Apuntes del 31 Festival.

«Hacer cine es un acto de fe»

Olivier Assayas pasó por Mar del Plata. El realizador francés dio una Charla magistral, presentó sus películas a sala llena y compartió su visión del cine con el Festival.

"He aprendido a escribir guiones de muy joven con mi padre -el famoso guionista y director Jacques Remy-  a una edad muy temprana, a los 19 años, y además escribía cortometrajes para amigos”, recuerda el realizador de Irma Vep, "Para mí, escribir guiones fue un proceso bastante rápido. El cambio más profundo fue pasar de la pintura y artes plásticas, que me dieron mucho placer cuando era joven, al cine. Eso fue más importante y difícil”.

Olivier Assayas es uno de los chicos rebeldes del cine francés. Sus películas difieren mucho una de otra, y no son pocos, los que lo comparan con los directores de la Nouvelle Vague. Su filmografía tuvo diferentes etapas, y además fue uno de los redactores más influyentes de la histórica revista Cahiers Du Cinema de los años ´80, ya que tuvo la perspicacia y visión de descubrir -y llevar- el nuevo cine asiático, como el de Hou Hsiao-Hsien, a Europa.

 "Cahiers Du Cinema es una revista que ha reflejado siempre su época. Tanto lo mejor como lo peor. Cada generación ha escrito su propia historia, como yo escribí la mía. He colaborado con la revista durante muchos años y fue muy importante porque me ayudó a descubrir el mundo. Después empecé a hacer cine y dejé el destino de la revista a otras generaciones”, manifiesta Assayas sobre su pasado como redactor.

El director de Clean, amante del cine de género, realizó numerosos thrillers como los destacados Demonlover -presente en el Festival- Boarding Gate y la miniserie Carlos. Declaró muchas veces ser fanático de la estética de Michael Mann, y no son pocos los que encuentran similitudes entre la estética del director de Fuego contra fuego y las del invitado de lujo que tiene esta edición.

"Es cierto que Michael Mann es un cineasta al que le tengo mucho respeto, pero no diría que mi forma de hacer cine sea una continuación de la suya, ni que me haya inspirado en él”, contesta Assayas. "Hay otros cineastas como Robert Bresson que me han influenciado mucho cuando era joven”.

Entre lo más destacado del Foco que el festival programó sobre el director parisino, se encuentra Personal Shopper, su última película, premiada en Cannes con la Palma a la mejor puesta en escena. "Esta película, en realidad, surgió de mi encuentro con Kristen Stewart”, afirma el realizador, "Cuando filmamos El otro lado del éxito /Clouds of Sils Maria se abrió una puerta. Ella me permitió explorar un personaje contemporáneo, con una vida real y tangible, y también una dimensión del inconsciente.

Imagen de Irma Vep

"Para mí, Kristen es una actriz con una presencia física, un peso real y sensible, pero al mismo tiempo tiene una vida interior muy rica y compleja", afirma el director, "Ella es capaz de expresar ese interior y pasarlo a través del cine. Para mí, esto es una cualidad muy rara en una actriz. Si no me hubiese encontrado con Kristen, no habría filmado esta película, porque no hay otra actriz contemporánea que pueda reflejar lo que ha hecho ella”.

Olivier Assayas está feliz de estar en Mar del Plata. Para él, viajar y poder acompañar sus películas es una oportunidad excelente para poder hablar, dialogar y encontrar otras personas aficionadas del cine con las que intercambiar opiniones. "En la Charla Magistral pude dialogar con apasionados del arte, me expresé y compartí lo que pienso sobre el cine. Ese es el objetivo que me propongo cada vez que viajo. A través de las películas intento dialogar con públicos internacionales, personas de todo el mundo.  Además, Argentina es un país con un cine muy moderno, de calidad internacional”.

Qué es el cine para Olivier Assayas:

"El cine es un arte al que he tenido la suerte de poder dedicarme. He podido reflexionar, escribir, ver y hacer otro tipo de cine. A través de la dirección, he reflejado mis gustos personales en otras ramas artísticas, como la pintura y la literatura. Para mí, hacer cine es una forma de ver la vida, de ver el mundo, de ver lo humano y es un orgullo poder hacerlo”, reflexiona el cineasta.

R. G. Weisskirch

"Para mí, el cine es el arte contemporáneo más relevante. Es una fuente de inspiración y diversión sin fin. Es un privilegio usarlo para mirar el mundo,  representarlo, intentar agarrarlo y llevarlo a las nuevas generaciones y a las personas que me rodean. Intento reflejar lo que veo. Hay otras manifestaciones artísticas, pero siento que el cine es el arte contemporáneo que le da a los artistas una herramienta fresca, tangible y más profunda. Es como un acto de magia. Cuando yo hago cine practico un acto de fe y convicción”. 

Fuente: Pagina oficial del 31 Festival Internacional de cine de Mar del Plata 

Original Soundtrack: Ennio Morricone.

El hombre que más música le puso al cine.

Ennio Morricone. Un nuevo disco celebra 60 años de carrera del compositor de muchas de las mejores bandas de sonido, desde los éxitos del spaghetti western hasta “Sacco y Vanzetti” y “¡Atame!”.

Música, maestro. El director italiano, de 88 años, durante una presentación de su gira “60 Years of Music World Tour”.

A comienzos del siglo XXI, la música de Ennio Morricone es al cine lo que el sueño lennoniano de una música que borre fronteras es al rock. Un mundo de composiciones instrumentales donde las diferencias entre musicalizar cine europeo o americano se desintegran y se funden; en el que las orquestaciones incluyen instrumentos de universos casi antagónicos como guitarra Fender Stratocaster, arpa de boca, látigo, órgano de iglesia y castañuelas. El rock, lo sinfónico y lo étnico, juntos, gracias al camino trazado por un ciudadano del mundo, que nació en Roma hace 88 años.

