Sexto sentido y el suspenso psicológico

Ficha técnica

Dirección M. Night Shyamalan
Producción Kathleen Kennedy
Frank Marshall
Barry Mendel
Guión M. Night Shyamalan
Música James Newton Howard
Fotografía Tak Fujimoto
Montaje Andrew Mondshein

Reparto

Bruce Willis
Haley Joel Osment
Toni Collette
Olivia Williams
Donnie Wahlberg
Peter Anthony Tambakis
Jeffrey Zubernis


Datos y cifras

País Estados Unidos
Año 1999
Género Suspense
Duración 107 minutos

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"Sexto sentido" es un thriller psicológico de 1999 escrito y dirigido por M. Night Shyamalan, que fue nominado a varios premios de la Academia. Cuenta la historia de Cole (Haley Joel Osment), un niño problemático y aislado quien dice poder ver y hablar con gente muerta, y un psicólogo infantil igualmente atormentado (Bruce Willis) que trata de ayudarlo. La película, como mucho del trabajo de Shyamalan, es conocida por su final imprevisto.

Argumento

La película comienza cuando el Dr Malcom Crowe (Bruce Willis), un prominente psicólogo infantil, regresa a su casa con su mujer de un evento donde recibió un premio por sus esfuerzos con los niños. Ellos descubren que no están solos -un hombre perturbado y semidesnudo aparece en la puerta del baño con un arma, Vincent. Dice "no quiero tener miedo nunca más." Está enojado porque Crowe no lo había ayudado, y Crowe se da cuenta que es un ex paciente que había tratado de niño por sus alucinaciones. Insulta a Malcom por su incapacidad para ayudarlo y le dispara en el estómago. Segundos más tarde se suicida. La escena se desvanece con la esposa de Malcolm a su lado, ayudándole.

Meses más tarde, al siguiente otoño, Malcolm vuelve a trabajar con otro niño asustado, Cole Sear (Haley Joel Osment), de 9 años, con un problema similar al de Vincent. Malcolm se dedica a su nuevo paciente, aunque está inseguro de su capacidad de ayudarlo luego de su fracaso con Vincent. Mientras tanto, comienza a descuidar a su mujer, a medida que su relación se derrumba. Malcolm gana la confianza de Cole, hasta que el niño le confía que puede ver gente muerta. Aunque Malcolm es naturalmente escéptico en un principio, finalmente llega a creer que Cole dice la verdad, y que Vincent podría haber tenido la misma habilidad que Cole. Le sugiere que trate de encontrar el propósito de su don, comunicandose con los fantasmas, quizá para ayudarlos con sus asuntos pendientes en la tierra. Cole duda de su consejo, porque los fantasmas lo aterrorizan, pero luego decide tratar de ayudarlos.

Cole se comunica con el fantasma de una niña (Mischa Barton) que aparece en su habitación y parece estar enferma. Le pregunta donde vivía y va a su casa, donde se está llevando a cabo su funeral. El fantasma de la niña le da a Cole una cinta de vídeo dentro de una caja, y Cole se lo da al padre. El video muestra que mientras Kyra estaba en cama por su enfermedad, su madre le envenenaba la comida, lo que concluyó en la muerte de la niña. Fortalecido por su habilidad para usar su don con un efecto positivo, Cole le confiesa su habilidad a su madre, Lynn (Toni Collete). Aunque se perturba por la historia, Cole le cuenta a Lynn que su madre (la abuela de Cole) la había ido a ver a un recital cuando ella era niña, aunque Lynn no sabía porque su madre se había quedado en el fondo, donde no la podía ver. También le dice la respuesta a la pregunta que le había hecho en la tumba. Lynn cree que Cole le dice la verdad, y su relación se afianza.

Con su fe en si mismo recuperada como resultado de su éxito con Cole, Malcolm regresa a su casa, donde encuenta a su esposa durmiendo en el sofá, mirando el video de su casamiento. Mientras duerme, su mano suelta el anillo de casamiento de Malcom, revelando el final sorpresivo del film -que Malcolm es involuntariamente uno de los fantasmas de Cole, habiendo sido asesinado por su paciente en la primera escena. Gracias al esfuerzo de Cole, el asunto pendiente de Malcolm, rectificar su falla con Vincent, está completo. Recordando el consejo de Cole de hablarle a su mujer mientras ella duerme (así ella lo escucharía), Malcolm le dice que siga con su vida y se libera a si mismo, dejando atrás el mundo de los vivos.


Final Sorpresivo

Toda la ropa que Malcolm usa durante la película son prendas que había usado o tocado la noche que murió, incluyendo su saco, su suéter azul y las diferentes prendas del traje.

Bruce Willis, que es zurdo, aprendió a escribir con su mano derecha para el film, para esconder a la audiencia que Crowe no llevaba su anillo de bodas. Aunque los productores fueron cuidadosos acerca las pistas del estado de Crowe, la camara lentamente se acerca a la cara de Crowe mientras Cole le dice que ve gente muerta. En un contenido extra especial del DVD, se menciona que inicialmente temían que esta toma fuera una revelación involuntaria, pero decidieron dejarla. El color rojo está ausente en la mayoría del film y solo en algunas escenas aisladas dispersas durante la película en situaciones donde los muertos están presentes: es el color del globo y del suéater de Cole en la fiesta de cumpleaños, la carpa donde se encuentra a Kyra, los números en la grabadora de Crowe, la perilla de la puerta cerrada del apartamento de Crowe, y el vestido de la madre de la niña. El film "La aldea", de Shymalan, proponía similarmente al color rojo como un color con connotaciones malignas y supernaturales -específicamente, los monstruos misteriosos que habitan los bosques alrededor de la aldea.


Guión vs. film

El guión original de "Sexto Sentido", escrito por Shymalan y circulado públicamente luego del lanzamiento de la película, es en algunos aspectos bastante diferente de la película. Lo más notable es que contiene mucha menos información que lo usual para un film. Esto es aparentemente porque Shyamalan esperaba dirigir el film él mismo, y por eso dejó afuera la mayoría de los detalles que un escritor de guión normalmente ofrecería a un director, intentando separar la historia entre escenas y disposiciones de cámara.

En el guión, en opocición al film, es más difícil adivinar el final sorpresivo de la historia, porque el libreto de Shyamalan hace menos obvio que el doctor Crowe está muerto. Justo antes que Crowe se presentara ante Cole, en la primera secuencia luego que Crowe es disparado, el guión tiene Crowe haciendo muecas de dolor y agarrándose el costado, la herida propia de un hombre recuperandose de una severa herida de bala. En cambio, en la película, Crowe (supuestamente todavía vivo) no exhibe ningún efecto de su herida.

Poco tiempo después de la secuencia del cumpleaños, hay un diálogo en la casa de Cole, donde él llega y encuentra a su madre consultando con un psicólogo de menores, junto con Crowe. En la película, como fue editada, Crowe es un mero espectador de esta escena. En el guión, Crowe responde a uno de los comentarios del psicólogo, y la madre habla inmediatamente después. Ella está respondiendo al psiquiatra, pero el efecto hace parecer que le está respondiendo a Crowe (llevando a la audiencia a creer que Crowe puede ser visto y oído por otras personas a parte de Cole).

El guión termina con un video casero de Crowe en la recepción de su boda, haciendo un discurso en parodia de los versos escritos por Doctor Seuss. Una referencia de esto sobrevive al final del film, en la primer escena antes que que Crowe sea disparado. En lugar de este final, el film termina con una escena mucho más emotiva: el video casero de Crowe besando a su esposa en su casamiento, esta escena se disuelve a blanco en un rayo de luz, donde el alma de Crowe es finalmente liberada


Comentarios

Fue escrita y dirigida por M. Night Shyamalan y fue la película que lo hizo famoso.

