Julio Diz

Mi foto
Nació en la ciudad de Lanús, Buenos Aires, Argentina, el 27 de junio de 1956. Desde muy pequeño concurrió al cine, descubriendo a Walt Disney en el viejo Cine Monumental de la ciudad de Bernal. Ya de grande, Román Polanski y su film, “Cul de Sac” fueron los movilizadores hacia el cine de culto. En los años ’70, estudió cine en la EDAC, (Escuela de arte cinematográfico) de la ciudad de Avellaneda. En los ’80 cursó en CECINEMA, (Centro de estudios cinematográficos) dirigido por José Santiso, y asistió al Seminario Introducción al lenguaje cinematográfico, dictado por Simón Feldman. Incursionó en el Cine de Súper 8 y 16 MM. Asociado a UNCIPAR (Unión cineistas en paso reducido), fue cofundador del Biógrafo de la Alondra. Es editor de Woody y todo lo demás, Series de antología y el presente blog. Actualmente trabaja en su primer libro, “Los tiempos del cine”.

viernes, 22 de febrero de 2013

Yuki and Nina, la obra de dos orfebres.





Yuki & Nina





Sinopsis

Ese orfebre del cine que es Nobuhiro Suwa consigue otra delicada, lírica e impiadosa obra de cámara que empieza como un drama familiar francés y termina como un poético relato japonés. Y resulta, por lo tanto, la síntesis perfecta para una filmografía que siempre ha pendulado entre lo europeo y lo asiático, a partir de la riqueza propia de una sensibilidad escindida entre el lugar de origen y el de adopción.

Codirigida con el aquí también actor Hippolyte Girardot, Yuki & Nina arranca como una (otra) crónica de la crisis y separación de un matrimonio, en este caso entre un francés (el propio Girardot) y una japonesa (Tsuyu), narrado desde la perspectiva y de las sensaciones más profundas de Yuki (Noë Sampy), la única hija de la pareja. Con sus nueve años, la protagonista observa y sufre los hechos, mientras pasa casi todo el tiempo en compañía de su amiga Nina (Arielle Moutel), también hija de divorciados. El problema es que su madre está a punto de viajar para radicarse nuevamente en Japón y ella no quiere acompañarla.

Suwa escapa a los excesos y subrayados melodramáticos, y también a la demagogia tan habitual en los relatos contados desde el punto de vista infantil (las dos chicas, de todas maneras, son encantadoras). El creador de joyas como 2 Duo, M/Other, H Story y Una pareja perfecta sortea las obviedades y se concentra con sutileza en los detalles, las pequeñas observaciones, los climas y las contradicciones íntimas de sus personajes. La primera parte de la película no está nada mal, pero se trata de una historia con cierto déjà vu. Sin embargo, cuando el film parece transitar por caminos correctos y hasta algo previsibles, Suwa da un sorprendente giro narrativo y estilístico con una larga, fascinante y mágica caminata por el bosque, una elipsis, una epifanía y una resolución inesperada que le otorgan al film no sólo una veta más propia del cine japonés sino además una dimensión artística mucho mayor, muy ligada a lo mejor de la obra de Naomi Kawase. Una pequeña joya que se estrenó en la Quincena de Realizadores del último Cannes y cuya sola inclusión engalana la programación de cualquier festival.



Nobuhiro Suwa / Hippolyte Girardot




Nobuhiro Suwa Nació en Hiroshima, Japón, en 1960, y estudió en la Univerdad Zokei de Tokio. Dirigió varios documentales televisivos, los largometrajes 2/Duo (1997), M/Other (1999), H/Story (2001), Una pareja perfecta (2005), y el segmento “Place des Victoires” de Paris, je t’aime (2006).

