El escritor, de Roman Polanski, 2009

The Ghost Writer, Roman Polanski, Alemania/Francia/Reino Unido, 2009

Por Arantxa Acosta


Si algo hay que atribuirle a Polanski es que, aun siendo (¿demasiado?) académico en la puesta en escena de sus films -no hay lugar para la improvisación, en eso se parece al estilo de Kubrick, pero tampoco para la innovación-, es un verdadero maestro a la hora de emplazar a sus personajes en entornos que no les son afines, haciéndonos sentir la incomodidad, el desconcierto, la claustrofobia y por supuesto el miedo que se deposita en ellos. Si en La semilla del diablo (Rosemary's baby, 1968) la opresión venía dada por el entorno de Rosemary en su nuevo apartamento, y en El pianista (2002) por los desolados y grises paisajes derruidos por las bombas, en el caso de El Escritor, Polanski consigue entremezclar los dos entornos, interior y exterior, confundiéndolos, de forma que el emplazamiento de nuestro protagonista muestra claramente los sentimientos que en cada momento éste está atravesando. Así, igual que el escritor de la película dice claramente que no le interesa la política y por ello no lee biografías de políticos, parece que a Polanski le ha servido de excusa la conspiración del argumento para mostrarnos, en esta ocasión, cómo se siente una persona al darse cuenta de que está siendo utilizada, que es un simple fantasma al que nadie ve ni escucha entre tanta hipocresía y secretismo.



Con un intrigante inicio que recuerda mucho al de la actual Shutter Island de Martin Scorsese (no será lo único: los paisajes en los que se emplazan las historias -islas-, el mal tiempo que acompaña a los personajes, la presión que sienten por parte de las personas que les rodean), El Escritor se centra en tres días de la vida de un escritor al que le encargan finalizar las memorias de Adam Lang, un ex primer ministro inglés. Aislado en la mansión de su cliente, poco a poco irá descubriendo que su predecesor, muerto en extrañas circunstancias, había descubierto pruebas sobre las atrocidades -con la excusa de luchar contra el terrorismo- realizadas para favorecer la relación e intereses entre los Estados Unidos y el Reino Unido, y que involucran no tanto al primer ministro (verdadero "pelele" de una conspiración mayor, que nos hace ver las similitudes que comparte con el escritor), sino a su entorno inmediato.

El título en inglés es mucho más revelador acerca de lo que vamos a encontrar en el film. Si un ghost writer es el escritor de "segunda categoría", que sobrevive ayudando a los famosos a redactar, en el film (adaptación del libro de Robert Harris, que co-firma el guión, tras haberse cancelado su previa colaboración para la adaptación de Pompeya -y que sí hubiese supuesto una innovación en el cine de este director) se lleva este concepto a la situación del personaje (interpretado por Ewan McGregor) que, curiosamente, ni tan siquiera se dota con un nombre... ¿Para qué? No hace falta: el escritor es, aunque protagonista de sus descubrimientos, secundario de todo lo que pasa a su alrededor. Como decíamos antes, veremos lo mismo con el ex primer ministro, un Pierce Bronan que, también curiosamente, nos recuerda demasiado a Tony Blair...

Desde el primer momento en que aparece nuestro protagonista, Polanski se sirve de intimidantes planos para mostrar el acecho al que le someten. Así, por ejemplo, cuando le encargan el libro, y tras presionarle para que se vaya esa misma noche a Estados Unidos y finalice el trabajo en escasas cuatro semanas, vemos a su representante, al editor y al abogado del Adam Lang en primer plano, mientras uno de ellos le dice impetuosamente que recuerde que tiene que sacar "el corazón" del primer ministro. O el segundo más impactante, con un primer plano de Lang, detrás su mujer y al fondo su ayudante del gabinete. Este es el único momento en el que parece que tanto el primer ministro como su equipo tienen en cuenta al pobre fantasma, básicamente porque le piden que escriba un sutil comunicado contra las acusaciones del Tribunal de La Haya. Entonces... le tienen en cuenta porque les sirve para algo. Le convierten en cómplice.

La impecable puesta en escena ayuda a que la historia fluya de forma pausada pero continuada, llevándonos finalmente a un desesperanzado desenlace. Destacable una fotografía que nos adentra en el frío contexto en el que se desarrolla la trama, acompañada de una inquietante banda sonora (que también recuerda al estilo de Shutter Island, pero que en este caso se acopla mucho mejor a las escenas que en la de Scorsese) que mantiene en tensión al espectador. Las secuencias en las que "el fantasma" está solo en la casa, en una habitación en la que se confunde el espacioso y moderno (frío) interior con la también espaciosa playa, pero siempre vacía a causa del amenazante tiempo, nos hacen ver que McGregor es un prisionero, da igual que esté fuera o dentro de la casa, en el hotel o incluso en las instalaciones del editor.

El entorno nos ayuda a comprender también su creciente soledad: mientras lee un texto que no le convence, mientras espera a que le atienda su cliente, mientras bebe en el bar... poco a poco vemos cómo su sentimiento, que pasa de la soledad al miedo, se transforma en curiosidad autoprotectora, saliendo de la casa y adentrándose en amplios, frondosos y confusos bosques, en remotos parajes de la isla, en busca de respuestas que no acaba de encontrar... Para bien o para mal, pasa de ser escritor secundario a investigador periodístico, y vemos su evolución gracias a la interacción que tiene con el cambiante paisaje que le rodea: de la casa a la playa, al hotel del continente, al ferry... y persecuciones varias (que nos recuerdan demasiado a las de La novena puerta, 1999) por el muelle, por el bosque, acabando finalmente rodeado de personas en la presentación del libro, pero, aún así, sigue estando solo. La soledad del que conoce la verdad. Una verdad que, por contra, a nadie interesa. Y si no, sólo hace falta analizar el último plano secuencia... de lo mejor para rematar la historia de este fantasma.

Tras tanta supremacía demostrada por parte del director, a la que por otro lado ya nos tiene acostumbrados (no hay que olvidar que, además, obtuvo el Oso de Plata al mejor director en la última edición del Festival de Berlín), hay que destacar también el trabajo de Pierce Brosnan, que de todas todas ha conseguido librarse de la etiqueta "007" demostrando que no es sólo el típico actor guaperas al que ya se le ha pasado su momento. De McGregor podemos decir que está correcto y nos adentra bien en su particular via crucis. En global, las interpretaciones consiguen realzar un guión que, aunque previsible, sorprende, básicamente y de nuevo, a través de su puesta en escena.

En definitiva, nos encontramos ante un film que, aunque entretenido e interesante, al estilo de La tapadera (Sydney Pollack, 1993), va un poco más allá, quizá exclusivamente por el saber hacer de un Roman Polanski que sigue haciendo su cine de siempre, que se le da bien. El escritor no pasará a la historia como lo mejor de este director, pero es recomendable tanto para amantes o no de los films de suspense con trama política, por la impecable escenografía y lo que ésta representa.