La película fue nominada a varios Premios de la Academia, incluyendo mejor actor secundario (Haley Joel Osment), mejor actriz de reparto (Toni Collette) y mejor director (M. Night Shyamalan).

De acuerdo con la IMDB (Internet Movie Database), "Sexto sentido" es la película de suspenso que más éxito ha tenido en cartelera a nivel mundial, recaudando 661,5 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/El_sexto_sentido"

Sabias que...

El 8 de abril de 1893 nació en Toronto, Canadá, Mary Pickford, llamada "la novia de América". La mayoría de sus películas fueron mudas. En 1919 junto a Douglas Fairbanks, su segundo marido y Charles Chaplin, fundo la United Artist. Falleció en 1979.

El mismo día, pero de 1907, nació el escritor y periodista tucumano Sixto Pondal Ríos, autor de "Los martes orquideas", "Dock Sud", "Los evadidos", "Detrás de un largo muro" y otros libros cinematográficos.

Y también el mismo día, pero de 1996, Murió en Madrid, el director cinematográfico argentino Leon Klimovski, realizador de "Marihuana" con Pedro Lopez Lagar, "El jugador" con Roberto Escalada y una versión de "El túnel" de Ernesto Sábato.

Luis Politti, un señor actor

Nació en Mendoza, el 8 de abril de 1933.

Al tiempo de realizar sus estudios secundarios, siguió los de piano, trompeta y contrabajo en la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Cuyo.
Como también anidaban en él inquietudes de actor, el director de dicho establecimiento lo recomendó a Galina Tolmacheva –notable maestra de arte dramático que había sido alumna de Konstantin Stanislavsky y de su discípulo dilecto, Fedor Komisarjévsky-, con quien estudió cuatro años en la Escuela Superior de Arte Escénico de la Universidad Nacional de Cuyo.

En 1966, viajó a Buenos Aires, becado por Fondo Nacional de las Artes y a poco de su arribo, Pedro Escudero lo incorporó al elenco de “El vicario” de Rolf Hochhuth; breve tiempo después, debutó en televisión con un pequeño papel en “Las tres caras de Malvina”.

De 1968 a 1973, integró el elenco estable del Teatro Municipal Gral. San Martín, donde dio muestras de su valía en piezas tales como “La cabeza del dragón” y “Romance de lobos” de Ramón de Valle Inclán; “Ivonne, princesa de Borgoña” de Witold Gombrowicz; “Macbeth” de Shakespeare y “Antígona Vélez” de Leopoldo Marechal, por citar sólo algunas de las once en que se registra su nombre en ese período.

Su ingreso en nuestro cine se produjo con “Turismo de carretera” (Rodolfo Kuhn, 1968). Más tarde, se destacó en forma especial como el verborrágico Vignale de “La Tregua” (Sergio Renán, 1974); el médico provinciano de “Boquitas pintadas” (Leopoldo Torre Nilsson, 1974); el resero Remigio Calamaco de “Los gauchos judíos” (Juan José Jusid, 1975) –que significó el Premio al Mejor Actor de ese año otorgado por la Prensa Latina de Nueva
York- y el desesperado padre de “No toquen a la nena” (Jusid, 1976).
Sus restantes participaciones para el cine argentino fueron: “Los traidores” (Raymundo Gleyzer, no estrenada comercialmente) -1971/72-; “Luces de mis zapatos” (Luis Puenzo) -1973-; “Los golpes bajos” (Mario Sábato) -1974-; “La Raulito” (Lautaro Murúa), “La guerra del cerdo” (Torre Nilsson), “Solamente ella” (Lucas Demare), “La película” (Jose María Paolantonio), "Tiempos duros para Drácula” (Jorge Darnell, inédito, en coproducción con España) -1975-.

Los hechos políticos vividos en nuestro país a partir de marzo de 1976 determinaron su exilio en México, pero diversos inconvenientes originados por su condición de extranjero, le impidieron continuar allí su carrera. Por mediación de Lautaro Murúa, pudo proseguirla en España, donde al tiempo de su llegada fue prontamente reconocido por sus innegables condiciones histriónicas.

Entre sus incursiones para el cine peninsular se cuentan: “Las Truchas” (José Luis García Sánchez), “La escopeta nacional” (Luis García Berlanga) -1977-; “Hierba salvaje” (Luis María Delgado), “Con uñas y dientes” (Paulino Viota), “El corazón del bosque” (Manuel Gutiérrez Aragón) -1978-; “Tierra de rastrojos” (Antonio Gonzalo), “F.E.N.” [Formación del Espíritu Nacional] (Antonio Hernández), “Cuentos eróticos” (episodio: La Tilita de Josefina Molina) -1979-; “Sus años dorados” (Emilio Martínez-Lázaro), “El hombre de moda” (Fernando Méndez-Leite), “Dedicatoria” (Jaime Chavarri) y “El nido” (Jaime de Armiñan) -1980-, donde brindó un excelente trabajo en memorable dueto interpretativo junto a Héctor Alterio.

Para la televisón española participó –entre otro trabajos- en “Rosaura a las diez” de Marco Denevi; “Esta noche, tampoco” de José López Rubio y se lució especialmente por su brillante personificación del borrachín Alfred Doolittle con “Pigmalión” de Bernard Shaw, junto a Marilina Ross y con dirección de José Antonio Páramo (1979).

Complicaciones derivadas de una hepatitis mal curada, culmina con su repentino fallecimiento, en la Clínica de Nuestra Señora de la Concepción, de Madrid, el 14 de julio de 1980. Sin embargo, no son pocos sus compañeros argentinos, residentes en Madrid en aquel tiempo, que afirman que el actor murió de tristeza a causa del forzoso alejamiento de su patria. En el libro “Héctor Alterio” de Hugo Paredero, el protagonista de La historia oficial se refiere al hecho diciendo: “¿Cómo murió? Se dice que por una hepatitis mal curada, pero si esa hepatitis, o lo que tuvo, le hubiera ocurrido en su país, estoy seguro que Politti no se habría muerto. Se entregó. Un dolor de cabeza, aquí te lo curás con una aspirina, pero un dolor de cabeza allá a lo mejor te puede producir una mandarina en el bocho. Quizá no fue así, pero yo me inclino a pensar que parte de esa angustia suya contribuyó a su muerte”.

Su única labor escénica en España –que resultó ser su actuación póstuma- la cumplio en abril de 1980 en el Centro Dramático Nacional María Guerrero, de Madrid con “Motín de brujas”, del catalán Josep Maria Benet y su elenco de primerísimas actrices: Carmen Maura, Marisa Paredes, Julieta Serrano y María Asquerino. Precisamente esta última, poco tiempo después de su muerte, publicó en el diario El País, de Madrid, una carta abierta al actor, que es una emotiva y fraterna síntesis de los sentimientos que Politti despertó en sus colegas españoles, y que concluía diciendo: “¿Por qué te has ido compañero del alma, tan temprano, yo sé que... no sé, en otro sitio, en otro lugar, algún día volveremos a hacer otra función u otra película. Seguro que no tardaremos mucho”.

Tomado de “De Gardel a Norma Aleandro: diccionario sobre figuras del cine argentino
en el exterior”, Mario Gallina, Ediciones Corregidor, Buenos Aires, 1999.


CINE ARGENTINO

En 1972, Politti hizo su debut cinematógrafico
en "Los siete locos", de la mano de Leopoldo Torre Nilsson. Si bien su intervención fue pequeña, ese trabajo le permitió otras dos convocatorias por parte del realizador: "Boquitas pintadas" y "La guerra del cerdo". Más allá del prestigio que significaba trabajar con Torre Nilsson, las películas citadas se basaron en textos de Roberto Arlt, Manuel Puig y Adolfo Bioy Casares, respectivamente. Además, en "Boquitas pintadas", Politti conoció a uno de los productores, Juan José Jusid, quien le ofrecería trabajo - como director - en "Los gauchos judíos" y "No toquen a la nena".En 1973, Luis Puenzo, quien estaba dedicado a realizar cortos publicitarios incursionó en el cine de largometraje con su ópera prima "Luces de mis zapatos", protagonizada por el actor y músico de espectáculos infantiles Pipo Pescador. El elenco se completaba con Norman Brisky, Juana Hidalgo, Eduardo Fasulo, Roberto Carnaghi y Luis Politti, entre otros.