Hippolyte Girardot Nacido en Boulogne-Billancourt, Francia, en 1955, empezó a actuar en Le Destin de Juliette (1983) de Aline Issermann, y luego trabajó en películas de Jean-Luc Godard, Olivier Assayas, Arnaud Desplechin, Hou Hsiao-hsien y Amos Gitaï, entre muchos otros. Yuki & Nina es su debut como guionista y director



por Aníbal Perotti

Distancia. Hippolyte Girardot, un actor acostumbrado a películas de directores exigentes como Godard o Desplechin, asume por primera vez el papel de realizador junto a Nobuhiro Suwa, uno de los más grandes cineastas japoneses en actividad. El encuentro se presenta particularmente atractivo, pero el resultado de la asociación entre los dos talentos resulta decepcionante. Durante casi una hora, Yuki y Nina se asemeja a una mala caricatura de las películas del nipón, lejos de la gracia y la precisión de M/Other o de Una pareja perfecta. Si bien están presentes sus característicos planos fijos donde los protagonistas se enfrentan, desaparecen fuera de campo, regresan y se vuelven a enfrentar, el dispositivo es demasiado visible y poco natural. Yuki y Nina es una película dual, a menudo torpe y especialmente malograda en la primera hora, cuando la puesta en escena realista de Suwa luce forzada. Sólo las últimas secuencias permiten elevar el nivel de una obra que parece contaminada por la incomprensión entre dos autores.

La película adopta el punto de vista de una niña mestiza de nueve años que sufre la separación de su madre japonesa y su padre francés (interpretado por el mismo Girardot). A pesar de sus reticencias y de su voluntad ingenua por hacer reaparecer el amor entre sus progenitores, la pequeña se ve obligada a seguir a su madre a Japón. Pero cuando todo parece encaminado, Yuki decide huir con Nina, su mejor amiga. La separación es un tema recurrente en la obra de Suwa, que en esta ocasión se ve afectado por el tono de algunas actuaciones y subrayado por la difícil convivencia entre distintas culturas. El otro gran problema de la película es la dirección de actores, la interpretación del dúo de protagonistas adultos no refleja con sutileza el choque de una separación. La actuación excéntrica de Tsuyu Shimizu atenta contra el verosímil de la primera parte de la película y estropea escenas cruciales. Hippolyte Girardot se muestra incómodo, como si no se acostumbrara a estar delante y detrás de cámara. Nobuhiro Suwa reivindica constantemente su compromiso con un determinado realismo, pero Yuki y Nina suena extrañamente falsa.

En la última media hora, las ideas de puesta en escena de Girardot permiten que la película tome una dimensión inesperada. En su fuga, Yuki se pierde en una fascinante caminata por el bosque que establece un vínculo entre el presente y el futuro, entre su vida francesa y su traslado a Japón. Una suerte de viaje espacio-temporal con el que por fin la película despega y se torna interesante gracias a una atmósfera fantástica que nos sumerge en el subconsciente de la niña. El giro narrativo inscribe la violencia de la ruptura en el centro del relato sin mostrarla. La estética del tramo final y la inesperada resolución se encuentran muy alejadas del universo de Suwa, sin embargo dejan ver la atracción de Girardot por la cultura japonesa. El bosque es un fuerte símbolo del universo nipón, un laberinto misterioso, secreto y poblado de fantasmas que resulta ideal para expresar el desconcierto de la pequeña Yuki. Sin embargo, esta mágica balada final no alcanza a ocultar las dificultades de la película, que son el resultado de una dualidad demasiado fuerte y de la ausencia de alquimia entre dos personalidades con lenguajes diferentes. La falta de coherencia en algunos pasajes está justificada en parte por un montaje hecho a cuatro manos entre Japón y Francia. La separación que evoca Yuki y Nina es también la de dos cineastas que no pueden cohabitar plenamente, dos individuos en apariencia cercanos, pero cinematográficamente distantes.






