Julio Diz

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Nació en la ciudad de Lanús, Buenos Aires, Argentina, el 27 de junio de 1956. Desde muy pequeño concurrió al cine, descubriendo a Walt Disney en el viejo Cine Monumental de la ciudad de Bernal. Ya de grande, Román Polanski y su film, “Cul de Sac” fueron los movilizadores hacia el cine de culto. En los años ’70, estudió cine en la EDAC, (Escuela de arte cinematográfico) de la ciudad de Avellaneda. En los ’80 cursó en CECINEMA, (Centro de estudios cinematográficos) dirigido por José Santiso, y asistió al Seminario Introducción al lenguaje cinematográfico, dictado por Simón Feldman. Incursionó en el Cine de Súper 8 y 16 MM. Asociado a UNCIPAR (Unión cineistas en paso reducido), fue cofundador del Biógrafo de la Alondra. Es editor de Woody y todo lo demás, Series de antología y el presente blog. Actualmente trabaja en su primer libro, “Los tiempos del cine”.

domingo, 20 de abril de 2008

Blade Runner, ese objeto de culto




Título Blade Runner

Direccion: Ridley Scott

Producción
Michael Deeley, Hampton Fancher, Brian Kelly, Jerry Perenchio, Ivor Powell, Run Run Shaw, Bud Yorkin

Guión
Hampton Fancher, David Webb Peoples; basado en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (Do Androids Dream of Electric Sheep? (1968)) de Philip K. Dick

Música
Vangelis

Fotografía
Jordan Cronenweth

Reparto
Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Daryl Hannah, Edward James Olmos, Joanna Cassidy

Estados Unidos

Año
1982

Género
Ciencia ficción

Duración 117 minutos

Blade Runner es una película de ciencia ficción estadounidense, dirigida por Ridley Scott, estrenada en 1982 y basada en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (Do Androids Dream of Electric Sheep? (1968)). Se ha convertido en un clásico de la ciencia ficción y precursora del género cyberpunk. Obtuvo dos nominaciones a los Oscar.

La película transcurre en una versión distópica de la ciudad de Los Ángeles, EE.UU., durante el mes de noviembre de 2019.

El guión, escrito por Hampton Fancher y David Peoples, se inspira libremente en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick. El reparto se compone de Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, M. Emmet Walsh, Daryl Hannah, William Sanderson, Brion James, Joe Turkel y Joanna Cassidy; el diseñador principal fue Syd Mead y la música original fue compuesta por Vangelis.
La película describe un futuro en el que seres fabricados a través de la ingeniería genética, a los que se denomina replicantes, son empleados en trabajos peligrosos y degradantes en las "colonias exteriores" de la Tierra. Estos replicantes, fabricados por Tyrell Corporation para ser "más humanos que los humanos", especialmente los modelos Nexus-6, se asemejan físicamente a los humanos — aunque tienen mayor agilidad y fuerza física — pero carecen de la misma respuesta emocional y de empatía. Los replicantes fueron declarados ilegales en el planeta Tierra tras un sangriento motín. Un cuerpo especial de la policía — los blade runners — se encarga de rastrear y matar a los replicantes fugitivos que se encuentran en la Tierra. Con un grupo de replicantes particularmente brutal y hábil suelto en Los Ángeles, un dubitativo Deckard es invocado desde su semirretiro para que use algo de "la vieja magia blade runner".

En principio, Blade Runner recibió críticas contradictorias de parte de la prensa especializada. Unos se mostraron confundidos y decepcionados de que no tuviese el ritmo narrativo que se esperaba de una película de acción, mientras otros apreciaban su complejidad temática. La película no obtuvo buenos resultados de taquilla en los cines norteamericanos, pero logró un gran éxito en el resto del mundo. La película se convirtió en la favorita de los cinéfilos y el mundo académico y ganó rápidamente el título de película de culto. Fue tal su éxito como cinta de alquiler en los videoclubes, éxito debido parcialmente a que la película se enriquecía al verla más de una vez, que se la eligió como una de las primeras películas en ser lanzadas en formato DVD. Blade Runner ha sido ampliamente aclamada como un clásico moderno por la ambientación lograda con sus efectos especiales y por adelantarse en plantear temas y preocupaciones fundamentales para el siglo XXI. Se la ha elogiado como una de las películas más influyentes de todos los tiempos, debido a su ambientación detallada y original, que sirve como un hito visual postmoderno con su descripción realista de un futuro en decadencia. Blade Runner también permitió poner a Philip K. Dick en la mira de Hollywood y desde entonces muchas películas se han inspirado en su obra literaria.

Producción

Philip K. Dick falleció antes del estreno de la película, pero pudo ver una cinta de prueba de cuarenta minutos. El guión, escrito por Hampton Fancher, atrajo al productor Michael Deeley (quien aseguró financiación para el proyecto con varias fuentes, las que más tarde resultaron problemáticas cuando una de ellas retrasó el lanzamiento de la edición especial de la película) y éste, a su vez, convenció al director Ridley Scott de crear su primera película en los EE.UU.; Scott estaba disconforme con el guión y solicitó a David Webb Peoples reescribirlo.
El título de la película viene de la novela The Bladerunner, de Alan E. Nourse, cuyo protagonista contrabandea instrumentos quirúrgicos en el mercado negro y de Bladerunner, A Movie, un tratado de cine escrito por William S. Burroughs; pero más allá del título, ninguna de las obras antes mencionadas resulta relevante para la película. Fancher encontró casualmente una copia de Bladerunner, A Movie mientras Scott estaba buscando un título comercial para su película; a Scott le agradó el título, y obtuvo los derechos sobre él, pero no sobre la novela (Nota: algunas de las ediciones del tratado-novela de Burroughs emplean el título separado en dos palabras: Blade Runner).

Blade Runner debe mucho a Metrópolis de Fritz Lang. Scott da crédito al cuadro Nighthawks, de Edward Hopper, y a la historieta breve The Long Tomorrow, escrita por Dan O'Bannon y dibujada por Moebius (alias de Jean Giraud), como fuentes estilísticas para la ambientación. Scott contrató a Syd Mead como artista conceptual, y ambos recibieron gran influencia de la revista francesa de ciencia ficción Métal Hurlant (Heavy Metal), en la que Moebius contribuía. Moebius recibió la oferta de trabajar en la preproducción de Blade Runner, a la cual declinó para poder trabajar con René Laloux en la película animada Les Mâitres du temps - decisión de la que Moebius más tarde se arrepintió. Lawrence G. Paull (diseñador de producción) y David Snyder (director de arte) hicieron realidad los bocetos de Scott y Mead. Jim Burns trabajó brevemente en el diseño de los vehículos spinner; Douglas Trumbull y Richard Yuricich supervisaron los efectos especiales de la película.

Antes de que se iniciara la filmación de la película, Paul M. Sammon recibió el encargo de la revista Cinefantastique de escribir un artículo acerca de Blade Runner. Sus detalladas observación e investigación sirvieron para publicar, más tarde, el libro Future Noir: The Making of Blade Runner, conocido también como La Biblia de Blade Runner por los fanáticos de la película. El libro no sólo describe la evolución de Blade Runner, sino también las políticas y dificultades en el plató; particularmente respecto a las expectativas de Scott con su equipo de los EE.UU. (considerando que Scott es británico). Junto con lo anterior, su estilo como director de actores creó fricciones con el reparto, y contribuyó con el posterior mutismo de Harrison Ford sobre la película.






Sinopsis

En la ciudad de Los Ángeles, en noviembre de 2019, Rick Deckard (Harrison Ford) es llamado de su retiro cuando un Blade Runner excesivamente confiado —Holden (Morgan Paul)— recibe un tiro mientras llevaba a cabo la prueba Voight-Kampff a Leon (Brion James), un replicante fugitivo.

Deckard, dubitativo, se encuentra con Bryant (M. Emmet Walsh), su antiguo jefe, quien le informa que la reciente fuga de replicantes Nexus-6 es la peor hasta el momento. Bryant le informa a Deckard acerca de los replicantes: Roy Batty (Rutger Hauer) es un comando, Leon es soldado y obrero, Zhora (Joanna Cassidy) es una trabajadora sexual entrenada como asesina y Pris (Daryl Hannah) un 'modelo básico de placer'. Bryant también le explica que el modelo Nexus-6 tiene una vida limitada a cuatro años como salvaguarda contra su desarrollo emocional inestable. Deckard es acompañado por Gaff (Edward James Olmos) a Tyrell Corporation para comprobar que la prueba Voight-Kampff funciona con los modelos Nexus-6. Ahí, Deckard descubre que Rachael (Sean Young), la joven secretaria de Tyrell (Joe Turkel) es una replicante experimental, con recuerdos implantados que le permiten contar con una base emocional.

Deckard y Gaff allanan el apartamento de Leon mientras él y Roy obligan a Chew (James Hong), un diseñador genético de ojos, a que les envíe con J.F. Sebastian (William Sanderson), pues él les puede permitir llegar a Tyrell. Más tarde, Rachael visita a Deckard en su apartamento para probarle que ella es humana, pero huye llorando al enterarse que sus recuerdos son artificiales. Priss conoce a Sebastian y se aprovecha de su bondad para lograr entrar en su apartamento.

Las pistas encontradas en el apartamento de Leon llevan a Deckard al bar de Taffy Lewis (Hy Pyke), lugar en que la tatuada Zhora realiza su espectáculo con una serpiente. Zhora intenta desesperadamente huir de Deckard por las calles atestadas de gente, pero Deckard logra alcanzarla y la "retira". Tras el tiroteo, Gaff y Bryant aparecen e informan a Deckard que también hay que "retirar" a Rachael. Convenientemente, Deckard observa a Rachael a lo lejos pero, mientras la sigue, Leon le desarma repentinamente, y Deckard recibe una paliza. Rachael dispara a Leon, salvando la vida de Deckard y ambos se dirigen al apartamento de Rick, donde discuten las opciones que tiene Rachael. En un tranquilo instante de intimidad musical, ambos se empiezan a enamorar.

