrida vida, mientras su madre la Reina le dice que debe asumir su papel dentro de la colonia al igual que el resto de hormigas. Un día, Z va a una discoteca junto a su mejor amigo, Weaver, una hormiga soldado de carácter alegre y muy buen amigo de Z. Mientras estaba en la barra de la discoteca, un borracho le dice a Z que existe un mágico lugar llamado Insectopía donde todas las hormigas son iguales y donde no hay necesidad de trabajar para conseguir comida. Z no se cree la historia del borracho, pero de repente, Bala que estaba buscando un rato de diversión se acerca a Z y le propone bailar, Z se enamora locamente de Bala pero a ella no le interesa lo más mínimo. Pero Z se ve enfrascado en una refriega y se separa de Bala. Esa misma noche, Z le pide a su amigo Weaver que le cambie su puesto para el desfile del día siguiente para poder volver a ver a Bala, Weaver accede a regañadientes.

Z pensaba que el desfile era una mera instrucción militar, pero los Altos Mandos militares planean una guerra contra las termitas pues estas supuestamente han invadido su territorio. El General Mandible, jefe supremo de los ejércitos los arenga a la batalla y los soldados parten hacia el territorio de las termitas. Durante el viaje, Z se hace amigo de un soldado llamado Barbatus que promete protegerle de todo peligro.

Las hormigas llegan al campo de batalla pero las termitas no se han presentado, pero todo es una emboscada y las hormigas y las termitas se terminan enfrentando entre ellas con clara superioridad de estas últimas. Z perseguido por una termita cae a un agujero durante la batalla. Al final de esta, Z sale de su escondite y descubre que en el campo de batalla hay miles de hormigas muertas y cientos de termitas muertas. Entre el desastre, Z descubre la cabeza de Barbatus cortada y este muere poco después. Z regresa al hormiguero donde es recibido como un héroe militar y distinguido por el propio general Mandible. Z es presentado ante la Reina y la princesa Bala que lo reconoce como un obrero, Mandible ordena su arresto y Z toma a Bala de rehén y ambos caen por un pasadizo a la superficie. Z y Bala quedan a la intemperie y Z le propone ir a buscar Insectopía, Bala acepta a regañadientes.

Finalmente logran llegar a Insectopía tras muchos problemas. Mientras, en el hormiguero, la rebelión de Z ha azuzado a las demás hormigas obreras que se han rebelado contra sus jefes debido al mal trato y a las pésimas condiciones. Mandible para arreglar la situación dice que Z solo piensa en sí mismo y que cuando se acabe la construcción del Mega Túnel se mejoraran los derechos de estos, los obreros regresan al trabajo. Mientras, Weaver ha ocupado el lugar de Z en sus labores como obrero y comienza a salir con la amiga de este, Azteca. Durante el discurso de Mandible, este reconoce a Weaver entre la multitud y lo ordena ir a su presencia, también le ordena al coronel Cutter que vaya a buscar a la princesa Bala. Mandible interroga sin piedad a Weaver que se niega a hablar sobre el paradero de Z, pero Mandible amenaza con matar a Azteca y Weaver finalmente confiesa que Z está en Insectopía, además, Mandible ordena a Cutter que mate a Z. Cutter logra devolver a Bala al hormiguero, pero Z se le escapa. Bala es llevada ante Mandible y descubre los planes del general y es encerrada dentro de la sala de interrogatorios. Z regresa al hormiguero donde se reencuentra con Bala y se besan. Entonces, ambos descubren el plan de Mandible, planea matar a la Reina y a todas las hormigas obreras pues la construcción del Mega Túnel da hasta un lago cercano, además, Mandible ha eliminado a todos los soldados leales a la Reina en aquella batalla perdida contra las termitas. Z y Bala deciden convencer a todas las hormigas de que cesen de cavar. Pero es muy tarde y el hormiguero comienza a inundarse. Mientras, en la superficie, Mandible junto al coronel Cutter y a sus tropas les dice que llegó el momento de crear un nuevo futuro. Las hormigas atrapadas deciden crear una torre de hormigas para llegar a la superficie, Z logra llegar a la superficie pero cuando Mandible intenta arrojarlo al vacío, Cutter lo golpea y ayuda a Z a subir, pero Mandible furioso carga contra Cutter, pero Z se interpone y Z y Mandible caen al vacío, Z cae al agua pero Mandible se estrella contra una rama seca muriendo. Cutter salva a Z y ordena a los soldados salvar a las hormigas, ya todos a salvo, Z y Bala se casan y crean una nueva colonia con Cutter como su general.

Complejidad filosófica

El nombre Hormigaz, Hormiguitaz o Antz (nombre original), se ve resaltada la Z, que a la vez de ser el nombre de la hormiga protagonista, es también muy representativo a la trama, ya que los altos mandos militares de las hormigas soldado, planean deshacerse de las hormigas obreras que consideran débiles, para así formar una colonia donde solo existan hormigas soldado considerados por los mandos militares como una raza superior. El gobierno es monárquico ejercido por la reina una líder conservadora, pero los militares planean imponer el totalitarismo y el militarismo, y para pasar por sobre el poder de la reina, envían a los soldados leales a la reina a una guerra perdida.

La película desde el principio hasta el fin, expresa muchas críticas políticas hacia el colectivismo y el individualismo. Las hormigas soldado exponen las razones por las que deben asumir el control pues consideran que no hay suficiente cohesión social en el hormiguero, y que la reina no es capaz de lograr el ideal colectivista con su liderazgo blando. Las hormigas obreras después de enterarse que Z había decidido "pensar por sí misma" se levantan hacia una revolución que busca que los roles de cada hormiga sean libremente elegidos en vez de estáticos y dados por nacimiento. Las hormigas muestran su descontento a través de una huelga, pero termina cuando el mayor cargo de los militares les promete mejores tratos (obviamente miente) y les dice que Z los había olvidado.

Se puede tomar a Z como un individualista en una sociedad colectivista que no le daba valor al pensamiento individual. Y la travesía de Z hacia Insectopía, representaría la anarquía que se supone como utópica.

Curiosidades


Woody Allen grabó los diálogos de Z en solo 5 días.

Woody Allen aporta la voz al personaje Z en la versión original, y al igual que el resto de sus compañeros de reparto (Sylvester Stallone, Sharon Stone, Danny Glover) trabaja por primera vez en un largometraje de animación.

En la película hay aproximadamente 760 planos con efectos para crear desde una mota de polvo y una masa de agua, hasta un rayo generado por una lupa. Hasta ahora el agua era lo más difícil de crear en un largometraje de animación, sin embargo, PDI ha desarrollado nuevos programas para recrearla con fidelidad.

En la parte donde sale la zapatilla que se lleva a la princesa pegada en el chicle se ve la marca de Reebok. También se puede ver en otra escena una lata de Pepsi.

Análisis de la película "Antz"


En la primer parte de la película se observa un plano general con el fin de mostrar dónde se va a desarrollar la historia; sin música, se presenta desde lo exterior a lo interior que, en su mayor parte, es lo que se muestra como escenario.

En el interior, se focaliza desde un primer plano, al protagonista principal, quien está solo en una imagen bastante opaca, con el propósito de visualizar e interpretar gestos y diálogos.

Luego, cuando termina de hablar, automáticamente, comienza la música desde lo más bajo hasta el momento donde se realiza un plano general del interior de la "colonia"; el sonido aumenta y se sostiene, bajando de nivel y manteniéndose nuevamente para mostrar las actividades, los distintos actores y lugares de la escena.

A continuación va descendiendo el volumen de la música hasta desaparecer y comienza a hablar "Z". Hay un primer plano de los objetos: cuando Mandíbula pega con un látigo la mesa,enseguida muestran el primer plano de la hormiga para ver su reacción.

En el momento en que Mandíbula habla con Cutter, la música es de suspenso, que están refiriéndose al plan macabro que quieren llevar a cabo para formar una nueva colonia "potente".