Ficha tecnica


Francia, 2009
92´ / 35 mm / Color
Francés, Japonés


Dirección: Hippolyte Girardot, Nobuhiro Suwa
Guion: Hippolyte Girardot, Nobuhiro Suwa
Fotografia: Josée Deshaies
Escenografía: Laurence Briaud, Hisako Suwa
Direcció Artistica: Véronique Barnéoud, Emmanuel de Chauvigny,
China Suzuki
Sonido: Dominique Lacour, Raphaël Girardot
Montaje: Lily Margot, Doc Mateo
Producción: Kristina Larsen, Masa Sawada
CoProducción: Les Films du Lendemain
Interpretes: Noë Sampy, Arielle Moutel, Marilyne Canto,
Hippolyte Girardot, Tsuyu Shimizu

miércoles, 20 de febrero de 2013

Apuntes del 27: 7 cajas.






7 Cajas, de Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori. Competencia Latinoamericana.

El valor de una vida no se puede medir en pesos, pero en el Mercado Central de Asunción, Paraguay, el precio del ser humano no supera al valor de un celular.




Los personajes de 7 cajas, ópera prima del dúo Maneglia-Schémbori, sacrifican su vida y su moral en pos de conseguir lo que más desean. Sin embargo, ningún plan sale según lo previsto.

Cuando a Victor – el protagonista – le piden que recorra el mercado con 7 cajas a cambio de un billete de cien dólares, este no lo piensa dos veces: con ese dinero podría conseguir el celular que tanto desea.

En 7 cajas, los directores eligen la estética del thriller para narrar una realidad social – un poco como Pablo Trapero con Elefante Blanco. Ubicando la cámara en una carretilla, en los hombros del protagonista, e incluso escondiéndola en cada recoveco que encuentran, los realizadores construyen un relato coral policial al mejor estilo Guy Ritchie.




A pesar de que no se puede negar que Victor es el protagonista absoluto, los directores abren el panorama mostrándonos otras historias, construyéndoles un mundo propio, el mercado funciona como un microuniverso. Cada una de estas subtramas convergen en la búsqueda de estas 7 cajas en un relato lleno de adrenalina, ritmo, humor negro y acción en donde se nota la influencia directa de cineastas como Fernando Meirelles, Alejandro González Iñarritú y Darren Aronofsky.

7 cajas es una película independiente llena de matices y grabada con bajo presupuesto, pero mucho corazón. Actores jóvenes, profesionales y no actores colaboran en esta propuesta que ya fue vista por 160.000 personas solo en Paraguay, donde además de ser un éxito de critica, superó el record de…Titanic !


Fuente: www.mardelplatafilmfest.com

jueves, 14 de febrero de 2013

La Berlinale 2013, con un toque de Europa del Este.



Seis de las 19 películas están rodadas o situadas tras el antiguo Telón de Acero


LONDRES, 5 (Reuters/Ep) Este año el Festival de Cine de Berlín mira hacia Europa del Este. Y es que seis de las 19 películas en competición están rodadas o situadas tras el antiguo Telón de Acero. Además dos de las películas estadounidenses plagadas de estrellas abordan grandes negocios y temas candentes: energía y farmacéuticas.

Los derechos humanos en Irán también estarán en el punto de mira durante la muestra de dos semanas que arranca el 7 de febrero, mientras que los Picapiedra darán paso a Los Croods: Una aventura prehistórica, una familia prehistórica que protagoniza una nueva animación en 3D de DreamWorks.

Europa del Este acapara la atención en Berlín, y entre las películas en competición hay películas de la región como Child's Pose que examina la corrupción en Rumanía a través de la historia de una madre adinerada que trata de comprar la libertad de su hijo condenado.

Harmony Lessons es el debut en el drama del cineasta kazajo Emir Baigazin, mientras que la polaca In the Name of... aborda el espinoso tema de la homosexualidad en los sacerdotes católicos. El estadounidense Shia LaBeouf interpreta a Charlie en The Necessary Death of Charlie Countryman, sobre un joven que viaja a Rumanía y se ve enredado en una peligrosa rivalidad con un cartel de droga de la mafia.

Política y negocios en pantalla

Entre las películas de actualidad en Berlín 2013 estará Tierra prometida, sobre la controvertida técnica de perforación para extraer gas conocida como "fracking" con Matt Damon como protagonista y dirigida por su colaborador en El indomable Will Hunting Gus Van Sant.