Entretanto, Roy llega al apartamento de Sebastian y se vale del encanto de Pris para convencer a Sebastian de ayudarle a reunirse con Tyrell. Ya en la habitación de Tyrell, Roy demanda que prolongue su vida y pide perdón por sus pecados. Al no ver satisfecha ninguna de sus solicitudes, Roy asesina a Tyrell y Sebastian.
Deckard es enviado al apartamento de Sebastian después de los asesinatos. Allí, Pris le prepara una emboscada, aunque Deckard consigue dispararle tras una lucha. Roy regresa, atrapando a Deckard en el apartamento, y comienza a perseguirlo a través del edificio Bradbury hasta llegar al tejado. Deckard intenta escapar saltando a otro edificio quedando colgado de una viga. Roy cruza con facilidad y mira fijamente a Deckard — en el momento en que éste se desprende de la viga, Roy lo sujeta por la muñeca, salvándole la vida.

Roy se está deteriorando muy rápidamente (sus 4 años de vida se acaban), se sienta y relata con elocuencia los grandes momentos de su vida concluyendo: "Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir". Roy muere dejando escapar una paloma que tiene en sus manos, mientras que Deckard le mira en silencio. Gaff llega poco después, y marchándose, le grita a Deckard: "Lástima que ella no pueda vivir, pero ¿quién vive?".
Deckard regresa a su apartamento y entra con cuidado, cuando nota que la puerta está entreabierta. Allí encuentra a Rachael, viva. Mientras se van del lugar, Deckard encuentra un origami que ha dejado Gaff (¿señal de que se les ha permitido escapar?). Finalmente, la pareja se dirige a un futuro incierto.

Temas

A pesar de tener el aspecto de una película de acción, Blade Runner contiene un número inusualmente amplio de niveles dramáticos. Como obra del género cyberpunk le debe mucho al cine negro, pues contiene y explora convenciones tales como la mujer fatal, la narración en primera persona a lo Raymond Chandler (narración que no se encuentra en versiones posteriores) y la cuestionable perspectiva moral del héroe — extendido aquí para incluir el lado humano del personaje, así como la cinematografía oscura y de sombras.

Es una de las películas de ciencia ficción mejor escritas en ambos temas — pues abarca temas como la filosofía de la religión y las implicaciones éticas que conlleva el dominio de la ingeniería genética, dentro del contexto del drama clásico griego y sus nociones del hibris — y literario, dibujando la poesía de William Blake y la Biblia. Blade Runner también muestra una partida de ajedrez basada en la famosa Inmortal de 1851. (Interponen al rey y la dama en el lado de Tyrell, una posición que un Gran Maestro no intentaría).

El mundo de Blade Runner representa un futuro cuya distancia ficticia de la actual realidad se ha reducido, mientras el 2019 se aproxima. La obra penetra en las implicaciones futuras de la tecnología en el ambiente y la sociedad, acercándose al pasado con el uso de la literatura, el simbolismo religioso, los temas dramáticos clásicos y el cine negro. Esta tensión entre pasado, presente y futuro es evidente en el futuro adaptado de Blade Runner, donde la alta tecnología resplandece en lugares, mientras que el resto es decadente y viejo.

Hay un alto nivel de paranoia presente en el film, con la manifestación visual del poder de las transnacionales, la policía omnipresente, las luces de las sondas; y en el poder sobre el individuo, representando particularmente por la programación genética de los replicantes. El control sobre el ambiente es observado a gran escala, pero también como cuando los animales son creados como meros artículos. Este contexto opresivo clarifica por qué muchas personas se van a las colonias exteriores, un paralelismo con la migración al continente americano. Las predicciones populares de los años '80, donde Estados Unidos es sobrepasado económicamente por Japón, se reflejan en el dominio de la cultura y publicidad japonesa en la ciudad de Los Ángeles de 2019. También la película hace un uso intensivo de los ojos y las imágenes manipuladas, como llamadas de atención sobre la realidad y la capacidad de percibirla.

Todo esto proporciona una atmósfera de incertidumbre para el tema central de Blade Runner: examinar lo humano. Para descubrir a los replicantes, se utiliza una prueba de empatía, con preguntas centradas en el tratamiento a los animales; esto funciona como indicador esencial de la "humanidad" de alguien. Los replicantes son puestos como personajes apáticos, y mientras que los humanos muestran pasiones y preocupaciones por otros, la masa de la humanidad en las calles es fría e impersonal. La película va tan lejos como para poner en duda la naturaleza de Deckard y obligar a la audiencia a reevaluar qué significa ser humano.







Reparto

Harrison Ford es quien interpreta al personaje principal.
Blade Runner tuvo un número significativo de actores que, en aquel entonces, eran desconocidos:

• Harrison Ford, como Rick Deckard. Recién llegado del éxito de Star Wars, pero un año antes de que Indiana Jones se estrenara, Ford buscaba un papel dramático. Después de que Steven Spielberg elogiase a Ford, Deeley y Scott consiguieron a Ford para la película. Debido a la pobre recepción inicial de Blade Runner y la fricción con Scott, Ford evita generalmente discutir sobre la película.

• Rutger Hauer, como Roy Batty. Hauer dio una breve actuación como líder violento y complejo de los replicantes que no tiene nada que perder.

• Sean Young, como Rachael. La imagen de la "perfección" femenina a los 22 años, Young todavía cuenta a Blade Runner como una de sus películas preferidas, a pesar de los roces con Ford y Scott debido a su inexperiencia y edad.

• Edward James Olmos, como Gaff. Olmos utilizó su trasfondo étnico para ayudar a crear la "Interlingua" que su personaje usa durante la película. Esto, junto con su bastón, ayuda a crear un misterio alrededor de Gaff, cuyo papel no está claro mientras observa y comenta (con el uso de origamis) sobre Deckard.

• Daryl Hannah, como Pris. Hannah pone en evidencia la inocencia peligrosa de una replicante enamorada de Roy Batty.
Actores secundarios:

• Morgan Paull, como Holden. Holden no tenía muchas oportunidades contra el primer Nexus-6, sólo consigue desenfundar su arma y advertir a Deckard de los replicantes, mientras está hospitalizado, en una escena suprimida.

• Brion James, como Leon. Aunque a simple vista parece un replicante usado por su fuerza, Leon tenía cierta inteligencia intuitiva, que le permitió casi matar a Holden, torturar a Chew y atacar por sorpresa a Deckard.

• M. Emmet Walsh, como el capitán Bryant. Walsh con el papel de un veterano policía bebedor, que le sirvió para aumentar su ya vasta reputación como actor dramático.

• Joe Turkel, como el Dr. Eldon Tyrell. Con una voz penetrante, confiada y engrandecido sobre sí mismo, este magnate corporativo dirigía el avance científico y el desarrollo de los replicantes, creando una recreación gradual de la esclavitud.

• James Hong, como Hannibal Chew. Un anciano genetista que ama su trabajo, especialmente la sintetización de ojos.

• William Sanderson, como J.F. Sebastian, genio taciturno y solitario, que proporciona un retrato compasivo pero obediente de la humanidad.

• Joanna Cassidy, como Zhora. En un breve tiempo, Cassidy transmite a una mujer fuerte que ha visto lo que la peor humanidad puede ofrecer, y con su muerte impacta profundamente a Deckard.

Música

La banda sonora de Blade Runner, compuesta por Vangelis, es una combinación melódica y oscura de la composición clásica y los sintetizadores futuristas que reflejan el futuro retro y de cine negro que Ridley Scott imaginó. Vangelis, recién galardonado con el Oscar por Chariots of Fire, compuso y ejecutó la música con sus sintetizadores, a la cual sólo se añade el saxo tenor del músico de jazz británico, Dick Morrissey, colaborador habitual de Vangelis. El paisaje musical de 2019 fue creado dentro del modo espacial de Vangelis en la música New age, como en otros álbumes suyos.

A pesar de la buena acogida por parte del público y la crítica — nominada en 1983 al premio BAFTA y el Globo de Oro como mejor banda sonora original — y la promesa de un álbum con la banda sonora por parte de Polydor Records al final de los títulos de créditos, el lanzamiento de la grabación original se retrasó durante más de una década.

Hay dos publicaciones oficiales de la música de Blade Runner. A consecuencia de la carencia de un lanzamiento del disco, la New American Orchestra grabó una adaptación orquestal en 1982, con poca semejanza a la original. Algunos cortes de la película saldrían en 1989 a partir del recopilatorio Themes, pero no sería hasta la presentación del Director's Cut de 1992 cuando aparecerá una cantidad sustancial de la banda sonora.

Sin embargo, mientras la mayoría de las pistas del álbum eran de la película, había unas cuantas que Vangelis compuso, pero no fueron finalmente utilizadas y algunas nuevas piezas musicales. La mayoría no consideraban esto como una representación satisfactoria de la banda sonora.