Morricone 60 puede ser una de las más armónicas pruebas de esa fenomenal potencia de su huella en el cine. El título del disco a la cifra de 60 años en la música (aunque tal vez sean más, porque Morricone comenzó como un ghost composer, escribiendo música para otros). La colección que se lanzó en todo el mundo el 11 de noviembre –un día después del cumpleaños 88 de Morricone– celebra el clasicismo de su legado y es Decca Records, uno de los más conspicuos sellos de música instrumental, el encargado de su edición.

Morricone 60 es, además, el primer álbum en el que el compositor condujo y realizó la curaduría y elección de los temas para una compilación suya. Desde El bueno, el malo y el feo hasta Los ocho más odiados , de Quentin Tarantino, ganadora a mejor banda de sonido del último premio Oscar, pasando por megaéxitos como La misión y Cinema paradiso , todas las obras fueron grabadas nuevamente con la Orquesta Sinfónica Nacional checa, con la que Ennio ha trabajado en los últimos años. La selección de 23 obras es hipnótica y a la vez hace bregar por más: el corte final de los 80 minutos máximos del CD dejó afuera a las melodías de Sacco y Vanzetti y films de Pier Paolo Passolini, de Dario Argento. Pero se trata más bien de una crítica utópica a un autor que ha escrito casi 600 composiciones entre bandas de sonido para radioteatros, televisión, cine, conciertos y hasta una misa dedicada al papa Francisco.

“Es casi imposible haber visto una película italiana sin música de Ennio”, bromeó alguna vez Bernardo Bertolucci, para quien justamente Morricone compuso la música de Novecento . En efecto, lo que no puede abarcarse en repertorio, como en el muy completo y hoy inhallable disco doble The Ennio Morricone Anthology - A Fistful Of Film Music , se gana en arreglos y la propia batuta del maestro. No es poco en un género, el de las bandas de sonido, donde suelen bullir en góndolas orquestas dudosas, con frías reversiones, que muchas veces derrochan lo que la educación sentimental cinéfila atesoró en nuestra memoria.

Este disco, no categóricamente nuevo, pero que sirve vino exquisito en ricas odres, coincide con su gira 60 Years of Music World Tour , en la que Morricone dirige a 200 músicos y cantantes en escena. En Europa lo vio una audiencia de 150.000 personas, número que sorprende tratándose de música instrumental. Los comienzos del Maestro, hace seis décadas, fueron más serenos, pero no menos impresionantes. Luego de que Mario Morricone, su padre, trompetista de orquestas de música ligera, le enseñara a leer música, a los 7 años compone sus primeras lieder . Ennio prosiguió sus estudios de trompeta (ese instrumento tan presente en sus Sphagetti westerns , convertido en un torbellino de mariachis, pura fanfarria de frontera tex-mex) en el Conservatorio de Santa Cecilia. Antes de que un promedio de 9,5 lo hallara a los 26 años con su Diplomatura en composición e instrumentación, retorna a la música de su infancia para piano y voz, basada en poesía. ¿Sus elecciones? Giacomo Leopardi, y de Cesare Pavese, “Vendrá la muerte y tendrá tus ojos”.
A finales de los 50 Morricone empieza a componer para la radio, la TV y los artistas pop. Después de un breve paso por la RAI, la RCA de Italia lo contrata como su arreglador musical más importante. El Italian beat , ese twist mediterráneo que se expande como un siroco contagioso y sensual a través de la Commedia all’italiana , ya tiene en el compositor nacido en el barrio de Trastevere a uno de sus protagonistas principales. Arregla y compone para los más populares cantantes italianos: Rita Pavone (en la época del célebre “Il ballo dil Mattone”), Gino Paoli, Luigi Tenco, Mario Lanza… Algunos proyectos son comerciales y a la vez osados como el disco de la cantante estadounidense Helen Merrill, Helen Merrill Sings Italian Songs , que antes de cada standard incluye a modo de prólogo un recitado de la letra en italiano con un menudo acompañamiento de guitarra. O el éxito “Se telefonando”, para Mina: combinación de líneas melódicas de trompeta, trombones y coro femenino cuyo estilo puede rastrearse en la actualidad hasta el grupo Divine Comedy o Isobel Campbell de Belle & Sebastian. Para la bellísima Catherine Spaak graba “Penso a te” y en 1963 compuso junto a Roby Ferrante la música de “Ogni volta”, canción que Paul Anka cantó en el Festival de San Remo: vendió tres millones de copias en todo el mundo. La música de Il Sorpasso de Dino Risi también lleva sus arreglos, así como el disco debut del cantante italiano de twist más vendedor del momento, Edoardo Vianello, que incluía los hits “Abbronzatissima” y “Guarda come dondolo”. Las orquestaciones eran del argentino radicado en Italia, Luis Bacalov. Y sin credenciales en la comprometida, joven y maciza militancia del Partido Comunista Italiano de su tiempo, Morricone era internacionalista a su manera: se encargó de algunos discos de 45 RPM de Chet Baker con baladas cantadas en italiano. Y más tarde, para Chico Buarque durante su exilio, orquestaría el álbum Per Un Pugno Di Samba . Nunca un título sería tan perfectamente sincrético del samba y lo mediterráneo moderno.
En sorprendente cadencia con una triunfante carrera en la industria musical más mainstream, desde 1964 hasta su separación en 1980, Morricone fue parte de Gruppo di Improvisazione di Nuova Consonanza (G.I.N.C. o directamente Il grupo), un grupo de compositores con sede en Roma que grababan improvisaciones, amalgamándolas con free jazz y técnicas vanguardistas noise. Bajo la influencia de compositores contemporáneos italianos como Luigi Nono and Giacinto Scelsi, grabaron 7 discos para sellos internacionales como Deutsche Grammophon. Seguramente el más famoso sea The Feed-back , que combina free jazz, música clásica y funk y que fue frecuentemente sampleado por DJs de hip-hop. Morricone fue uno de los miembros más destacados de Il grupo y además de ser su trompetista los dirigió en varias ocasiones, incluso para varias bandas de sonido de los 70. Reverenciado en círculos de vanguardia, Il grupo está considerado el primer colectivo experimental de compositores, aun antes que el colectivo inglés AAM. Su influencia se percibe en grupos de improvisación como los de Evan Parker y el jazz punk de Naked City.