La cinta Side Effects de Steven Soderberg es en parte una crítica a la industria farmacéutica, aunque las primeras impresiones sobre la película destacan de ella el misterio por un asesinato, con Jude Law, Channing Tatum y Catherine Zeta-Jones en el reparto.

Soderbergh, que en 2000 ganó un Oscar con el drama sobre el narcotráfico Traffic, ha a anunciado que esta será su última película para la gran pantalla, al menos en el futuro más próximo.

Podría decirse que la cinta con más contenido político del festival será Closed Curtain, codirigida por el aclamado director iraní Jafar Panahi, que desafió una prohibición de 20 años para hacer cine impuesta por las autoridades locales. Condenado por hacer propaganda antigubernamental, Panahi ha conseguido hacer dos películas desde que fue puesto bajo arresto domiciliario en 2010.

En 2011 Esto no es una película, sobre un día en su vida, fue sacada de Irán en un dispositivo USB escondido en una tarta, y desde entonces se ha mostrado al mundo.


La puesta de largo del cine

La Berlinale, que celebra su 63 edición, es uno de los festivales cinematográficos más importantes de Europa, y a su abrigo se celebra un mercado a gran escala para el comercio de nuevas cintas y documentales y discusiones de lo que están en desarrollo.

Aunque no es capaz de atraer a la cantidad de estrellas y taquillazos de eventos similares como Cannes o Toronto, Berlín es una presentación anual de lo que el cine a nivel mundial tiene que ofrecer y disfruta de una gran reputación por incluir películas duras que abordan asuntos de candente actualidad.

"Cuando llega el año nuevo, es importante que haya un festival internacional relevante que siente las bases del año", dijo Michael Barker, responsable de Sony Pictures Classics que presenta Antes de medianoche (continuación de Antes del amanecer y Antes del atardecer) en Berlín.

"No creo que esté en conflicto con los Oscars o Sundance, porque Sundance es un tipo de festival muy diferente", dijo a Reuters, en referencia al festival que se celebra en Utah en enero y que tiene un gran énfasis en el cine estadounidense.

Otros estrenos

Antes de medianoche, la tercera parte de la larga historia de amor entre Ethan Hawke y Julie Delpy, no optará a ninguno de los premios que se entregarán en la ceremonia de clausura el próximo 16 de febrero, cuando se conocerá el nombre del ganador del codiciado Oso de Oro a la mejor película.

También entre las películas más destacadas pero fuera de competición están Los Croods: Una aventura prehistórica, con las voces de Nicolas Cage y Ryan Reynolds, y Dark Blood, la cinta que River Phoenix estaba grabando cuando murió en 1993, a los 23 años.

Cerca de 20 años después, después de salvar el metraje de ser destruido, el director George Sluizer decidió terminar la película leyendo en voz alta las escenas del guión que faltan.

La Berlinale comienza el 7 de febrero con el estreno internacional del filme sobre artes marciales The Grandmaster dirigida por el hongkonés Wong Kar Wai, que también es el presidente del jurado de este año.


Fuente: Portal Estamos rodando

domingo, 10 de febrero de 2013

Apuntes del 27: El nuevo film de Michel Gondry.


JUVENTUD, DIVINO TESORO


La nueva película de Michel Gondry y el universo adolescente.




Michel Gondry comenzó poniéndole imágenes a las canciones de Björk y pronto pasó a convertirse en el videasta elegido de grandes bandas y solistas, entre ellos los Rolling Stones (además de Radiohead, Massive Attack, y Chemical Brothers. Luego, ya en su salto al cine, Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, con guión a cargo del gran Charlie Kauffman, lo catapultó al estrellato del cine independiente-tamaño-mainstream.

En su última obra, The We and the I, Gondry se centra en el último día de clases de un grupo de adolescentes del Bronx y en el último viaje en autobús del año, dentro de un espacio semi-claustrofóbico que se constituye como micro universo de las relaciones imperantes de la sociedad de afuera.