Efectos de sonido

Cuando Mandíbula habla con la Reina, la música es de suspenso, temor y en el mismo instante que aparece la Princesa Bala la música cambia es más delicada, suave;
Cuando la princesa habla con la Reina de los obreros y dice "(...) al menos ellos se divierten", enseguida ponen de música de fondo una alegre;
Cuando Z se encuentra en el bar y comienza a hablarle la hormiga que esta a su lado sobre "insectopía": el sonido cambia por una música de suspenso.

Aquí se da una descripción de ese lugar utópico para Z, todo lo contrario a lo que viven: "las hormigas son únicas; las calles repletas de comida; nadie da órdenes; no hay guerras; no hay colonias.

Cuando entra la Princesa al bar, finaliza la música y se escucha solo el diálogo.
Al comenzar el baile, se ve con claridad, la homogeneidad, la monotonía del sistema imperante, hasta que Z y Bala ingresan a la pista y comienzan a bailar de diferente manera (él la llevó a ella a hacerlo) para ir en contra de aquello. Aquí, entre ellos, hay un diálogo en el cual se manifiesta ese pensar.

Luego de ésto, comienza a sonar la misma música, pero con un ritmo distinto, donde sólo ellos la perciben asi, ya que el resto sigue bailando igual. Esto muestra la percepción distinta de ellos.

Cuando él se cae y comienza a dialogar con un soldado, se corta este ritmo percibido por ellos y continúa sonando la misma música de ritmo monótono y aburrido.

En el momento en el que todos empiezan a pegarse, la música cambia a un ritmo acelerado.

El tema de la música es importante, porque en mayor o menor intensidad, esta presente en la mayoría de las escenas generando el clima propicio para el desarrollo de las mismas.

Por otro lado puede observarse en el desfile de los soldados el juego de planos que se lleva a cabo a fin de mostrar la generalidad en cuanto a la colonia que esta subordinada bajo el dominio del general, la reina y la princesa; quienes son mostrados mediante un primer plano.

Hasta aquí el desfile fue acompañado por una marcha, hasta que se detienen para escuchar las palabras del general Mandíbula (hay ausencia de música, solo se escuchan los sonidos ambiente, como por ejemplo: pasos, latigasos, giro, eco).

Al momento que indica que van a ir a la batalla, colocan sonido de suspenso, de terror.

Cuando salen de la colonia, se hace un plano general, para visualizar esta salida y a la vez para señalar en qué momento del día transcurre la escena, en este caso, al mostrar la luna, sabemos que es de noche.

Generalmente, junto al primer plano, se realizan los cambios bruscos de música, tal como se da cuando atacan las termitas.

Con un plano general, que muestra el amanecer, se determina el final de la guerra, quedando solo Z como sobreviviente de tal masacre.

En el momento que Barbatus se despide de Z se puede ver otro de los temas de la película, cuando le dice: "no sigas órdenes, decide por tí mismo". También sucede cuando Mandíbula va a "felicitar" al "héroe de la batalla", que fue Z y en vez de saludarlo a él saludo al soldado que lo acompañaba ya que por su "apariencia" de mayor tamaño, creía que era él. Cuando le respondió que él no era y que el héroe era Z, lo miró despectivamente.

En la siguiente escena, cuando Z sale al balcón junto a Mandíbula, éste levanta la mano y la colonia responde con ovación y aplausos; Z se da cuenta de ésto y lo repite varias veces. Aquí se observa la respuesta inmediata ante un gesto sencillo, el poder de persuación, estimulo-respuesta.

Otro tema a destacar es cuando Z, acompañado por Mandíbula, va a saludar a la reina. Allí el general le dice que no hable, ya que él lo hará. De esta manera, lo que se quiere reflejar, es que lo cree incapaz de dirigirse a la reina, siendo él el único en realizarlo a la perfección. Pero ocurrió lo contrario, ya que Z comenzó a hablar y lamentablemente no lo hizo de la mejor manera, porque mintió y aparentó tener valor y coraje, adjudicándose logros que él no había alcanzado por sus propios medios.


Ficha técnica


Título Antz (Argentina)
Antz, Hormigas (España)
Hormiguitaz (Latinoamérica)

Dirección Eric Darnell y Tim Johnson
Dirección artística Kendal Crokhite
Producción Brad Lewis, Aron Warner y Patty Wooton
Diseño de producción John Bell
Guion Chris Miller (historia), Todd Alcott, Christ Weitz y Paul Weitz
Música Harry Gregson-Williams y John Powell
Montaje Dan Molina

Protagonistas

Woody Allen (Z)
Dan Aykroyd (Chip)
Anne Bancroft (Reina)
Jane Curtin (Muffy)
Danny Glover (Barbatus)
Gene Hackman (General Mandible)
Jennifer Lopez (Azteca)
John Mahoney (Grebs/Drunk Scout)
Paul Mazurzky (Psicólogo)
Grant Shaud (Foreman)
Sylvester Stallone (Weaver)
Sharon Stone (Princesa Bala)
Christopher Walken (Coronel Cutter)


País Estados Unidos
Año 1998
Género Animación, Comedia, Aventura
Duración 82 minutos
Compañía Productora DreamWorks SKG
Distribución United International Pictures
Presupuesto $ 60 millones de dólares.

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Ross McElwee y su Photographic Memory.

Ross McElwee

Reconciliarse con el pasado para entender el presente, Usted comienza reflexionando sobre la relación con su hijo Adrian, pero eso lleva a un análisis acerca de la manera en que la tecnología interrumpe la comunicación ¿Cómo ve el hecho que entre usted y su hijo, en la película, siempre hay una cámara, una computadora o un celular de por medio y en ningún momento se los ve a ambos juntos actualmente delante de la cámara?

Captaste una ironía central de la película. El hecho de que el padre-realizador está desconcertado debido a la intrusión de la tecnología cuando intenta relacionarse con su hijo, pero claro, es el padre mismo el que casi siempre lleva consigo una cámara, que también es una intrusión en la relación con su hijo. Pero hay pistas que indican que esta acción no define la relación con su hijo. Hay muchas referencias a momentos en los que no está filmando (por ejemplo, cuando el padre está hablando con Adrian acerca de la tarde anterior: “Podrías lastimarte….”) De todas formas, estás acertado al identificar esta ironía central de la película y, de hecho, es un tema que toco en todos mis documentales –cómo una cámara puede ser al mismo tiempo una intrusión en la vida y una forma de relacionarse con la vida–, un increíble puente para entender la vida de otros.

¿Por qué cree que necesitó reconstruir su pasado en St. Quay para definir su relación en el presente con Adrian?

Como explico en los comentarios, pensé que, para lograr entender a mi hijo, iba a ser útil hacer un esfuerzo conjunto para reconstruir qué estaba haciendo yo a su edad. Por supuesto que no solo me refiero a ver qué trabajo tenía o por dónde estuve en Francia durante ese año, tantos años atrás. Pero incluso si mi relación con mi hijo no me hubiese dado el puntapié inicial para hacer esta película en Francia acerca de mi experiencia como asistente de fotografía, creo que igual la habría hecho. Introducir el aspecto generacional le da una complejidad adicional. También pienso que haber incluido a Adrian en la película hizo que nos acercáramos más, aunque, por supuesto, esto de por sí solo no es motivo suficiente para hacer ninguna película.

La película trata de defender la memoria del material fílmico. De hecho usted reconstruye su pasado a través de las fotos que sacó cuando vivía en St. Quay porque hay momentos que tiene borroso en su memoria. ¿Cree que las fotos digitales tienen el mismo valor de preservación que las fotografías en material fílmico?

Por supuesto, hay formas de preservar las fotografías digitales para que duren tanto como cualquier fotografía analógica. Pero pienso que hay algo en las fotografías digitales que hace que se nos escapen más rápido. El hecho de que casi siempre veamos las fotos digitales en un celular o en una computadora las hace “menos” reales que una foto que uno puede sostener en la mano. Les saca valor. Como le digo a la mujer que saca fotos digitales para las postales en esa escena de Photographic Memory "Ou est le photo?" (“¿Dónde está la foto”?). También, para la mayoría de las personas, con las cámaras digitales todo es automático, y la posibilidad de equivocarse es casi nula. Seguramente esto lleva a cierto descuido al momento de sacar fotos digitales y después trabajar con ellas. La facilidad con la que se pueden sacar fotos digitales –de a miles– también hace que las fotos mismas parezcan menos reales. Creo que todo lo especial que puede ser una foto se va reduciendo tan solo por la cantidad de fotos que inundan el paisaje fotográfico mental y psicológico hoy en día. Pero también tengo una valija llena de fotos analógicas en el sótano de mi casa –fotos que sacaron parientes míos hace años– y nunca tuve tiempo para verlas todas de manera sistemática. Así que tal vez la inundación de imágenes siempre estuvo dando vueltas.