The Ghost Writer (The Ghost en Gran Bretaña, El escritor en España, El escritor oculto en Argentina y El escritor fantasma en México), basada en la novela The Ghost de Robert Harris. Está dirigida por Roman Polanski y protagonizada por Pierce Brosnan y Ewan McGregor. Trata sobre un escritor fantasma que realiza las memorias del ex Primer Ministro británico, lo mismo que sobre sus descubrimientos a lo largo de la trama. Se ha señalado que Lang estuvo inspirado en Tony Blair, tratándose asimismo en la trama temas como la guerra de Irak, la guerra contra el terrorismo y la estrecha relación del Reino Unido con los Estados Unidos

Tras la muerte en extrañas circunstancias del escritor fantasma del ex Primer Ministro británico Adam Lang (Pierce Brosnan), se contrata a un remplazo (Ewan McGregor) para ordenar y completar el manuscrito de las memorias en curso. La compensación y la relativa facilidad del trabajo ayudan a convencerlo de obviar la sospechosa muerte de su predecesor. Se dirige entonces a la residencia de Lang en la isla de Martha's Vineyard, frente a la costa de Massachusetts. El día de la partida, sin embargo, un ministro acusa públicamente a Lang de haber autorizado el secuestro de sospechosos de terrorismo, así como de someterlos a las torturas de la CIA. Como se trata de un crimen de guerra, Lang es acusado formalmente por la Corte Penal Internacional de La Haya. Temiendo ser detenido, decide permanecer en Estados Unidos, un país que no reconoce la autoridad del tribunal.

Tras la incriminación se presenta una oleada de periodistas y manifestantes, entre ellos un veterano del ejército y padre de un soldado muerto en Irak, para sitiar Lang en su propiedad en la isla, donde vive con su esposa Ruth (Olivia Williams) y Amelia (Kim Cattrall), su asistente personal y amante. Mientras trabaja sobre el período cuando Lang entró a la política, el escritor fantasma descubre pistas que sugieren que su predecesor fue asesinado después de descubrir un vínculo entre Lang y el profesor Paul Emmett (Tom Wilkinson), un académico que lo acompaña en una foto de sus tiempos universitarios. De él, sin embargo, sólo recibe respuestas evasivas o negativas, e insiste en una relación con el ex primer ministro que no va más allá de ser casual.

A su regreso, descubre que lo están siguiendo. Para dejar a sus perseguidores, se baja del ferry que ha abordado con el BMW que lo llevó hasta Emmet. Se refugia en un hotel, desde donde contacta al ex ministro que había acusado públicamente a Lang. Éste le revela que estuvo en contacto con McAra, el escritor fantasma anterior, y que fue él quien le sugirió la existencia de vínculos entre la CIA y Lang. A modo de prueba, le recuerdan que, sin excepción, todas las decisiones políticas de Lang como jefe de gobierno favorecieron a los Estados Unidos. Según McAra, esa información se encontraba oculta "al principio del manuscrito", lo que el escritor interpreta correctamente como "los años en Cambridge", donde Lang conoció a Emmett.

Para no despertar sospechas, el escritor fantasma acepta que Lang lo pase a buscar a Nueva York en su jet privado, y durante el vuelo le confiesa todo lo que sabe de sus vínculos con la CIA. Lang rechaza la acusación, pero inmediatamente después del aterrizaje es asesinado por el padre de un soldado que murió en la guerra de Irak.

Sin embargo, al escritor fantasma se le pedirá terminar el libro, pues las expectativas de venta han aumentado tras la muerte de Lang. Durante la fiesta de lanzamiento del libro, da con las claves que conducen a la solución del misterio. Paul Emmett es un agente de la CIA, y fue contratado para convencer a Ruth Lang de entrar a la política para luego influir en las decisiones de su esposo.

Después de pasar una nota a Ruth acerca de su descubrimiento, quien se encuentra dando una rueda de prensa, el escritor se aleja con el manuscrito en la mano. Al cruzar la calle para llamar un taxi desaparece por la derecha de la imagen, desde donde luego entra un coche a toda velocidad. Los efectos sonoros y los papeles volando indican que ha sufrido un accidente.

Tony Blair y la guerra de Irak

Al igual que en la novela, Adam Lang es el vivo retrato de Tony Blair. La BBC señala que el personaje «estuvo inspirado en Tony Blair [...] Además, el fantasma de Blair persigue al ficticio Lang, tanto en las referencias a la guerra de Irak, la guerra contra el terrorismo y la estrecha relación con Estados Unidos».

En el film se acusa a Lang de crímenes contra la humanidad por entregar a ciudadanos británicos a la CIA y ser luego torturados. Sobre este tema, la BBC cree que es poco probable que fuera considerado como tal por la Corte Penal Internacional Tribunal de Justicia, ya que los actos no fueron «cometidos como parte de una política de gran escala».

Por otro lado, resulta curioso que los actores que interpretan a Richard Rycart -secretario de Relaciones Exteriores- y a la secretaria de Estado de EE. UU. se parecen físicamente a sus homólogos en la vida real: Robin Cook y Condoleezza Rice, respectivamente. Al igual que en la película, Cook tenía fuertes diferencias con la gestión de Blair en materia de política exterior.



Ficha tecnica

Dirección Roman Polanski

Producción Roman Polanski, Robert Benmussa y Alain Sarde
Guion Roman Polanski y Robert Harris
Basada en The Ghost de Robert Harris
Música Alexandre Desplat
Fotografía Pawel Edelman
Montaje Hervé de Luze

Reparto

Ewan McGregor: el escritor fantasma.
Pierce Brosnan: Adam Lang, el Primer Ministro.
Kim Cattrall: Amelia Bly, colaboradora y amante de Lang.
Olivia Williams: Ruth Lang, esposa de Lang.
James Belushi: John Maddox.
Tom Wilkinson: el profesor Paul Emmett.
Timothy Hutton: Sidney Kroll, abogado de Lang.
Eli Wallach: anciano en Martha's Vineyard.
Robert Pugh: Richard Rycart, ex ministro del exterior de GB.

Fuentes: Portal Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/The_Ghost_Writer, Portal El espectador imaginario.

La película olvidada: El parador del camino, 1948, de Jean Negulesco.

'El Parador del Camino', el poder de los celos

Por Alberto Abuín

‘El Parador del Camino’ (‘Road House’, 1948) fue realizada por Jean Negulesco justo después de su famosa ‘Belinda’, y tenía en su haber 8 películas habiendo empezando cuatro años antes a dirigir, eso si no contamos su labor no acreditada en la estupenda ‘Ciudad de Conquista’ de Anatole Litvak en 1940. La presente película fue una más que ayudó a cimentar su prestigio crítico en el que es considerado como un de los directores más elegantes del cine norteamericano, especializado sobre todo en melodramas, muchos de ellos con tintes de thriller.

‘El Parador del Camino’ narra la historia de Lily Stevens, una cantante contratada por Jefty Robbins, el dueño de un parador para comprobar si le va mejor en su negocio. Contra todo pronóstico, ya que Lily no posee una voz especialmente dotada para la canción, la chica se convierte en todo un éxito del lugar logrando que cada vez acuda más gente a verla, hipnotizados por la capacidad de transmitir de ella sin tener buena voz. Robbins se enamora de ella, pero ella se fija en Pete Morgan, su mejor amigo, y los problemas empiezan.

Lo que sorprende especialmente de la película, es la facilidad con la que su argumento, que parte de una premisa totalmente típica (un triángulo amoroso), se va enredando cada vez más, centrándose sobre todo en la obsesión del personaje interpretado por Richard Widmark en la que era su tercera película como actor. Además, es curioso como su personaje empieza siendo de lo más simpático y amable, para terminar convirtiéndose en alguien odioso, una imagen más acorde con el magnífico actor, que solía bordar los papeles de villano (su debut en el cine es inolvidable). Es en esta parte donde la película presenta sus mejores cartas, ya que consigue hacer creíble e interesante algo tan estúpido como los celos, gracias a la portentosa labor de Widmark y el giro que su personaje da.

Berlinale 2013, La nueva película de Wong Kar-wai.

Berlinale 2013 | La nueva película de Wong Kar-wai inaugura la 63ª edición


Después de Sundance toca la Berlinale. Hoy arranca la 63ª edición del festival de Berlín con la proyección de una de las películas más esperadas de los últimos años, ‘The Grandmaster’ (2013), lo nuevo de Wong Kar-wai.