Actores no profesionales (haciendo prácticamente de ellos mismos)se ponen al hombro esta suerte de “semi-documental”, en el que cada uno asume posiciones marcadas que bien podrían caer en rápidos estereotipos sociales, acertadamente esquivados gracias a la frescura y espontaneidad de las actuaciones. La cámara se ubica como testigo invisible, retratando las interacciones de estos adolescentes que comparten un contexto y un momento tan particular de sus vidas.

En el autobús hay un poco de todo: el grupo de los más populares, los bullies, el chico cool y fachero, la chica medio oscura y depresiva que suele ser objeto de burlas, el intelectual que se sumerge en la lectura, las chicas malas que se utilizan entre sí. Todos juntos en un viaje tan exterior como interior.

Y como era de esperarse, una gran banda de sonido a cargo del rapero Young MC.



Fuente: www.mardelplatafilmfest.com

miércoles, 6 de febrero de 2013

CinemaRock: Adiós Sui Generis, 37 años.


A 37 años del "Adiós Sui Generis"


Un recital que marcó un antes y un después en nuestro rock. Los protagonistas cuentan su historia.


EL FIN DE UNA HISTORIA. Charly y Nito en el escenario.

Sui Generis representó una época muy importante para la música nacional. Dentro del rock, fue el punto de partida para toda una generación que no se sentía reconocida.

El dúo nació de la mente de Charly García mientras estudiaba en el colegio "Dr. Dámaso Centeno". Allí, conoció a Nito Mestre, que se convirtió en su fiel socio musical.

Con letras interesantes y profundas, Sui Generis se convirtió en el grupo más escuchado a principios de los setenta.

Con el primer disco Vida (1972), el estilo folk norteamericano los llevó rápidamente a la popularidad. Con el segundo trabajo, Confesiones de Invierno (1973), el grupo se instaló de forma definitiva.


Pasaron los años y para 1975 Sui Generis era un referente en la escena musical local. En ese año tomaron la decisión de parar y hacer un show a lo grande.

Así surgió el Adiós Sui Generis en el Luna Park, el 5 de septiembre, con un lleno total y gente que quedó afuera. Esto fue algo inusual para nuestra música.

Las 11 mil localidades puestas en venta se agotaron dos semanas antes del show. A pedido del público se agregó una segunda función para la misma noche, en total: 25.600 espectadores.

“Como con Charly seguimos en la misma profesión, nos parece que no pasó tanto. Es una fecha importante para todos los seguidores y le tengo un grato recuerdo. Fue el primer show multitudinario de rock que hubo en la Argentina”, recordó Nito Mestre a La Viola Web.

La semana pasada, el músico subió al escenario, durante el show que Charly García dio en el Luna Park para presentar su obra 60x60. Otra vez, el dúo estaba junto ante una multitud en el estadio que fue testigo del adiós.

“No me di cuenta hasta que subí al escenario. En ese momento me vinieron todas las imágenes de aquella época. Fue algo muy fuerte”, reconoció el cantante.


La película

El director Bebe Kamin fue el encargado de inmortalizar ese momento tan glorioso para nuestra música.
Contó con cuatro cámaras, dirigidas por el cineasta, que grabaron varias partes del concierto, además de entrevistas al público presente afuera del Luna Park.

Posteriormente, se grabaron videoclips con la música del mismo concierto, como es el caso de "Mr. Jones" y "Nena".

La película llevó el nombre de "Adiós Sui Géneris" y fue certificada para mayores de 18 años. Irónicamente, quién certificó la película fue satirizado el año anterior, como el "Señor Tijeras".