¿Observa en las creaciones artísticas de Adrian influencias estéticas o narrativas suyas? ¿Cuál fue la reflexión o la reacción de Adrian cuando vio la película terminada?

Creo que Adrian está intentado construir, de todas las formas habidas y por haber, su propia forma de hacer algo con los medios audiovisuales –que nada tiene que ver con el estilo que tiene su padre de hacer películas– y de hecho, casi siempre está bastante en desacuerdo con mi forma de hacer cine. Y así debe ser.

¿Cuáles son los riesgos que se corren cuando se realiza un documental autobiográfico donde el realizador y su entorno, incluido su pasado, son los protagonistas absolutos?

Siempre se corre el riesgo de caer en la miopía, la autoindulgencia y el narcisismo. Las recompensas tienen que ver con poder experimentar con una visión única y una voz de autor que funciona como un prisma a través del cual se mira el mundo, se mira la vida.


Director

Space Coast (1979)
Charleen (1980)
Exile Resident (1981)
Backyard (1984)
Sherman marzo (1986)
Algo que ver con la pared (1990)
Tiempo indefinido (1993)
Six O'Clock News (1997)
Bright Leaves (2003)
En el Paraguay (2008)
Memoria Fotográfica (2011)

Fuente: Pagina oficial del Festival de cine de Mar del Plata, info@mardelplatafilmfest.com

¿Soy linda?, de Doris Dorrie

Sinopsis

Linda es una mujer que directamente quiere ser otra y nacer de nuevo. Para ello, lo primero que hará será lanzar su cartera por los aires y viajará a dedo hasta llegar a la ciudad andaluza de Sevilla.


COMENTARIO CRÍTICO

Las historias de ¿Soy Linda? se entrecruzan entre sí, teniendo como eje a Marie Zielcke, alter ego de la directora y quien lleva el relato del film. Doris Dörrie construye un universo a su medida con múltiples personajes y situaciones, en variados lugares de Europa que utiliza como escenario para colocar a los actores y sus angustias y sus preguntas.

A medida que avanza la película nos damos cuenta que no tiene un eje, sino varios y que en alguna medida todos los personajes se están cuestionando sobre su propia identidad. Si bien parece una comedia, el tono es más bien irónico y por momentos algo triste. El ritmo es desparejo, y la sensación final es regular.

La directora se ocupó de mostrar todas las facetas de los personajes, que son muchos y eso si bien enriquece el film, también le hace perder fuerza. Además de la protagonista aparece la nueva estrella del cine alemán Franka Potente (la de Corre Lola corre) y algunos conocidos como Juan Diego Botto y la mítica Senta Berger.

Por Gustavo Camps


En este filme Doris Dörrie nos ofrece una tipología de personajes femeninos y masculinos que tratan de encontrarle la vuelta a la vida. La manera es la experiencia. Linda es una joven que directamente quiere ser otra, nacer de nuevo y Dörrie encuentra la mejor metáfora para dar a entender esto: la escena en que arroja por los aires su cartera; nada menos que ese elemento vital femenino, la cartera.

Francisca es de las que busca elegir - como si la felicidad fuera posible por ese lado - entre la seguridad y el amor. La hermana menor de Francisca busca y busca el amor ideal.

Las mujeres al borde de un ataque de nervios de Almodovar son capaces de tirar teléfonos y maletas al vacío y vociferar si es necesario. Las alemanas parecen menos propensas a poder expresarse con vehemencia.

Por eso no es casual que el lugar de encuentro - o de escape - para estas mujeres (y varios de los personajes) sea España. Sevilla durante la procesión de la semana santa. Ya Dörrie nos había adelantado la atracción que los alemanes sienten por España. Un lugar tan distinto al de su hábitat. Un lugar abierto, cálido, donde es harto difícil sentirse sólo. Allí Unna, otra de las mujeres de este filme, se reencontrará con viejos amores. En otra escena Linda volverá al lugar en donde tiro su cartera y la encontrará. Pero esta vez ya no está sola, esta con Klaus. Otra vez como en tantos directores (no sólo alemanes) aparece el tema del eterno retorno. El tratamiento es saludable. No se puede nacer de nuevo. Pero queda claro que se puede cambiar

FICHA TÉCNICA

Director: Doris Dörrie
Título original: Bin ich schön?
Guión: Doris Dörrie, Rolf Basedow y Ruth Stadler
Fotografía: Theo Bierkens
Montaje: Inez Regnier
Música original: Roman Bunka
Intérpretes: Marie Zielcke, Carla Weindler, Julian Messner, Suzanne von Borsody, Franka Potente, Steffen Wink, Maria Schrader, Juan Diego Botto, Otto Sander, Senta Berger.

Sección: Dulce libertad
Ciclo: Mujeres tras la cámara. Imágenes 2
¿SOY LINDA?
Alemania 1998
v.o.s.e. / 117 min.
Fechas anteriores de proyección: 02/05/2006.


Fuente: Filmoteca de Andalucia, http://www.filmotecadeandalucia.com/
Portal Canal OK, http://www.canalok.com/cine/soylinda.htm,

Uli Schueppel: “La programación, el jurado y las retrospectivas son muy interesantes”

Publicado el 15 mayo, 2012 por MARFICI

El Director alemán Uli Schueppel, de visita por primera vez en nuestro país para participar como jurado el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata MARFICI, elogió al jurado y la selección de películas que podrán verse hasta el sábado 19 de Mayo. Además se está proyectando una retrospectiva con sus mejores obras.

“Creo que es una muy buena selección: películas muy innovadoras, muy interesantes, películas muy especiales. Tengo mucha curiosidad por ver todas las películas. Ya he visto algunas de las películas en competencia en otros festivales”, comentó Schueppel.
“No son films fáciles, como las que ves en cines comunes o enla TV. Tienen una cierta mirada, una mirada subjetiva sobre el mundo, las películas que se pasan aquí. Todas las películas me parecen muy interesantes, tengo mucha curiosidad de verlas”, agregó.

Durante esta edición del MARFICI también se está desarrollando una retrospectiva que recoge las mejores obras de Schueppel en la cual los asistentes podrán encontrarse cara a cara con el realizador.

Motivado por la propuesta de compartir vivencias, el director se mostró deseoso de contar el proceso de sus film y de conocer como es la producción en nuestro país. “Estoy aquí para hablar sobre mis películas, y para contar mi experiencia como director, y cómo hago películas pero también tengo curiosidad cómo se hacen aquí en Argentina, qué se produce, cómo los directores están buscando, en qué direcciones están buscando, es un intercambio. Obtengo algo de los directores argentinos, y les brindo mis experiencias de dirigir en Europa”.

Hasta el momento ya se proyectaron Berlin Song (2007), The Day (2008), Off Ways (2009), Tanzania. Living. Room. (2010), Brötzmann – That’s When The World Is Mine (2012). Y este jueves 17, a las 22 hs. en la Sala Radio City podrá verse The Road to God Knows Where (1990), un documental sobre la gira por Norteamérica de la banda Nick Cave and the Bad Seeds en 1989. El interés del director no pasa por filmar los conciertos, sino por las seis personalidades involucradas en el grupo y el ambiente en el que todos ellos de desenvuelven.

Uli M. Schueppel nació en 1958, estudió humanidades y luego cine en la Academia de Cine de Berlín. Se graduó en 1990 con el documental The Road to God knows where, sobre Nick Cave and The Bad Seeds. Sus ensayos fílmicos, documentales y films musicales han recibido el reconocimiento en festivales internacionales y es también conocido por ser el autor del trailer de apertura del Festival Internacional de Cine de Berlín.