Todo comenzó con un silbido. O mejor dicho con la negativa profunda de Sergio Leone a que su western de bajo presupuesto Por un puñado de dólares fuera musicalizado por Morricone. Hasta entonces las intervenciones del compositor habían sido en comedias italianas o filmes costumbristas y el director que estaba por mudar de continente a la gran épica estadounidense, el western, buscaba algo radicalmente diferente. Morricone conoció al cantante de folk californiano Peter Tevis, expatriado en Italia, y le hizo escuchar a Leone su versión de “Pastures of Plenty” (originalmente una obra del héroe de la canción de protesta Woody Guthrie)… pero en versión instrumental y con un silbido en vez de con su letra original. Fue el comienzo de una amistad a primera vista entre director y compositor. O como expresó el director :“un casamiento como esos que tenían los católicos antes de las leyes de divorcio”. Desde ese momento todos sus filmes llevarían la marca de Morricone. El rugido estilístico de Leone, que podía pasar en un instante de una toma general de un desierto al primer plano de un revólver, pronto panearía con idéntica velocidad de Italia a EE. UU. y al mundo. La banda de sonido de El bueno, el malo y el feo vendió 3 millones de discos. El aullido del lobo, ese barbárico “Ay-ee-ay-ee-ay” que toma al cine por asalto y a los tiros en la secuencia animada de los títulos, sigue siendo uno de los momentos musicales más reconocibles en la historia del séptimo arte. “Morricone es el hombre más responsable de la atmósfera, el impacto y en gran parte de la popularidad de los filmes de Leone”, dice el crítico Robert C. Cumbow en su libro Once Upon a Time: The Films of Sergio Leone .

Desde entonces la carrera de Morricone tuvo un ascenso indeclinable en Hollywood y el mundo: música para filmes de Brian de Palma ( Los Intocables ), Roman Polanski ( Búsqueda frenética ), Pedro Almodóvar ( ¡Atame!) y Margarethe Von Trotta, entre muchos otros. Capaz de los momentos más románticos (como la escena erótico voyeur en Erase una vez en América cuando Deborah/Jeniffer Connelly se deja espiar por el protagonista), de haber encendido la mecha sonora del cine político (en Queimada!

Sacco y Vanzetti junto a Joan Baez o La batalla de Argelia , en la que la percusión musical intensifica la cuenta regresiva de los atentados) o hasta de hacer más siniestro el terror (en Perro blanco de Sam Fuller), Morricone logró el deseo de convertirse en un artista tan popular como anónimo. Hoy su repertorio lo interpreta el grupo Metallica al comienzo de sus shows y se lo puede apreciar en arreglos orquestales de Morrissey y Sting, sin que muchos sepan de su genio en las sombras. Si todo su poder melodramático pudiera concentrarse en una escena, allí está la de Kill Bill en la que Uma Thurman, Beatrix Kiddo, la novia –esa madre coraje, más ninja que brechtiana–, debe salir de su entierro en vida mientras tintinea en la oscuridad el tema que Morricone hizo para el final de Il mercenario de Sergio Corbucci. Y aunque sea difícil reverla sin llorar, no es tiempo para lágrimas: Morricone está vivo y sus melodías son silbables por todos.

Listado de obras

Peliculas

1961: El Federal 1962: Deseo loco 1962: La cuccagna 1962: Los motorizados 1962: Jóvenes al sol 1963: I basilischi 1963: Gringo 1963: El éxito 1964: ... E la donna creò l'uomo 1964: Los mangantes 1964: Antes de la revolución 1964: Llegaron los marcianos 1964: Tutto è musica 1964: I due evasi di Sing Sing 1964: Por un puñado de dólares 1964: Las pistolas no discuten 1964: In ginocchio da te 1964: La scoperta dell'America 1965: Una pistola para Ringo 1965: Amanti d'oltretomba 1965: Altissima pressione 1965: El octavo hombre 1965: Thrilling 1965: Las manos en los bolsillos 1965: Idoli controluce 1965: El retorno de Ringo 1965: La muerte tenía un precio 1965: Se non avessi più te 1965: Non son degno di te 1965: Menage a la italiana 1965: Le monachine 1966: Siete pistolas para los Mac Gregor 1966: Frente al amor y la muerte 1966: Agente 505, muerte en Beirut 1966: Pajaritos y pajarracos 1966: El Greco 1966: La batalla de Argelia 1966: Un río de dólares 1966: Un uomo a metà 1966: La Biblia 1966: Come imparai ad amare le donne 1966: Joe, el implacable 1966: El halcón y la presa 1966: El bueno, el feo y el malo 1966: Mi vedrai tornare 1967: Dalle Ardenne all'inferno 1967: Los despiadados 1967: Las brujas 1967: Los largos días de la venganza 1967: Siete mujeres para los Mac Gregor 1967: Operación Hermano Pequeño 1967: Sugar Colt 1967: Sin rival 1967: De hombre a hombre 1967: L'avventuriero 1967: China está cerca 1967: Diamantes a gogó 1967: La muchacha y el general 1967: L'harem 1967: Agente Z-55, misión Coleman 1967: Cara a cara 1967: Il giardino delle delizie 1967: Arabella 1968: Diabolik 1968: Escalation 1968: Los cañones de San Sebastián 1968: Comandamenti per un gangster 1968: Grazie zia 1968: Salario para matar 1968: Corre, cuchillo... corre 1968: Por techo, las estrellas 1968: Teorema 1968: Galileo 1968: Scusi, facciamo l'amore? 1968: El magnífico Tony Carrera 1968: Partner. 1968: Guapa, ardiente y peligrosa 1968: Un lugar tranquilo en el campo 1968: El gran silencio 1968: Roma come Chicago 1968: Hasta que llegó su hora 1968: Ecce Homo 1968: Eat It 1969: Fräulein Doktor 1969: Cuore di mamma 1969: Tepepa... Viva la revolución 1969: L'alibi 1969: La monja de Monza 1969: Las Vegas, 1.970 1969: Metti, una sera a cena 1969: Un bellissimo novembre 1969: H2S 1969: Sai cosa faceva Stalin alle donne? 1969: Un ejército de cinco hombres 1969: La stagione dei sensi 1969: Sin saber nada de ella 1969: Una breve stagione 1969: El clan de los sicilianos 1969: La donna invisibile 1969: Zenabel 1969: Queimada 1969: La tienda roja 1969: Vergogna schifosi 1969: L'assoluto naturale 1969: Giotto 1970: Uccidete il vitello grasso e arrostitelo 1970: Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha 1970: Dos mulas y una mujer 1970: El pájaro de las plumas de cristal 1970: Sola frente a la violencia 1970: Metello 1970: Y Dios está con nosotros 1970: Nido de avispas 1970: Ciudad violenta 1970: Los caníbales 1970: Cuando las mujeres tenían cola 1970: Días de angustia 1970: Giochi particolari 1970: Los compañeros 1970: La Califa 1971: Tre nel mille 1971: El gato de las nueve colas 1971: Una lagartija con piel de mujer 1971: Sacco y Vanzetti 1971: Veruschka 1971: Los fríos ojos del miedo 1971: El Decamerón 1971: La tarántula del vientre negro 1971: El día negro 1971: Il giorno del giudizio 1971: Sin móvil aparente