El primero de agosto de 1974, Sergio Renán estrenaba su primer largometraje como realizador. "La tregua" -basada en la novela de Mario Benedetti, publicada en la década del '60 como diario personal del protagonista- reunió a un elenco virtuoso y convocante para contar la historia de amor entre Martin Santomé y Laura Avellaneda. El éxito no se hizo esperar. "La tregua" tuvo una masiva aceptación del público, fue invitada al Festival de San Sebastián y llegó a ocupar una de las cinco nominaciones en el rubro Mejor Film en Idioma Extranjero, para aspirar, por primera vez para la Argentina, a un Oscar de la Academia de Artes y Ciencias de Hollywood. Finalmente, esa estatuilla coronó la película "Amarcord" de Federico Fellini. Además de Politti y Alterio, integraban el elenco de "La tregua" Luis Brandoni, Marilina Ross, Lautaro Murúa, Cipe Lincovsky, Norma Aleandro y Walter Vidarte. Todos ellos tuvieron que enfrentarse con el exilio.


Tomado de "Luis Politti: cadencias y otros cielos",
Fabián Stolovitzky, Ediciones Corregidor, Buenos Aires, 1995

Mario Gallina, en su libro "De Gardel a Norma Aleandro, diccionario sobre figuras del cine argentino en el exterior", da como debut en el cine "Turismo de carretera" de Rodolfo Kuhn, en 1968.


MAS PELICULAS

A partir de su acertada participación en "La tregua", el interés de los directores por trabajar con Politti creció rapidamente. Sin embargo, ese interés recién se trasladaría a la cartelera a partir de mayo y hasta septiembre de 1975, período en el que se estrenaron cuatro películas en las que el actor mendocino tenía una participación destacada. La primera en estrenarse fue "Los gauchos judíos" de Juan José Jusid, la que que sufrió violentos ataques por parte de grupos antisemitas incluyendo una bomba en el cine Broadway y en donde intepretaba al gaucho Calamaco.

El film tuvo un extraordinario éxito comercial, gracias a un notable elenco en donde también se destacaban Victor Laplace, Luisina Brando, Pepe Soriano, Gina María Hidalgo, Raul Lavié, Osvaldo Terranova, China Zorrilla y Adrián Ghio. Una de las escenas principales del film, en la que Calamaco asesina a su hijo (Ghio) delante de todo el pueblo, fue prohibida y quitada de la película. Dos meses después se estrenaría "La Raulito", protagonizada por Marilina Ross y dirigida por Lautaro Murúa, que se convertiría en un enorme éxito en su pais y también en España, transformándose en una especie de salvoconducto para todos los que participaron del film y tuvieron que partir al exilio. En "La Raulito", Politti mostró otra vez su enorme rango al interpretar al diariero que da trabajo y alberga a la protagonista, y que fallidamente intenta mantener una relación sentimental con ella.

En agosto llegaría la tercera película con Politti estrenada en un lapso de cuatro meses, "La guerra del cerdo" de Leopoldo Torre Nilsson y basada en la novela de Adolfo Bioy Casares, y que a través de un supuesto enfrentamiento generacional reproducía en la ficción el violento clima que se vivía en ese entonces en la sociedad argentina. Politti interpretaba a Farrell, uno de los viejos que eran atacados por grupos de jovenes. El elenco también incluía a José Slavin, Marta González, Victor Laplace, Osvaldo Terranova y Miguel Ligero. El único fracaso del año para Politti fue el de "Solamente ella", estrenada en septiembre y que fue el anteúltimo film del legendario realizador argentino Lucas Demare.

Curiosamente, este fue el film en el que Politti tenía el papel más importante, como el hombre que tenía a maltraer a la protagonista, Susana Rinaldi. En el elenco de "Solamente ella" también participaron Aldo Barbero, Jorge Martinez, Raul Lavié, Nora Cullen y Juan Carlos Copes.

Las últimas dos películas que Politti filmó en Argentina fueron "Tiempos duros para Drácula" de Jorge Darnell, que nunca se exhibió en su pais aunque si tuvo un estreno comercial en España después del golpe y "No toquen a la nena", el film de Juan José Jusid que bajo otras circunstancias hubiera convertido a Politti en una gran estrella. La comedia escrita por Jorge Goldemberg y Oscar Viale terminó su postproducción exactamente el 24 de marzo de 1976, por lo que para poder estrenarla hizo falta una larga negociación con las autoridades encargadas de la censura (curiosamente encabezadas por Miguel Paulino Tato, el mismo censor a cargo de esa tarea bajo el anterior gobierno democrático). Si bien Politti llegó a ver el film en una función privada, el estreno se produjo cuando él ya se encontraba en el exilio. Dado el ambiente reinante en la Argentina en agosto del '76 y la naturaleza eminentemente corrosiva de la historia, "No toquen a la nena" tuvo una tibia recepción, sobre todo teniendo en cuenta que además de Politti, muchos de los integrantes del elenco también se habían ido del pais. El film mostraba en tono farsesco como una familia tradicional (integrada por Politti como el padre, Maria Vaner como la madre, Pepe Soriano como el abuelo y Gustavo Rey y Patricia Calderón como los hijos) entraba en crisis cuando el novio de Calderón la abandonaba tras enterarse que estaba embarazada. El elenco se completaba con Norma Aleandro, Julio de Grazia, Lautaro Murúa, Chunchuna Villafañe, Juan Manuel Tenuta y Lidia Catalano. Además, con este film debutaron en el cine Julio Chavez, Patricio Contreras y Cecilia Roth.

Si la historia argentina hubiera sido otra, Politti hubiera rodado a continuación "Facundo, la sombra del tigre", de Nicolas Sarquís, que terminó filmándose casi diez años después y también estaba en negociaciones para trabajar en una película con Anthony Quinn que logicamente no se filmó en la Argentina.

LOS TRAIDORES

La película que provocó su secuestro y posterior exilio fue rodada en la clandestinidad en 1972, cuando Politti apenas tenía experiencia cinematográfica y era un actor desconocido. Su participación -gratuita y como profesional, no como militante- se reduce a tres minutos, aunque es evidentemente que su personaje representa al general Alejandro Agustín Lanusse, quien en ese momento era el presidente de facto de la nación. Para cuando las fuerzas represivas se ensañaron con todos aquellos que habían participado en esa película, que durante la democracia había sido proyectada en fábricas y villas miserias por militantes del ERP, Politti era uno de los dos actores más famosos que trabajaban en el film. El otro, Lautaro Murúa, estuvo a punto de ser secuestrado y logró escaparse del pais tras pasar una semana en la clandestinidad. Cuando el 21 de junio Politti es secuestrado y sometido a angustiantes interrogatorios en la Superintendencia de Seguridad Federal, la pregunta permanente fue qué sabía él del paradero de Raimundo Gleyzer, director del film. Politti no tenía la menor idea pero si lo sabía su interrogador. Gleyzer había sido secuestrado por las fuerzas represivas el 27 de mayo y posteriormente asesinado.