Fuente: Marfici, pagina oficial del Festival de cine independiente de Mar del Plata.

En la luna, el debut del hijo de David Bowie.

Su padre compuso una de sus mejores canciones inspirada en 2001: Odisea del espacio, de Stanley Kubrick. Ahora él debuta como director con una película que rinde tributo por igual a la “Space Oddity” paterna y a la película de Kubrick. Pero Duncan Jones, el hijo de David Bowie, también crea con “Moon” una obra propia que retrata y reflexiona sobre la soledad en el universo de un hombre aislado en la luna de un modo tremendamente propio.

Por Alfredo García

En 1969, David Bowie lanzó uno de los mejores temas de toda su carrera: el inolvidable “Space Oddity” se escuchaba simultáneamente con la llegada del hombre a la luna, y ya desde el título era clara la referencia a 2001: Odisea del espacio de Stanley Kubrick, aunque de todos modos la canción era una metáfora de un adicto perdido en su cosmos cerebral (pero si quedaba alguna duda, Bowie la explica bien en un tema muy posterior, “Ashes to Ashes”).

Pasaron 40 años. Y Duncan Jones (también conocido como Zowie Bowie, hijo de Bowie y la famosa Angie de la canción de los Stones) debuta como director con un largo llamado “Moon”, estrenado el mismo día del aniversario de la llegada del hombre a nuestro satélite, y con un guión –basado en un argumento propio- que cuenta la odisea de un astronauta aislado en una base ubicada en el lado oscuro de la luna.
Las referencias –u homenajes, como se lo quiera llamar- a 2001 de Kubrick también son claras, y quizás a esta altura inevitables, dada la naturaleza del tema.

“Moon”, que acaba de ser editada en DVD, sin pasar por los cines, con el título “En la luna”, transcurre en un futuro próximo donde todos los problemas energéticos de nuestro planeta han sido solucionados gracias a una empresa que descubrió la capacidad de aprovechar un combustible sumamente poderoso, el Helium 3, extraído mediante una serie de dispositivos ubicados en el lado oscuro de la luna.
Si bien esos dispositivos están altamente robotizados, la presencia humana siempre es indispensable, por lo que único astronauta debe permanecer in situ largos periodos totalmente aislado para controlar las cosas.

Al principio del film, el director nos muestra al protagonista casi absoluto del film, el astronauta Sam Bell (interpretado por Sam Rockwell), barbudo y desaliñado luego de permanecer en la base casi tres años. El mismo reconoce que el aislamiento lo está empezando a perturbar un poco, lo que se percibe en detalles como darse cuenta de que ya hace meses que habla consigo mismo en forma permanente. El hecho de que un problema satelital haya interrumpido las comunicaciones en vivo con la tierra tampoco lo ayuda mucho en este sentido, pero el hombre está satisfecho de casi haber terminado su contrato, y sobre todo de estar seguro de que pronto volverá a la tierra con su esposa y su hija.

Pero el oficio de astronauta es duro, y un tipo aislado en la luna nunca puede estar seguro de nada. Pronto empezará a tener pequeñas alucinaciones, y pequeños descuidos y accidentes que no dejan de ser percibidos por su único compañero en la base, el supercomputador Gerty, un apropiado derivado del HAL 9000 de 2001, que incluye novedades como movimientos y brazos robóticos y un monitor con una “carita sonriente” como la de nuestras actuales conversaciones por chat, y que por supuesto, según el tono de la conversación, puede no ser sonriente en absoluto (la voz de Gerty es un gran aporte de Kevin Spacey).

Duncan Jones toma caminos extraños que, sin embargo, llevan al sonido común: su película es menos metafísica de lo que se podría pensar en un principio, cuando las alucinaciones del protagonista parecen anunciar algún delirio profundo estilo Solaris de Andrei Tarkovski o 2001, cuya influencia termina mostrándose sobre todo en el increíble diseño de producción, con muy creíbles efectos especiales (se utilizaron modelos en escala para los vehículos lunares y la escenografía de la base) y la cuidada estética general, elementos que bastan por sí solos para recomendar la visión de esta película. La trama se centra en las trampas que la empresa de energía le pone a su explotadísimo empleado, cuya misión termina menos vinculada con los accidentes y problemas lunares, que con un desesperado y casi imposible regreso a la tierra.
Volviendo a las influencias, la principal es 2001 –incluyendo una breve secuencia de música clásica y ballet espacial, digamos- pero Duncan Jones no abusa del homenaje obvio, y en cambio el film tampoco lanza guiños de otros films menos conocidos, como la película de culto de Douglas Trumbull, Silent Running (naves misteriosas, con Bruce Dern desolado y perturbado en el espacio). Justamente Trumbull fue el hombre que trabajaba para la NASA cuando Kubrick lo llamó para hacer los FX de 2001. Convertido en un magnate de los efectos visuales y emprendimientos como el IMAX, Trumbull dirigió sólo dos películas, la ya mencionada Silent Running y la extraña fantasía de realidad virtual adelantadísima a su tiempo, Proyecto Brainstorm. Quizá para sentirse a la altura de este maestro, Duncan Jones se ocupó de organizar una exhibición especial para la NASA de su ópera prima. Aparentemente los experto de la agencia espacial estadounidense se tomaron muy en serio los conceptos futuristas y diseños del film de Jones, ya que en algunos artículos sobre el raro encuentro entre ciencia y arte discutieron minuciosamente cada gadget y enunciado tecnológico del film.

Moon también fue una sensación en la última edición del festival de cine fantástico de Sitges, donde se exhibió precedido de otro film preparado como homenaje al legendario paseo de Neil Armstrong: el film en cuestión fue el cortometraje argentino 50 años en la luna, de Mariano Santilli, que ganó el premio al mejor corto nacional de 2009, y también ofrecía una visión extraña y futurista de la conquista del espacio.

'Moon', la odisea de un fantástico Sam Rockwell


No estamos programados, Gerty. Somos personas.

La gran triunfadora de Sitges 09, ‘Moon’, se estrenó en los cines españoles el pasado viernes 9 de octubre, un par de días antes de recibir los premios a la mejor película, actor, guión y diseño de producción en el Festival catalán. Duncan Jones, que hasta ahora sólo era el hijo de David Bowie, debuta en el cine con una inteligente, reflexiva y claustrofóbica historia, llena de homenajes, sobre un astronauta que debe trabajar durante tres años en la Luna, hasta que llegue su relevo y pueda por fin volver a la Tierra, a casa, con su mujer y su hija.

Al igual que otras populares películas recientes, como ‘Náufrago’ o ‘Soy leyenda’, ‘Moon’ se basa prácticamente en la labor de un único actor, Sam Rockwell, que debe soportar el peso de la película, atraer al público y mantenerlo interesado, entretenido, durante una hora y media. Una película, una historia, un actor. Para que funcione es imprescindible contar con un excelente intérprete. Y Rockwell lo es. Lo vuelve a demostrar aquí, por si alguien todavía tenía dudas. Contar con este actor es uno de los grandes aciertos de Jones, y lo más sobresaliente de la película, una de las mejores del año.

No recomiendo seguir leyendo este texto si no se ha visto la película. Es algo que no suelo hacer, revelar aspectos importantes de la trama en mis críticas, pero en este caso me parece necesario romper la norma. En realidad, no creo que puedan considerarse “spoilers“, puesto que el propio Duncan Jones no quiso sorprender a nadie con el giro más relevante de la trama (lo dijo en la rueda de prensa en Sitges, que prefería desarrollar la “sorpresa” a dejarla para el final), de hecho, está en el tráiler de la película y me consta que se ha revelado en la prensa, pero bueno, no es menos cierto que yo lo desconocía cuando vi la película y creo que así la disfruté aún más, sabiendo lo menos posible. Repito, no leáis más si no habéis visto el film.
Como dije, la película se centra en la vida de Sam Bell en la Luna. La primera escena es muy interesante, bastante reveladora de su existencia y su trabajo allí. Vemos al hombre en una de esas cintas mecánicas para correr. ¿Qué otra imagen os viene a la cabeza? Yo pensé automáticamente en una rata de laboratorio, que se mete en una de esas ruedas para hacer ejercicio, frenéticamente, pareciendo desde fuera que intenta escapar de la jaula, sin posibilidad alguna, repitiendo siempre el mismo recorrido, siempre entre rejas. Sam Bell está viviendo algo parecido, sólo que aún no lo sabe.