1971: La clase obrera va al paraíso 1971: Adiós, hermano cruel 1971: ¡Agáchate, maldito! 1971: El furor de la codicia 1971: El caso está cerrado, olvídelo 1971: La corta noche de las muñecas de cristal 1971: Incontro 1971: Maddalena 1971: 4 Moscas sobre terciopelo gris 1971: ¡Viva la muerte... tuya! 1972: Sumario sangriento de la pequeña Estefania 1972: Jaque mate siciliano 1972: Proceso a un estudiante acusado de homicidio 1972: Esa clase de amor 1972: Quando le donne persero la coda 1972: ¿Qué habéis hecho con Solange? 1972: El cerebro del mal 1972: ¿Quién la ha visto morir? 1972: Los cuentos de Canterbury 1972: Il maestro e Margherita 1972: Forza 'G' 1972: Los hijos del día y de la noche 1972: Barba Azul 1972: El atentado 1972: Noticias de una violación en primera página 1972: Ya le llamaban Providenzia 1972: La cosa buffa 1972: I figli chiedono perché 1972: Un hombre a respetar 1972: El retorno de Clint el solitario 1972: ¡Qué nos importa la revolución! 1972: Quando la preda è l'uomo 1972: Lui per lei 1972: Fiorina la vacca 1972: De amor se muere 1972: Anche se volessi lavorare, che faccio? 1973: Crescete e moltiplicatevi 1973: El serpiente 1973: El amargo deseo de la propiedad 1973: Revolver 1973: Muerte en Roma (Rappresaglia) 1973: Vaarwel 1973: El bruto, el listo y el capitán 1973: Giordano Bruno 1973: Mi nombre es Ninguno 1973: Quando l'amore è sensualità 1973: La sepultada viva 1974: La sonrisa del gran tentador 1974: L'ultimo uomo di Sara 1974: Spasmo 1974: Las mil y una noches 1974: El trío infernal 1974: La cugina 1974: Milano odia: la polizia non può sparare 1974: Allonsanfàn 1974: La gran burguesía 1974: El secreto 1974: Anticristo 1975: Mussolini: último acto 1975: Tensión 1975: Les deux saisons de la vie 1975: Libertad, amor mío 1975: Prostitución de menores 1975: L'ultimo treno della notte 1975: Pánico en la ciudad 1975: La faille 1975: Por las antiguas escaleras 1975: El puente sobre Estambu] 1975: Leonor 1975: Divina criatura 1975: Labbra di lurido blu 1975: Gente de respeto 1975: Víctimas del terrorismo 1975: Saló o los 120 días de Sodoma 1975: El genio 1975: Attenti al buffone 1975: La mujer del domingo 1976: San Babila ore 20 un delitto inutile 1976: Todo modo 1976: Novecento 1976: Una vita venduta 1976: L'Agnese va a morire 1976: La herencia Ferramonti 1976: El desierto de los tártaros 1976: Per amore 1976: L'arriviste 1977: René la canne 1977: Le Ricain 1977: Exorcista II: el hereje 1977: Orca, la ballena asesina 1977: La fuerza del silencio 1977: Il mostro 1977: El cínico y la casada 1977: Holocausto 2000 1977: La casa de los desmadres 1977: Stato interessante 1978: Madame Petit 1978: Pedro Páramo 1978: Days of Heaven 1978: Así como eres 1978: Vicios pequeños 1978: Corleone 1978: La venganza de Baby Simona 1978: Vicios de verano 1979: Dedicato al mare Egeo 1979: Il giocattolo 1979: El humanoide 1979: Un viaje con Anita 1979: Lazos de sangre 1979: La luna 1979: Operación Ogro 1979: El prado 1979: Mentiras inocentes 1979: I... comme Icare 1979: Buone notizie 1980: Ventanas 1980: Spaghetti 1980: El buen ladrón 1980: Stark System 1980: Nouvelles rencontres 1980: La isla 1980: L'oeil pervers 1980: Il bandito dagli occhi azzurri 1980: La banquera 1980: La jaula de las locas 1980: Si salvi chi vuole 1980: La via del silenzio 1981: Bianco, rosso e Verdone 1981: La verdadera historia de la dama de las camelias