Gabriel Lerman


Fuente: www.luispolitti.com

La película olvidada: "Sucedió una noche" de Frank Capra

Al parecer, este film tuvo todas las papeletas para no ser filmada nunca. Un guión que no resultaba convincente, por estar basado en una historia real, le da de pasada por Frank Capra que perdía la gracia cuando volvía a leer (ya comprados los derechos), y unas estrellas que llegaron de rebote, como Clark Gable que tenia contrato con otro estudio, o de mala gana, como Claudette Colbert, que pidió el doble de su sueldo y puso fecha limite al rodaje de sus escenas para poder irse de vacaciones, fueron algunos de los obstáculos que tuvo que salvar esta película para ver la luz. Poco tiempo después se llevo cinco Oscars: mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz y mejor guión. Un pleno espectacular para una deliciosa comedia romántica que va creciendo conforme pasan los minutos. A un servidor le costo entrar en la historia pero luego no había manera de pestañear o de evitar las risas con las situaciones de los dos protagonistas, tan opuestos como perfectos el uno para el otro.

Si bien podría referirse a mil y un sucesos, "Sucedió una noche" se centra en dos personajes que se ven obligados a estar juntos durante mas tiempo del que en un principio desearon, pero menos del que desearan. Ella es la caprichosa y ociosa hija de un millonario y él es un periodista recién despedido, un vividor. La huida de la joven, por problemas con su padre (se niega a aceptar el compromiso de ella con un hombre del mundo del espectáculo), se convierte en noticia y el carismático señor del fino bigote no pedrera la ocasión de poder recuperar su puesto laboral.

Aparte de las estatuillas doradas que gano, "Sucedió una noche" también es conocida por poner de moda lo que se llama la "screwball comedy". Este subgénero toma su nombre del béisbol, ya que había un jugador que conseguía darle un efecto muy raro a la bola, cosa que se llama "screwball". Los críticos empezaron a usar ese termino para referirse a un tipo concreto de comedias, en los que los dos protagonistas, muy diferentes entre sí tenían que llevarse toda la película juntos, soportándose, odiándose, pasando por todo tipo de situaciones disparatadas, para poder llegar a un desenlace feliz donde la tensión entre ellos se transforma en amor.

El gran Frank Capra no necesita presentación. Ganador del Oscar al mejor director en tres ocasiones y responsable de algunas de las mejores películas de la historia del séptimo arte, como la preciosa "Que bello es vivir" (no se las veces que la he visto y siempre me hace llorar) o la poderosa "Caballero sin espada". Capra parte de una situación que podría resultar facilona para retorcerla varias veces, jugando siempre con la mala leche y los diálogos chispeantes (casi siempre en boca de Gable, como cuando le preguntan si quiere al personaje de Colbert), así como con unos actores que no pueden estar mejor.

En cuanto a los protagonistas, tampoco creo que sean precisamente unos desconocidos para el gran publico. El inconfundible Clack Gable vuelve a demostrar que era un galán incomparable, derrochando carisma en cada fotograma y metiéndose al espectador en el bolsillo desde el principio. Claudette Colbert hace uso de su gran talento para la comedia y de un rostro angelical para atraparnos a pesar de que comienza resultando insoportable (menos mal que esta Gable para ponerle los pies en el suelo). Las dos estrellas están impecables, forman una pareja brillante, de gran química, me resulta imposible imaginar este film con otros actores. Hay muchos momentos para el recuerdo en "Sucedió una noche", pero si tuviera que quedarme con dos, elegiría la parte en que tienen que conseguir un coche (desde lo de la zanahoria hasta la mejor forma de conseguir que pare alguien) y toda la cosa con el muro de Jericó, que es posiblemente por lo que más me acordaría de este gran titulo clásico. Otro aspecto a destacar es la alta carga erótica de algunas escenas, sorprendente en un film de estas características y que funciona mil veces mejor que lo que tanto hacen ahora los directores, ciegos para la sutileza y la elegancia.

Resumiendo, nos encontramos ante una de esas, comedias que no puedes dejar pasar, no valen excusas absurdas. "Sucedió una noche" es una pequeña obra maestra que funciona de forma milagrosa. Definitivamente, ya no se hacen comedias así. Una cuerda, una manta y una trompeta. Y no vemos lo que ocurre, pero nos tenemos que reír. Así era Capra.


Ficha técnica

Dirección:
Frank Capra
Título Original: It happened one night
País: Estados Unidos
Año: 1934
Género: Romance
Guión: Robert Riskin, a partir de la novela de Samuel Hopkins Adams, Night Bus
Director: Frank Capra
Fotografía: Joseph Walker (BN)
Música: Louis Silvers
Producción: Columbia (Harry Cohn)
Duración: 105 minutos
Intérpretes: Clark Gable (Peter Warne), Claudette Colbert (Ellie Andrews), Walter Connolly (Alexander Andrews), Roscoe Karns (Oscar Shapeley), Jameson Thomas (King Westley), Alan Hale (Danker), Arthur Hoyt (Zeke), Blanche Friderici (esposa de Zeke), Charles C. Wilson (Joe Gordon).


Fuentes: Blog de cine, Cinematismo.com

La crisis de los tamaños, parte 1: El Cinerama

Escribe: Homero Alsina Thevenet

En 1926 el director francés Abel Gance había dividido la pantalla en tres fragmentos verticales para algunas secuencias de su celebre film "Napoleón". Llamo a ese invento un "tríptico" y declaro, con su énfasis habitual, que allí se combinaban la expresión psicológica, la cerebral y la afectiva. Con menos literatura, el sistema puede describirse como un cambio estético y narrativo, pero no como una modificación técnica. Procuraba dar noción de episodios simultáneos o relacionados entre sí, lo que podía ser especialmente apto en un tema épico e histórico de trama compleja.

En 1939 un técnico de la Paramount llamado Fred Waller, que ya había experimentado con diversos inventos y trucos, fue llamado para diseñar una proyección cinematográfica dentro de una esfera, que constituyo numero especial en la Feria Mundial de Nueva York. Desde aquel momento prosiguió con experimentos similares y llego a armar once proyectores sincronizados que arrojaban imagen sobre los 360 grados de un local. Posteriores ensayos con Hazard E. Reeves, un ingeniero de sonido, llevaron a Waller a crear el Cinerama, en una empresa a la que se asociaron Lowell Thomas (escritor, explorador, periodista radial), Merian C. Cooper (productor y director cinematográfico de prestigiosa actuación durante 1926-1933) y Robert L. Bendick (fotógrafo, director y productor de televisión).

El Cinerama consistió de tres proyectores sincronizados, que en el primer espectáculo publico "Esto es Cinerama", 1952 arrojaban imagen sobre una vasta pantalla de 15.54 por 7.92 metros, el proyector central cubría el medio de la pantalla, el derecho daba sobre la zona izquierda, y el izquierdo sobre la zona derecha. El procedimiento suponía, inevitablemente, dos líneas verticales con limites de las tres imágenes contiguas. El sistema exigía también una modificación importante en las cabinas de proyección, en la colocación de la pantalla y en el sistema de sonido estereofónico, con varios parlantes distribuidos en distintos sitios de la sala.

El objetivo evidente fue un mayor realismo: sumergir al espectador en lo que ve, como si realmente viajara con las cámaras y micrófonos. En el primer espectáculo se sucedieron un viaje en lancha, un fragmento de la opera "Aída" en el Teatro Scala de Milán, otro viaje en góndola por Venecia, una corrida de toros, una recorrida frenética por un parque de diversiones y finalmente un viaje aéreo sobre Estados Unidos, con abundancia de paisajes. Esos y otros fragmentos llevaron a la convicción de que el Cinerama se revelaba como un instrumento superior para el gran espectáculo cinematográfico. Pero aunque Merian C. Cooper se arriesgo a pronosticar que el Cinerama podía hacer todo lo que hace el cine y hacerlo mejor, la practica demostró que su especialidad era el paisaje. Después de cinco superproducciones de clara filiación turística (hasta 1958), Cinerama se asocio con Metro Goldwyn Mayer y produjo dos films de argumento. Pero tanto "El maravilloso mundo de los hermanos Grimm" como "La conquista del oeste" (1962 y 1963) demostraron que llenar el ojo es solo una de las funciones del cine y que la elefantiasis no es un alivio para la producción normal de la industria.