“Fue una experiencia muy importante. Fui convocado por Leopoldo Torres Nilson (productor de la película). Este documental lo pudimos hacer con un grupo de gente valiosa y muy trabajadora. Se trata de un proyecto que se realizó en un momento muy complicado y esto trasciende el concierto, era un momento muy problemático con muchas situaciones críticas en lo político, social, entre otros puntos. Las víctimas de todo esto fue la gente joven y ese concierto de alguna manera fue una expresión de lo reprimido, la posibilidad de expresión propia que tenía la juventud de ese momento”, le contó Kamin a La Viola We




Un fan muy especial

Dentro de esa multitud se encontraba un joven Norberto “Ruso” Verea. Un fanático de la música que no se perdió la posibilidad de estar en ese lugar. Sabía que era un momento muy especial que marcaría un antes y un después.

“Era la despedida de un grupo importante y no me lo quería perder. En aquella época el rockero escuchaba distintos estilos. No es como ahora que escuchan a un determinado grupo. A mí me gustaba Pappo, Pescado Rabioso y Sui Generis. No era un gran seguidor del grupo pero tenía ganas de disfrutar de su música”, le contó Verea a La Viola Web.

Discografía de Sui Generis

Vida (1972)
Confesiones de invierno (1973)
Alto en la torre (simple) (1974)
Pequeñas anécdotas sobre las instituciones (1974)
Adiós Sui Generis (1975)
Antología (1991)
Adiós Sui Generis Parte 3 (1995)
Sinfonías para adolescentes (2000)
Si (2001)


Fuente: http://tn.com.ar/musica/hoy/a-37-anos-del-adios-sui-generis_269674

lunes, 4 de febrero de 2013

La película olvidada: Nacida ayer, de George Cukor (1950)

George Cukor y las mujeres


George Cukor fue uno de los directores estadounidenses más emblemáticos de la Época Dorada de Hollywood. Especializado sobretodo en comedias y adaptaciones literarias, acostumbraba a centrar sus películas en personajes femeninos con mucho carácter y, además, con una especial habilidad para la dirección de actores, conseguir interpretaciones maravillosas. Esto le llevó a ser denominado como el director de mujeres y, si repasamos su filmografía, es un sobrenombre que no tiene discusión. En ‘Nacida ayer‘ (‘Born yesterday’, George Cukor, 1950) fue la actriz Judy Holliday la que consiguió el papel protagonista y ofreció una actuación antológica.




En primera instancia, es necesario aludir al título de la película y a su significado, pues hace referencia a la expresión inglesa I wasn’t born yesterday, que se traduce literalmente por No nací ayer. Un encabezamiento sarcástico que deja entrever el tono y la evolución de la trama y la de su protagonista en una de las mejores comedias de la historia del cine. Este título se lo debemos al escritor y, esporádicamente director, Garson Kanin que creó esta obra de teatro estrenada Broadway en 1946.

Los derechos de la obra fueron adquiridos por Harry Cohn, director de Columbia Pictures, quien otorgó el proyecto a George Cukor. Éste, junto con Garson Kanin, querían que Judy Holliday y Paul Douglas repitiesen los papeles que tan exitosamente habían representado en los escenarios cuatro años antes. Harry Cohn, sin embargo, tenía otros planes. Con Broderick Crawford en plantilla y su flamante Oscar por su actuación en ‘El político‘ (‘All the king’s men’, Robert Rossen, 1949), impuso al actor como mejor opción para el personaje de Harry Brock. Para el papel femenino, tenía en mente a Rita Hayworth pero el éxito de Judy Holliday con su papel secundario en ‘La costilla de Adán‘ (‘Adam’s rib’, George Cukor, 1949) y la insistencia de Cukor, le hicieron cambiar de opinión.




Esta intérprete nacida en Nueva York, igual que Cukor, merece una mención especial por lo desconocida que resulta para muchos espectadores. Tuvo una extensa carrera en teatro, con un grupo llamado ‘The Revuers’ del que también formaban parte Betty Comden y Adolph Green, guionistas de ‘Cantando bajo la lluvia‘ (Singing in the rain, Gene Kelly & Stanley Donen, 1952). Con unos comienzos algo desalentadores en el cine, sus interpretaciones en la ‘La costilla de Adán’ y luego en ‘Nacida ayer’, la elevaron al estatus de estrella.