El film inaugura el certamen pero no compite por el Oso de Oro ya que su director es el presidente del jurado este año; los demás miembros son Susanne Bier, Andreas Dresen, Ellen Kuras, Shirin Neshat, Tim Robbins y Athina Rachel Tsangari. Entre los títulos de la sección oficial a concurso destacan los nuevos trabajos de Gus Van Sant, Steven Soderbergh, Hong Sang-soo y Jafar Panahi, que sigue bajo arresto domiciliario y según las autoridades iraníes tiene prohibido hacer cine.

Otras interesantes películas que se proyectarán en el festival desde hoy hasta el 17 de febrero son ‘Before Midnight’ (Richard Linklater), ‘Don Jon´s Addiction’ (Joseph Gordon-Levitt), ‘Ayer no termina nunca’ (Isabel Coixet, única representante española en Berlín) y ‘Dark Blood’ (George Sluizer), el film que quedó inacabado por la muerte de River Phoenix en 1993. Lamentablemente no podremos estar en el festival pero iremos comentando lo que diga la prensa especializada sobre las películas más relevantes.


Fuente: Portal Blog de cine.

Yuki and Nina, la obra de dos orfebres.

Yuki & Nina

Sinopsis

Ese orfebre del cine que es Nobuhiro Suwa consigue otra delicada, lírica e impiadosa obra de cámara que empieza como un drama familiar francés y termina como un poético relato japonés. Y resulta, por lo tanto, la síntesis perfecta para una filmografía que siempre ha pendulado entre lo europeo y lo asiático, a partir de la riqueza propia de una sensibilidad escindida entre el lugar de origen y el de adopción.

Codirigida con el aquí también actor Hippolyte Girardot, Yuki & Nina arranca como una (otra) crónica de la crisis y separación de un matrimonio, en este caso entre un francés (el propio Girardot) y una japonesa (Tsuyu), narrado desde la perspectiva y de las sensaciones más profundas de Yuki (Noë Sampy), la única hija de la pareja. Con sus nueve años, la protagonista observa y sufre los hechos, mientras pasa casi todo el tiempo en compañía de su amiga Nina (Arielle Moutel), también hija de divorciados. El problema es que su madre está a punto de viajar para radicarse nuevamente en Japón y ella no quiere acompañarla.

Suwa escapa a los excesos y subrayados melodramáticos, y también a la demagogia tan habitual en los relatos contados desde el punto de vista infantil (las dos chicas, de todas maneras, son encantadoras). El creador de joyas como 2 Duo, M/Other, H Story y Una pareja perfecta sortea las obviedades y se concentra con sutileza en los detalles, las pequeñas observaciones, los climas y las contradicciones íntimas de sus personajes. La primera parte de la película no está nada mal, pero se trata de una historia con cierto déjà vu. Sin embargo, cuando el film parece transitar por caminos correctos y hasta algo previsibles, Suwa da un sorprendente giro narrativo y estilístico con una larga, fascinante y mágica caminata por el bosque, una elipsis, una epifanía y una resolución inesperada que le otorgan al film no sólo una veta más propia del cine japonés sino además una dimensión artística mucho mayor, muy ligada a lo mejor de la obra de Naomi Kawase. Una pequeña joya que se estrenó en la Quincena de Realizadores del último Cannes y cuya sola inclusión engalana la programación de cualquier festival.



Nobuhiro Suwa / Hippolyte Girardot




Nobuhiro Suwa Nació en Hiroshima, Japón, en 1960, y estudió en la Univerdad Zokei de Tokio. Dirigió varios documentales televisivos, los largometrajes 2/Duo (1997), M/Other (1999), H/Story (2001), Una pareja perfecta (2005), y el segmento “Place des Victoires” de Paris, je t’aime (2006).

Hippolyte Girardot Nacido en Boulogne-Billancourt, Francia, en 1955, empezó a actuar en Le Destin de Juliette (1983) de Aline Issermann, y luego trabajó en películas de Jean-Luc Godard, Olivier Assayas, Arnaud Desplechin, Hou Hsiao-hsien y Amos Gitaï, entre muchos otros. Yuki & Nina es su debut como guionista y director



por Aníbal Perotti

Distancia. Hippolyte Girardot, un actor acostumbrado a películas de directores exigentes como Godard o Desplechin, asume por primera vez el papel de realizador junto a Nobuhiro Suwa, uno de los más grandes cineastas japoneses en actividad. El encuentro se presenta particularmente atractivo, pero el resultado de la asociación entre los dos talentos resulta decepcionante. Durante casi una hora, Yuki y Nina se asemeja a una mala caricatura de las películas del nipón, lejos de la gracia y la precisión de M/Other o de Una pareja perfecta. Si bien están presentes sus característicos planos fijos donde los protagonistas se enfrentan, desaparecen fuera de campo, regresan y se vuelven a enfrentar, el dispositivo es demasiado visible y poco natural. Yuki y Nina es una película dual, a menudo torpe y especialmente malograda en la primera hora, cuando la puesta en escena realista de Suwa luce forzada. Sólo las últimas secuencias permiten elevar el nivel de una obra que parece contaminada por la incomprensión entre dos autores.

La película adopta el punto de vista de una niña mestiza de nueve años que sufre la separación de su madre japonesa y su padre francés (interpretado por el mismo Girardot). A pesar de sus reticencias y de su voluntad ingenua por hacer reaparecer el amor entre sus progenitores, la pequeña se ve obligada a seguir a su madre a Japón. Pero cuando todo parece encaminado, Yuki decide huir con Nina, su mejor amiga. La separación es un tema recurrente en la obra de Suwa, que en esta ocasión se ve afectado por el tono de algunas actuaciones y subrayado por la difícil convivencia entre distintas culturas. El otro gran problema de la película es la dirección de actores, la interpretación del dúo de protagonistas adultos no refleja con sutileza el choque de una separación. La actuación excéntrica de Tsuyu Shimizu atenta contra el verosímil de la primera parte de la película y estropea escenas cruciales. Hippolyte Girardot se muestra incómodo, como si no se acostumbrara a estar delante y detrás de cámara. Nobuhiro Suwa reivindica constantemente su compromiso con un determinado realismo, pero Yuki y Nina suena extrañamente falsa.

En la última media hora, las ideas de puesta en escena de Girardot permiten que la película tome una dimensión inesperada. En su fuga, Yuki se pierde en una fascinante caminata por el bosque que establece un vínculo entre el presente y el futuro, entre su vida francesa y su traslado a Japón. Una suerte de viaje espacio-temporal con el que por fin la película despega y se torna interesante gracias a una atmósfera fantástica que nos sumerge en el subconsciente de la niña. El giro narrativo inscribe la violencia de la ruptura en el centro del relato sin mostrarla. La estética del tramo final y la inesperada resolución se encuentran muy alejadas del universo de Suwa, sin embargo dejan ver la atracción de Girardot por la cultura japonesa. El bosque es un fuerte símbolo del universo nipón, un laberinto misterioso, secreto y poblado de fantasmas que resulta ideal para expresar el desconcierto de la pequeña Yuki. Sin embargo, esta mágica balada final no alcanza a ocultar las dificultades de la película, que son el resultado de una dualidad demasiado fuerte y de la ausencia de alquimia entre dos personalidades con lenguajes diferentes. La falta de coherencia en algunos pasajes está justificada en parte por un montaje hecho a cuatro manos entre Japón y Francia. La separación que evoca Yuki y Nina es también la de dos cineastas que no pueden cohabitar plenamente, dos individuos en apariencia cercanos, pero cinematográficamente distantes.