1981: Dos granujas en el oeste 1981: La historia de un hombre ridículo 1981: La disubbidienza 1981: Profesor a mi medida 1981: El profesional 1981: Uomini e no 1982: Espion, lève-toi 1982: La marca de la mariposa 1982: La cosa 1982: Perro blanco 1982: Blood Link 1982: Porca vacca 1983: Le ruffian 1983: El tesoro de las cuatro coronas 1983: Copkiller 1983: Nana 1983: Hundra 1983: La llave secreta 1983: El marginal 1983: Aventuras en el Sahara 1983: Tre donne (corto) 1984: Érase una vez en América 1984: Ladrones en la noche 1985: El guerrero rojo 1985: La jaula 1985: El arrepentido 1985: La jaula de las locas (ellas se casan) 1986: La veneciana 1986: La misión 1987: Adiós, Moscú 1987: Project 1987: Los Intocables  1987: Quartiere 1987: Desbocado 1987: Gli occhiali d'oro 1988: Busqueda Frenética 1988: La fuerza del destino 1988: Cinema Paradiso 1989: Corazones de hierro 1989: Tiempo de matar 1989: Creadores de sombras 1989: ¡Átame! 1990: Dimenticare Palermo 1990: Tre colonne in cronaca 1990: Mio caro dottor Gräsler 1990: Big Man 1990: Stanno tutti bene 1990: Tracce di vita amorosa 1990: El clan de los irlandeses 1990: Hamlet (El honor de la venganza) 1990: Ottobre rosa all'Arbat 1991: Money 1991: La villa de los viernes 1991: La domenica specialmente 1991: La thune 1991: Bugsy 1992: Más allá de la justicia 1992: La ciudad de la alegría 1992: A csalás gyönyöre 1992: Ilona und Kurti 1993: Il lungo silenzio 1993: Jona che visse nella balena 1993: La escolta 1993: En la línea de fuego 1993: Estasi 1994: Pura formalidad 1994: Lobo 1994: La noche y el momento 1994: La Biblia: Génesis 1994: Un asunto de amor 1994: Acoso 1995: Sostiene Pereira 1995: Pasolini, un delitto italiano 1995: El hombre de las estrellas 1995: L'uomo proiettile 1996: El síndrome de Stendhal 1996: Vite strozzate 1996: Ninfa plebea 1996: I magi randagi 1996: La loba 1996: Aventuras en Shanghai 4 (corto) 1997: Con rabbia e con amore 1997: Giro al infierno 1997: Lolita 1997: Un bel dì vedremo 1997: Naissance des stéréoscopages 1997: Cartoni animati 1998: Bulworth 1998: La leyenda del pianista en el océano 1998: El fantasma de la ópera 2000: Canone inverso - making love 2000: Misión a Marte 2000: Vatel 2000: Malèna 2001: La ragion pura 2001: Aida degli alberi 2001: Kill Bill: Volumen 1 2002: Threnody (corto) 2002: Las perversiones de Livia 2002: El juego de Ripley 2002: Il diario di Matilde Manzoni 2002: L'ultimo pistolero (corto) 2003: La luz prodigiosa 2003: Trick Saddle (corto) 2003: Alla fine della notte 2003: Al cuore si comanda 2004: Kill Bill: Volumen 2 2004: 72 metra 2004: Guardiani delle nuvole 2005: Sin destino 2005: E ridendo l'uccise 2005: The Order of Templates (corto) 2006: Play the Game (corto) 2006: A crime 2006: La Sconosciuta 2007: Killfilm II (corto) 2007: Tutte le donne della mia vita 2007: Ultrasordine (corto) 2007: Mr.Werner Herzog! My Best Friends! Meet at Tamsui! (corto) 2007: The Weatherman (corto) 2008: I demoni di San Pietroburgo 2009: Baaria 2009: The Ear (corto) 2010: Angelus Hiroshimae 2010: The Greatness (corto) 2011: April Fools' Day (corto) 2011: Unexpected Hero (corto) 2011: Love Story 2011: Labyrinth (corto) 2012: Django Desencadenado 2013: La migliore offerta 2015: The Hateful Eight 2016: La corrispondenza

Documentales

1962: Gli italiani e le vacanze 1964: I malamondo 1971: Oceano 1974: Sesso in confessionale 1975: Macao 1975: A Escola Aberta 1976: Ariel Limon 1978: Forza Italia! 1980: The Fantastic World of M.C. Escher 1982: Maja Plisetskaja 1983: Pelota 1989: 12 registi per 12 città

1990: Ennio Morricone: la musica negli occhi 1994: Roma Imago Urbis: Parte I - Il mito 1994: Roma Imago Urbis: Parte II - L'immortalità 1994: Roma Imago Urbis: Parte III - Gli acquedotti 1994: Roma Imago Urbis: Parte V - I volti 1995: Roma Imago Urbis: Parte VI - Le gesta 2001: Un altro mondo è possibile 2002: Carlo Giuliani, ragazzo 2002: I sogni nel mirino 2006: Adolfo Celi, un uomo per due culture 2009: Salvare Procida 2013: Vengeance rides a horse 2015: The Sun is Dark 2016: Voyage of Time (Post-Producción)

Fuente: http://www.revistaenie.clarin.com/escenarios/Ennio-Morricone-hombre-musica-puso-cine_0_1690031010.html

La ficción es mi única religión.

Catalina Aguilar Mastretta presenta su primera novela, Todos los días son nuestros

 

La guionista y cineasta mexicana, hija de los escritores Angeles Mastretta y Héctor Aguilar Camín, se planteó para su debut en la novela una dolorosa historia de amor. “Una nunca deja de crecer, todo lo que escribo trata sobre el crecimiento y la pérdida”, reflexiona.

 

 

Por Silvina Friera

 

Mastretta dirigió dos films de su autoría: Las horas contigo (2015) y Todos queremos a alguien (2017). 