Pese a representar, a menudo, el prototipo de rubia ingenua, poseía un coeficiente intelectual excepcional. Un rasgo que compartía con Marilyn Monroe. El enorme talento y el evidente ingenio de esta actriz se manifiestan, en todo su esplendor, en esta cinta. Como otros grandes cómicos, Judy Holliday conseguía conmover, con una combinación perfecta de gracia y ternura, de risa y emoción. Sus interpretaciones estaban trabajadas hasta el último detalle. La cadencia de los diálogos, la modulación de la voz —más aguda en esta cinta para enfatizar su ingenuidad— o los gestos, son sólo pinceladas del abanico de registros cómicos de la actriz. Una verdadera artista que, por desgracia, la caza de brujas y su muerte prematura, apartaron de la pantalla de forma precipitada.
Como curiosidad queda añadir el hecho que el papel de Lina Lamont, interpretado por Jean Hagen, en ‘Cantando bajo la lluvia’ fue un homenaje a su personaje de Billie Dawn en ‘Nacida ayer’. Escrita por Betty Comden y Adolph Green, sus compañeros en ‘The Revuers’, como he comentado antes. La estética y la voz son un calco indiscutible a su actuación en esta película de George Cukor.




El personaje de Jean Hagen en ‘Cantando bajo la lluvia’ está claramente inspirado en Judy Holliday.
Los otros intérpretes principales del film, Broderick Crawford como Harry Brock y William Holden como Paul Verral, realizan dos actuaciones también de aplauso continuo. El primero representa a un comerciante de chatarra convertido en millonario que intenta conseguir los favores de un congresista para seguir ampliando su imperio. William Holden interpreta a un periodista incisivo de principios intachables y, tal vez, algo ensimismado que pone el dedo en la llaga a través de sus artículos. La lucha entre la ignorancia y el conocimiento, entre la corrupción y la honestidad, quedan perfectamente retratadas con estos dos actores.
La labor de George Cukor como director en esta cinta, se manifiesta especialmente en el trabajo con los actores y en la sutil adaptación de un texto teatral a un formato distinto. Se modificaron diferentes aspectos de la obra para poder trasladarla a la gran pantalla, por ejemplo el escenario, la ciudad de Washington. Se usaron varias localizaciones y se rodó en sitios emblemáticos, para desplazar y dinamizar la acción. Otro rasgo distintivo del director era el realismo que imprimía a sus películas, pese a tratarse de comedias. Escenas con una fuerte carga dramática, como la de la bofetada de Broderick Crawford a Judy Holliday, son añadidas como muestra de autenticidad y con una evidente cercanía con la vida cotidiana. Escenas memorables como en la que juegan a cartas Harry y Billie o en las que se discute sobre la verdadera naturaleza del apredizaje, dejando en evidencia la pedantería de quienes pretenden imponer lo que se supone que es lo mejor, son excepcionales.




Basta comparar esta película con la versión que hizo Melanie Griffith, acompañada por Don Johnson y John Goodman, en el remake de 1993 el mismo título, para ver la sutil y demoledora diferencia entre una y otra. Directores como Woody Allen, citan esta película como una de las mejores comedias que se han filmado nunca y especialmente el papel de Judy Holliday como uno de los más extraordinarios. No podría estar más de acuerdo.




Ficha Técnica
Yesterday



Título Nacida ayer


Dirección George Cukor

Producción S. Sylvan Simon
Guion Albert Mannheimer
Música Frederick Hollander
Fotografía Joseph Walker
Montaje Charles Nelson
Vestuario Jean Louis

Protagonistas

Judy Holliday
William Holden
Broderick Crawford
Howard St. John
Frank Otto
Barbara Brown
Grandon Rhodes
Claire Carleton
Larry Oliver


País Estados Unidos
Año 1950
Género Comedia romántica
Duración 103 minutos
Productora Columbia Pictures


Fuente: Blog de Cine