He leído por ahí que, con ‘Moon’, gira en torno a la clonación. En realidad esto no es cierto, aunque como el propio director llegó a decir, la película está abierta a todo tipo de interpretaciones; una fórmula muy facilona y al mismo tiempo muy inteligente, porque así no sólo no te ves forzado a explicar tus intenciones, sino que permites que cualquier espectador se quede satisfecho con su propia visión de la historia. En cualquier caso, Sam Bell es un clon. Y esto plantea interesantes reflexiones. Pero lo más importante, y lo esencial de la película, es que Sam debe enfrentarse a dos dilemas: por un lado, todo lo que creía, todo lo que le habían dicho, es una gran mentira; y por otro lado, es un ser artificial que va a ser eliminado, una vez que acabe su misión.

Por eso, más que una película sobre la clonación, ‘Moon’ es una película sobre un ser humano que se plantea el sentido de su existencia, el sentido de la vida, la diferencia de lo orgánico y lo artificial. Hay claros homenajes a ‘2001’ o ‘Naves misteriosas’ (‘Silent Running’), pero en este sentido hay que acordarse de ‘Blade Runner’, esa mágica obra de Ridley Scott. Sam Bell (cualquiera de los Sam Bell a los que da vida un impresionante Sam Rockwell) tiene tres años de vida y en caso de sufrir un accidente o estar en peligro el trabajo que realizan en la Luna, será sustituido por otro clon, que hará exactamente lo mismo que él. En realidad, la idea de la clonación permite a Jones experimentar con otra posibilidad, que era la que más le fascinaba, y era que un hombre “viejo” pudiera interactuar con una versión “joven” de sí mismo.

De este modo, en ‘Moon’ tenemos a un Sam Bell desgastado y cansado, pero experimentado, que conoce a un Sam Bell fresco y enérgico, pero torpe. Y entre los dos intentan saber qué demonios pasa en la Luna, por qué están allí y cuál debe ser el camino que deben recorrer juntos, pero al mismo tiempo, y esto es sumamente interesante, son dos personas diferentes, dos egos distintos con sus propias ideas y sentimientos, y les cuesta llevarse bien al principio, enfrentándose sin remedio, porque su forma de ser es así, tienen ese carácter difícil; en el fondo, están mejor solos que en compañía. Si un Sam Bell ya tiene problemas para relacionarse, dos puede resultar un completo desastre. ¿Qué pasaría si tuvieras que interactuar contigo mismo, podrías soportarte?

He mencionado ‘2001’. La referencia a la mítica película de Stanley Kubrick es obligada, no sólo por momentos que parecen calcados (el viaje estelar, con el rostro de Rockwell iluminado por múltiples colores) sino por la presencia de un robot, una inteligencia artificial, que es, durante mucho tiempo, la única compañía del protagonista. Al igual que HAL, GERTY tiene información confidencial que no puede revelar y una voz extraña, amigable, que hace sospechar de sus verdaderas intenciones, al relacionarse con Sam Bell. Kevin Spacey da voz a este robot y lo hace estupendamente, porque da ese toque inquietante que necesita el personaje.
Si a lo largo de este texto he hablado sólo de las virtudes y los aspectos más fascinantes de la película, es porque Duncan Jones consigue su propósito de entretener, inquietar y hacer pensar. Es ciencia ficción de la de antes, con una estética muy poderosa y una historia que mantiene el interés todo el tiempo, incluso aunque ya sepamos cómo va a acabar. Se te queda en la cabeza y conforme la vas pensando, más te gusta, más te quedas con los aciertos y menos importancia le das a
los errores o los elementos menos logrados.

El principal error que le veo a ‘Moon’, además de que no me convence del todo la reacción de Sam Bell al ver a su clon, es que Jones bebe demasiado de otras películas, y no aporta gran cosa, no te da nada que no hayas visto antes, exceptuando claro, a Sam Rockwell multiplicado. Con eso nos quedaremos probablemente, en el futuro, con la soberbia interpretación de Rockwell. Pero lo mejor es que siempre podremos volver a ‘Moon’ para encontrar una historia entretenida, muy bien realizada (ojo, costó unos miserables 5 millones), hecha con cariño y buen gusto, a lo que hay que añadir que cuenta con una banda sonora de Clint Mansell, por lo que ya sobran razones para defenderla.



Fuente: Diario Pagina 12, suplemento Radar, 21 de febrero de 2010.

Estrellas en el cielo: Maria Schneider.

Por Juan Luis Caviaro

Maria Schneider

María Schneider falleció el 3 de febrero de 2011, en París a los 58 años, tras una infructuosa batalla contra el cáncer. Como queda de manifiesto al echar un vistazo a los titulares de los medios que han publicado la noticia, la actriz francesa es y será siempre recordada por haber protagonizado ‘El último tango en París’ (‘Ultimo tango a Parigi’, 1972). A su pesar, ya que es sabido que el rodaje resultó traumático para Schneider, que por aquel entonces solo tenia 19 años. La actriz se mostraría arrepentida de haber accedido a rodar la polémica escena de la mantequilla (que fue improvisada), llegando a manifestar que se sintió violada; nunca más volvió a aparecer desnuda en una película.

Cosas del cine, la mujer lo pasó fatal y ‘El último tango en París’ es una obra de culto, por esa escena, por el momento en que se estrenó, porque la dirigió Bernardo Bertolucci y porque el otro protagonista era ni más ni menos que Marlon Brando. Aun así, como ella no dejó de reivindicar (en vano), no fue ni mucho menos la única película en la que intervino. La actriz, nacida el 27 de marzo de 1952 (en la misma ciudad donde murió) con el nombre de Marie Christine Gélin, debutó en el teatro siendo apenas una adolescente y su primer papel en el cine le llegó pronto, a las órdenes de Terence Young en ‘Vidas truncadas’ (‘L´arbre de Noël’, 1969). Pese a abandonar la profesión por depresiones y problemas con las drogas, pudo trabajar a las órdenes de (además de Bertolucci) Michelangelo Antonioni en ‘El pasajero’ (‘Professione: reporter’, 1975), René Clément en ‘La baby sitter’ (1975) o Franco Zeffirelli en ‘Jane Eyre’ (1996). Recibió un César en 1980 por su trabajo en ‘Toda una mujer’ (‘La dérobade’) de Daniel Duval, y su última aparición en la gran pantalla fue en ‘La clienta’ (‘Cliente’, 2008) de Josiane Balasko.

Hasta siempre, Maria.

Fuente: Portal Blog de cine, http://www.blogdecine.com/noticias/maria-schneider-nos-ha-dejado

Alex Cox, un director comprometido.

Alex Cox, un artista con mucho para decir - 26º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

Alex Cox es una rara avis del universo cinematográfico. Un cineasta personal, apasionado, comprometido con una fuerte construcción ideológica que lo vuelve irresistiblemente atractivo.

Nacido “cerca de Liverpool”, al norte de Inglaterra, Cox comenzó estudiando cine en Bristol y terminó en la UCLA, en Los Angeles. Allí concretó su debut con Edge City (1980) un mediometraje con la surrealista influencia de Luis Buñuel.Relacionado a la corriente punk de los primeros ochenta por sus dos obras más populares, Repo Man (1984) y Sid & Nancy (1986), Cox supo acompañar un movimiento de profundas raíces combativas desde una anarquía con esperanzas de cambio. La urgencia de ambos films, habla de una impronta cuanto menos inusual para ese momento en particular de la escena cinematográfica, en especial por su fuerte sello personal: si una de las premisas del punk es que la actitud debe primar por sobre la aptitud, Cox demostraba en ambos films que iba aún más allá, dejando que ambas instancias queden equiparadas: allí había –y seguirá habiendo- actitud y aptitud en exceso.