Estos retrasos y las pobre reproducciones generaron una cantidad importante de bootlegs durante años. Una de esas cintas piratas apareció en 1982 en las convenciones de ciencia ficción y llegó a ser popular debido al retraso del versión oficial; y en 1993, Off World Music, Ltd. creó un CD pirata que resultaría más extenso que el disco oficial de Vangelis. Un disco de Gongo Records presentaba el mismo material, pero con una calidad de sonido algo mejor.
En 2003, otros dos bootlegs aparecieron, el Esper Edition, precedido por Los Angeles — November 2019. El "Esper Edition" contenía dos discos combinando los temas oficiales, lo del disco de Gongo y los propios de la película. Finalmente, "2019" era una compilación, en un sólo disco, que consistía en casi todos los sonidos ambientales de la película, junto algunos sonidos del juego de Westwood "Blade Runner".

Recepción

Blade Runner se estrenó en 1.290 salas de cine el 25 de junio de 1982. La fecha fue escogida por el productor Alan Ladd, Jr. porque sus anteriores grandes éxitos, Star Wars y Alien, tuvieron una fecha similar (el 25 de mayo) en 1977 y 1979 respectivamente. Sin embargo, la recaudación del primer fin de semana fue decepcionante, con sólo USD 6,15 millones. Un importante factor de esta mala acogida por el público fue la coincidencia con el estreno de otra película: E. T.: El extraterrestre, estrenada el 11 de junio, dominando la taquilla en ese momento.
Los críticos de cine se dividieron entre los que opinaban que la historia estaba sujetada por los efectos especiales y que eso no era lo que el estudio había anunciado, mientras que otros aclamaron su complejidad.

Una crítica generalizada caía sobre su ritmo lento; hasta un crítico cinematográfico le cambió el título a Blade Crawler (crawler, que se arrastra). Roger Ebert elogio las representaciones visuales de Blade Runner, pero encontró escasa la historia humana. Ebert pensaba que el personaje poco convincente de Tyrell y la aparente falta de medios de seguridad que permitió a Roy asesinar a su creador eran ciertos problemas de trama. También creyó que la relación entre Deckard y Rachael parecía "existir más para el argumento que para ellos mismos".
Otros críticos han apuntado sin embargo que los efectos visuales sirven para crear un mundo deshumanizado donde resaltan los elementos humanos. Además, la relación entre Deckard y Rachael sería esencial para reafirmar la humanidad de ambos. En un episodio posterior de su programa, Ebert y Gene Siskel admitieron que estaban equivocados en sus reseñas iniciales, y que ellos consideran la película como un clásico moderno.

Premios y nominaciones

Blade Runner ha sido nominada y ha ganado premios en numerosas ocasiones:
Premios
Año Premios Categoría - Receptor(es)
1982 Premio de la Asociación de críticos de cine de Los Ángeles Mejor película - Jordan Cronenweth

1983 Premios BAFTA
Mejor película - Jordan Cronenweth
Mejor diseño de vestuarios - Charles Knode, Michael Kaplan
Mejor diseño de producción / Dirección de arte - Lawrence G. Paull

1983 Premio Hugo
Mejor representación dramática
1983 Premios del círculo londinense de críticos de cine - Premio especial Lawrence G. Paull, Douglas Trumbull, Syd Mead - por sus conceptos visuales
[ Nominaciones
• BAFTA (1983)
o Mejor montaje – Terry Rawlings
o Mejor maquillaje – Marvin G. Westmore
o Mejor banda sonora – Vangelis
o Mejor sonido – Peter Pennell, Bud Alper, Graham V. Hartstone, Gerry Humphreys
o Mejores efectos visuales especiales – Douglas Trumbull, Richard Yuricich, David Dryer
• La sociedad británica de cineastas: Premio a la mejor película (1982) – Jordan Cronenweth
• Fantasporto
o Premio internacional de cine fantástico (1983) - Mejor película – Ridley Scott
o Premio internacional de cine fantástico (1993) - Mejor película – Ridley Scott (Director's cut)
• Globos de Oro: Mejor banda sonora original (1983) - Película cinematográfica – Vangelis
• Premios Oscar (1983)
o Mejor dirección artística - Decorados – Lawrence G. Paull, David L. Snyder, Linda DeScenna
o Mejores efectos, efectos visuales – Douglas Trumbull, Richard Yuricich, David Dryer
• Premios Saturn (1983)
o Mejor película de ciencia ficción
o Mejor director – Ridley Scott
o Mejores efectos especiales – Douglas Trumbull, Richard Yuricich
o Mejor actor de reparto – Rutger Hauer
o Mejor lanzamiento en video (1994) – Director's cut

Influencia

Si bien en principio la audiencia norteamericana la evitó, Blade Runner llegó a ser popular internacionalmente y se la considera una película de culto. El renombre la ha convertido en una referencia popular en otros medios: Programas televisivos como Futurama se han referido muchísimas veces a Blade Runner y otros programas como Cutting It y Stargate SG-1 han utilizado citas de la película.
El actor William Sanderson, quien interpretó a Sebastian, puso la voz a un personaje similar en la serie de animación Batman: La serie animada. En la película de acción El sexto día, un psicólogo virtual repite la frase que se utilizó durante la escena de la prueba Voight-Kampff a Leon. Es también notable que las primeras escenas de Blade Runner presenten un primerísimo plano de un ojo humano; unas tomas similares se ven posteriormente en las películas Días extraños y Minority Report.

El oscuro estilo cyberpunk de la película y el diseño futurista han servido como patrón e inspiración para sucesivas obras cinematográficas y programas televisivos, entre los que podemos mencionar a Batman, RoboCop, El quinto elemento, Dark Angel y Matrix. También ha tenido gran influencia en el anime, ejemplo de ello son Ghost in the Shell, Akira, Armitage III, Cowboy Bebop y Bubblegum Crisis. Antes de comenzar a rodar Batman Begins, el director Christopher Nolan realizó una exhibición privada de Blade Runner a su equipo de filmación y les dijo: "Así es como vamos a hacer Batman". Las protosecuelas de Star Wars también han homenajeado a Blade Runner en sus secuencias de efectos especiales.
"Blade Runner es una película única, increíble a cada nivel. Es un relato profético y emotivo que se mantiene como una de las más originales e inteligentes películas de ciencia ficción realizadas." – Alex Ioshpe
Se cree a menudo que Blade Runner inspiró la novela Neuromante de William Gibson. Gibson ha respondido en entrevistas que él ya había escrito la novela cuando Blade Runner fue estrenada, y que realmente fue inspirado por el trasfondo de la película Alien. La película marca la introducción del género cyberpunk en la cultura popular. Blade Runner continúa reflejando tendencias y preocupaciones, y un número creciente de público la considera como la mejor película de ciencia ficción de todos los tiempos. La película fue seleccionada para su conservación en el Registro nacional de películas de Estados Unidos en 1993 y es utilizada frecuentemente en conferencias universitarias. Sus frases y banda sonora le han convertido en la película más citada del siglo XX.

"La película de Ridley Scott mantiene la visión definitiva de la ciencia ficción futurista." – Steve Biodrowski
Blade Runner también ha servido para influir al juego de rol del género cyperpunk, Shadowrun, el juego de ordenador System Shock y la serie de juegos Syndicate, aunque sin duda alguna su mejor referente es el sucesor del propio System Shock, la obra conocida como Deus Ex, en donde se observa un futuro negro caracterizado por el empleo de nanotecnología, terrorismo, o el también llamado miedo global empleado por los gobiernos mundiales.

Versiones

Existen siete versiones de Blade Runner, aunque sólo tres son ampliamente conocidas y vistas:
• El montaje internacional original de 1982, que contenía más violencia gráfica que la estrenada en Estados Unidos, y que apareció en VHS y Laserdisc de la Colección Criterion.
• La versión para los cines estadounidenses, también conocida como montaje doméstico (domestic cut).
• La versión para televisión, editando sus contenidos ofensivos.
• Dos versiones de trabajo, mostradas únicamente en preestrenos de audiencias y ocasionalmente en festivales de cine; una de estas versiones fue distribuida en 1991, como un Director's Cut sin la aprobación de Ridley Scott.
• El aprobado Director's Cut de 1992, incitado por la edición desautorizada de 1991. Coincidiendo con el décimo aniversario, se editó en DVD y se proyectó en cines.
• El montaje final (The Final Cut) de 2007 y 2008. Coincidiendo con el vigésimoquinto aniversario, se restauró, se editó en DVD y se proyectó en cines.

Versiones para salas

En 1982 las versiones norteamericana y europea para las salas de cine se estrenaron incluyendo un final feliz (usando metraje de la película de Stanley Kubrick, El resplandor) y una voz en off, añadida a petición de los ejecutivos del estudio durante postproducción tras realizar pruebas de audiencia que indicaban la dificultad de comprender la película. Aunque varias versiones diferentes del guión habían incluido una voz en off, tanto Ridley Scott como Harrison Ford se mostraban insatisfechos del resultado e intentaron no incluirla en la versión final. Se ha rumoreado que Ford intencionalmente hizo la voz en off de mala calidad con la esperanza de que no fuera usada, pero recientes entrevistas indican lo contrario.