Ficha tecnica


Francia, 2009
92´ / 35 mm / Color
Francés, Japonés


Dirección: Hippolyte Girardot, Nobuhiro Suwa
Guion: Hippolyte Girardot, Nobuhiro Suwa
Fotografia: Josée Deshaies
Escenografía: Laurence Briaud, Hisako Suwa
Direcció Artistica: Véronique Barnéoud, Emmanuel de Chauvigny,
China Suzuki
Sonido: Dominique Lacour, Raphaël Girardot
Montaje: Lily Margot, Doc Mateo
Producción: Kristina Larsen, Masa Sawada
CoProducción: Les Films du Lendemain
Interpretes: Noë Sampy, Arielle Moutel, Marilyne Canto,
Hippolyte Girardot, Tsuyu Shimizu

Apuntes del 27: 7 cajas.

7 Cajas, de Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori. Competencia Latinoamericana.

El valor de una vida no se puede medir en pesos, pero en el Mercado Central de Asunción, Paraguay, el precio del ser humano no supera al valor de un celular.

Los personajes de 7 cajas, ópera prima del dúo Maneglia-Schémbori, sacrifican su vida y su moral en pos de conseguir lo que más desean. Sin embargo, ningún plan sale según lo previsto.

Cuando a Victor – el protagonista – le piden que recorra el mercado con 7 cajas a cambio de un billete de cien dólares, este no lo piensa dos veces: con ese dinero podría conseguir el celular que tanto desea.

En 7 cajas, los directores eligen la estética del thriller para narrar una realidad social – un poco como Pablo Trapero con Elefante Blanco. Ubicando la cámara en una carretilla, en los hombros del protagonista, e incluso escondiéndola en cada recoveco que encuentran, los realizadores construyen un relato coral policial al mejor estilo Guy Ritchie.

A pesar de que no se puede negar que Victor es el protagonista absoluto, los directores abren el panorama mostrándonos otras historias, construyéndoles un mundo propio, el mercado funciona como un microuniverso. Cada una de estas subtramas convergen en la búsqueda de estas 7 cajas en un relato lleno de adrenalina, ritmo, humor negro y acción en donde se nota la influencia directa de cineastas como Fernando Meirelles, Alejandro González Iñarritú y Darren Aronofsky.

7 cajas es una película independiente llena de matices y grabada con bajo presupuesto, pero mucho corazón. Actores jóvenes, profesionales y no actores colaboran en esta propuesta que ya fue vista por 160.000 personas solo en Paraguay, donde además de ser un éxito de critica, superó el record de…Titanic !


Fuente: www.mardelplatafilmfest.com

La Berlinale 2013, con un toque de Europa del Este.

Seis de las 19 películas están rodadas o situadas tras el antiguo Telón de Acero

LONDRES, 5 (Reuters/Ep) Este año el Festival de Cine de Berlín mira hacia Europa del Este. Y es que seis de las 19 películas en competición están rodadas o situadas tras el antiguo Telón de Acero. Además dos de las películas estadounidenses plagadas de estrellas abordan grandes negocios y temas candentes: energía y farmacéuticas.

Los derechos humanos en Irán también estarán en el punto de mira durante la muestra de dos semanas que arranca el 7 de febrero, mientras que los Picapiedra darán paso a Los Croods: Una aventura prehistórica, una familia prehistórica que protagoniza una nueva animación en 3D de DreamWorks.

Europa del Este acapara la atención en Berlín, y entre las películas en competición hay películas de la región como Child's Pose que examina la corrupción en Rumanía a través de la historia de una madre adinerada que trata de comprar la libertad de su hijo condenado.

Harmony Lessons es el debut en el drama del cineasta kazajo Emir Baigazin, mientras que la polaca In the Name of... aborda el espinoso tema de la homosexualidad en los sacerdotes católicos. El estadounidense Shia LaBeouf interpreta a Charlie en The Necessary Death of Charlie Countryman, sobre un joven que viaja a Rumanía y se ve enredado en una peligrosa rivalidad con un cartel de droga de la mafia.

Política y negocios en pantalla

Entre las películas de actualidad en Berlín 2013 estará Tierra prometida, sobre la controvertida técnica de perforación para extraer gas conocida como "fracking" con Matt Damon como protagonista y dirigida por su colaborador en El indomable Will Hunting Gus Van Sant.

La cinta Side Effects de Steven Soderberg es en parte una crítica a la industria farmacéutica, aunque las primeras impresiones sobre la película destacan de ella el misterio por un asesinato, con Jude Law, Channing Tatum y Catherine Zeta-Jones en el reparto.

Soderbergh, que en 2000 ganó un Oscar con el drama sobre el narcotráfico Traffic, ha a anunciado que esta será su última película para la gran pantalla, al menos en el futuro más próximo.

Podría decirse que la cinta con más contenido político del festival será Closed Curtain, codirigida por el aclamado director iraní Jafar Panahi, que desafió una prohibición de 20 años para hacer cine impuesta por las autoridades locales. Condenado por hacer propaganda antigubernamental, Panahi ha conseguido hacer dos películas desde que fue puesto bajo arresto domiciliario en 2010.

En 2011 Esto no es una película, sobre un día en su vida, fue sacada de Irán en un dispositivo USB escondido en una tarta, y desde entonces se ha mostrado al mundo.

La puesta de largo del cine

La Berlinale, que celebra su 63 edición, es uno de los festivales cinematográficos más importantes de Europa, y a su abrigo se celebra un mercado a gran escala para el comercio de nuevas cintas y documentales y discusiones de lo que están en desarrollo.

Aunque no es capaz de atraer a la cantidad de estrellas y taquillazos de eventos similares como Cannes o Toronto, Berlín es una presentación anual de lo que el cine a nivel mundial tiene que ofrecer y disfruta de una gran reputación por incluir películas duras que abordan asuntos de candente actualidad.

"Cuando llega el año nuevo, es importante que haya un festival internacional relevante que siente las bases del año", dijo Michael Barker, responsable de Sony Pictures Classics que presenta Antes de medianoche (continuación de Antes del amanecer y Antes del atardecer) en Berlín.

"No creo que esté en conflicto con los Oscars o Sundance, porque Sundance es un tipo de festival muy diferente", dijo a Reuters, en referencia al festival que se celebra en Utah en enero y que tiene un gran énfasis en el cine estadounidense.

Otros estrenos

Antes de medianoche, la tercera parte de la larga historia de amor entre Ethan Hawke y Julie Delpy, no optará a ninguno de los premios que se entregarán en la ceremonia de clausura el próximo 16 de febrero, cuando se conocerá el nombre del ganador del codiciado Oso de Oro a la mejor película.

También entre las películas más destacadas pero fuera de competición están Los Croods: Una aventura prehistórica, con las voces de Nicolas Cage y Ryan Reynolds, y Dark Blood, la cinta que River Phoenix estaba grabando cuando murió en 1993, a los 23 años.

Cerca de 20 años después, después de salvar el metraje de ser destruido, el director George Sluizer decidió terminar la película leyendo en voz alta las escenas del guión que faltan.

La Berlinale comienza el 7 de febrero con el estreno internacional del filme sobre artes marciales The Grandmaster dirigida por el hongkonés Wong Kar Wai, que también es el presidente del jurado de este año.


Fuente: Portal Estamos rodando

Apuntes del 27: El nuevo film de Michel Gondry.

JUVENTUD, DIVINO TESORO


La nueva película de Michel Gondry y el universo adolescente.