Tras registrar la trágica historia de amor de Sid Vicious, comenzaría un período particularmente nómada en su carrera, que a la vez serviría para reforzar sus ideales, primero con Directo al infierno / Straight to Hell, 1987 -su propia relectura del western spaghetti, un género que lo apasiona hasta el extremo del enciclopedismo-, rodada en España y después con Walker (1987), quiebre definitivo de su relación con los grandes estudios hollywoodenses. Esta película, filmada en Nicaragua en 1987 con la colaboración del gobierno Sandinista, sería un verdadero punto de inflexión. "Con Walker yo crecí", dice Cox "y logré completar un film político del cual me sentí orgulloso. Pero también me familiaricé con la tragedia innecesaria que suele involucrar el filmar películas a escala masiva. Hasta este punto, yo venía siendo indebidamente optimista con el proceso de factura de las películas y egocéntrico en mi acercamiento al mismo. Después me volvería más pesimista. Mi película más acabada, El Patrullero, fue el resultado de esas experiencias”. Un excelente resultado, habría que aclarar: El Patrullero (1991) -la primera película de Alex Cox que no se estrenaría en nuestro país ni se editaría en video-, es una muestra de su ductilidad como director, de su espíritu indomable al enfrentar un proyecto hablado completamente en un idioma que no es el propio.

Le seguirían otra película filmada en México, La muerte y la brújula (1992), una adaptación del cuento homónimo de Jorge Luis Borges, oportunamente proyectada en este Festival y The Winner (1996), una película por encargo.
A partir de allí, el mercado argentino le perdió el rastro a un Alex Cox cada vez más prolífico, intercalando documentales y episodios para televisión (como Emmanuelle: A Hard Look (2000) ó I´m a Juvenile Delinquent, Jail Me! (2004), respectivamente) con una interesante seguidilla de largometrajes en los que mantiene su lejanía con los grandes estudios. Así es como nacen Three Businessmen (1998), una corrosiva comedia en la que también actúa, Revengers Tragedy (2002), furiosa distopía con la venganza como columna vertebral y Searchers 2.0, una road movie actoral. El humor, la política y la cinefilia, elementos que distinguen a cada una y, a la vez, a todas por igual.
Sus últimos trabajos hasta el momento fueron Repo Chick (2009), una divertida farsa y Straight to Hell Returns (2010), relanzamiento y ampliación de su opus anterior.

Sin embargo, como buen personaje inquieto, Alex Cox tiene varios proyectos en su haber que no lo cuentan como director. Por un lado están sus breves apariciones como actor en películas dirigidas por amigos, como Camino de retorno (Backtrack / Catchfire, Dennis Hopper / Alan Smithee, 1990), La reina de la noche (Arturo Ripstein, 1994), La ley de Herodes (1999) y Un mundo maravilloso (2006), ambas de Luis Estrada y Perdita Durango (1997) y Los crímenes de Oxford (2008) de Alex de la Iglesia.

Y por otro lado, sus trabajos como guionista compartidos con Rudy Wurlitzer (Body Parts, Zero Tolerance), Tod Davies, con quien escribió guiones como Camino sin retorno, Keith Moon Was in Here! y Pánico y locura en Las Vegas, (Fear and Loathing in Las Vegas, 1998) y Stan “The Man” Lee, con quien pergeñó un guión aún no filmado sobre Doctor Strange, una de las creaciones del prolífico genio de los cómics.

Su costado menos conocido en nuestro país es el de conductor televisivo: con la cinefilia como motor llevó adelante durante nueve temporadas Moviedrome, un programa dedicado a rescatar rarezas cinematográficas, films de culto y demases, para el cual Cox se vestía de manera estrafalaria, desmenuzando cuidadosamente cada película logrando tenaces análisis, algunos de los cuales se pueden disfrutar en la web.

Finalmente, está el Alex Cox autor, otra de sus múltiples aristas. Además de X Films, un repaso en primera persona de sus experiencias como director, existe 10.000 formas de morir /10.000 Ways to Die, un apasionante paseo por los recovecos del western spaghetti, libro editado por esta 26º edición del Festival de Mar del Plata.

Alex Cox estará aquí para presentarlo. Tendremos, entonces, la oportunidad de conocer a un gran cineasta, un autor con un fuerte compromiso ideológico, que desde su página web sigue con su intenso activismo político y cultural, mientras da clases de cinematografía y sigue escribiendo guiones, planeando, agazapado, su próximo gran proyecto como realizador. Como dicen por ahí, la revolución no será televisada; sin dudas será llevada a la pantalla grande por él.


Filmografía

Como director

Straight To Hell Returns (2010)
Repo Chick (2009)
The Searchers 2.0 (2007)
Revengers Tragedy (2002)
Three Businessmen (1998)
Death and the Compass (1996)
El ganador .(The Winner) (1996)
El Patrullero (1992)
Walker (1987)
Straight to Hell (1987) Ambientada en el Oeste americano, en realidad fue rodada en Almería (España) e inspiró el famoso tema Fiesta de The Pogues. Entre otros interpretes estaban: Courtney Love, Dennis Hopper, Grace Jones y el ahora director de cine, Jim Jarmusch. Los Pogues aparecían de mexicanos.
Sid and Nancy Sid & Nancy - Love Kills (1986) Sid y Nancy - el amor mata. La vida de Sid Vicious y su relación con Nancy Spungen.
Repo Man: el recuperador (1984) filme de culto con la filosofía y la ¨estética punk¨.
Sleep Is for Sissies (1980)

Documentalista

Emmanuelle: A Hard Look (2000)
Kurosawa: The Last Emperor (1999)

Como actor

Los crímenes de Oxford (2007)
Un mundo maravilloso (2006)
Rosario Tijeras (2005)
La ley de Herodes (2000)
Todo el Poder (1999)
Perdita Durango (1997)
Catchfire (1990)
Sid and Nancy (Sid & Nancy - Love Kills ) (1986)

Como guionista

Miedo y asco en Las Vegas (España) ó Pánico y locura en Las Vegas (Lat. América) (título original (Fear and Loathing in Las Vegas) (1998).
Straight to Hell (1987)
Sid and Nancy Sid & Nancy - Love Kills (1986)
Repo Man: el recuperador (Repo Man) (1984)


Fuente: info@mardelplatafilmfest.com Diseño de Marca: Comunicación INCAA Diseño y
desarrollo web: tribytes.com

Conversaciones con Pino Solanas.

Fernando "Pino" Solanas
Figura fundamental de la cultura latinoamericana

A lo largo de 50 años, su militancia y compromiso político están íntimamente ligados a su actividad artística. Se formó políticamente junto a hombres como Raúl Scalabrini Ortíz, Arturo Jauretche, Carlos Astrada, Juan José Hernández Arregui, César Marcos, Fermín Chávez, John William Cooke, Rodolfo Ortega Peña, y fue secretario privado de Julio Canessa.

En 1962 realiza su primer cortometraje de ficción Seguir andando y forma su casa de producción. En 1968 realiza en forma clandestina su primer largometraje La Hora de los Hornos, trilogía documental sobre el neocolonialismo y la violencia en el país y América Latina. En 1969 funda el grupo Cine Liberación junto con Octavio Getino, e impulsa con el film el desarrollo de un circuito alternativo de difusión a través de organizaciones sociales y políticas que forman parte de la resistencia a la dictadura. El film obtiene múltiples premios internacionales y se difunde en más de 70 países.

En 1971, el Grupo Cine Liberación fue convocado por Juan Domingo Perón a filmar en Madrid sus dos testimonios cinematográficos: La Revolución Justicialista y Actualización Doctrinaria para la toma del poder.

En 1975 termina Los Hijos de Fierro, primer largometraje de ficción. Meses antes, había sido amenazado de muerte por la Triple A y en 1976 un comando de la Marina intenta secuestrarlo. Parte al exilio hacia España y se establece finalmente en Francia, donde realiza, en 1980, el documental La mirada de los otros.

Durante su exilio participa en varias organizaciones de solidaridad con las Madres de Plaza de Mayo y los demás organismos de defensa de los derechos humanos, denunciando internacionalmente la situación argentina. En París, con Envar El Kadri, Arianne Mouskhine, Miguel Ángel Estrella y otros artistas e intelectuales, participa en la creación de la Asociación Internacional en Defensa de los Artistas.