Montaje del Director

En 1990, Warner Bros permitió brevemente reproducir en cines una copia de 70 mm de la película, anunciándola como un Director's Cut (Montaje del Director). Sin embargo, Ridley Scott negó públicamente que esa versión de la película fuera el definitivo Director's Cut, argumentando que fue editada toscamente y carecía de la banda sonora de Vangelis para la película.
En respuesta al descontento de Scott (y en parte debido al resurgimiento de la popularidad de la película a principios de los años 1990), Warner Bros decidió editar un definitivo Director's Cut bajo la dirección de Scott que se presentaría en 1992.
Para esto contrataron al restaurador de películas Michael Arick, que fue uno de los que redescubrieron las ediciones originales de Blade Runner y que ya estaba realizando las consultas para la Warner, para encabezar el proyecto junto a Scott. Arick pasó varios meses en Londres con Les Healey, que había sido el editor asistente en Blade Runner, procurando compilar una lista de los cambios que Scott había deseado hacer a la película. También consiguió una enumeración de sugerencias y direcciones del propio director.
Arick realizó varios cambios a la película, la mayoría de ellos eran cambios de edición menores, incluyendo la reinserción de Deckard encontrando el unicornio de origami de Gaff en el vestíbulo cerca de su apartamento, al final de la película. Sin embargo, tres cambios importantes se realizaron en la película dando un giro significativo al resultado final: la eliminación de la voz en off de Deckard, la reintroducción de la secuencia de un sueño con un unicornio galopando en un bosque, y el corte del final feliz impuesto por el estudio, incluyendo algunos efectos visuales que originalmente salían en los créditos finales.
Las presiones en forma de dinero y tiempo, y la obligación a Thelma & Louise, mantuvieron a Scott apartado de la reedición de la película, y aunque finalmente estaba más contento por esta versión que las anteriores, él no se sentía cómodo con ella como definitivo Director's Cut.

Edición especial para coleccionistas

En parte como resultado de esas quejas, Scott fue invitado de nuevo a mediados de 2000 para ayudar a realizar una versión definitiva y final de la película, que sería completada a mediados de 2001. Durante el proceso, se creó una nueva impresión digital desde los negativos originales, los efectos especiales fueron mejorados y limpiados, y el sonido remasterizado en Dolby Digital 5.1 Surround. A direrencia del Director's Cut de 1992, Scott supervisó personalmente el nuevo montaje mientras se creaba.
El DVD de la edición especial se presentaría para las navidades de 2001, y los rumores apuntaban a que sería un set de tres discos incluyendo el montaje completo de la versión internacional para cines, el montaje del Director's Cut de 1992, y la nueva versión mejorada añadiendo escenas eliminadas, entrevistas con el reparto y el equipo, y el documental "On the Edge of Blade Runner".
Sin embargo, Warner Bros retrasó indefinidamente el lanzamiento de la edición especial tras disputas legales que comenzaron con los garantes de la versión original (en especial, Jerry Perenchio), que habían cedido la propiedad de la película cuando el presupuesto de filmación subió de USD 21,5 millones a 28 millones.
Tras varios años de disputas, en mayo de 2006 apareció la noticia[16] que Warner Bros estaba retocando varias versiones de la película para poder hacer un lanzamiento a finales del año, de acuerdo con la revista Total Film y el sitio web The Digital Bits. No hubo un acuerdo sobre la fecha de lanzamiento, pero se señaló que una versión restaurada del Director's Cut de 1992 aparecería primero en dos discos, posiblemente entre septiembre y diciembre de 2006. Finalmente Warner confirmaría el lanzamiento de Blade Runner: The Final Cut con motivo del 25º aniversario del estreno, tratándose de un set en formato maletín incluyendo cinco discos que se pondría a la venta el 18 de diciembre de 2007, con las versiones anteriormente mencionadas y las versiones de estreno en Europa y Estados Unidos, así como en formato Blu-ray y HD DVD. Una nueva edición de coleccionista con cinco discos, así como un doble disco individual fueron puestos a la venta en España el 12 de febrero de 2008, así como las versiónes correspondientes en Blu-ray y HD DVD. Éste último formato, como es sabido, acabó por no imponerse a su competidor. Toshiba decidió cesar de fabricar más reproductores y continuar con las investigaciones para mejorar su formato, lo cual repercutió a posteriori en la edición correspondiente.






La novela

Artículo principal: ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?
El guión original de Hampton Fancher estaba basado libremente en la novela de Philip K. Dick. Sin embargo, el guión de Fancher se enfocaba más en los problemas del entorno y menos sobre las cuestiones de humanidad y fe, que era la parte central de la novela. Cuando Ridley Scott se unió a la película, deseaba realizar cambios al guión ya escrito, y finalmente, contrató a David Peoples para realizar los cambios después de que Fancher se negase.
El título de la película también cambió varias veces durante el proceso de escribir el guión, se llamaba "Dangerous Days" (Días peligrosos) en la última prueba de Fancher, pero se renombró a Blade Runner, título prestado (con permiso) de una novela de ciencia ficción de William S. Burroughs, Blade Runner: A Movie.
Como resultado de las diferencias del guión de Fancher con la novela, las numerosas reescrituras antes y durante el rodaje y que Ridley Scott no había leído completamente la obra de Dick, la película se apartaba perceptiblemente de su inspiración original. Los cambios han impulsado a muchos críticos y seguidores a considerar ambos como trabajos independientes; a pesar del hecho que la novela fuera reimpresa con el título de Blade Runner para ayudar a aumentar las ganancias.
Algunos de los temas en la novela se han reducido al mínimo o han sido eliminados completamente, incluyendo la fertilidad/esterilidad de la población, la religión, los medios de comunicación, la incertidumbre sobre si Deckard es humano, las mascotas reales y sintéticas, y las emociones.

Los productores de la película acordaron una proyección de algunos fragmentos rodados para Philip K. Dick poco antes de su muerte a principios de 1982. A pesar del hecho de que la película difería significativamente de su libro y el bien conocido escepticismo de Dick sobre Hollywood, éste se entusiasmó bastante con la película. Dick predijo que: "[Blade Runner] cambiará la manera de ver las películas".

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Blade_Runner"

Animacine: Martin Fierro, la pelicula





MARTIN FIERRO, DEL DIBUJO AL CINE

Por Heriberto Fiorillo


A fines de mayo ultimo escribí una nota electrónica a Roberto Fontanarrosa: "Querido negro: ¿Cómo va la vida? Estando en Buenos Aires, me entere por casualidad (Me lo contó el administrador del hotel donde me hospede) que habías trabajado en un proyecto de cine animado, inspirado en los personajes del Martín Fierro. ¿Será posible que me contestes unas preguntas sobre ese proyecto? Dime con confianza".

La respuesta no demoro. "Heriberto mándame todas las preguntas que necesites". Envíe al negro las preguntas que se me ocurrieron sobre la película de animación que él había ayudado a contar en celuloide, junto al guionista y coproductor Horacio Grimberg. Sus respuestas me llegaron enseguida. Las ultimas, el 23 de Junio de 2007.

¿Quién es Martín Fierro para Fontanarrosa?

Para mí, como para todos los Argentinos, Martín Fierro es el personaje emblemático de nuestra literatura nacional.

¿Es cierto que hiciste, para la película animada, los 135 dibujos iniciales de donde salieron unos 60 mil por parte de otros dibujantes?

En realidad yo hice 36 dibujos blanco y negro, a los que se les aplico color por computadora, para una nueva versión ilustrada del Martín Fierro, a pedido de Ediciones de la Flor, que publico el libro hará unos tres años. Entonces me propusieron hacer un largometraje animado con esos dibujos y debí completar bocetos de muchos personajes. Pueden haber sido unos 100, hechos cuando yo casi ya no podía dibujar. Luego supe que 70 animadores harían alrededor de 60 mil para terminar la película.

¿Que tienen de ti, en lo físico o lo psicológico, tus personajes Boogie e Inodoro?

Mal que me pese, yo debo tener, o debo ambicionar tener, algo de la violenta impunidad de Boogie. Pero creo ser mas parecido a Inodoro, en su condición de antihéroe falible y contradictorio.

¿Que tiene de ti, en lo físico, Martín Fierro?

Martín Fierro, solo la barba.

¿Que relación hay entre Martín Fierro e Inodoro Pereira?

Como todo gaucho Argentino, Inodoro Pereira esta inspirado en Fierro.

¿Que tan fiel es el guión del animado al poema de Hernandez? Te oí decir que el guión cuenta cosas que no cuenta el poema.

Es muy difícil no intimidarse ante ese libro llamado "La Biblia gaucha". Y es muy distinto narrar para el cine, donde no todo puede contarse a través de un relator externo.

¿Cuánto hay de Fontanarrosa en esta película?

Los dibujos, mas que nada. El grueso del guión lo llevo a cabo, y muy bien, Horacio Grimberg, guionista profesional, con quien intercambiamos opiniones.

¿Que tanta leyenda, sátira o parodia hay en tu guión e ilustraciones?

El guión procura ser respetuoso del personaje. El libro configura un drama gaucho y hubiera sido indecoroso intentar conseguir un "producto Disney".

¿Por que meterse a ilustrar un personaje que ya habías, de algún modo, parodiado, satirizado?

Me intereso la propuesta de Ediciones de la Flor, porque era la oportunidad de realizar ilustraciones a una pagina, sin la obligatoriedad del humor. Además, Fierro tiene muchisima acción y me permitía un tratamiento visual tipo historieta de aventuras seria.

¿Ya viste la película? ¿Que tanto te han mostrado de ella? ¿Te sientes satisfecho?

Vi pedazos y en general me gusta. Me cuesta trabajo salirme de mi papel de autor de los primeros dibujos. Pero ganan muchisimo con el sonido y el movimiento. Por otra parte, ha sido hecha por un grupo de animadores jóvenes que no han ahorrado esfuerzos. No es uno de esos dibujos animados japoneses donde los personajes solo mueven los ojos y la boca. Esto se acerca mucho más al Disney tradicional, en lo que respecta a lo visual.

¿Te gustaría ver a Boogie o a Inodoro Pereyra en animados? En este sentido, adquirirían vida propia. Serian"grafosucientes".

Me encantaría y hay proyectos serios.

¿Cuales?