Michel Gondry comenzó poniéndole imágenes a las canciones de Björk y pronto pasó a convertirse en el videasta elegido de grandes bandas y solistas, entre ellos los Rolling Stones (además de Radiohead, Massive Attack, y Chemical Brothers. Luego, ya en su salto al cine, Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, con guión a cargo del gran Charlie Kauffman, lo catapultó al estrellato del cine independiente-tamaño-mainstream.

En su última obra, The We and the I, Gondry se centra en el último día de clases de un grupo de adolescentes del Bronx y en el último viaje en autobús del año, dentro de un espacio semi-claustrofóbico que se constituye como micro universo de las relaciones imperantes de la sociedad de afuera.

Actores no profesionales (haciendo prácticamente de ellos mismos)se ponen al hombro esta suerte de “semi-documental”, en el que cada uno asume posiciones marcadas que bien podrían caer en rápidos estereotipos sociales, acertadamente esquivados gracias a la frescura y espontaneidad de las actuaciones. La cámara se ubica como testigo invisible, retratando las interacciones de estos adolescentes que comparten un contexto y un momento tan particular de sus vidas.

En el autobús hay un poco de todo: el grupo de los más populares, los bullies, el chico cool y fachero, la chica medio oscura y depresiva que suele ser objeto de burlas, el intelectual que se sumerge en la lectura, las chicas malas que se utilizan entre sí. Todos juntos en un viaje tan exterior como interior.

Y como era de esperarse, una gran banda de sonido a cargo del rapero Young MC.



Fuente: www.mardelplatafilmfest.com

CinemaRock: Adiós Sui Generis, 37 años.

A 37 años del "Adiós Sui Generis"


Un recital que marcó un antes y un después en nuestro rock. Los protagonistas cuentan su historia.

EL FIN DE UNA HISTORIA. Charly y Nito en el escenario.

Sui Generis representó una época muy importante para la música nacional. Dentro del rock, fue el punto de partida para toda una generación que no se sentía reconocida.

El dúo nació de la mente de Charly García mientras estudiaba en el colegio "Dr. Dámaso Centeno". Allí, conoció a Nito Mestre, que se convirtió en su fiel socio musical.

Con letras interesantes y profundas, Sui Generis se convirtió en el grupo más escuchado a principios de los setenta.

Con el primer disco Vida (1972), el estilo folk norteamericano los llevó rápidamente a la popularidad. Con el segundo trabajo, Confesiones de Invierno (1973), el grupo se instaló de forma definitiva.

Pasaron los años y para 1975 Sui Generis era un referente en la escena musical local. En ese año tomaron la decisión de parar y hacer un show a lo grande.

Así surgió el Adiós Sui Generis en el Luna Park, el 5 de septiembre, con un lleno total y gente que quedó afuera. Esto fue algo inusual para nuestra música.

Las 11 mil localidades puestas en venta se agotaron dos semanas antes del show. A pedido del público se agregó una segunda función para la misma noche, en total: 25.600 espectadores.

“Como con Charly seguimos en la misma profesión, nos parece que no pasó tanto. Es una fecha importante para todos los seguidores y le tengo un grato recuerdo. Fue el primer show multitudinario de rock que hubo en la Argentina”, recordó Nito Mestre a La Viola Web.

La semana pasada, el músico subió al escenario, durante el show que Charly García dio en el Luna Park para presentar su obra 60x60. Otra vez, el dúo estaba junto ante una multitud en el estadio que fue testigo del adiós.

“No me di cuenta hasta que subí al escenario. En ese momento me vinieron todas las imágenes de aquella época. Fue algo muy fuerte”, reconoció el cantante.

La película

El director Bebe Kamin fue el encargado de inmortalizar ese momento tan glorioso para nuestra música.
Contó con cuatro cámaras, dirigidas por el cineasta, que grabaron varias partes del concierto, además de entrevistas al público presente afuera del Luna Park.

Posteriormente, se grabaron videoclips con la música del mismo concierto, como es el caso de "Mr. Jones" y "Nena".

La película llevó el nombre de "Adiós Sui Géneris" y fue certificada para mayores de 18 años. Irónicamente, quién certificó la película fue satirizado el año anterior, como el "Señor Tijeras".

“Fue una experiencia muy importante. Fui convocado por Leopoldo Torres Nilson (productor de la película). Este documental lo pudimos hacer con un grupo de gente valiosa y muy trabajadora. Se trata de un proyecto que se realizó en un momento muy complicado y esto trasciende el concierto, era un momento muy problemático con muchas situaciones críticas en lo político, social, entre otros puntos. Las víctimas de todo esto fue la gente joven y ese concierto de alguna manera fue una expresión de lo reprimido, la posibilidad de expresión propia que tenía la juventud de ese momento”, le contó Kamin a La Viola We

Un fan muy especial

Dentro de esa multitud se encontraba un joven Norberto “Ruso” Verea. Un fanático de la música que no se perdió la posibilidad de estar en ese lugar. Sabía que era un momento muy especial que marcaría un antes y un después.

“Era la despedida de un grupo importante y no me lo quería perder. En aquella época el rockero escuchaba distintos estilos. No es como ahora que escuchan a un determinado grupo. A mí me gustaba Pappo, Pescado Rabioso y Sui Generis. No era un gran seguidor del grupo pero tenía ganas de disfrutar de su música”, le contó Verea a La Viola Web.

Discografía de Sui Generis

Vida (1972)
Confesiones de invierno (1973)
Alto en la torre (simple) (1974)
Pequeñas anécdotas sobre las instituciones (1974)
Adiós Sui Generis (1975)
Antología (1991)
Adiós Sui Generis Parte 3 (1995)
Sinfonías para adolescentes (2000)
Si (2001)


Fuente: http://tn.com.ar/musica/hoy/a-37-anos-del-adios-sui-generis_269674

Nuestras estrellas: Cipe Lincovsky.

EL MUNDO Y LAS VERDADES DE CIPE LINCOVSKY

"El talento está bien, pero hay que ser útil en la vida"

Como lo demostró en toda su trayectoria, valora la palabra memoria. Y recuerda la definición del diccionario de la Real Academia, "potencia del alma por la que no se olvida sino se recuerda", para asegurar que "las cosas deben llevar una memoria concentrada y el que no tiene memoria es un impotente frente a la vida". Con esa memoria en ristre, la gran actriz cuenta en este diálogo cómo se formó su relación vital con el teatro y explica por qué se opone a la reconstrucción de la AMIA en el mismo terreno que ocupaba antes del atentado.

Por Magdalena Ruiz Guiñazú


Cipe Lincovsky vive en un amplio departamento que podría perfectamente estar ubicado en algún rincón parisino. La arquitectura francesa tan cara a los arquitectos argentinos de los años '20 es probablemente un marco perfecto para el "hábitat" de esta mujer de raíces europeas y vivencias profundamente criollas que, desde siempre, tiene una historia personal inseparable de la aventura teatral en nuestro país. "Cuando mi papá llegó a la Argentina abrió una escuela, luego una biblioteca y finalmente un teatro", asegura. Cuesta poco imaginarse a ese joven intelectual, Joel Lincovsky. Un hombre enrolado en la izquierda de la época, un romántico cuyo único equipaje hacia el nuevo mundo fue un baúl lleno de libros y el edredón de "duvet", de plumas de ganso, regalo de su abuela en el día de su casamiento con la hermosa Sarah Kessler.

--El edredón debe tener hoy unos cien años --sonríe Cipe-- y lo uso siempre para abrigarme en el invierno.