Un progreso en sus problemas técnicos fue dado hacia 1963, cuando se consiguió filmar Cinerama con una sola cámara y exhibirlo con un solo proyector, como fue probado con "El mundo esta loco, loco, loco". Este requiere menos modificaciones en las salas.

Recordemos que en la Argentina las salas que tuvieron el primitivo sistema Cinerama instalado fueron el cine Gaumont y el Casino, Y con un solo proyector el cine Ideal.

Fuente: Cine sonoro americano y los Oscars de Hollywood, por Homero Alsina Thevenet, Corregidor 1975.

Original soundtrack: Bill Conti

¿Qué tienen en común un boxeador que sueña con el éxito, un grupo de intrépidos aviadores, un niño huérfano con espíritu de aventura, un joven karateca y un guerrero llegado de otra dimensión? Simplemente que todos ellos tuvieron su película, y que un mismo hombre escribió la música.

Bill Conti nació en Abril de 1943, en Rhode Island y antes de mudarse a Los Angeles trabajó como pianista en diversos bares de Roma. Luego de algunas películas menores, su primer encargo importante fue Rocky, que marcó el comienzo una extensa colaboración con Silvester Stallone, a quien acompañaría no sólo en los próximos cuatro capítulos de la historia del boxeador, sino también en F.I.S.T (donde Stallone encarnaba a un camionero sindicalista), La Taberna del Diablo (otra de boxeadores), Escape a la Victoria (sobre un partido de fútbol entre soldados alemanes y un grupo de prisioneros de guerra) y Condena Brutal.

Bill Conti compuso también la música para F/X, Las Aventuras de Huck Fin y la trilogía del Karate Kid, entre otras. En 1983 ganó el Oscar por su trabajo en Elegidos para la Gloria, un premio ciertamente discutible dado que la música se basaba en dos obras muy populares del repertorio clásico: Los Planetas de Holst y el Concierto para violín de Tchaikovsky. En Amos del Universo (adaptación cinematográfica del dibujo animado), Conti escribió una marcha robusta y jubilosa para representar a He-Man tomando como referencia la música de John Williams para Superman, e incluso la segunda frase de la melodía comienza prácticamente igual que el tema de amor del hombre de acero y Luisa Lane. Para acompañar a Skeletor y sus secuaces, en cambio, Conti recurrió nuevamente a la famosa partitura de Holst, aunque adaptando el irregular 5/4 a un más tradicional 4/4.

Sin embargo, el compositor se defiende de quienes lo acusan de plagio: "Muchas veces los directores utilizan temp-tracks como referencia en sus películas, y en muchos casos yo hago tres versiones distintas basándome en esa música. Finalmente, uno llega demasiado cerca. Al fin y al cabo, ¿se puede escribir un bolero que no suene cómo el bolero de Ravel?..."

En la actualidad la relación de Bill Conti con el cine es bastante esporádica, aunque recientemente escribió la partitura original para El Caso Thomas Crown. Por otro lado, cada tanto pude vérselo en la ceremonia de entrega de los premios Oscar, dirigiendo la orquesta.

Más información sobre
el compositor en:

www.settling-the-score.com/bill-conti.html


Filmografía

1973 - Blumme in love
1974 - Harry y Tonto
1976 - Barrio bohemio
1976 - Rocky
1978 - Una mujer descasada
1978 - Danza en la gran ciudad
1978 - FIST. Símbolo de fuerza
1978 - La cocina del infierno
1979 - Rocky II
1979 - Un hombre, una mujer, un banco
1979 - La chica de oro
1980 - La fórmula
1980 - Gloria
1980 - El recluta Benjamín
1980 - Evasión o victoria
1981 - Sólo para sus ojos
1981 - Mis locos vecinos
1981 - Yo, el jurado
1981 - Llámame Mr. Charley
1982 - Cuando fuimos campeones
1982 - Rocky III
1982 - Chicos perversos
1983 - Elegidos para la gloria (Oscar a la mejor banda sonora)
1983 - Tal para cual
1984 - Karate Kid. El momento de la verdad
1984 - Infielmente tuya
1985 - FX. Efectos mortales
1985 - Nómadas
1985 - Gotcha, te pillé
1986 - Karate Kid II
1987 - Masters del Universo
1987 - Al filo de la noticia
1987 - La mujer del jefe
1987 - Réquiem por los que van a morir
1987 - Baby, tú vales mucho
1988 - Sendero de traición // Senderos de sospecha
1988 - El gran azul (música de la versión americana, la europea es de Eric Serra)
1989 - Encerrado
1989 - Karate Kid III
1989 - La mujer biónica
1989 - Escuela de jóvenes rebeldes
1989 - La cuarta guerra
1990 - Rocky V
1991 - El año de las armas
1991 - El desafío
1992 - Ocho segundos
1992 - Nails
1993 - Las aventuras de Huckleberry Finn
1993 - El nuevo Karate Kid
1994 - El cazatalentos
1995 - El gran scout
1996 - Espía como puedas
1996 - Napoleón, el perrito aventurero
1998 - Winchel: cronista de sociedad
1999 - El caso Thomas Crown
2000 - Infierno
2001 - Tortilla soup
2002 - El protector
2004 - Soul Plane
2004 - My Baby's Daddy
2006 - Rocky Balboa
2007 - Tirda contra Bloody Rabbit Squirt Searchador de Anothers


Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Bill_Conti"

Sabias que...

...El 21 de marzo de 1899 se inauguró el primer cine del mundo. El Edén, ubicado en la localidad francesa La Ciotat, cerca de Marsella. Allí los hermanos Louis y Auguste Lumiere ante 250 espectadores, proyectaron sus películas "La llegada del tren" y "La salida de los obreros de la fábrica".

Osvaldo Miranda: El rey de la comedia

Nació el 3 de noviembre de 1915, como Osvaldo Isaias Mathon Miranda, en la ciudad de Buenos Aires Argentina. Es considerado uno de los más grandes comediantes argentinos. Trabajo en radio, cine, teatro y televisión. Comenzó su carrera cantando en la orquesta de Florentino. Hizo teatro de revista en los teatros Maipo y Variedades. Trabajo en cine con artistas de la talla de Nini Marshall ("Cándida millonaria") y Luis Sandrini ("El más infeliz del pueblo"). En televisión participo en la exitosa serie "La nena", junto a Marilina Ross y Joe Rigoli. En la década del ochenta, con la familia Carreras, realizo numerosas temporadas teatrales en la ciudad de Mar del Plata.

Ha sido distinguido en muchas oportunidades. Fue nombrado Ciudadano Ilustre de la ciudad de Buenos Aires y Visitante Ilustre de Mar del Plata. En el año 2003 en el Teatro Nacional Cervantes se realizo un homenaje al artista por su trayectoria.

A lo largo de sus 70 de carrera filmo alrededor de 50 películas y protagonizo numerosas obras teatrales. Sus más recientes trabajos artísticos fueron en teatro: en 2001 participo en la obra "Inolvidable" y en 2002 realizo "Aquí me pongo a contar", un unipersonal de su autoria en el cual conmemoraba los mejores acontecimientos de su carrera.

Desde el año 2000 es Presidente de la Asociación Argentina de Actores. A comienzos del año 2001 fue Presidente del Jurado de los Premios Estrella del Mar.

Honor a un rey de la comedia

Escribe: Laura Gentile, lgentile@clarin.com

El genial y admirado actor de 92 años fue reconocido por su carrera. Ovación de todo el Luna Park.