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Imagen: Rafael Yohai

 

“Somos del espacio en el que nos olvidamos”, dice María una joven de treinta años que escribe críticas de cine, cuando le preguntan si conoce al cineasta Emiliano Cervera, el hombre que fue el amor de su vida. La separación, después de casi nueve años de convivencia, la hunde en el dolor que produce la obsesión de algo que se perdió: el amor y la juventud, como dos líneas rectas que se cruzan en el plano de los objetos extraviados. Lo que podría transformarse en un drama para leer con un arsenal de pañuelos descartables deviene una suerte de tragicomedia, con la ironía como mejor aliada para mantener a raya el exceso de sentimentalidad. “Tengo el corazón roto. Y tener el corazón roto es como andar borracho, pero como borracho de dos copas de vino, o sea, desinhibido, medio impertinente, pero no súper atento al hecho de que uno está borracho”, reflexiona la protagonista de Todos los días son nuestros (Planeta), primera novela de Catalina Aguilar Mastretta, guionista y directora de cine que ha dirigido dos películas de su autoría: Las horas contigo (2015) y Todos queremos a alguien (2017).

Aguilar Mastretta, hija de los escritores Ángeles Mastretta y Héctor Aguilar Camín, vive entre la ciudad de México y Los Ángeles hace nueve años. Tenía 24 cuando decidió estudiar cine en la Universidad de Nueva York. “Los guiones de cine son estructuras muy rígidas que no te dejan irte por ninguna tangente. Al estar viviendo en Estados Unidos, con todas mis amigas y mis hermanos en México, sentía que se me perdían muchas observaciones y reflexiones de los que les estaba pasando a ellos. Entonces fui tomando notas y eso se fue volviendo una novela”, cuenta la escritora y cineasta mexicana en la entrevista con Página 12.


–¿En qué sentido “el cine salva”, como plantea María en Todos los días son nuestros?
–El cine te transporta de un modo particular y te permite olvidar el lugar en el que estás sentado. La ficción es la única religión que tengo. Que un extraño te cuente una historia y te haga sentir que te la escribió a ti y que no estás solo, implica que hay una conexión muy espiritual. El cine tiene una especificidad inmediata que para mí fue muy impresionante de niña y es por eso que me fui más hacia ese medio, por la idea de tener una experiencia conjunta con un actor y al mismo tiempo con una persona que no ves, que está detrás de todo un esfuerzo que se siente grande. Ya no puedo ver una película sin saber que hay miles de personas tratando de concentrarse en el detalle más estúpido, para transmitirme la cosa más específica.

–Todos los días son nuestros es una novela no sólo sobre la ruptura de una pareja, sino sobre las pérdidas en un sentido amplio. De un modo más preciso es una historia sobre la pérdida de la juventud, ¿no?
–Sí, es una novela sobre lo que significa crecer y cómo uno nunca deja de crecer. Todo lo que escribo trata sobre el crecimiento y la pérdida. La idea de estar lejos, de estar en Estados Unidos, hacía que sintiera que me estaba perdiendo el crecimiento de los demás. Aunque no era muy consciente, quería escribir un libro para mis amigas, para que dentro de veinte años, cuando lo leamos, digamos: “esta es la ciudad en la que crecí”, “esta es la ciudad en la que nos hicimos amigas”.

–¿Qué diferencias hay entre la escritura de un guion y de una novela?
–La novela es una historia completa. Los guiones no están hechos para ser obras completas. Los escribes para convencer a alguien de que los convierta en otra cosa. Los personajes están hechos para un actor, lo cual quiere decir que no están terminados por completo en un guion, y siempre van a ser radicalmente distintos porque van a tener el cuerpo de otra persona en la versión final. En cambio la novela está hecha para un lector y tiene una rara falta de neurosis: “no estoy tratando de convertir esto en nada; esto es lo que es y el lector lo acepta o no lo acepta”. Pero sale de mí y ahí termina. Eso me da mucha tranquilidad (risas).

–”Escribo porque es lo que hago, pero no es lo que me llama como un chamán molesto que no me deja vivir”, plantea María. ¿Coincide?
–No. Como quería contar la historia desde el punto de vista de María, sabía que Emiliano nos iba a quedar más lejos. Entonces la manera de que Emiliano no se me perdiera es que se pareciera a mí. Emiliano tiene mis obsesiones, mi personalidad, reacciona a las cosas de la misma manera en que yo reaccionaría. Como Emiliano, me puedo perder obsesivamente en qué le va a pasar a un personaje que inventé.

–¿Cómo se escribe un buen diálogo?
–Los diálogos que más disfruto y por lo tanto trato de emular son una mezcla entre algo realista –que dos personas puedan hablar de ese modo– y algo elevadito, donde hablan de manera más elocuente de lo que hablamos todos los días. El único parámetro es que los diálogos te hagan pensar que los personajes tienen un ingenio y una inteligencia que te llaman. Que cada personaje hable como una persona individual y distinta, que no hablen igual. Esto es técnica, pero también instinto. En la mejor versión estás escribiendo una conversación que te gustaría tener.

–¿Por qué a través de algunas series como 13 Reasons Why y Stranger Things se manifiesta cierta nostalgia por la música y la estética de los años 80?
–Los millennials –léase nuestra generación– no quieren crecer, entonces vuelven al pasado. A la hora de estar en posición de crear, crean cosas que se parecen a las que los marcaron de niños. No es la primera vez que pasa. El mundo está cambiando cada vez más rápido y las cosas que entiendes están atrás, incluso para la gente joven. El futuro inmediato se empieza a sentir como un abismo que no vas a poder abarcar.

–¿Cómo está viviendo el Estados Unidos de Donald Trump?
–Al haber crecido en la ciudad de México, la frontera me parecía que estaba lejos. Pero en Los Ángeles la siento muy cerca. La manera en que la cultura gringa ha reflejado a los latinos que viven en Estados Unidos es profundamente pobre. Los latinos se sienten ilegítimos porque la mayoría llegó de manera ilegal al país. Es radicalmente opuesta a la experiencia de los afroamericanos, que sienten que tienen una herida que la sociedad les debe resarcir. Y tienen razón. No es lo mismo un migrante que llegó voluntariamente que un migrante que llegó esclavizado.