Y en sus sueños acunados por tanta tibieza, Joel también se aferró al teatro, esa vieja tradición maravillosa de la Rusia natal. Se convirtió muy pronto en el empresario del teatro Excelsior de Buenos Aires que estaba ubicado frente al Mercado de Abasto. Allí presentó a famosos actores judíos como Bulof, Ben Ami, Maurice Schwartz y tantos otros que vivían en Estados Unidos y aprovechaban el verano del norte para instalarse en Buenos Aires desde junio hasta setiembre. Poco después, junto con otros inmigrantes, funda el inolvidable Teatro IFT. "Puedo decir que allí nací, crecí. Aprendí a hablar y a caminar sobre ese escenario. Fue algo absolutamente natural. No tuve que luchar contra nada ni nadie, ni forzarme para ser actriz. Te diría que podría compararlo con dejarme llevar por las aguas de un río."

--¿Quizá por eso ahora vas a filmar Un amor en Moisesville?

--No exactamente. Aunque tengo parientes en Entre Ríos nosotros nos afincamos aquí, en la ciudad. Lo que ocurre es que me entusiasmé con el libro de la película de Antonio Ottone (Flores robadas en los jardines de Quilmes) y también me gustó la idea de trabajar con Víctor Laplace. El rodaje empezará muy pronto, en cuanto termine esta segunda temporada de Teatro Nuestro. Y luego por la repercusión que ha tenido el espectáculo Cipe dice a Brecht en homenaje a los cien años del nacimiento de Brecht y con el cual inauguré el Festival Internacional de Bogotá, me han invitado a diez ciudades españolas y a cuatro festivales internacionales en España. Al mismo tiempo debo concurrir al Festival Internacional de Israel. Es una coordinación un poco complicada porque significa pasar todo noviembre en España, una semana en Israel, para luego terminar con otra semana en Madrid.

Y mientras Cipe ordena los fax en una gran agenda de cuero negro volvemos a hablar de su destino. De esa chica talentosa, mimada, querida por padres atentos a su felicidad de cada día. La princesita del Teatro IFT.

--Sin duda mis padres eran maravillosos e inusuales. A mí me echaron del colegio en el secundario a raíz de una huelga en la que no dejamos entrar a los estudiantes en el Carlos Pellegrini. Ni siquiera recuerdo el motivo sino, en cambio, el hecho de apostarnos en la entrada para mantener la medida de fuerza. Cuando me echaron volví a casa pensando "bueno... voy a darles a mis padres un gran disgusto" y no sabía realmente cómo empezar a relatar las cosas. Sin embargo en cuanto comencé con las explicaciones papá y mamá saltaron al unísono: "¡Mejor! Mucho mejor. Así podrás dedicarte completamente al teatro".

Cipe se ríe con ganas al recordarlo:

--Otros padres me hubieran pegado, me hubieran corrido alpargata en mano. Pero ellos, no. Encantados. Fue maravilloso y me marcó para siempre. Tan es así que cuando mi hija Paloma me anunció que quería estudiar medicina me enojé muchísimo. "Medicina, ¿para qué? Si vos sos una escultora..." "Quiero tener un título", me dijo Paloma. En una generación las cosas, claro, habían cambiado.

--Pero esa vocación inalterable. Casi diría, impuesta por las circunstancias, ¿no fue quizá tan invasora como para dificultar una unión entre vida afectiva y vida profesional?

--No... --reflexiona--. Mirá, yo tenía un novio desde los trece años, Meme, que luego fue el padre de mi hija. Era un muchacho de Villa Lynch. No era actor pero yo lo arrastré al IFT pese a que su padre quería que trabajara con él en la fábrica textil de la familia. Durante aquellos años las cosas, y te estoy hablando de una posible dicotomía, no me fueron difíciles. Meme y yo estábamos siempre en el teatro. Juntos. Es cierto que hubo cortes importantes como cuando, después de una cesárea, puse a Paloma en un moisés y me la llevé a Alemania donde tenía que presentar la primera obra antinazi que se dio en Berlín occidental, Yo solo y ningún ángel de Thomas Harlan.

--Pero Cipe, no me refiero sólo a ese período. Antes de conocernos y ser amigas yo tenía una imagen tuya como de una mujer tempestuosa con grandes amores, hombres apareciendo por todos lados. ¿Esa vida personal tuya fue, en algún momento, más importante que el teatro?

--El teatro fue fundamental pero también los hombres. Aunque creo que nunca hubiera dejado la carrera por un hombre. Una sola vez en mi vida llegué a pensarlo...

Cipe se encierra en una total reserva y con una sonrisa evade más preguntas al respecto.

--Me parece que eso lo pensaste en un ataque de amor. No te veo renunciando a la escena.

Cipe se ríe francamente:

--Es probable. No dudo que mi camino, mi vida, es esto. No hay otro. Tengo mi familia, sin duda mi hija y mis divinos nietos. Pero donde yo pueda ser útil, sentirme útil... Cuando el episodio del colegio Carlos Pellegrini papá se sentó frente a mí y me explicó: "Mirá, Cípele, el talento está bien pero hay que ser útil en la vida". Y eso me quedó grabado. El talento tiene que estar al servicio de algo. No sólo como una gratificación personal. Yo no me olvido de la suerte que he tenido. Por eso no es que me haya esforzado por mantener una conducta en el teatro. Simplemente hice siempre lo que quise hacer. No estoy arrepentida de ninguna de las obras que he representado. Ni de ninguna película, ni de ningún trabajo. Quizá pudo haber salido mejor o peor pero no tengo por suerte nada de qué avergonzarme. Y esto se lo debo a mi papá.
Imagino a Joel Lincovsky, hoy.

--No puedo dejar de pensar en que si tu padre viviera tendría, por ejemplo en el tema AMIA, la misma actitud intransigente que tenés vos.

--Sin duda. Mi padre hubiera salido a discutir el tema de la construcción del edificio en el lugar del atentado. El hubiera pensado seguramente como yo en que hay lugares en los que no se puede ni se debe construir. Y sobre esto quiero recordar algo: en enero de 1959 fui a Varsovia. Nunca había estado allí. Ibamos en auto con un amigo y, de pronto, miré hacia la derecha y frente a un gran descampado le pedí al chofer que detuviera el auto. Caminamos unos pasos y, movida no sé por qué fuerzas, me agaché y tomé un puñado de tierra y empecé a llorar. No podía contenerme. Me saltaban las lágrimas y, al mismo tiempo, les decía "yo estuve aquí", con la absoluta convicción de que era así. Y ellos me consolaron pero su consuelo fue una revelación terrible: "No, Cipe, nunca estuviste aquí. Y por suerte, porque esto es el Ghetto de Varsovia". Y te cuento esto porque yo creo que la tierra habla, que los muertos hablan. Lo mismo me ocurrió en Leningrado, adonde fuimos con Fernando López de La Nación y Néstor Tirri de Clarín. Con Antonio Ottone formábamos parte de la delegación que había concurrido al Festival de Cine de Moscú y decidimos ir a San Petersburgo (Leningrado) a contemplar las famosas noches blancas. Es un espectáculo impresionante: a eso de las cinco de la tarde comienza una niebla que luego se transforma en un resplandor, como si fuera el filtro de una cámara. La guía nos llevó entonces a un gran parque donde el suelo estaba marcado por un camino de tierra y un camino de césped. Era una gran extensión como de unas cinco cuadras. Al final, podíamos divisar una construcción y también a lo lejos se escuchaba música de Bach. Comenzamos a caminar hacia ella pero al poco rato me sentí rara, diferente. Observé que Tirri estaba muy pálido y más adelante Ottone también mostraba una gran desazón. Resolvimos detenernos cuando Fernando López se dirigió a la guía "¿qué es este lugar? ¿dónde estamos?".

Ella, una mujer amable y tranquila, tardó unos instantes en hablar: "Estamos caminando sobre un millón de muertos". Allí estaban enterradas las víctimas de aquella horrible batalla. El sitio de Leningrado.