De impecable traje oscuro y conservando esa impronta de dandy, Osvaldo Miranda protagonizo uno de los momentos más emotivos de la noche. El actor de 92 años recibió el premio a la trayectoria de manos de China Zorrilla. Ayudado por un andador. tomo la estatuilla (Premio Clarín Espectáculos) y lanzo sus primeras palabras: "¿Me van a dejar hablar o no?", intento persuadir con una sonrisa a los invitados que lo aplaudían de pie. Y continuo: "Hace meses estuve enfermo. Llegue hasta el paraíso y cuando iba a entrar salió el Señor y me dijo: "Vuélvase a la tierra". ¿Por que? Porque va a recibir el premio a la trayectoria del diario Clarín. "¡Y era verdad!". Para rematar su exposición, Miranda apelo a una frase de Groucho Marx. "Una vez él dijo "este premio no lo merezco, pero tengo asma y tampoco lo merezco". Bueno, yo tengo artrosis de cadera y tampoco lo merezco".

Ya más cómodo, sentado junto a su asistente en la segunda fila de la platea, Miranda le confeso a Clarín: "Soy un actor que me retire en el 86 y me siguen dando premios. Acabo de ganar el María Guerrero, que incluyo un pasaje a España que devolví. Me hubiera gustado ir a la aldea donde nació mi madre, en Castilla La Vieja, que ni figura en el mapa".

Considerado uno de los actores argentinos más importantes de comedia. Miranda trabajo en radio, teatro, televisión y cine, donde hizo decenas de películas junto a artistas de la talla de Nini Marshall, Luis Sandrini, Ernesto Bianco, Blackie, Luis Brandoni, Irma Córdoba y Enrique Santos Discepolo, entre otros.

El actor que supo debutar como cantante de tangos, comenzó en cine como extra en "Los muchachos de antes no usaban gomina", de 1936; muchos años después se convertiría en el protagonista de otra versión de la misma película, junto a Zully Moreno.

"Si tengo que marcar una virtud en mi carrera es que nunca me envalentone con los éxitos ni me deprimí con los fracasos", revelo Miranda, quien en cine tiene perlas como "Cándida millonaria" de 1941, con Nini Marshall, "Corrientes... calle de ensueños" de 1948, "Esposa ultimo modelo" de 1950 junto a Mirtha Legrand, "La picara soñadora" de 1951, "Las pirañas" de 1967 y "Un muchacho como yo" de 1968.

Brillo en teatro, en mas de cincuenta obras. Su primer trabajo en la pantalla chica fue en Canal 7 en "Comedia de bolsillo". Luego llegaría "Tropicana", "Mi marido y mi padrino", y su inolvidable interpretación como padre de Marilina Ross en la famosa "La nena" que duro cinco temporadas al aire. Después seria tiempo de otro éxito junto a Ernesto Bianco, "Mi cuñado", de la cual Luis Brandoni y Ricardo Darin realizaran un remake en los 90.

Sus dotes de comediante y su imagen de "hombre impecable de ayer" lo transforman en un artista tan admirado, que hasta inspiro a los originales integrantes de la banda pop Miranda! a tomar prestado su apellido para bautizar al grupo. "Me dijeron que querían algo elegante, como yo", cuenta el actor, y agrega "los apadrine y les di el mismo consejo que recibí de Alberto Closas cuando gane el Konex de platino: "Aunque te premien como el mejor, nunca te lo creas".

Activo y emprendedor, Miranda presidia la Asociación Argentina de Actores en 2001, año en que decidió volver a escena tras haber anunciado su retiro en 1986. Fue en la ciudad de Mar del Plata, en un unipersonal basado en las mejores anécdotas de su rica y extensa carrera. Una carrera que, sin duda, tiene por demás merecido el reconocimiento de anoche.


Teatro

"Sueño de una noche de verano"
"La mala reputación"
"Boing Boing"
"La dama del Máxime"
"Plaza Suit"
"Donde duermen dos, duermen tres"
"La pequeña choza"

Cine

"Muchacho que baila con Lucy Rosales" (no acreditado)
"Los muchachos de antes no usaban gomina" 1936
"Un señor mucamo" 1940
"Cándida millonaria" 1941
"Yo conocí a esa mujer" 1942
"El profesor cero" 1942
"El viejo Hucha" 1942
"Secuestro sensacional!!!" 1942
"Mañana me suicido" 1942
"Historia de crímenes" 1942
"La hija del ministro" 1943
"El fabricante de estrellas" 1943
"El sillón y la gran duquesa" 1943
"Mi novia es un fantasma" 1944
"El retrato" 1947
"Navidad de los pobres" 1947
"La hostería del caballito blanco" 1948
"Corrientes... calle de ensueños!" 1948
"Cita en las estrellas" 1949
"Esposa ultimo modelo" 1950
"Concierto de bastón" 1951
"El complejo de Felipe" 1951
"La picara cenicienta" 1951
"El honorable inquilino" 1951
"Reportaje en el infierno" 1951
"Amor a primera vista" 1956
"Novia para dos" 1956
"De Londres llego un tutor" 1958
"Del cuplé al tango" 1959
"Tres alcobas" 1962
"Convención de vagabundos" 1965
"Hotel alojamiento" 1966
"Escala musical" 1966
"La cigarra esta que arde" 1967
"Las pirañas" 1967
"Un muchacho como yo" 1968
"Los muchachos de antes no usaban gomina" 1969
"Frutilla" 1980

Las fotografias presentadas son del film "Escala musical", Osvaldo Miranda junto a Beatriz Taibo.

Fuentes: Osvaldo Miranda - cinenacional_com.htm
Fundación Konex.com
Diario Clarín 18/12/2007
www.clarin.com

Para conocer a los hemanos Coen

Joel y Ethan Coen, conocidos como los hermanos Coen, son directores de cine estadounidenses. Ganadores del Premio Oscar en cuarto ocasiones, y autores de comedias como Arizona Baby o El gran salto, de películas de cine negro como Muerte entre las flores o El hombre que nunca estuvo allí, y también de películas en las que mezclan ambos géneros como Fargo, El gran Lebowski o Barton Fink.

Ambos colaboran en la escritura, producción y dirección de sus películas, si bien es frecuente que Joel aparezca como director y Ethan como productor en los títulos de crédito. En la industria cinematográfica, de hecho, se les conoce por el apodo de "el director bicéfalo" (the two-headed director). Muchos actores que han trabajado con ellos cuentan la anécdota de que al estar tan compenetrados, al hacer una pregunta, sobre el guión o sus personajes a cada uno de ellos, reciben exactamente la misma respuesta de cada hermano.

Crecieron en St. Louis Park, Minnesota, en los arrabales de Minneapolis. Su padre era profesor de economía, y su madre profesora de historia del arte.

Los hermanos Coen se han convertido en los mayores exponentes del cine independiente norteamericano. Capaces de hacer películas que entusiasman a los críticos, ofrecen, también, una vertiente de atracción del gran público.

Para sus películas cuentan con cierto equipo y actores que los acompañan frecuentemente, entre ellos se incluyen John Turturro, Michael Badalucco, Holly Hunter, Steve Buscemi, Frances McDormand, John Goodman, Jon Polito, George Clooney y Stephen Root, cada uno ha aparecido en al menos tres producciones de los Coen.

Biografía

Joel Coen (n. 29 de noviembre de 1954) y Ethan Coen (n. 21 de septiembre de 1957), crecieron en St. Louis Park, Minnesota, un suburbio de Minneapolis. Sus padres, Edward y Rena Coen, ambos judios, fueron catedráticos, su padre un economista de la Universidad de Minnesota, y su madre una historiadora de arte de la Universidad St. Cloud State.

De niños, Joel ahorró dinero cortando cesped para comprar una camara Vivitar Super-8. Juntos, lo hermanos hiceron películas que veían en TV, junto a un vecino, Mark Zimering ("Zeimers"), como actor. The Naked Prey (1966) de Cornel Wilde, se transoformó en una versión hecho por los Coen titulada Zeimers in Zambia, la cual también tenía a Ethan como un nativo.