Con Boogie ya hay un acuerdo con la Fox, pero creo que es para separadores de televisión. Con respecto a Inodoro Pereyra, hay un propuesta de hacer una película con actores reales. A Inodoro lo haría Hugo Varela, que ya lo represento exitosamente en teatro. Si eso no sale, hay otra para animación, un largo, con el mismo grupo del Martín Fierro. De todos modos, lo único firmado es lo de Fox.
No resisto a la tentación de buscarle el humor con preguntas provocadoras.

Sintetiza a un argentino.

No hay argentino pequeño.

Dame el nombre de un argentino humilde.

Inodoro Pereyra, que dice tener la humildad de los grandes.

Ahora agrega lo que tu quieras.

Un abrazo.

Y quedamos así, suspendidos en la distante pero prometedora virtualidad de Internet, él ofreciendo su ayuda a mi trabajo, yo comprometiéndome a enviarle una copia del mismo, cuando lo publicara el periódico. Estaba tácito que debía ser antes del estreno de la película, pero no había transcurrido tres semanas cuando me avisaron de su muerte.

El breve pero intenso fragmento de vida compartida con el Negro, se proyecto de nuevo con rapidez dentro de mí. Habíamos estado cinco días en Barranquilla con él, con su esposa Gabriela, su enfermero Luis, su hermano humorista, Daniel Samper Pizano, quien en verdad nos lo había triado de regalo. Entonces lo consentimos como un bebe, desayunamos con él, le dimos besos en la frente, lo cargamos al escenario, lo bajamos de el, lo acompañamos en La Gaucherna, el primer desfile nocturno de carnaval, y el siempre nos mato de la risa, con sus apuntes únicos, reveladores.

Hablamos bien y mal, claro, de la América Latina, de Rosario Central, su equipo de fútbol, de Quino Lavado, y de Daniel Divinsky, sus dos compinches de Ediciones de la Flor, de Boogie y de Inodoro Pereyra. En verdad, él hablaba y nosotros reíamos, a veces solo con observar su rostro de angelito en la diatriba.

Nos alivio el alma su visita. Extraordinario bufón de todos los poderes, Fontanarrosa nos convenció de que el humor, la ironía y la mofa son esencia de nuestro carnaval y armas predilectas, eficaces, frente a las solemnidades autoritarias de cualquier época.

Que Boogie e Inodoro puedan, al igual que el Martín Fierro, moverse no solo en nuestra mente al leer sus libros, sino pronto en películas, deja descansar mejor al Negro, sus personajes tienen vida propia y al moverse nos garantizan, en cada vuelo de escenario o imaginación, su propia resurrección. La suya y la de su formidable creador.







SOY DE FIERRO

El gaucho mas conocido de la tradición Argentina se convierte, de la mano del gran Roberto Fontanarrosa, en animación, enmarcada dentro de un contexto histórico que se remonta a nuestras raíces, la ultima mirada del poema épico nacional por excelencia, brinda una propuesta visual muy original y grandes secuencias de acción. (inclinado)

El legendario Martín Fierro, un hombre que se enfrenta al ejercito del poder político reinante, al terreno hostil de la Pampa e incluso a su propio destino, vuelve a la pantalla grande. En esta ocasión, la obra clásica cumbre de la literatura gauchesca, representada anteriormente en largometrajes con actores de carne y hueso, tendrá su primera versión animada.

La película esta basada en la primera parte de "El gaucho Martín Fierro" de José Hernandez, un poeta y periodista argentino que, desde su infancia, estuvo vinculado con el estilo de vida gauchesco. En este poema telúrico, Hernandez retrato su visión sobre el espíritu del pueblo argentino en la segunda parte del siglo XIX, abrumado por las políticas de un gobierno que buscaba el progreso basándose en un plan expansivo que implicaba, entre otros procedimientos, la exclusión de los indios nativos del territorio nacional y el empleo del gaucho para cumplir esta tarea.

El film relata la historia de un hombre que se convirtió en un héroe trágico, uno de los miles de argentinos que fueron reclutados para pelear contra el indio en la frontera argentina de la Patagonia. Martín Fierro es separado de su familia y enviado a un territorio lejano, donde debe servir a los intereses del ejercito y, la mayoría de las veces, a los intereses particulares de los hombres que lo dirigen y que usan la situación para obtener ventajas personales y quedarse con tierras y hacienda. Después de tres años en el frente de batalla, disconforme con participar de una lucha sin sentido, Fierro huye para regresar a su tierra y a su familia, pero cuando llega ambas le han sido arrebatadas y el se ha convertido en desertor. Su destino ahora será huir de la justicia y defender lo único que le queda, la libertad. Este proyecto fílmico esta marcado a fuego por uno de los exponentes mas destacados de la cultura contemporánea argentina, el maestro Roberto Fontanarrosa. El se encargo, junto a Horacio Grinberg, Martín Méndez y Enrique Cortes, de escribir la adaptación de la novela al guión cinematográfico y también se ocupo de realizar los diseños originales en los que se inspiraron los mas de 60 mil dibujos que componen la película. La idea de que el escritor y dibujante humorístico rosarino, lamentablemente fallecido el 19 de Julio del año pasado, haya encabezado esta empresa resulta mas que acertada, ya que el Negro consideraba que Martín Fierro era el personaje emblemático de la literatura nacional. También se puede agregar que uno de sus trabajos mas reconocidos, Inodoro Pereyra, estaba basado en la historia del gaucho rebelde de 1872.

En cuanto a su aspecto visual, esta versión de "El gaucho Martín Fierro" resulta novedosa ya que los fondos no fueron realizados de manera convencional (con computadoras), sino que están ilustrados a mano y con óleo, algo poco frecuente en un dibujo animado actual. Para esta tarea, el mismo Fontanarrosa eligió a los directores de la película, Norman Ruiz y Liliana Romero, que anteriormente habían trabajado con una técnica similar en "El color de los sentidos", un largometraje basado en la obra de los pintores argentinos Antonio Berni, Benito Quinquela Martín, Raquel Forner y Cándido López.

Otros factores a destacar son la participación de Daniel Fanego, interpretando la voz del héroe de las pampas, y la banda argentina de rock Divididos, ejecutando su música para darle un toque arrollador a las escenas de acción que, según los creadores del film, son muchas.

Con la inclusión del humor de los dibujos y situaciones creadas por Fontanarrosa que, aun en medio de una historia trágica, encuentra momentos de remanso y picardía, esta película, es una excelente oportunidad para introducirse en una etapa importante de la gestación de nuestro país. Una producción animada de acción y aventuras, apta para todo publico, que convoca a la familia a ver la vida de un hombre que encuentra la forma de mantener en pie su dignidad y su libertad.

Fuentes: adncultura, La Nación, sábado 25 de agosto de 2007
Revista Miradas

domingo, 13 de abril de 2008

Sexto sentido y el suspenso psicológico






Ficha técnica

Dirección M. Night Shyamalan
Producción Kathleen Kennedy
Frank Marshall
Barry Mendel
Guión M. Night Shyamalan
Música James Newton Howard
Fotografía Tak Fujimoto
Montaje Andrew Mondshein

Reparto

Bruce Willis
Haley Joel Osment
Toni Collette
Olivia Williams
Donnie Wahlberg
Peter Anthony Tambakis
Jeffrey Zubernis


Datos y cifras

País Estados Unidos
Año 1999
Género Suspense
Duración 107 minutos

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"Sexto sentido" es un thriller psicológico de 1999 escrito y dirigido por M. Night Shyamalan, que fue nominado a varios premios de la Academia. Cuenta la historia de Cole (Haley Joel Osment), un niño problemático y aislado quien dice poder ver y hablar con gente muerta, y un psicólogo infantil igualmente atormentado (Bruce Willis) que trata de ayudarlo. La película, como mucho del trabajo de Shyamalan, es conocida por su final imprevisto.

Argumento

La película comienza cuando el Dr Malcom Crowe (Bruce Willis), un prominente psicólogo infantil, regresa a su casa con su mujer de un evento donde recibió un premio por sus esfuerzos con los niños. Ellos descubren que no están solos -un hombre perturbado y semidesnudo aparece en la puerta del baño con un arma, Vincent. Dice "no quiero tener miedo nunca más." Está enojado porque Crowe no lo había ayudado, y Crowe se da cuenta que es un ex paciente que había tratado de niño por sus alucinaciones. Insulta a Malcom por su incapacidad para ayudarlo y le dispara en el estómago. Segundos más tarde se suicida. La escena se desvanece con la esposa de Malcolm a su lado, ayudándole.

Meses más tarde, al siguiente otoño, Malcolm vuelve a trabajar con otro niño asustado, Cole Sear (Haley Joel Osment), de 9 años, con un problema similar al de Vincent. Malcolm se dedica a su nuevo paciente, aunque está inseguro de su capacidad de ayudarlo luego de su fracaso con Vincent. Mientras tanto, comienza a descuidar a su mujer, a medida que su relación se derrumba. Malcolm gana la confianza de Cole, hasta que el niño le confía que puede ver gente muerta. Aunque Malcolm es naturalmente escéptico en un principio, finalmente llega a creer que Cole dice la verdad, y que Vincent podría haber tenido la misma habilidad que Cole. Le sugiere que trate de encontrar el propósito de su don, comunicandose con los fantasmas, quizá para ayudarlos con sus asuntos pendientes en la tierra. Cole duda de su consejo, porque los fantasmas lo aterrorizan, pero luego decide tratar de ayudarlos.