Fuente: https://www.pagina12.com.ar/45154-la-ficcion-es-mi-unica-religion

Apuntes del 31 festival.

«Todo lo demás» - La dualidad humana

Se presentó el largometraje de Natalia Almada, en Competencia Latinoamericana
Como en El Velador–Competencia Latinoamericana 26° Festival- Natalia Almada construye su última producción de un detalle que rompe con la monotonía, que dispara un universo de significados y líneas narrativas. Todo lo demás es la historia de una mujer que trabaja en una oficina estatal, otorgando, y no, las identificaciones para votar. Una cámara cercana y sensible la acompaña desde que se levanta, al lado de su gato, su viaje al trabajo -con hermosos registros de la urbe mexicana- y la adictiva burocracia de la que es parte. Con una actuación soberbia de Adriana Barraza, Todo lo demás, logra presentar un tema universal desde la perspectiva intimista de una mujer presa de un sistema que todo lo fagocita.

¿Cómo surge la idea de tu película?

Después de hacer El Velador, que trata sobre la violencia del narco tráfico en México, quería seguir tratando el tema de la violencia desde otra perspectiva, la violencia de la burocracia. Me inspiré mucho en una idea de Hanna Arendt, que la burocracia es una forma de violencia porque deshumaniza al individuo volviéndolo un engranaje en la maquinaria del sistema. Solía nadar en la alberca del Deportivo Hacienda, donde conocí a muchas burócratas jubiladas. En ese ambiente eran muy abiertas y muy físicas, algo opuesto a la burócrata ejerciendo su labor. Ellas me inspiraron en hacer un retrato de la vida íntima de una mujer que suele ser invisible en la sociedad.

Es increíble la interpretación de Adriana Barraza. ¿Cómo trabajaste con ella para lograr esa gestualidad minúscula y a la vez tan elocuente?

Fue un honor trabajar con Adriana Barraza. Para mí fue mi primera experiencia en ficción, dirigiendo la actuación tanto de una gran actriz como Adriana como de los no-actores. Me preparé leyendo mucho sobre la actuación y tomando algunos cursos. Lo que me dio mucha confianza es que tanto el documental como la ficción buscan retratar algo "real”. Cuando entendí esto pude confiar en mi experiencia filmando documentales por más de quince años. Entendí que igual que en el documental tenía que buscar esos momentos de sinceridad que se sienten, y evitar a toda costa la insinceridad. El trabajo con Adriana siempre fue el de buscar la simplicidad y sutileza. Confiar en los gestos para emitir las emociones y luego confiar en la cámara para capturar esos momentos y detalles.

El mundo interior de la protagonista se amalgama con el sistema, con la calle, el subte. ¿Cómo trabajaste desde el guion este aspecto?

Gran parte de la película se filmó como documental, especialmente las secuencias del metro. El guion sólo fue un punto de partida porque estábamos en un contexto real - el metro de la ciudad de México durante las horas pico. No controlábamos el entorno y teníamos que ser muy ágiles para movernos entre tanta gente y lograr captar los momentos improvisados. Para mí, este proceso fue lo más enriquecedor, porque realmente combina el documental con la ficción.

¿Qué elementos tuviste en cuenta a la hora de retratar a una mujer como cara visible del sistema burocrático?

El retrato de Doña Flor es complejo porque es un personaje que odiamos y amamos al mismo tiempo. Por un lado es la burócrata que impone su poder sin sentido, por otro lado, detrás de esa dureza hay una mujer con sentimientos, en este caso una mujer muy sola con mucho dolor. Esta dualidad me interesa mucho porque todos tenemos una imagen exterior y una realidad interior, y estamos tratando de reconciliar esos dos personajes en uno. Siento que la invisibilidad que sufre Doña Flor es muy común y es la razón de mucho sufrimiento.

Es la segunda vez que participás de la Competencia Latinoamericana en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. La primera fue con El Velador, en el 26° Festival ¿Cuáles son tus expectativas ahora con Todo lo demás?

Es un honor participar de nuevo en el festival de Mar del Plata. Me encantaría ir otra vez pero acabo de dar a luz y el pequeñito todavía no estará listo para viajar. Espero que el público argentino logre simpatizar y verse identificados con Doña Flor. Lo que más me llena de hacer cine es la capacidad de cruzar fronteras y afectar a personas de países y culturas tan distintas.

Agustina Salvador

Fuente: Pagina oficial del 31 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

El juez, Downey + Duvall.

Robert Downey Jr. produce y actúa en El Juez, junto con Robert Duvall, quien interpreta a un magistrado de pueblo acusado de un homicidio. Downey Jr. es un abogado exitoso que vuelve a su lugar de origen a hacerse cargo del juicio contra su padre. En esta exclusiva charla, los dos Robert hablan sobre la película.


Esta es una película del tipo que los estudios ya no hacen.

Robert Downey Jr.: Sí, pero ¿sabés que?  La hicieron. Eso es lo grandioso que tiene esta industria: nadie hace nada hasta que alguien lo hace. Sospecho que siempre fue así. Hace veinticinco o treinta años yo actué en "Ciencia loca" y después aparecieron "Los cazafantasmas" o "Volver al futuro" de la mano de directores de comedias. Al día de hoy, todavía estamos hablando de esas películas.

El juez no termina en un juicio, sino que va más allá, como un melodrama de los años 50.

RDJ: Creo que los verdaderos dramas tienen que ser realmente ingenioso para que no salgas destruido por tantos golpes pensando que no hay salida. La película comienza de una manera extraña y después hace que te sumerjasw más y más, pero nunca te ahoga, mantiene la liviandad aun en situaciones muy oscuras.

Una vez un director me dijo que todas las películas son sobre padres e hijos. "Iron Man" era sobre Tony Stark y el padre, por ejemplo.