Ambos se graduaron en Simon's Rock Early College (ahora Bard College at Simon's Rock) en Great Barrington, Massachusetts. Luego Joel pasó cuatro años en un programa de cine universitario en la Universidad de Nueva York, donde realizó una película de 30 minutos llamada Soundings. La película mostraba a una mujer involucrada sexulamente con su novio sordo mientras fantaseaba verbalmente sobre tener sexo con el mejor amigo de su novio, quien escuchaba en la habitación de al lado. Ethan fue a la Princeton University y ganó un titulo de filosofía en 1979.


Vida personal

Joel Coen nació el 29 de noviembre de 1954, está casado con la actriz Frances McDormand desde 1984. Han adoptado un hijo originario de Paraguay llamado Pedro McDormand Coen (Frances y todos sus hermanos tambien son adoptados). McDormand ha trabajado como actriz en 5 de la películas de los hermanos Coen, incluyendo una pequeña aparicion en Muerte entre las flores, un rol secundario en Raising Arizona, y como protagonista en Blood Simple, The Man Who Wasn't There y Fargo (con la que ganó el premio Oscar).

Ethan Coen nació el 21 de septiembre de 1957, está casado con la editora Tricia Cooke.

Viven en la ciudad de Nueva York.


Recursos estilísticos

Con mucha influencia del cine negro y otros estilos de cine del pasado, las películas de los hermanos Coen combinan el humor seco con la ironía fina y visuales escandalosas. Prefieren no poner los creditos de presentación al principio de la película. Los hermanos Coen son algunos de los directores contemporaneos que han mostrado afecto por las comedias de los años 30 y 40 ("Screwball comedies"), y han incorporado algunos de sus elementos introduciendo variantes ingeniosas y sutiles, como en El gran salto y Intolerable Cruelty, y en ocasiones colocando a excentricos personajes habladores como Steve Buscemi en Muerte entre las flores. Su estilo de caracterización crea un mundo en el cual incluso personajes con poca participación, y que hablan poco, parecen tener exagerados razgos o caracteristicas. Esto puede estar adtribuido a los escenarios de muchas de las películas (por ejemplo los raros y maravillosos personajes de El gran Lebowski no parecen estar por fuera de la realidad de muchas comunidades de Los Angeles).


Diálogos

Ganadores del Oscar como mejor guión por Fargo, los hermanos Coen son conocidos por los dialogos de sus películas. Por momentos escasos (El hombre que nunca estuvo allí; Fargo; No Country for Old Men), por momentos inusualmente locuazes (The Big Lebowski, Raising Arizona), sus guiónes tipicamente presentan una combinación de ingenio, agudeza, lenguaje exagerado y deslumbrante ironía. Además de Fargo, muchos de sus guiónes han sido nominados (El hombre que nunca estuvo allí, O Brother).


Cine negro

Estilisticamente y argumentalmente, las películas de los Coen muestran una gran influencia del cine de gangsters del cine negro. Los Coen, que raramente admiten alguna de sus influencias, reconocen libremente el impacto que novelistas clásicos del cine negro han tenido en sus trabajos más oscuros. En particular, Muerte entre las flores esta basada en novelas de Dashiell Hammett, particularmente en The Glass Key y Cosecha roja; El gran Lebowski en novelas de Raymond Chandler y El hombre que nunca estuvo allí en novelas de James M. Cain.

Sus películas también presentan un contraste inhóspito y austero, y temas sobre personas elaborando planes y confabulando, como por ejemplo los secuestros. En los argumentos de sus películas usan la confusión como mecanismo: confusión acerca de quien mató a Rug Daniels y las causas de fricción entre los diferentes bandos mafiosos en Muerte entre las flores; confusión de la copia del plano de Norville que luego le causará dolor en El gran salto; El gran Lebowski comienza con una alfombra estropeada como causa de una confusión de identidad. El hombre que nunca estuvo allí rinde homenaje al cine negro, con un argumento que parece una versión actual y distorcionada de El cartero siempre llama dos veces. La película es en blanco y negro, y ha sido mencionada por varios criticos por su fotografía y sus compasivos personajes, mientras otros criticos hacen mención al filoso cambio en el argumento hacia el final de la película. Los Coen ha descrito esos giros como un intento de imitar los inesperados terceros actos de las novelas de Cain.


Dinero

El dinero esta involucrado en muchas de las películas de los Coen. En Fargo, el dinero fue la razon para todos los eventos sucedidos durante la película. El gran Lebowski tiene dinero, siendo robado o perdido, lo que es causa de varios problemas y situaciones comicas de los personajes. O Brother, Where Art Thou? consiste en tres convictos que escapan para tratar de encontrar un tesoro escondido. En El hombre que nunca estuvo allí, el personaje principal chantajea al jefe de su esposa para obtener dinero. El quinteto de la muerte trata sobre un excentrico profesor sureño y su equipo planeando el robo a un casino. La historia en No Country for Old Men gira en torno a un cazador que se fuga con dos millones de dólares robados y es perseguido por un asesino psicopata que reclama el dinero.


Violencia

La mayoria de las películas de los Coen son bastante violentas. En cada una hay por lo menos una muerte y, en muchos casos, multiples muertes. En El gran salto, el argumento es desencadenado por el suicidio del presidente de una compania. Y en El quinteto de la muerte todos los personajes principales mueren en su intento de eliminar una vieja. En algunas de sus películas más gráficas como Fargo, muchos de los personajes principales mueren o son agredidos, los cuales con mostrados en pantalla, como el cuerpo de uno de los personajes que es intrudicido en una trituradora de madera.

La mayoria de la violencia en sus películas entra en la categoría de humor negro. Un ejemplo notable es No Country for Old Men, en el cual mucha de la violencia es representada con austeridad, severos matices y algunos efectos de comedia negra, para representar de forma efectiva y fiel, la historia original de Cormac McCarthy. Los Coen muchas veces usan la violencia para hacer avanzar la historia; por ejemplo en Fargo, el ataque de Shep Proudfoot a Carl Showalter hace que este último llame de inmediato a Jerry para que le entregue el dinero.


Personajes imparables

Varios de sus películas cuentan con personaje que personifica el arquetipo de "diablo imparable" ("unstoppable evil"). En muchos casos, indirectamente esos personajes son inhumanos o presentan matices demoniacas. Por ejemplo, el Sheriff Cooley en O Brother, Where Art Thou? encaja en la descripción de demonio dada por uno de los personajes. Él indica su inhumnidad cuando, aconseja que sería ilegal colgar fujitivos perdonados, sarcasticamente opina que "la ley es una institución humana". Otros ejemplos que encajan dentro de este arquetipo son Eddie Dane, el asesino a sueldo en Muerte entre las flores, Leonard Smalls en Raising Arizona y Charlie Meadows en Barton Fink. En No Country for Old Men, Anton Chigurh personifica la violencia y la muerte en el mundo en el cual el Sheriff Bell intenta dar sentido.


Colaboradores

El director de fotografía Barry Sonnenfeld trabajó con los hermanos Coen hasta Muerte entre las flores, para luego continuar con su propia carrera como director, algunos de sus trabajos son The Addams Family, Get Shorty u Hombres de negro. Roger A. Deakins ha sido el director de fotografía de los Coen desde la partida de Sonnenfeld. Sin embargo para su proxima película, Burn After Reading, los Coen trabajaran con Emmanuel Lubezki como director de fotografía.

El realizador Sam Raimi ha ayudado a los Coen en el guión de El gran salto, y los Coen lo han ayudado a él en el guión de Crimewave, la cual fue dirigida por Raimi. Raimi ha hecho cameos en Muerte entre las flores y El gran salto, conoció a los Coen cuando Joel fue contratado como uno de los editores de The Evil Dead.