Cole se comunica con el fantasma de una niña (Mischa Barton) que aparece en su habitación y parece estar enferma. Le pregunta donde vivía y va a su casa, donde se está llevando a cabo su funeral. El fantasma de la niña le da a Cole una cinta de vídeo dentro de una caja, y Cole se lo da al padre. El video muestra que mientras Kyra estaba en cama por su enfermedad, su madre le envenenaba la comida, lo que concluyó en la muerte de la niña. Fortalecido por su habilidad para usar su don con un efecto positivo, Cole le confiesa su habilidad a su madre, Lynn (Toni Collete). Aunque se perturba por la historia, Cole le cuenta a Lynn que su madre (la abuela de Cole) la había ido a ver a un recital cuando ella era niña, aunque Lynn no sabía porque su madre se había quedado en el fondo, donde no la podía ver. También le dice la respuesta a la pregunta que le había hecho en la tumba. Lynn cree que Cole le dice la verdad, y su relación se afianza.

Con su fe en si mismo recuperada como resultado de su éxito con Cole, Malcolm regresa a su casa, donde encuenta a su esposa durmiendo en el sofá, mirando el video de su casamiento. Mientras duerme, su mano suelta el anillo de casamiento de Malcom, revelando el final sorpresivo del film -que Malcolm es involuntariamente uno de los fantasmas de Cole, habiendo sido asesinado por su paciente en la primera escena. Gracias al esfuerzo de Cole, el asunto pendiente de Malcolm, rectificar su falla con Vincent, está completo. Recordando el consejo de Cole de hablarle a su mujer mientras ella duerme (así ella lo escucharía), Malcolm le dice que siga con su vida y se libera a si mismo, dejando atrás el mundo de los vivos.


Final Sorpresivo

Toda la ropa que Malcolm usa durante la película son prendas que había usado o tocado la noche que murió, incluyendo su saco, su suéter azul y las diferentes prendas del traje.

Bruce Willis, que es zurdo, aprendió a escribir con su mano derecha para el film, para esconder a la audiencia que Crowe no llevaba su anillo de bodas. Aunque los productores fueron cuidadosos acerca las pistas del estado de Crowe, la camara lentamente se acerca a la cara de Crowe mientras Cole le dice que ve gente muerta. En un contenido extra especial del DVD, se menciona que inicialmente temían que esta toma fuera una revelación involuntaria, pero decidieron dejarla. El color rojo está ausente en la mayoría del film y solo en algunas escenas aisladas dispersas durante la película en situaciones donde los muertos están presentes: es el color del globo y del suéater de Cole en la fiesta de cumpleaños, la carpa donde se encuentra a Kyra, los números en la grabadora de Crowe, la perilla de la puerta cerrada del apartamento de Crowe, y el vestido de la madre de la niña. El film "La aldea", de Shymalan, proponía similarmente al color rojo como un color con connotaciones malignas y supernaturales -específicamente, los monstruos misteriosos que habitan los bosques alrededor de la aldea.


Guión vs. film

El guión original de "Sexto Sentido", escrito por Shymalan y circulado públicamente luego del lanzamiento de la película, es en algunos aspectos bastante diferente de la película. Lo más notable es que contiene mucha menos información que lo usual para un film. Esto es aparentemente porque Shyamalan esperaba dirigir el film él mismo, y por eso dejó afuera la mayoría de los detalles que un escritor de guión normalmente ofrecería a un director, intentando separar la historia entre escenas y disposiciones de cámara.

En el guión, en opocición al film, es más difícil adivinar el final sorpresivo de la historia, porque el libreto de Shyamalan hace menos obvio que el doctor Crowe está muerto. Justo antes que Crowe se presentara ante Cole, en la primera secuencia luego que Crowe es disparado, el guión tiene Crowe haciendo muecas de dolor y agarrándose el costado, la herida propia de un hombre recuperandose de una severa herida de bala. En cambio, en la película, Crowe (supuestamente todavía vivo) no exhibe ningún efecto de su herida.

Poco tiempo después de la secuencia del cumpleaños, hay un diálogo en la casa de Cole, donde él llega y encuentra a su madre consultando con un psicólogo de menores, junto con Crowe. En la película, como fue editada, Crowe es un mero espectador de esta escena. En el guión, Crowe responde a uno de los comentarios del psicólogo, y la madre habla inmediatamente después. Ella está respondiendo al psiquiatra, pero el efecto hace parecer que le está respondiendo a Crowe (llevando a la audiencia a creer que Crowe puede ser visto y oído por otras personas a parte de Cole).

El guión termina con un video casero de Crowe en la recepción de su boda, haciendo un discurso en parodia de los versos escritos por Doctor Seuss. Una referencia de esto sobrevive al final del film, en la primer escena antes que que Crowe sea disparado. En lugar de este final, el film termina con una escena mucho más emotiva: el video casero de Crowe besando a su esposa en su casamiento, esta escena se disuelve a blanco en un rayo de luz, donde el alma de Crowe es finalmente liberada


Comentarios

Fue escrita y dirigida por M. Night Shyamalan y fue la película que lo hizo famoso.

La película fue nominada a varios Premios de la Academia, incluyendo mejor actor secundario (Haley Joel Osment), mejor actriz de reparto (Toni Collette) y mejor director (M. Night Shyamalan).

De acuerdo con la IMDB (Internet Movie Database), "Sexto sentido" es la película de suspenso que más éxito ha tenido en cartelera a nivel mundial, recaudando 661,5 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/El_sexto_sentido"

Sabias que...

El 8 de abril de 1893 nació en Toronto, Canadá, Mary Pickford, llamada "la novia de América". La mayoría de sus películas fueron mudas. En 1919 junto a Douglas Fairbanks, su segundo marido y Charles Chaplin, fundo la United Artist. Falleció en 1979.

El mismo día, pero de 1907, nació el escritor y periodista tucumano Sixto Pondal Ríos, autor de "Los martes orquideas", "Dock Sud", "Los evadidos", "Detrás de un largo muro" y otros libros cinematográficos.

Y también el mismo día, pero de 1996, Murió en Madrid, el director cinematográfico argentino Leon Klimovski, realizador de "Marihuana" con Pedro Lopez Lagar, "El jugador" con Roberto Escalada y una versión de "El túnel" de Ernesto Sábato.

domingo, 6 de abril de 2008

Luis Politti, un señor actor







Nació en Mendoza, el 8 de abril de 1933.

Al tiempo de realizar sus estudios secundarios, siguió los de piano, trompeta y contrabajo en la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Cuyo.
Como también anidaban en él inquietudes de actor, el director de dicho establecimiento lo recomendó a Galina Tolmacheva –notable maestra de arte dramático que había sido alumna de Konstantin Stanislavsky y de su discípulo dilecto, Fedor Komisarjévsky-, con quien estudió cuatro años en la Escuela Superior de Arte Escénico de la Universidad Nacional de Cuyo.

En 1966, viajó a Buenos Aires, becado por Fondo Nacional de las Artes y a poco de su arribo, Pedro Escudero lo incorporó al elenco de “El vicario” de Rolf Hochhuth; breve tiempo después, debutó en televisión con un pequeño papel en “Las tres caras de Malvina”.

De 1968 a 1973, integró el elenco estable del Teatro Municipal Gral. San Martín, donde dio muestras de su valía en piezas tales como “La cabeza del dragón” y “Romance de lobos” de Ramón de Valle Inclán; “Ivonne, princesa de Borgoña” de Witold Gombrowicz; “Macbeth” de Shakespeare y “Antígona Vélez” de Leopoldo Marechal, por citar sólo algunas de las once en que se registra su nombre en ese período.

Su ingreso en nuestro cine se produjo con “Turismo de carretera” (Rodolfo Kuhn, 1968). Más tarde, se destacó en forma especial como el verborrágico Vignale de “La Tregua” (Sergio Renán, 1974); el médico provinciano de “Boquitas pintadas” (Leopoldo Torre Nilsson, 1974); el resero Remigio Calamaco de “Los gauchos judíos” (Juan José Jusid, 1975) –que significó el Premio al Mejor Actor de ese año otorgado por la Prensa Latina de Nueva
York- y el desesperado padre de “No toquen a la nena” (Jusid, 1976).
Sus restantes participaciones para el cine argentino fueron: “Los traidores” (Raymundo Gleyzer, no estrenada comercialmente) -1971/72-; “Luces de mis zapatos” (Luis Puenzo) -1973-; “Los golpes bajos” (Mario Sábato) -1974-; “La Raulito” (Lautaro Murúa), “La guerra del cerdo” (Torre Nilsson), “Solamente ella” (Lucas Demare), “La película” (Jose María Paolantonio), "Tiempos duros para Drácula” (Jorge Darnell, inédito, en coproducción con España) -1975-.

Los hechos políticos vividos en nuestro país a partir de marzo de 1976 determinaron su exilio en México, pero diversos inconvenientes originados por su condición de extranjero, le impidieron continuar allí su carrera. Por mediación de Lautaro Murúa, pudo proseguirla en España, donde al tiempo de su llegada fue prontamente reconocido por sus innegables condiciones histriónicas.

Entre sus incursiones para el cine peninsular se cuentan: “Las Truchas” (José Luis García Sánchez), “La escopeta nacional” (Luis García Berlanga) -1977-; “Hierba salvaje” (Luis María Delgado), “Con uñas y dientes” (Paulino Viota), “El corazón del bosque” (Manuel Gutiérrez Aragón) -1978-; “Tierra de rastrojos” (Antonio Gonzalo), “F.E.N.” [Formación del Espíritu Nacional] (Antonio Hernández), “Cuentos eróticos” (episodio: La Tilita de Josefina Molina) -1979-; “Sus años dorados” (Emilio Martínez-Lázaro), “El hombre de moda” (Fernando Méndez-Leite), “Dedicatoria” (Jaime Chavarri) y “El nido” (Jaime de Armiñan) -1980-, donde brindó un excelente trabajo en memorable dueto interpretativo junto a Héctor Alterio.