Caída de la dictadura, en 1983, regresa a Buenos Aires y, en 1985, filma Tangos... El Exilio de Gardel, que obtiene máximos premios en el Festival de Venecia y de La Habana. En 1988 termina Sur y es premiada en Cannes y en numerosos festivales.

En junio de 1989 promueve la gran asamblea de sindicatos audiovisuales que se realiza los días 22 y 23 de junio en el Centro Cultural San Martín, exigiendo la convocatoria a un gran debate y una ley marco de Radiodifusión que reemplace a la de la dictadura.

Fue una de las primeras voces denunciantes de la traición de Menem a los contenidos del voto, la privatización de los canales y la Ley de Reforma del Estado.

En marzo de 1991, en un reportaje, acusa a Carlos Menem de estar al frente de una " banda de delincuentes que está saqueando el patrimonio público ". El ex presidente le responde con una denuncia por "calumnias e injurias". Solanas reafirma su acusación ante el Juez Federal Martín Iruzun. Al día siguiente Solanas es víctima de un atentado de grupos comando ligados a la seguridad del Estado, por el que recibió seis disparos de arma de fuego en las piernas. Debe postergar la terminación del film El Viaje, que logrará concluir en 1992.

Continúa denunciando el saqueo menemista y, tras haber recibido centenares de saludos de solidaridad convoca a la unión de los sectores opositores al modelo, confluyendo en una gran marcha "sin otra bandera que la argentina". El 21 de noviembre de 1991 –día de la Soberanía Nacional- una bandera de 400 metros de largo recorre la ciudad de Buenos Aires hasta abrazar al Congreso de la Nación.

Recibe el premio Human Rights Watch, en New York, donde se realiza una retrospectiva de su obra.

Durante su gestión como Diputado Nacional, entre 1993 y 1997, integra las comisiones de Cultura, Energía, Comunicaciones, y Medio Ambiente desde las que elabora más de 160 proyectos, entre resoluciones y leyes. Desde la Comisión de Energía encabeza el movimiento por la defensa de Yacyretá y Salto Grande e interpela en dos oportunidades al ex Ministro de Economía Domingo Cavallo y al ex Secretario de Energía Carlos Bastos, frente al intento de privatizar estas empresas, las centrales nucleares de Embalse y Atucha, y la Fábrica de Aguas Pesadas en Arroyito (Neuquén).

Desde el Parlamento, trabaja en la reforma de la Ley de Cine, la Ley de Teatro y la Ley de Música. Introduce los jurados renovables e interdisciplinarios para la adjudicación de créditos o premios. Impulsa y trabaja en la creación de la Cinemateca Nacional (CINAIN) que, aprobada por unanimidad en las dos cámaras, es vetada por Carlos Menem. Sin embargo, un mes después, Solanas consigue que ambas cámaras ratifiquen por unanimidad la ley. Han transcurrido varios gobiernos y, en diez años, la ley aún no está reglamentada.

En el Anexo de la Cámara de Diputados realiza dos encuentros sobre Democracia, Medio Audiovisual y Cultura y presenta el proyecto del Canal de Televisión del MERCOSUR con participación de parlamentarios de América Latina y la Presidenta de la Comisión de Comunicaciones del Parlamento Europeo, Luchiana Castellina.

Es el primero en denunciar la corrupción en IBM en la Municipalidad de Avellaneda, demostrando que es el mismo mecanismo investigado en el Banco Nación y que se estaba aplicado en todas las provincias y municipios.

Es invitado por Federico Mayor –Secretario General de la UNESCO- a integrar el Comité Mundial por la Defensa del Patrimonio Cinematográfico en representación de América Latina. Ha presidido la asociación Directores Argentinos Cinematográficos (DAC). Ha promovido en el país y en América Latina la democratización del espacio audiovisual y las leyes marco que garantizan en radios y televisoras el derecho a la pluralidad y a la información objetiva. Trabajó en el proyecto del Canal Parlamentario y del Canal del Mercosur, que obtuvo la primera votación afirmativa de la Cámara.

Durante las últimas décadas promueve diversas asociaciones e iniciativas culturales. Entre las más importantes se encuentra El Imaginario de América Latina (1989) que debió ser el mayor centro cultural del país y que Menem terminó por convertir en un shopping.

En 1998 termina La Nube premiada en el Festival de Venecia. En el Festival de La Habana recibe el Gran Coral a su trayectoria.

En 2004 presenta el documental Memoria del Saqueo en el 54º Festival Internacional de Cine de Berlín, donde le entregan el Oso de Oro a su trayectoria. La película obtiene importantes premios internacionales.

En septiembre de 2005 estrena La Dignidad de los Nadies, premiada en Venecia, Montreal, Valladolid y La Habana.

El 5 de diciembre de 2005 es distinguido por el Fondo Nacional de las Artes con el Gran Premio a la Trayectoria.

En mayo de 2007 estrena Argentina Latente, su documental sobre las potencialidades científicas del país.

Ha sido jurado en los principales festivales cinematográficos y realiza una importante tarea en la docencia, dictando seminarios en las principales escuelas de cine de América Latina, Europa y EEUU. Desde 2006 es Profesor Emérito en la Universidad de Los Ángeles (UCLA) y en la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM). Ha recibido condecoraciones de los gobiernos de Italia y Francia y la máxima distinción cultural cubana, la orden Félix Varela .

Ha escrito numerosos artículos sobre cine, cultura y el acontecer político en publicaciones de Argentina, América Latina y Europa. Escribe el ensayo La Mirada (1989); Cine Cultura y Descolonización, en colaboración con Octavio Getino (1971); y el ensayo de investigación "Yacyretá: Crónica de un despojo" (1996). En la actualidad prepara la edición de una recopilación de sus trabajos.

Filmografía

Tierra sublevada: Oro negro 2010
Tierra sublevada: Oro impuro 2009
La próxima estación 2008
Argentina latente 2007
La dignidad de los nadies 2005
Memoria del saqueo 2004
Afrodita, el sabor del amor 2001 (Filme inconcluso)
La nube 1998
El viaje 1992
Sur 1988
El exilio de Gardel (Tangos) 1985
Los hijos de Fierro 1975
Perón: actualización política y doctrinaria para la toma del poder 1971
Perón, la revolución justicialista 1971
Argentina, Mayo de 1969: los caminos de la liberación 1969
La hora de los hornos 1968
Reflexión ciudadana 1963 (cortometraje)
Seguir andando 1962 (cortometraje)


Fuente: La Máquina de Escribir lamaquinaliteraria@gmail.com
Sitio oficial de Pino Solanas: www.pinosolanas.com.ar

La película olvidada: Flor de cactus, de Gene Saks.

'Flor de cactus', un triángulo espinoso



Por Beatriz Maldivia

Como indicaba ayer en la crítica sobre ella, ‘Sígueme el rollo’ se inspira en ‘Flor de cactus’ (‘Cactus Flower’, 1969), una comedia romántica de Gene Saks, escrita por I.A.L. Diamond, colaborador habitual de Billy Wilder, con quien trabajó los guiones de ‘Con faldas y a lo loco’, ‘El apartamento’ o ‘Primera plana‘… por citar solo las más notorias. Diamond se basaba en la obra de teatro homónima de Abe Burrows, quien a su vez había trasladado el texto teatral francés de Pierre Barillet y Jean-Pierre Grédy ‘Fleur de cactus’.

El cactus del título es una metáfora de una mujer arisca y entrada en años que esconde sus encantos, pero muy de vez en cuando florece. El personaje en la versión fílmica lo interpreta Ingrid Bergman a los 54, como la enfermera del doctor Winston, un vividor encarnado por Walter Matthau cuando tenía 49. El dentista tiene un affaire con una jovencita, Goldie Hawn en uno de sus primeros papeles, a la que le ha contado que está casado y que tiene tres hijos para que ella no aspire a que le pida la mano. Cuando la joven demuestra que se suicidaría por amor, el doctor decide que es hora de proponerle matrimonio y se inventa que su mujer le ha pedido el divorcio. Sin embargo, ella no quiere aceptar hasta estar segura de que la esposa está de acuerdo, por lo que se empeña en conocerla. El dentista le pedirá a su enfermera que se haga pasar por su mujer lo que, en lugar de resolver su problema, le acarreará más complicaciones.