William Preston Robertson es un viejo amigo de los Coen, los ayudó en el rodaje de Blood Simple y también proporcionó su voz, como también en otras como El gran Lebowski, en la cual además de dar su voz, escribió el The Making of The Big Lebowski junto a Tricia Cooke.

Los Coen también cuentan con un número de actores que frecuentemente trabajan en sus producciones, en los que se incluyen Steve Buscemi (6 veces), Frances McDormand (5 veces), Jon Polito (5 veces), John Goodman (4 veces), John Turturro (4 veces), George Clooney (3 veces), Michael Badalucco (3 veces), Holly Hunter (3 veces) y Stephen Root (3 veces). Están pelaneando dos películas más con George Clooney, Burn After Reading y Hail Caesar.

La musica de todas las realizaciones de los hermanos Coen han sido compuestas por Carter Burwell. Aunque T-Bone Burnett produció gran parte de la musica tradicional en O Brother, Where Art Thou? y El quinteto de la muerte.


Filmografía

Sangre fácil (1985) (Título original Blood Simple)
Arizona Baby (1987) (Título original Raising Arizona)
Muerte entre las flores (1990) (Título original Miller's Crossing)
Barton Fink (1991) (Título original Barton Fink)
El gran salto (1994) (Título original The Hudsucker Proxy)
Fargo (1996) (Título original Fargo)
El gran Lebowski (1998) (Título original The Big Lebowski )
O Brother! (2000) (Título original O Brother, Where Art Thou?)
El hombre que nunca estuvo allí (2001) (Título original The Man Who Wasn't There)
Crueldad intolerable (2003) (Título original Intolerable Cruelty)
El quinteto de la muerte (2004) (Título original The Ladykillers)
Paris, je t'aime! (2006) (Título original Paris, je t'aime)
No hay país para viejos (2007) (Título original No Country for Old Men)
Burn After Reading (2008)
Hail Caesar (2009)

Fuente: Wikipedia, la enciclopedia libre.

Federico Fellini: "Soy un gran mentiroso"

Por Federico Fellini *

Nunca veo mis películas, pero me sucedió de ver una fotografía o un fragmento de una película mía en televisión, Casanova o Satyricon, y preguntarme en forma espontánea: “¿Quién hizo esto?”.
- - -
Cuando hago mi trabajo, cuando soy cineasta, soy poseído. Un oscuro morador, que no conozco, toma las riendas, dirige todo en mi lugar. Yo pongo a su disposición sólo mi voz, el sentido artesanal, mi intento de seducción, de plagio o de autoridad. Pero es otro realmente. Otro con quien convivo, que no conozco en forma directa, sólo de oído.
- - -
La memoria es un componente misterioso, casi indefinido, que se relaciona con algo que quizá no recordamos, pero que nos empuja a entrar en contacto con dimensiones, con sucesos, con sensaciones que no sabemos definir, pero que sucedieron.
- - -
Mi inclinación natural fue inventar una juventud, una relación con la familia, las mujeres, la vida. Creo que siempre inventé. Pera mí son más ciertas las cosas que no ocurrieron pero que inventé. Así sucedió con la ciudad donde nací, donde pasé mi juventud y estudié: se fue alejando para dejar lugar a la Rimini de las películas en las que hablé de ella: I Vitelloni, Amarcord. Ahora me parece que esas dos, que representan una Rimini reconstruida, pertenecen más a mi vida que la Rimini topográficamente comprobable como una pequeña ciudad de la costa adriática. Soy un gran mentiroso, ésta es la conclusión.
- - -
Un film, aunque sea muy complejo de realizar y requiera mucho tiempo, puede existir en una sensación, en una sospecha, en una anticipación que puede ser una luz, un sonido. Una obra de arte pudo ser anunciada a su autor aun por un perfume. La vida entera puede ser sugerida por el temblor de una hoja.
- - -
No creo que exista la posibilidad de trazar una línea divisoria nítida entre el pasado, el presente y el futuro; entre el recuerdo de lo sucedido y lo imaginado. No creo que quien eligió la profesión o siguió la vocación de contar historias pueda distinguirlo cuando crea un pequeño universo. Esta creación es total; es un universo completo en el tiempo, no sólo en la descripción del lugar y de los personajes; también el tiempo es inventado.
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No creer es una fatiga. Es bloquearse, construirse barreras, límites. En cambio, creer pertenece al sentimiento vago del que habla, y ésta es una nota fundamental en la que me reconozco, la espera. También creer es parte de una espera. Y no quiero darle una atmósfera mística a esta declaración: me refiero a un estado cotidiano, un estado de ánimo en el que el sentimiento de espera nunca me abandonó. Si usted me pregunta qué espero, me incomodaría.
- - -
Proyectamos sobre la mujer ese sentimiento de espera, como de una revelación; la llegada de un mensaje, un poco como aquel personaje de Kafka que esperaba el mensaje del emperador. La mujer puede ser la emperatriz que envió hace miles de años un mensaje, y está bien que no haya llegado nunca. Porque me parece que el gusto de la vida reside en la espera del mensaje y no en el mensaje mismo.
- - -
Il viaggio di G. Mastorna es un proyecto que en estos últimos treinta años, al final de cada film, parece querer decirme: “Esta vez me toca a mí”, “Esta vez me realizarás”. Siempre lo postergué y lo sigo postergando, pero no la historia, sino la atmósfera, algo íntimo, secreto de este film, terminó colocándose y nutriendo todos los films que realicé después. Hay algo de Mastorna en Satyricon, en La Città delle Donne, incluso en Casanova. Mastorna es como los restos de un naufragio que desde las profundidades envía una radiación, sin perder nada de su integridad como idea o relato. Aún sigo con la ilusión de hacerlo.
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La vida, abandonada a sí misma, parece sin sentido, insignificante, monstruosa. El arte, en cambio, es algo que reconforta, que tranquiliza. El arte relata la vida en términos sumamente protectores. Nos hace reflexionar sobre la vida, que de lo contrario sería sólo un corazón que late, un estómago que digiere, pulmones que respiran, ojos que se llenan de imágenes sin sentido.
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Desde cierta edad, el pensamiento de la muerte siempre está presente, pero por fortuna tengo un mecanismo psicológico particular por el cual los disgustos, temores, miedos, deudas, obligaciones, se transforman en material de un relato. Creo que éste es el “cinismo afortunado del tipo creativo”: pensar haber nacido sólo para contarlo a los demás. Las obras de un autor pueden ser testigos, en el transcurso de la vida, de los diversos estadios, la decadencia física, la vejez que avanza, la posibilidad de desaparecer, de no existir más, de no hacer más entrevistas, de no estar más rodeado de amigos venidos de lejos, que esperaron tanto.
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De la muerte se habla sólo literariamente. Ni siquiera en serio. Podemos imaginar miles de cosas, leer tantos testimonios. Pero pienso que es algo de lo que nunca podremos adueñarnos.
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No tengo la sensación del tiempo que pasa. Me parece estar detenido en un escenario con todas las cosas listas alrededor: objetos de escenografía, cuadros, personas, sentimientos, colores. Y siempre fue así. Desde que comencé a vivir mi existencia identificándola con el cine es como si el tiempo se hubiese detenido. Me parece que es siempre el mismo día. Siempre estuve en un teatro, con un megáfono en la mano, gritando, haciéndome el charlatán, el payaso, el jefe de policía, el general. Y los recuerdos de estos últimos cuarenta años están siempre presentes. Estoy rodeado de oscuridad y de luz. Oscuridad arriba y luz alrededor. Y, luego, una serie de sombras que hay que acomodar. Me parece que mi vida existió, se consumió y se sigue consumiendo en estas imágenes.

* Del documental Soy un gran mentiroso, realizado por Damián Pettigrew. Fragmentos de este film fueron proyectados en el Encuentro Internacional Cornelius Castoriadis, que se efectuó en Buenos Aires el año pasado.