Para la televisón española participó –entre otro trabajos- en “Rosaura a las diez” de Marco Denevi; “Esta noche, tampoco” de José López Rubio y se lució especialmente por su brillante personificación del borrachín Alfred Doolittle con “Pigmalión” de Bernard Shaw, junto a Marilina Ross y con dirección de José Antonio Páramo (1979).

Complicaciones derivadas de una hepatitis mal curada, culmina con su repentino fallecimiento, en la Clínica de Nuestra Señora de la Concepción, de Madrid, el 14 de julio de 1980. Sin embargo, no son pocos sus compañeros argentinos, residentes en Madrid en aquel tiempo, que afirman que el actor murió de tristeza a causa del forzoso alejamiento de su patria. En el libro “Héctor Alterio” de Hugo Paredero, el protagonista de La historia oficial se refiere al hecho diciendo: “¿Cómo murió? Se dice que por una hepatitis mal curada, pero si esa hepatitis, o lo que tuvo, le hubiera ocurrido en su país, estoy seguro que Politti no se habría muerto. Se entregó. Un dolor de cabeza, aquí te lo curás con una aspirina, pero un dolor de cabeza allá a lo mejor te puede producir una mandarina en el bocho. Quizá no fue así, pero yo me inclino a pensar que parte de esa angustia suya contribuyó a su muerte”.

Su única labor escénica en España –que resultó ser su actuación póstuma- la cumplio en abril de 1980 en el Centro Dramático Nacional María Guerrero, de Madrid con “Motín de brujas”, del catalán Josep Maria Benet y su elenco de primerísimas actrices: Carmen Maura, Marisa Paredes, Julieta Serrano y María Asquerino. Precisamente esta última, poco tiempo después de su muerte, publicó en el diario El País, de Madrid, una carta abierta al actor, que es una emotiva y fraterna síntesis de los sentimientos que Politti despertó en sus colegas españoles, y que concluía diciendo: “¿Por qué te has ido compañero del alma, tan temprano, yo sé que... no sé, en otro sitio, en otro lugar, algún día volveremos a hacer otra función u otra película. Seguro que no tardaremos mucho”.

Tomado de “De Gardel a Norma Aleandro: diccionario sobre figuras del cine argentino
en el exterior”, Mario Gallina, Ediciones Corregidor, Buenos Aires, 1999.



CINE ARGENTINO

En 1972, Politti hizo su debut cinematógrafico
en "Los siete locos", de la mano de Leopoldo Torre Nilsson. Si bien su intervención fue pequeña, ese trabajo le permitió otras dos convocatorias por parte del realizador: "Boquitas pintadas" y "La guerra del cerdo". Más allá del prestigio que significaba trabajar con Torre Nilsson, las películas citadas se basaron en textos de Roberto Arlt, Manuel Puig y Adolfo Bioy Casares, respectivamente. Además, en "Boquitas pintadas", Politti conoció a uno de los productores, Juan José Jusid, quien le ofrecería trabajo - como director - en "Los gauchos judíos" y "No toquen a la nena".En 1973, Luis Puenzo, quien estaba dedicado a realizar cortos publicitarios incursionó en el cine de largometraje con su ópera prima "Luces de mis zapatos", protagonizada por el actor y músico de espectáculos infantiles Pipo Pescador. El elenco se completaba con Norman Brisky, Juana Hidalgo, Eduardo Fasulo, Roberto Carnaghi y Luis Politti, entre otros.

El primero de agosto de 1974, Sergio Renán estrenaba su primer largometraje como realizador. "La tregua" -basada en la novela de Mario Benedetti, publicada en la década del '60 como diario personal del protagonista- reunió a un elenco virtuoso y convocante para contar la historia de amor entre Martin Santomé y Laura Avellaneda. El éxito no se hizo esperar. "La tregua" tuvo una masiva aceptación del público, fue invitada al Festival de San Sebastián y llegó a ocupar una de las cinco nominaciones en el rubro Mejor Film en Idioma Extranjero, para aspirar, por primera vez para la Argentina, a un Oscar de la Academia de Artes y Ciencias de Hollywood. Finalmente, esa estatuilla coronó la película "Amarcord" de Federico Fellini. Además de Politti y Alterio, integraban el elenco de "La tregua" Luis Brandoni, Marilina Ross, Lautaro Murúa, Cipe Lincovsky, Norma Aleandro y Walter Vidarte. Todos ellos tuvieron que enfrentarse con el exilio.


Tomado de "Luis Politti: cadencias y otros cielos",
Fabián Stolovitzky, Ediciones Corregidor, Buenos Aires, 1995


Mario Gallina, en su libro "De Gardel a Norma Aleandro, diccionario sobre figuras del cine argentino en el exterior", da como debut en el cine "Turismo de carretera" de Rodolfo Kuhn, en 1968.


MAS PELICULAS

A partir de su acertada participación en "La tregua", el interés de los directores por trabajar con Politti creció rapidamente. Sin embargo, ese interés recién se trasladaría a la cartelera a partir de mayo y hasta septiembre de 1975, período en el que se estrenaron cuatro películas en las que el actor mendocino tenía una participación destacada. La primera en estrenarse fue "Los gauchos judíos" de Juan José Jusid, la que que sufrió violentos ataques por parte de grupos antisemitas incluyendo una bomba en el cine Broadway y en donde intepretaba al gaucho Calamaco.

El film tuvo un extraordinario éxito comercial, gracias a un notable elenco en donde también se destacaban Victor Laplace, Luisina Brando, Pepe Soriano, Gina María Hidalgo, Raul Lavié, Osvaldo Terranova, China Zorrilla y Adrián Ghio. Una de las escenas principales del film, en la que Calamaco asesina a su hijo (Ghio) delante de todo el pueblo, fue prohibida y quitada de la película. Dos meses después se estrenaría "La Raulito", protagonizada por Marilina Ross y dirigida por Lautaro Murúa, que se convertiría en un enorme éxito en su pais y también en España, transformándose en una especie de salvoconducto para todos los que participaron del film y tuvieron que partir al exilio. En "La Raulito", Politti mostró otra vez su enorme rango al interpretar al diariero que da trabajo y alberga a la protagonista, y que fallidamente intenta mantener una relación sentimental con ella.

En agosto llegaría la tercera película con Politti estrenada en un lapso de cuatro meses, "La guerra del cerdo" de Leopoldo Torre Nilsson y basada en la novela de Adolfo Bioy Casares, y que a través de un supuesto enfrentamiento generacional reproducía en la ficción el violento clima que se vivía en ese entonces en la sociedad argentina. Politti interpretaba a Farrell, uno de los viejos que eran atacados por grupos de jovenes. El elenco también incluía a José Slavin, Marta González, Victor Laplace, Osvaldo Terranova y Miguel Ligero. El único fracaso del año para Politti fue el de "Solamente ella", estrenada en septiembre y que fue el anteúltimo film del legendario realizador argentino Lucas Demare.

Curiosamente, este fue el film en el que Politti tenía el papel más importante, como el hombre que tenía a maltraer a la protagonista, Susana Rinaldi. En el elenco de "Solamente ella" también participaron Aldo Barbero, Jorge Martinez, Raul Lavié, Nora Cullen y Juan Carlos Copes.

Las últimas dos películas que Politti filmó en Argentina fueron "Tiempos duros para Drácula" de Jorge Darnell, que nunca se exhibió en su pais aunque si tuvo un estreno comercial en España después del golpe y "No toquen a la nena", el film de Juan José Jusid que bajo otras circunstancias hubiera convertido a Politti en una gran estrella. La comedia escrita por Jorge Goldemberg y Oscar Viale terminó su postproducción exactamente el 24 de marzo de 1976, por lo que para poder estrenarla hizo falta una larga negociación con las autoridades encargadas de la censura (curiosamente encabezadas por Miguel Paulino Tato, el mismo censor a cargo de esa tarea bajo el anterior gobierno democrático). Si bien Politti llegó a ver el film en una función privada, el estreno se produjo cuando él ya se encontraba en el exilio. Dado el ambiente reinante en la Argentina en agosto del '76 y la naturaleza eminentemente corrosiva de la historia, "No toquen a la nena" tuvo una tibia recepción, sobre todo teniendo en cuenta que además de Politti, muchos de los integrantes del elenco también se habían ido del pais. El film mostraba en tono farsesco como una familia tradicional (integrada por Politti como el padre, Maria Vaner como la madre, Pepe Soriano como el abuelo y Gustavo Rey y Patricia Calderón como los hijos) entraba en crisis cuando el novio de Calderón la abandonaba tras enterarse que estaba embarazada. El elenco se completaba con Norma Aleandro, Julio de Grazia, Lautaro Murúa, Chunchuna Villafañe, Juan Manuel Tenuta y Lidia Catalano. Además, con este film debutaron en el cine Julio Chavez, Patricio Contreras y Cecilia Roth.

Si la historia argentina hubiera sido otra, Politti hubiera rodado a continuación "Facundo, la sombra del tigre", de Nicolas Sarquís, que terminó filmándose casi diez años después y también estaba en negociaciones para trabajar en una película con Anthony Quinn que logicamente no se filmó en la Argentina.