--¿Vos pensás entonces que la tierra habla y que en el caso de la AMIA no debería haberse construido sobre ella?

--Creo que no. Que debería haber quedado como un monumento nacional. Siempre recuerdo que en Colombia un atentado de los narcoterroristas mutiló una magnífica estatua de Botero. Inmediatamente llamaron a Botero a París para preguntarle si iba a hacer una nueva colada para no perder esa escultura. "De ninguna manera --contestó Botero-- ahora se tiene que llamar Violencia porque los hechos la han modificado pero sigue siendo ella misma." Te cuento esto porque creo que hay cosas que deben llevar una memoria concentrada. Por algo el diccionario de la Real Academia define a memoria como "potencia del alma por la que no se olvida sino se recuerda". Y yo pienso que el que no tiene memoria es un impotente frente a la vida.


¿POR QUE CIPE LINCOVSKY?

El arte de vivir
Por Magdalena Ruiz Guiñazú


Elegimos conversar con Cipe no sólo por su trayectoria, su tarea infatigable, su permanencia en la escena y su indeclinable amor por ella. La elegimos porque básicamente Cipe es un ser libre. Siempre lo fue hasta el punto de tener que sufrir amenazas y exilio. Cuando ella define a "los sin memoria" como impotentes frente a la vida surge entonces la curiosidad. ¿Cómo se siente esta mujer independiente de corazón en un mundo donde el hedonismo y el materialismo tienen una injerencia tan poderosa?
"Hay momentos en los que uno se siente incómodo en el país --me contesta Cipe--. La Argentina es, a veces, una madrastra con ciertos hijos. Pero no se puede hablar mal de la madrastra porque todavía vive el padre. Porque el padre es el país de uno y la madrastra muchas veces no responde a las necesidades de sus hijos. No vamos a empezar a hablar aquí de todos los científicos que están dando vueltas por el mundo. De todos los músicos, actores, docentes que se han ido y no volverán. Y no te hablo sólo de un Premio Nobel como Milstein. Es un proceso muy doloroso y que no ha terminado de revertirme."

--¿Creés en otra vida después de ésta?, le pregunto entonces.

--Realmente no. Me parece que no. Tampoco en una justicia posterior que administre premios y castigos. Estos premios y castigos son los que nos brinda la vida, aquí en este mundo. Sin embargo, y a pesar de aquello de la madrastra de la que hablábamos, te diría que en mi caso yo no me puedo quejar de nada. No hay un momento de mi vida que no pueda recordar con algún enfoque positivo. Para mí la botella está siempre medio llena. Nunca semivacía.

Y en la sonrisa de sus grandes ojos, en la falta de resentimiento y en la alegría de estar viva creo que se encuentra la clave de una historia en la que Cipe ha sabido entender el arte de vivir.




Nace en Buenos Aires el 21 de Septiembre.

TRABAJOS REALIZADOS:

1953: "Madre Coraje" de B.Brecht. Bs As. Argentina.
1954: "Las brujas de Salem" de A. Millar (Abigail)
1957: "Recitales en Moscú, Berlín, Varsovia, Paris.
1958-9:"Yo solo y ningún ángel". T. Harlan Kongreshalle. Premio Impacto
Dramatico.
1960: "Las tres hermanas". A. Chejov (Mascha) Teatro I.F.T Feria
internacional de Leipzig (recitales)
1961: "Santa Juana de América". Cine. Berlín Oriental. Actuaciones
Berliner Ensamble.
1962: "Andorra" M. Frich. Teatro San Telmo. Bs As Argentina
" Los otros" de Carlos Gorostiza (tv)
1963: "Gira con recitales en Berlín, Dressden,Leipzig, Manchen.
04 programas especiales en TV alemana
1964: "Divinas palabras" de V. Inclan. Teatro Coliseo. Bs As. Premio Talia
Mejor Actriz.
"Un mes en el campo" . Turgurnief (Natalia) Teatro.
1965 "Un hombre es un hombre" de B. Brecha. Teatro
1966: "Recitales en toda Alemania. Temporada Teatro Judío con Joseph Bulof, Teatro Odeón.
"Desnudo con violín". TV
1967: "Delicado equilibrio". E. Albee. (Clara) Teatro.
1968-9:"Recitales por toda Alemania. " Ana Karenina". L. Tolstoi.(TV) Martín Fierro
Mejor Actriz.
Protagoniza la película "La Tomasa". Cine Manchen. Bundes Preisse
1970: "Rojo y Negro", " Teresa Raquin", "Heda Gabler" (TV)
" Yo quiero decir algo" Kabaret literario.
1972: "Piper Music-hall" Roma R.A.I
"De donde soy lo que soy". Kabaret literario.
"La vuelta al hogar". Pinter. Teatro.
1973: "Casa de Muñecas" Ibsen. Teatro. Ciclo de grandes novelas en TV. Premio Martín Fierro. TV.
"Quien le teme a Virginia Wolf?" Teatro
"Quebracho". Cine Premio Jarlovi Vari.
"La tregua". Cine. Premio Oscar Mejor Película Extranjera.
"Boquitas pintadas". Cine. Premio San Sebastián compartido Mejor Actriz.
1975: "Gracias". Kabaret.                                                                          
"Una mujer". Cine.
1976: "Nuevamente gracias". Kabaret.
"Yo quiero decir algo". Teatro Alfil-Madrid. Premio Mejor Actriz  
Extranjera Teatro Romea, Barcelona. Festival Internacional del
Sonido. Valladolid. Premio Mejor Actriz Extranjera. Parte exiliada en
España.
1977: "Luto riguroso". Cine. España. " Yo quiero decir algo" Teatro Las
Palmas, Caracas. Teatro Nacional de Caracas. Aula Magna
Universidad.
1978: "IV Sesión Mundial Teatro de Naciones". Caracas. Premio Mejor Actriz
del Año, Caracas. Premio Juana Sujo.
1979: "Salome" Teatro Nacional Milán. Dirección Linsay Kemp
V Sesión Mundial del Festival de las Naciones. Hamburgo. Premio   
Mejor Actriz.
Estreno Mundial de " Isadora". Teatro Quimera. Dir: Linsay Kemp.
Santa Cruz de Tenerife. Gira España
1980:  Regreso del exilio. " Filomena Marturano". Eduardo de Filippo. Teatro
1981:  "Sara Bernhardt". Muriel. Teatro Liceo.
1982:  "Siempre vuelvo a ti" Kabaret literario. Teatro Odeón.
1983:  "Siempre vuelvo a ti" Paris. New York
Premio Estrella de Mar Bs As
1984:  "El juguete rabioso". Cine.
1985: "Petra regalada". Teatro Odeón. Ciclo " Voces" Unipersonal Teatro
Municipal General San Martín.
1986:  "EL idioma de mis padres". Unipersonal. Bs As
" Apartamento cero" Cine Producción U.S.A
" Pobre mariposa" Film. Argentina.
1987:  "Hagamos memoria" Unipersonal. Teatro Catalinas. Gira Colombia,
Puerto Rico y Uruguay.
1988: "Homenaje". Teatro Municipal General San Martin. Bs As.
Unipersonal gira Uruguay, Colombia y Puerto Rico.
1989: "Tango desnudo". Cine. Producción U.S.A
"Madre Coraje" de B. Brecha. Dirección; Robert Sturua. Teatro Nacional Cervantes. Bs As. Argentina
"La amiga" Cine. Premio San Sebastián Mejor Actriz compartido con Liv
Ullman.
Premio Mejor actriz cine Cóndor de Plata por " La amiga".
Participación en el Festival de Cine de Japón.
"Madre Coraje" Festival de Teatro de Caracas. Premio " Andrés Bello"
por el aporte a la cultura latinoamericana.
" Naked Tango" Cine. U.S.A
1990: "Nijinsky,Cloe de Dios". Junto a Jorge Donn. Dir: Maurice Bejart. Gira
Argentina, Brazil, Italia, Alemania, Moscu, Premio a la Mejor
Interpretación compartido con Jorge Donn. Festival " NIjinsky". Moscú.
1991:  Gira "Nijinsky" Francia, Italia, Japón, Suiza, Bélgica, España
1992: "Festival Internacional de Caracas One-Woman-Show" "Siempre
vuelvo"
"Movi Dick" Victorio Gassman. Festival Internacional de Unipersonales,   Israel con " Lo mejor de Cipe".
1993:   Premio ACE Mejor Espectáculo Unipersonal "Lo mejor de Cipe".
1994: "El patio de atrás" de C. Gorostiza. Premio Maria Guerrero Mejor Actriz
1995:   Premio " Estrella de Mar"  Mejor actriz.
Premio Florencio Sánchez Mejor Actriz.
Film "Caballos salvajes". Cine.
1996:  "Compañía" de E Rovner con Carlos Carela.
1997:  "Teatro Nuestro" Obras de Gorostiza, Cossa y Kartum.
1998:  "Cipe dice a Brecht". Bogota. Montevideo. 18 ciudades de España. Israel
"Dos hermanas"  con la actriz Orna Porat. Israel.
2000:  "Che, Quijote y bandoneón" Dir: M Bejart Gira Europea y
latinoamericana Israel..
2001:  "Che, Quijote y bandoneón" Gira Latinoamericana
2002:  19 Festival de Cine Mar del plata. Premio " Brillante trayectoria
actoral".
2003:  Premio Trinidad Guevara "Trayectoria".
Premio Modesta " Consagración a la trayectoria Honorable".
2004:  Premio Florencio Sánchez a la Trayectoria.
2005:  "Gran Premio a la trayectoria artística" Fondo Nacional de las Artes.
2006:  Cipe dice Brecht
Presentación de su libro "Encuentros"
2007:  Gira a Santiago de Chile (Invitación del Ministerio de Cultura)
Nombrada "Ciudadana Ilustre de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires"
Agosto -  Invitada de Honor para los festejos de "50 años de la
Kongreshalle de Berlín, Teatro donde se realizó el estreno mundial de
la obra "Yo solo y ningún ángel" con Cipe Lincovsky.