RDJ: Howard, sí. Bueno, yo recuerdo que alguien me dijo que hay siete tramas para todas las películas. ¿En serio? A mí me parece haber visto doce o veinte o treinta. Igual, cada vez que alguien generaliza esconde algo de verdadero: en las películas de Sherlock Holmes nunca vemos al padre, pero quizás la figura paterna es la época victoriana en Inglaterra y el hijo es el crimen. Todo se trata sobre el desafío de contar una historia en la que Sherlock Holmes es el padre de la historia, pero es a su vez el hijo del hombre sobre el cual trata la historia en sí.

Sin develar nada, el final de El juez queda abierto.

RDJ: A mí me encantan ese tipo de películas con finales ambiguos, aunque usualmente no trabajo en ellas. Yo termino en películas que son muy claras sobre lo que sucede al final y esto no tiene nada que ver con que sean películas de género, sino por cómo están escritas. A veces leés guiones que sabés que son muy inteligentes, pero están mal ejecutados.

¿Cómo resuena en ustedes ser padre e hijo en esta película?

Robert Duvall: Bueno, en mi caso, me identifico con la complejidad del asunto. Mis problemas empiezan con mi hijo, que es un catalizador de todo lo que me afecta. El porcentaje de amor y odio cambia a diario en la relación, como todos los lazos que nos unen a las familias. En este caso, es un lazo profundo, aunque perturbador.

RDJ: Sí, mi personaje, Hank Palmer, no es consciente de esa característica de la relación.

Como todo hijo

RDJ: Exacto. Pero hay una escena en la que trata de contarle al juez todos los errores cometidos como padre y al final el juez le dice: "De nada". Tiene razón, porque gracias a él, Hank llegó hasta donde está, más allá de las situaciones que vivió para llegar ahí. Su respuesta es "de nada" porque en ese punto creemos que Hank podría ser un buen tipo que busca a su padre. Alguien observó que aunque en toda la película podemos pensar que el juez es un tipo difícil, nunca se desvía de ser directo y honesto, y eso es una virtud.

RD: El juez intenta hacer las cosas bien, pero sus acciones tienen una marca negativa encima. Él quería tener a su familia junta, pero sus hijos no le reconocen sus intenciones.

La película habla del legado que dejamos, porque el juez quiere ser recordado. Todos tratamos de ser inmortales en ese sentido.

RD: A veces hacemos cosas muy malas para que nos recuerden.

RDJ: Creo que el legado tiene que ver con la proyección que tiene Hank del juez, que es como una brújula moral. Hank se alejó de su familia y se preocupó por el dinero. Parte del "volver a casa" "en cierto extraño sentido" se trata de completar la educación para convertirse en un hombre. Y ese consejo no lo quiere escuchar de parte de su padre. Si lo leés en papel, el juez no es un personaje muy agradable, pero Bobby lo interpretó de tal manera que encontró grandeza en la relación con los demás.

¿Y cuál es su aproximación en esta película con tanto diálogo?

RDJ: Bueno, todos tienen su método. David (Dobkin, el director) pasó mucho tiempo filmando y observándonos sin darnos muchas notas. No nos guió demasiado. A veces yo interrumpía la escena sorprendido y preguntaba si no necesitaba otro ángulo, pero después veía lo filmado y él tenía todo cubierto, porque ponía la cámara en diferentes lugares. Aun en una escena en la que tenemos una botella de licor de por medio como punto visual de referencia, continuaba cambiando la manera en la que la veías y mantenía cierto interés visual en la conversación. Confío en él y en Janusz Kaminski, nuestro director de fotografía, que era un personaje más en la película. Y claro, en el elenco.

RD: ¿Nos vemos como una familia?

Si.

RDJ: Es lo mismo cuando vemos qué rol cumple cada uno en una familia: Dobkin nos dirigía de determinada manera para que nos pareciéramos a una familia con características en común.

¿Planean dirigir de nuevo?

DRJ: Sí.

RD: Sí, mi esposa va a interpretar a una texana latina, una mujer de campo. Trabajé mucho tiempo en esta película, que tiene un buen elenco.

Es interesante porque en la película, vos, cuando crecés, hablás mal de tu mentor.

RDJ: Sí.

RD: ¿Quién habla mal?

Todos. Usualmente, nuestro camino en la vida es desprenderse de nuestro maestro y aprender a equivocarse solo.

RDJ: Totalmente. Hank hace exactamente eso con el juez.

RD: Sí, es verdad. Algunas personas se quejan por cualquier cosa. Conocí a algunos que criticaban a Messi o a Maradona. Decían que no eran geniales. Todos se quejan de algo, todos creen que pueden hablar. Nunca es suficiente. ¿Chango todavía trabaja?

¿Félix Monti? Sí.

RD: (imitándolo) "Hola, che, ¿cómo estás?".

(A RDJ:) Habla así porque Chango tiene un acento muy marcado, es de Argentina. Fue director de fotografía de "Gringo viejo" con Gregory Peck.

RDJ: Oh...

RD: Mucha gente de México no quiere trabajar con él, pero yo lo considero un tipo muy profesional. Un gran director de fotografía que puede iluminar cualquier escena en tres segundos. Nunca vi a alguien trabajar tan bien, tan rápido. ¿Con quién había trabajado hace poco? Un director muy bueno.

Juan José Campanella.

RD: Sí, el director de "El hijo de la novia".

Y ganó el Oscar por "El secreto de sus ojos".

RDJ: Oh, Dios...

RD: Qué tipo serio ese Campanella. Me hubiera encantado que Argentina ganara el Mundial. Amo a Messi.

¿Cuál es tu lugar favorito para comer en Argentina?

RD: A mí me gusta uno que hace unos churrascos riquísimos. La Cabrera es bueno, pero a mí me gusta uno al lado del Four Seasons.

RDJ: Para Bobby, la actuación es fácil. Pero la comida es algo muy serio.


Fuente: Revista Miradas.