LOS TRAIDORES

La película que provocó su secuestro y posterior exilio fue rodada en la clandestinidad en 1972, cuando Politti apenas tenía experiencia cinematográfica y era un actor desconocido. Su participación -gratuita y como profesional, no como militante- se reduce a tres minutos, aunque es evidentemente que su personaje representa al general Alejandro Agustín Lanusse, quien en ese momento era el presidente de facto de la nación. Para cuando las fuerzas represivas se ensañaron con todos aquellos que habían participado en esa película, que durante la democracia había sido proyectada en fábricas y villas miserias por militantes del ERP, Politti era uno de los dos actores más famosos que trabajaban en el film. El otro, Lautaro Murúa, estuvo a punto de ser secuestrado y logró escaparse del pais tras pasar una semana en la clandestinidad. Cuando el 21 de junio Politti es secuestrado y sometido a angustiantes interrogatorios en la Superintendencia de Seguridad Federal, la pregunta permanente fue qué sabía él del paradero de Raimundo Gleyzer, director del film. Politti no tenía la menor idea pero si lo sabía su interrogador. Gleyzer había sido secuestrado por las fuerzas represivas el 27 de mayo y posteriormente asesinado.

Gabriel Lerman


Fuente: www.luispolitti.com









































La película olvidada: "Sucedió una noche" de Frank Capra






Al parecer, este film tuvo todas las papeletas para no ser filmada nunca. Un guión que no resultaba convincente, por estar basado en una historia real, le da de pasada por Frank Capra que perdía la gracia cuando volvía a leer (ya comprados los derechos), y unas estrellas que llegaron de rebote, como Clark Gable que tenia contrato con otro estudio, o de mala gana, como Claudette Colbert, que pidió el doble de su sueldo y puso fecha limite al rodaje de sus escenas para poder irse de vacaciones, fueron algunos de los obstáculos que tuvo que salvar esta película para ver la luz. Poco tiempo después se llevo cinco Oscars: mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz y mejor guión. Un pleno espectacular para una deliciosa comedia romántica que va creciendo conforme pasan los minutos. A un servidor le costo entrar en la historia pero luego no había manera de pestañear o de evitar las risas con las situaciones de los dos protagonistas, tan opuestos como perfectos el uno para el otro.

Si bien podría referirse a mil y un sucesos, "Sucedió una noche" se centra en dos personajes que se ven obligados a estar juntos durante mas tiempo del que en un principio desearon, pero menos del que desearan. Ella es la caprichosa y ociosa hija de un millonario y él es un periodista recién despedido, un vividor. La huida de la joven, por problemas con su padre (se niega a aceptar el compromiso de ella con un hombre del mundo del espectáculo), se convierte en noticia y el carismático señor del fino bigote no pedrera la ocasión de poder recuperar su puesto laboral.

Aparte de las estatuillas doradas que gano, "Sucedió una noche" también es conocida por poner de moda lo que se llama la "screwball comedy". Este subgénero toma su nombre del béisbol, ya que había un jugador que conseguía darle un efecto muy raro a la bola, cosa que se llama "screwball". Los críticos empezaron a usar ese termino para referirse a un tipo concreto de comedias, en los que los dos protagonistas, muy diferentes entre sí tenían que llevarse toda la película juntos, soportándose, odiándose, pasando por todo tipo de situaciones disparatadas, para poder llegar a un desenlace feliz donde la tensión entre ellos se transforma en amor.

El gran Frank Capra no necesita presentación. Ganador del Oscar al mejor director en tres ocasiones y responsable de algunas de las mejores películas de la historia del séptimo arte, como la preciosa "Que bello es vivir" (no se las veces que la he visto y siempre me hace llorar) o la poderosa "Caballero sin espada". Capra parte de una situación que podría resultar facilona para retorcerla varias veces, jugando siempre con la mala leche y los diálogos chispeantes (casi siempre en boca de Gable, como cuando le preguntan si quiere al personaje de Colbert), así como con unos actores que no pueden estar mejor.

En cuanto a los protagonistas, tampoco creo que sean precisamente unos desconocidos para el gran publico. El inconfundible Clack Gable vuelve a demostrar que era un galán incomparable, derrochando carisma en cada fotograma y metiéndose al espectador en el bolsillo desde el principio. Claudette Colbert hace uso de su gran talento para la comedia y de un rostro angelical para atraparnos a pesar de que comienza resultando insoportable (menos mal que esta Gable para ponerle los pies en el suelo). Las dos estrellas están impecables, forman una pareja brillante, de gran química, me resulta imposible imaginar este film con otros actores. Hay muchos momentos para el recuerdo en "Sucedió una noche", pero si tuviera que quedarme con dos, elegiría la parte en que tienen que conseguir un coche (desde lo de la zanahoria hasta la mejor forma de conseguir que pare alguien) y toda la cosa con el muro de Jericó, que es posiblemente por lo que más me acordaría de este gran titulo clásico. Otro aspecto a destacar es la alta carga erótica de algunas escenas, sorprendente en un film de estas características y que funciona mil veces mejor que lo que tanto hacen ahora los directores, ciegos para la sutileza y la elegancia.

Resumiendo, nos encontramos ante una de esas, comedias que no puedes dejar pasar, no valen excusas absurdas. "Sucedió una noche" es una pequeña obra maestra que funciona de forma milagrosa. Definitivamente, ya no se hacen comedias así. Una cuerda, una manta y una trompeta. Y no vemos lo que ocurre, pero nos tenemos que reír. Así era Capra.


Ficha técnica

Dirección:
Frank Capra
Título Original: It happened one night
País: Estados Unidos
Año: 1934
Género: Romance
Guión: Robert Riskin, a partir de la novela de Samuel Hopkins Adams, Night Bus
Director: Frank Capra
Fotografía: Joseph Walker (BN)
Música: Louis Silvers
Producción: Columbia (Harry Cohn)
Duración: 105 minutos
Intérpretes: Clark Gable (Peter Warne), Claudette Colbert (Ellie Andrews), Walter Connolly (Alexander Andrews), Roscoe Karns (Oscar Shapeley), Jameson Thomas (King Westley), Alan Hale (Danker), Arthur Hoyt (Zeke), Blanche Friderici (esposa de Zeke), Charles C. Wilson (Joe Gordon).


Fuentes: Blog de cine, Cinematismo.com

sábado, 5 de abril de 2008

La crisis de los tamaños, parte 1: El Cinerama




Escribe: Homero Alsina Thevenet

En 1926 el director francés Abel Gance había dividido la pantalla en tres fragmentos verticales para algunas secuencias de su celebre film "Napoleón". Llamo a ese invento un "tríptico" y declaro, con su énfasis habitual, que allí se combinaban la expresión psicológica, la cerebral y la afectiva. Con menos literatura, el sistema puede describirse como un cambio estético y narrativo, pero no como una modificación técnica. Procuraba dar noción de episodios simultáneos o relacionados entre sí, lo que podía ser especialmente apto en un tema épico e histórico de trama compleja.

En 1939 un técnico de la Paramount llamado Fred Waller, que ya había experimentado con diversos inventos y trucos, fue llamado para diseñar una proyección cinematográfica dentro de una esfera, que constituyo numero especial en la Feria Mundial de Nueva York. Desde aquel momento prosiguió con experimentos similares y llego a armar once proyectores sincronizados que arrojaban imagen sobre los 360 grados de un local. Posteriores ensayos con Hazard E. Reeves, un ingeniero de sonido, llevaron a Waller a crear el Cinerama, en una empresa a la que se asociaron Lowell Thomas (escritor, explorador, periodista radial), Merian C. Cooper (productor y director cinematográfico de prestigiosa actuación durante 1926-1933) y Robert L. Bendick (fotógrafo, director y productor de televisión).

El Cinerama consistió de tres proyectores sincronizados, que en el primer espectáculo publico "Esto es Cinerama", 1952 arrojaban imagen sobre una vasta pantalla de 15.54 por 7.92 metros, el proyector central cubría el medio de la pantalla, el derecho daba sobre la zona izquierda, y el izquierdo sobre la zona derecha. El procedimiento suponía, inevitablemente, dos líneas verticales con limites de las tres imágenes contiguas. El sistema exigía también una modificación importante en las cabinas de proyección, en la colocación de la pantalla y en el sistema de sonido estereofónico, con varios parlantes distribuidos en distintos sitios de la sala.

El objetivo evidente fue un mayor realismo: sumergir al espectador en lo que ve, como si realmente viajara con las cámaras y micrófonos. En el primer espectáculo se sucedieron un viaje en lancha, un fragmento de la opera "Aída" en el Teatro Scala de Milán, otro viaje en góndola por Venecia, una corrida de toros, una recorrida frenética por un parque de diversiones y finalmente un viaje aéreo sobre Estados Unidos, con abundancia de paisajes. Esos y otros fragmentos llevaron a la convicción de que el Cinerama se revelaba como un instrumento superior para el gran espectáculo cinematográfico. Pero aunque Merian C. Cooper se arriesgo a pronosticar que el Cinerama podía hacer todo lo que hace el cine y hacerlo mejor, la practica demostró que su especialidad era el paisaje. Después de cinco superproducciones de clara filiación turística (hasta 1958), Cinerama se asocio con Metro Goldwyn Mayer y produjo dos films de argumento. Pero tanto "El maravilloso mundo de los hermanos Grimm" como "La conquista del oeste" (1962 y 1963) demostraron que llenar el ojo es solo una de las funciones del cine y que la elefantiasis no es un alivio para la producción normal de la industria.

Un progreso en sus problemas técnicos fue dado hacia 1963, cuando se consiguió filmar Cinerama con una sola cámara y exhibirlo con un solo proyector, como fue probado con "El mundo esta loco, loco, loco". Este requiere menos modificaciones en las salas.

Recordemos que en la Argentina las salas que tuvieron el primitivo sistema Cinerama instalado fueron el cine Gaumont y el Casino, Y con un solo proyector el cine Ideal.

Fuente: Cine sonoro americano y los Oscars de Hollywood, por Homero Alsina Thevenet, Corregidor 1975.