La película olvidada: El rabino y el pistolero, de Robert Aldrich, 1979.

'El Rabino y el Pistolero', Harrison Ford y Gene Wilder, imposible pareja

‘El Rabino y el Pistolero’ es una de las películas más extrañas jamás realizadas, por muchas y diversas razones. Una de ellas es la absoluta locura transitoria por la que todos sus responsables pasaron cuando tuvieron la absurda idea de que un film así podía llevarse a cabo. Ver para creer. La película está realizada a mayor gloria de Gene Wilder, que por aquel entonces gozaba de una gran popularidad por haber protagonizado algunas de las comedias más exitosas de los 70 (de las que probablemente la únicas que se salvan son ‘El Joven Frankestein’ y ‘El Expreso de Chicago’). Según cuenta el propio Wilder, en ‘El Rabino y el Pistolero’ su compañero estuvo a punto de ser John Wayne, quien declaró que le gustaba el personaje del pistolero. Al parecer los honorarios que Wayne recibiría por ello era menores de lo que la estrella solía cobrar y declinó la oferta. Sabiendo que murió el mismo año de realización de esta película, y que su último trabajo para el cine había sido la magnífica ‘El Último Pistolero’, fue mejor así.


Meter a Harrison Ford tampoco fue buena idea, no porque no fuera una buena elección, sino porque su trabajo al lado de Wilder se ve totalmente eclipsado en un film que prefiere centrarse en las tonterías y supuestas gracias del actor, que en narrar una buena historia sobre la amistad y tolerancia, que era a lo que aspiraba esta película. ‘El Rabino y El Pistolero’ narra la odisea de un judío de Polonia que es enviado a San Francisco, donde continuará su labor religiosa además de contraer matrimonio. Pero una vez en suelo americano, tendrá que atravesar un montón de dificultades si quiere llegar a su destino. Será atracado, golpeado, tiroteado y hasta se encontrará con los indios. También con un pistolero, atracador de bancos y trenes, que le acompañará en su viaje.

Ford era una estrella en alza por aquel entonces. Venía de saborear el éxito con ‘Star Wars’, se había codeado con Coppola en ‘Apocalypse Now’, y sorprendía en un drama romántico y bélico que fue ninguneado injustamente, ‘La Calle del Adiós’. Daba perfectamente el tipo para el personaje de pistolero, un hombre duro y bravucón, pues se asemejaba bastante con su rol de Han Solo. Pero lo que funciona a la perfección en una película no tiene porqué hacerlo en otra, sobre todo cuando se trata de un disparate como éste, en el que forma, intenciones y resultados caminan por sendas muy diferentes. Muy probablemente a Ford no le importase el haber fracasado con este film, dadas las buenas películas en las que sí intervino (y ya no hablemos de sus éxitos taquilleros), pero si lo miramos bien, podemos ver que se trata de una oportunidad desaprovechada. Primero por que se trata de un western, género prácticamente muerto en aquellos años, y segundo porque su director es nada más y nada menos que Robert Aldrich, cuya filmografía habla por sí sola. El mismo que nos regaló joyas como ‘¿Qué Fue de Baby Jane?’ o ‘Canción de Cuna para un Cadáver’, por citar sólo dos ejemplos, es el mismo que nos torturó con esta película. Y es que nada de lo que hizo grande a Aldrich puede encontrarse en ‘El Rabino y el Pistolero’, por cierto, absurda traducción del original, ‘The Frisco Kid’.

La película apenas tiene ritmo, su puesta en escena brilla por su ausencia (la de Aldrich, claro) y tiene demasiados tics televisivos. La historia no termina de enganchar, y avanza a trompicones, si es que alguna vez termina de arrancar, resultando por momentos demasiado repetitiva. Y el intento de mezclar clasicismo con comedia moderna (la de aquellos años) es una locura que ni siquiera Aldrich puede salvar, sobre todo porque fue un director que solía flojear bastante cuando se trataba de hacer reír. Además, aquí no pudo hacer nada para controlar a su estrella, un Gene Wilder, como casi siempre pasado de rosca, y que acapara toda la película. Sus numeritos son interminables y ponen a prueba la paciencia del espectador. Y la química con Ford pues lógicamente no existe.

‘El Rabino y el Pistolero’ es una mala película, con todas las letras. Se salva alguna imagen aislada, y algún chiste (hay tantos…), pero su visionado supone todo un tormento para cualquier amante del cine, incluidos los admiradores de Gene Wilder, la piedra angular del film. Afortunadamente, esta película no está editada en dvd en nuestro país, así que si os interesa, y no sois de los que compráis al otro lado del charco, tendréis que hacer trabajar a vuestro animal de carga favorito, eso si no os da una coz antes.

Ficha Técnica


Director: Robert Aldrich

Intérpretes: Gene Wilder, Harrison Ford, Penny Peyser, Ramon Bieri, Val Bisoglio, William Smith

Título en VO: The Frisco Kid Año: 1979.
Duración: 122 min.
Género: Comedia
Guión: Michael Elias, Frank Shaw
Fotografía: Robert B. Hauser
Música: Frank DeVol


Fuentes: Portal Blog de cine.
http://www.fotogramas.es/Peliculas/El-rabino-y-el-pistolero