Como el moderno, el film se basa en las artimañas y en el enredo. La diferencia es que estos malentendidos se llevan a cabo de una manera más inteligente e intrincada, manteniendo la capacidad de sorprender cuando unas mentiras traban a otras y todo se le escapa de las manos al gran farsante. La adaptación no se despoja del aire teatral, ya que reparte en extensas escenas, muy dialogadas y con poca acción. La labor de realización de Saks da un resultado plano y que no pasa de lo solvente. A cambio, contiene diálogos astutos con suculentas réplicas y golpes cargados de ingenio. El subtexto está presente en multitud de ocasiones, lo que en la actualidad es cada vez más difícil de encontrar, pues debe de ser que no se confía en que el público lea entre líneas ni una indirecta. El humor visual o básico no está entre las intenciones, ya que el tono, aunque sea cómico, no es estridente.

Decía que el humor visual no está entre las intenciones porque la estética, vista cuarenta y tres años después, puede resultarnos muy simpática. Así que encontramos un aliciente en ‘Flor de cactus’ añadido por el paso del tiempo, que es ese retrato de los años sesenta, en el que hipsters, vestidos casi como los de ahora, solicitan la versión mono de los discos en la tienda de música. Los modelos de colores que luce Hawn, los temas orquestales como el ‘I’m a believer’ de los Monkees, la forma de bailar y moverse de los asistentes a la discoteca y el atuendo de todos ellos no se habrían podido imitar en una emulación actual. El año en el que se rueda, además, hace que sea muy moderna en el sentido moral, pues parece que las mentes estaban más abiertas entonces que ahora.

Ni que decir tiene que la mayor disimilitud entre las dos visiones estriba en el reparto. Matthau era un monstruo de la interpretación, capaz de dotar a sus personajes, nunca positivos ni edificantes, de un magnetismo innegable. Aquí encontramos buenas dosis de sus demostraciones de irritación o sus gestos maquiavélicos, que conseguía gracias a una expresividad que no se convirtió nunca en sobreactuación. Bergman despliega todas sus facetas según su personaje evoluciona y conserva su atractivo, al que le añade una capacidad para el sarcasmo que no le conocíamos. Hawn, que obtuvo el Oscar a la mejor actriz de reparto y otros galardones por su papel, derrocha encanto y candidez sin por ello parecer tontita o irritante, hazaña nada desdeñable. Rick Lenz, como Igor, y Vito Scotti, como el señor Sánchez, añaden buenos toques, el primero como cuarto vértice del triángulo y el segundo como alivio cómico.

Por mucho que el final pueda preverse tanto como en la versión actual, no lo estamos presenciando mentalmente desde el arranque, ya que el personaje de Bergman se disfraza con suficientes espinas como para que, en el inicio, entendamos que no despierta ninguna atracción. Así, a lo largo del desarrollo (posible spoiler) veremos una transformación en la que los pétalos van naciendo. La resolución, lejos de ser una componenda moralista que distribuye a las personas según sus edades, es una reivindicación de las opciones de las mujeres que ya han dejado atrás la juventud y una equiparación de sus expectativas a las de los hombres –que nunca ha estado mal visto que salgan con personas de menor edad–, a la vez que una forma de valorar las virtudes interiores por encima de las físicas.

En definitiva, recomendaría ‘Flor de cactus’ porque no presenta ni por asomo el primer inconveniente que cualquiera sospecharía: estar antigua, ni mucho menos desprende la caspa que yo le había presupuesto. La encuentro una película más colorista, vistosa y moderna que muchas de las actuales, no solo en cuanto al vestuario y la peluquería, sino en cuanto a los valores morales y sociales. El ingenio de los diálogos y la interpretación de tres enormes actores hacen que valga la pena desempolvar este título que tan injustamente permanece casi ignorado.


Ficha Técnica

Dirección Gene Saks
Producción M.J. Frankovich
Diseño de producción Robert Clatworthy
Guion Pierre Barillet, Jean-Pierre Grédy y Abe Burrows
Música Quincy Jones
Maquillaje John O'Gorman
Fotografía Charles Lang
Montaje Maury Winetrobe
Vestuario Moss Mabry

Protagonistas

Walter Matthau
Ingrid Bergman
Goldie Hawn
Jack Weston
Rick Lenz
Vito Scotti



Fuente: Portal Blog de Cine, http://www.blogdecine.com/criticas/flor-de-cactus-un-triangulo-espinoso

Oración a Marilyn Monroe.

Por Ernesto Cardenal

Señor:
recibe a esta muchacha conocida en toda la Tierra con el nombre de Marilyn Monroe,
aunque ése no era su verdadero nombre
(pero Tú conoces su verdadero nombre, el de la huerfanita violada a los 9 años
y la empleadita de tienda que a los 16 se había querido matar)
y que ahora se presenta ante Ti sin ningún maquillaje
sin su Agente de Prensa
sin fotógrafos y sin firmar autógrafos
sola como un astronauta frente a la noche espacial.
Ella soñó cuando niña que estaba desnuda en una iglesia (según cuenta el Times)
ante una multitud postrada, con las cabezas en el suelo
y tenía que caminar en puntillas para no pisar las cabezas.
Tú conoces nuestros sueños mejor que los psiquiatras.
Iglesia, casa, cueva, son la seguridad del seno materno
pero también algo más que eso...
Las cabezas son los admiradores, es claro
(la masa de cabezas en la oscuridad bajo el chorro de luz).
Pero el templo no son los estudios de la 20th Century-Fox.
El templo -de mármol y oro- es el templo de su cuerpo
en el que está el hijo de Hombre con un látigo en la mano
expulsando a los mercaderes de la 20th Century-Fox
que hicieron de Tu casa de oración una cueva de ladrones.

Señor:
en este mundo contaminado de pecados y de radiactividad,
Tú no culparás tan sólo a una empleadita de tienda
que como toda empleadita de tienda soñó con ser estrella de cine.
Y su sueño fue realidad (pero como la realidad del tecnicolor).
Ella no hizo sino actuar según el script que le dimos,
el de nuestras propias vidas, y era un script absurdo.
Perdónala, Señor, y perdónanos a nosotros
por nuestra 20th Century
por esa Colosal Super-Producción en la que todos hemos trabajado.
Ella tenía hambre de amor y le ofrecimos tranquilizantes.
Para la tristeza de no ser santos
se le recomendó el Psicoanálisis.
Recuerda Señor su creciente pavor a la cámara
y el odio al maquillaje insistiendo en maquillarse en cada escena
y cómo se fue haciendo mayor el horror
y mayor la impuntualidad a los estudios.
Como toda empleadita de tienda
soñó ser estrella de cine.
Y su vida fue irreal como un sueño que un psiquiatra interpreta y archiva.
Sus romances fueron un beso con los ojos cerrados
que cuando se abren los ojos
se descubre que fue bajo reflectores
¡y se apagan los reflectores!
Y desmontan las dos paredes del aposento (era un set cinematográfico)
mientras el Director se aleja con su libreta
porque la escena ya fue tomada.
O como un viaje en yate, un beso en Singapur, un baile en Río
la recepción en la mansión del Duque y la Duquesa de Windsor
vistos en la salita del apartamento miserable.
La película terminó sin el beso final.
La hallaron muerta en su cama con la mano en el teléfono.
Y los detectives no supieron a quién iba a llamar.
Fue
como alguien que ha marcado el número de la única voz amiga
y oye tan solo la voz de un disco que le dice: Wrong Number
O como alguien que herido por los gangsters
alarga la mano a un teléfono desconectado.

Señor:
quienquiera que haya sido el que ella iba a llamar
y no llamó (y tal vez no era nadie
o era Alguien cuyo número no está en el Directorio de los Ángeles)
¡contesta Tú al teléfono!